Entropic Empire Die Werke des niederländischen Künstlers Rob Voerman (1966 Deventer, NL – Arnhem, NL) sind spektakulär düstere und ästhetische Architekturen. Als Schauplatz wählt er oftmals berühmte Beispiele modernistischer Architektur. Sie wirken inmitten des Verfalls wie Reminiszenzen an vergangene soziale Versprechen, die nie eingelöst wurden.

In deutscher Sprache Jesus Christus ist nicht der Einzige, der an jenem Heiligen Abend in einem Stall auf die Welt kam: Auch Brian Cohen widerfährt dieses Schicksal! Das satirische Oratorium „Not the Messiah“, adaptiert nach dem Film „Das Leben des Brian“ von Monty Python aus dem Jahr 1979, erzählt, wie „ein ganz normaler Mann“ durch eine Reihe von Missverständnissen und Zufällen fälschlicherweise für den Messias gehalten wird. Brian kommt von einer ungünstigen und skurrilen Situation in die nächste, wird von einer Sekte als Erlöser verehrt und unfreiwillig zu einer religiösen Figur. Das Oratorium thematisiert auf humorvolle Weise die menschliche Natur, die Suche nach Identität und die Tendenz, unhinterfragt auf Autoritäten zu hören. Musikalisch treffen eingängige Melodien auf klassische Orgel- und Chormusik, textlich stehen Ironie und schwarzer Humor im Zentrum. Der Kontrast zwischen religiös-feierlichen und absurd-komischen Klängen ist es, der das Werk ausmacht. „Monty Python’s Flying Circus“ ist bis heute humoristisch unübertroffen. Im Jahr 1979 stellte Monty Python mit „Das Leben des Brian“ die Bibel auf den Kopf. 2007 haben die Macher von „Spamalot“, Eric Idle und John Du Prez, nach dem Filmstoff ein komisches Oratorium geschaffen. Opernsolist*innen, Chor und Symphonieorchester erzählen mit musikalischen Mitteln die Geschichte von Brian, der nicht der Messias ist – da darf der Song „Always Look on the Bright Side of Life“ natürlich nicht fehlen. Seit der Bühnenadaption hat es sich eingebürgert, „Not the Messiah“ halb-szenisch aufzuführen: Wie ein klassisches Oratorium ist der Mittelpunkt nicht das Bühnengeschehen, sondern das Orchester und die Solist*innen. Szenisch eingerichtet wird dies von Carl Philip von Maldeghem, der die besondere Aufgabe übernimmt, nicht nur Sänger*innen, sondern auch das Mozarteumorchester und den musikalischen Leiter Tobias Meichsner auf der Bühne des Landestheaters zu platzieren. Die Werkeinführung findet jeweils 45 und 30 Minuten vor Beginn der Vorstellung statt.

Der New Yorker Nachtclub Studio 54 war in den späten Siebziger- und frühen Achtzigerjahren bekannt für seine wilden Partys. Die dort herrschende extravagante Atmosphäre voll von vibrierender Energie und hedonistischem Geist machte den Ort zum Epizentrum des Nachtlebens der Millionenmetropole New York City. Die oft prominenten Besucher*innen genossen die Musik und ließen sich treiben in diesem Raum, in dem Individualität und Selbstdarstellung zelebriert wurden. Die Tanzfläche im Studio 54 war ein Ort des ungehemmten Ausdrucks, an dem Mode, Musik und Persönlichkeiten aufeinander trafen. Die Feiernden, oft in gewagten, glamourösen Outfits, wiegten sich in der farbenfrohen Umgebung zu pulsierenden Beats, und der schillernde Schein der Discokugeln verstärkte das Gefühl der Ekstase noch. Durch seine integrative Atmosphäre ermöglichte der Club Menschen aus allen Gesellschaftsschichten, zusammenzukommen und an der kulturellen Revolution dieser Zeit teilzunehmen. Die unbeschwerte Ausgelassenheit, in der die Grenzen der Kunst, der Musik und der sozialen Normen bis zur Neige ausgelotet wurden, hatte aber auch ihre Schattenseiten. Ganz nach dem Motto „Sex, Drugs & Rock’n’Roll“ gab man sich im „modernen Gomorrha“ exzessiver Freizügigkeit und rauschhaften Ausschweifungen hin. Das Studio 54 blieb auch nach seiner Schließung 1986 legendär. Zwei in ihren Handschriften sehr unterschiedliche Choreographen tauchen auf der Studiobühne Aigen ein in die Zeit der Popkultur, in der Tanzen und Mode ebenso zum Zeitgeist gehörten wie die Musik selbst, und ergründen für sich das Phänomen Disco. Reginaldo Oliveira ist dem Salzburger Publikum als Choreograph seit Jahren gut bekannt. Vor allem seine Handlungsballette wie „Othello“, „Anna Karenina“ und „Romeo und Julia“ sorgten für viel Zustimmung. Zuletzt war er mit „Lili, the Danish Girl“, „Dornröschen“ und „Fridas Welt“ erfolgreich. Der junge neapolitanische Nachwuchschoreograph Vincenzo Veneruso hat zuletzt am Teatro Massimo in Palermo auf sich aufmerksam gemacht. Für die Internationale Ballettgala in Salzburg schuf er bereits Choreographien. Nun erarbeitet er zum ersten Mal ein Stück für das Ballett des Landestheaters. Die Werkeinführung findet 30 Minuten vor Beginn jeder Vorstellung statt. Besetzung: Inszenierung und Choreographie Reginaldo Oliveira, Vincenzo Veneruso Bühne Matthias Kronfuss Kostüme Cécile Flamand, Reginaldo Oliveira

Uraufführung empfohlen ab 12 Jahren Wer war Marie Antoinette? Berüchtigte Femme Fatale oder tragische Märtyrerkönigin? Von den einen demagogisch dämonisiert, von den anderen zur Heiligen verklärt, scheint ihr Bild unter zahllosen Projektionsflächen zu verschwinden. War sie am Ende vielleicht einfach ein ganz gewöhnlicher, durchschnittlicher Charakter? „Es gilt hinter dem Historischen die Person wieder hervorzuarbeiten“, notierte Stefan Zweig in sein Tagebuch, als er seine Biografie über die mythenumwobene Habsburger Prinzessin verfasste. Zweig zeichnet ihren Weg von der Hochzeit mit dem französischen Thronfolger und späteren König Ludwig XVI. bis zu ihrer Hinrichtung durch das Revolutionstribunal – immer auf der Suche nach ihrer wahren Persönlichkeit jenseits von Glanz,Klischee und Anklage. Mit Marie Antoinette bringen Nils Strunk und Lukas Schrenk nach der Schachnovelle am Wiener Burgtheater erneut ein Werk von Stefan Zweig als musikalisches Schauspiel auf die Bühne und nach Salzburg. REGIE Lukas Schrenk und Nils Strunk TEXTBEARBEITUNG Lukas Schrenk, Nils Strunk und Klara Wördemann MUSIK Nils Strunk BÜHNE Max Lindner KOSTÜME Lara Regula KOSTÜM-MITARBEIT Anne Buffetrille DRAMATURGIE Julia Thym

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg bietet ein einzigartiges Erlebnis, das Musikliebhaber und Gourmets gleichermaßen begeistert. In historischer Atmosphäre genießen die Gäste ein köstliches Abendessen, begleitet von den unvergesslichen Klängen von Wolfgang Amadeus Mozart. Professionelle Musiker und Sänger in authentischen Kostümen präsentieren ausgewählte Werke des berühmten Komponisten, darunter Auszüge aus seinen Opern und Instrumentalstücken.

… selten habe ich so viele Leute so herzlich lachen gehört! (Veranstalter) … es war im positiven Sinn der Wahnsinn, mein Mann und ich hatten 2 fröhliche Stunden und heute einen Muskelkater vom Lachen. (Zuschauerin) Pubertät ist schlimm. Klar. Aber nicht so schlimm wie: Alterspubertät! Alterspubertiere lieben die Ruhe, das Wandern, das Wort »früher« und bestuhlte Pop-Konzerte. Männliche Alterspubertiere zwängen den runden Ü40-Körper in Neoprenanzüge und beginnen einen Kitesurf-Lehrgang. Oder streben eine Marathonkarriere an. Weibliche Alterspubertierende flüchten sich gern in die Spiritualität und wollen »sich neu entdecken«. Sie laufen in Yogakurse und über den Jakobsweg, sie wollen ihr Sexleben aufpeppen oder Marmelade einkochen. Klingt erschreckend? Ist es auch. Aber vor allem sehr, sehr lustig ... Ein kleiner Trost: Alterspubertierende sind die größte Bevölkerungsgruppe in Europa. Du bist nicht allein. Texte: Maxim Leo & Jochen Gutsch Fassung, Beiträge: Edi Jäger Publikums- + Pressestimmen: … die Premiere von Phase, Hase war großartig und Edi Jäger einfach umwerfend. Ein absoluter Brüller. Dem preisgekrönten Bestsellerduo Maxim Leo & Jochen Gutsch ist mit Es ist nur eine Phase, Hase aus meiner Sicht ein kleines Meisterwerk gelungen. Es ist nur eine Phase, Hase ist für mich eines der lustigsten Programme des Jahres. Da ist er wieder! Der Jäger des verloren geglaubten Humors, der Prinz der Stand-Up-Comedy … es kam wieder Bewegung in die Zwerchfelle. Es durfte gelacht werden … Zwei Stunden prügelt er mit einem Stakkato an Pointen auf die mehrheitlich im Publikum vorhandenen Ü40er ein. Es gab kein Entrinnen. … starrten auf einen furiosen Jäger. Was für ein Spaß. Die Gäste sorgten für zwei ausverkaufte Vorstellungen und erlebten einen völlig entfesselten Edi Jäger in Höchstform. In „Es ist nur eine Phase, Hase“ gibt es keine ruhige Minute. … Jäger feuert eine humorvolle Situation nach der anderen ins Auditorium, die Pointen stapeln sich zeitweise übereinander, weil nacheinander kein Platz mehr ist. Der völlig überforderte Veteran, der im Pyjama versucht, einer zu lauten Party Herr zu werden. Der Mid Ager, der im türkischen Hamam zum Spielball des knetenden Bademeisters wird. Der wellnessgenötigte Ehemann, der im Thai-Massage-Kabuff in Erwartung der jungen und zierlichen Pom stattdessen Opfer des elefantösen und gewaltbereiten Tom wird. Einmal mehr ist es Jägers Triumvirat der Talente Mimik – Gestik – Sprache, die die Geschichten und ach so fiktiven Erlebnisse des Torschlussmannes dermaßen bildhaft beschreiben, dass man Acht geben musste, um nicht vor Lachen am Sitz zu kollabieren, wenngleich im Publikum da und dort schon erste Anzeichen von Hyperventilation hörbar wurden. Ein großartiger Edi Jäger … einen wortwörtlich atemberaubenden Abend und man kann mit Fug und Recht behaupten, dass sich davor noch kein Publikum kollektiv so in die Hose gemacht hat. Quod erat demonstrandum! (KUNSTBOX.AT Nachlese, Markus Walch, 28.02.2022 ) Lieber Edi Jäger! … ich möchte mich über alle Maßen bei Ihnen für diesen grenzgenial lustigen, sooooo sehr der Wahrheit entsprechenden und wahnsinnig unbeschwerten Abend bedanken. Wir 5 haben uns in jedem Satz gefunden. Wir haben ununterbrochen gelacht ... und das tat enorm gut. Nochmals vielen lieben Dank dafür!!!! .... (Zuschauerin) Es war ein grandios lustiger Abend. Es gab unglaublich viel positives Feedback. (Veranstalter Chiemsee)

Auf einem Klavier aus der Entstehungszeit des Schlosses Hellbrunn wird das große Erbe Österreichs und Europas wieder lebendig. Werke von W.A. Mozart u.a. verführen Sie in zauberhafter Umgebung in die Hochzeit des 17. und 18. Jahrhunderts. Dauer des Konzerts: 45 min Performed on a piano dating back to the time Hellbrunn Palace was built, the great heritage of Austria and Europe comes alive again. Works by W.A. Mozart and others will transport you to the heyday of the 17th and 18th centuries in an enchanting setting. Duration of the concert: 45 min

Chris Norman, die legendäre Stimme von Smokie, kehrt mit seiner Band nach Österreich zurück. Berühmt für seine zeitlosen Hits, seine unverwechselbare Stimme und charismatischen Auftritte, bietet Norman eine musikalische Reise durch klassischen Rock, Balladen und Fan-Favoriten, die Generationen geprägt haben. Dieses Konzert verspricht eine kraftvolle Mischung aus Nostalgie und Live-Energie, alte Hits und zeitlose Melodien in einer spektakulären Show vereint. Die Fans können intime Geschichten, mitreißende Gitarrenriffs und Chris Normans unverwechselbare Stimme in perfekter Harmonie mit seiner talentierten Band erwarten. Ein außergewöhnlicher Abend voller Musik, Leidenschaft und unvergesslicher Momente, der das Publikum mitsingen lässt.

Die Zauberflöte Wolfgang Amadeus Mozart (in deutscher Sprache mit Übertiteln in verschiedenen Sprachen) Dauer 2 Stunden/1 Stunde (Kurzfassung) Musikalische Aufnahme Deutsche Grammophon RIAS-Symphonie-Orchester Dirigent Ferenc Fricsay Sänger Josef Greindl, Rita Streich, Maria Stader, Ernst Häfliger, Dietrich Fischer-Dieskau u. a./a. o. Regie Géza Rech Neueinstudierung 2015: Thomas Reichert Dekor Günther Schneider-Siemssen Kostüme Friedl Aicher

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg vereint klassische Musik und kulinarischen Genuss in einem einzigartigen Erlebnis. In historischer Atmosphäre genießen die Gäste ein exquisites Dinner, während sie den Klängen von Wolfgang Amadeus Mozart lauschen. Professionelle Musiker und Sänger präsentieren ausgewählte Werke des Komponisten und entführen das Publikum in die Welt des 18. Jahrhunderts.

Ein junges Liebespaar, gehüllt in weiße Laken, schmettert Friedenssongs auf der Gitarre und lädt das Publikum in ihr Schlafzimmer ein. Die beiden erinnern ein wenig an John Lennon und Yoko Ono, die zu Zeiten des Vietnamkrieges ein Bed-In for Peace als Zeichen des gewaltfreien Protests in Montreal veranstalteten. Alle, die mit ihnen über Liebe und Frieden verhandeln wollten, durften sie dort besuchen. Doch statt in einem Hotelzimmer der 1960er-Jahre befinden wir uns an einem anderen Schauplatz und in einer anderen Zeit: in Verona, nach der ersten heimlichen Liebesnacht von Romeo und Julia. R + J erzählen von Julias Bett aus, was bisher geschah: Auf einer Party verlieben sich Romeo und Julia unsterblich ineinander, ohne zu wissen, dass sie verfeindeten Familien angehören. Schließlich eskaliert der politische Zwist zwischen den Capulets und Montagues, Romeo gerät unfreiwillig in ein Straßengefecht und tötet Tybalt, Julias Cousin. In einem verzweifelten Versuch, den Krieg zu beenden und Gnade für Romeo zu erbitten, starten die Liebenden ihren eigenen Bed-In-Protest. Der ambitionierte Versuch, eine neue gemeinsame Geschichte zu erzählen und Geschehenes zu verwinden, stellt ihre Liebe auf die Probe. Bleiben oder gemeinsam weggehen? Was ist, wenn sie ihre Liebe nicht leben dürfen? Können sie die Geschichte von Romeo und Julia ändern? Dürfen sie zusammenbleiben? Mögliche Handlungsverläufe werden getauscht, ebenso die Rollen: Romeo spielt Julia und umgekehrt. Die beiden Spieler*innen nehmen das junge und jung gebliebene Publikum mit viel Lebensfreude mit in ihr Bett und lassen es teilhaben. Haben sie überzeugt? Gibt es ein Entrinnen aus der festgeschriebenen Geschichte? Regie: Daniela Scheuren Ausstattung: Helena May Heber Mit: Helena May Heber, Tobias Kerschbaumer Text: Helena May Heber Spieldauer ca. 85 min

In einem baufälligen Finanzamt geht’s drunter und drüber – nicht nur wegen unleserlicher oder zusammengetackerter Belege und falsch gesetzter Kreuzchen, sondern weil interne Konflikte hochkochen. Nele, frisch befördert nach einer Fortbildung, will gleich alles reformieren – am liebsten das ganze Amt als Aktiengesellschaft an die Börse bringen. Bea, Urgestein mit Steuerwissen aus fast dreißig Jahren, sieht dem Treiben mit neidvollem Blick und wachsender Skepsis zu – und stößt dabei auf einen mysteriösen Fall von CumEx-Papieren, bei dem Rückfragen mit anwaltlichen Drohbriefen beantwortet werden. Statt Anerkennung für ihre Entdeckung wird Bea versetzt. Währenddessen winkt Kollegin Elfi alle Fälle durch, die sie nicht versteht. Reiner freut sich hingegen über gemeinsame Veranlagungen mit ihr. Felicia Zeller entlarvt mit feinem Witz und pointierten Dialogen das vermeintlich langweilige Innenleben einer Behörde und zeigt, dass auch Zahlenmenschen zwischen Pflichtgefühl, Ehrgeiz und Sehnsucht nach Gerechtigkeit schwanken. REGIE: Verena Holztrattner BÜHNE & KOSTÜME: Selina Schweiger SOUNDDESIGN: Valentin Danler DRAMATURGIE: Alexander Kratzer empfohlen ab 14 Jahren

In dieser Spielzeit wagen wir uns auf neues Terrain: In Kooperation mit der investigativen Redaktion von Dossier erwartet Sie eine außergewöhnliche Veranstaltungsreihe, die sich brennenden Fragen unserer Zeit widmet. An vier Abenden analysieren wir Enthüllungen, hinterfragen Narrative und ergründen neue Räume. Journalismus trifft auf Bühne - Theater auf Recherche. Als Publikum sind Sie zum Mitdenken, Nachfragen und Mitdiskutieren eingeladen. Freuen Sie sich auf unerwartete Enthüllungen der Rechercheplattform Dossier, spannende Gäst*innen, humorvolle Einlagen, Live-Musik und eine außergewöhnliche Atmosphäre. Die Schauspielerin Nikola Jaritz-Rudle und die Investigativjounalistin Julia Herrnböck von Dossier laden alle Interessierten zu einem Abend über Fakten und Propaganda ein. Gespräch trifft Performance und das kritische Denken darf im Theater aufblühen. Gemeinsam werden das Wahre, Schöne und Gute erforscht, aber auch Infodemie, Desinformation und deepfake im Netz enttarnt. Ein diskursiver, immersiver und smart unterhaltender Abend mit Live Regie von Sarah Henker.

Kleider tauschen statt kaufen! T-Shirts, Schuhe, Kleider oder Hosen? Beim Kleidertausch im MARK ist viel dabei, das auf neue Besitzer*innen wartet. Wir bitten euch, nur intakte Kleidung zu bringen, die noch keine/wenig Abnutzungserscheinungen aufweisen. Zur Entsorgung von kaputter Kleidung verweisen wir gerne auf ökologisch-nachhaltige Container. In Ruhe stöbern und mitnehmen könnt ihr am ersten Donnerstag im Monat, von 17:00 – 23:00 Uhr. Beim gemütlichen Erkunden gibt es auch eine Stärkung. Zeitgleich zum Kleidertausch findet am Donnerstag die Community Kitchen statt. Kontakt: office@marksalzburg.at

Dauer: 1 Stunde 45 Minuten (Pause nach dem ersten Akt) Musik: Richard Rodgers (1902−1979) Libretto: Oscar Hammerstein II (1895−1960) Buch: Howard Lindsay und Russell Crouse nach „The Story of the Trapp Family Singers” von Maria von Trapp Uraufführung: New York, 16.11.1959 basierend auf dem Broadway Musical In englischer Sprache mit Erläuterungen auf Deutsch, Italienisch, Französisch, Spanisch, Japanisch Inhalt Das Broadway-Musical und die weltberühmte Verfilmung mit Julie Andrews stehen Pate für die schwungvolle musikalische Geschichte über das Schicksal des Baron von Trapp und seinen sieben Kindern. Besetzung Fassung für das Salzburger Marionettentheater und Regie: Richard Hamburger Bühnenbild und Licht: Chris Barreca Puppen- und Kostümentwürfe: Anita Yavich Sound Design: David Budries Musikalische Leitung: David Rosenmeyer Dramaturgie: Melissa Cooper Technik: Alexander Proschek Marionettenspieler:innen: Philippe Brunner, Anne-Lise Droin, Pierre Droin, Vladimir Fediakov, Edouard Funck, Heide Hölzl, Maximilian Kiener, Marion Mayer, Emanuel Paulus, Philipp Schmidt, Eva Wiener, Ursula Winzer Sänger:innen, Sprecher:innen: Kelsey Fowler, Joy Franz, Jenn Gambatese, Kylie Goldstein, Matthew Gumley, Jonathan Groff, Betsy Hogg, Jeanne Lehman, Michael McCarty, Crista Moore, Christiane Noll, Martin Vidnovic, Jennifer Hope Wills, Bill Youmans Weitere Informationen Istropolis Philharmonisches Orchester Dirigent: Larry Blank Orchestrierung: Robert Russell Bennett Chorarrangements: Trude Rittmann Besonderer Dank an: Ted Chapin, Timothy Crouse, Bert Fink, Bruce Pomahac Weitere Informationen über „The Sound of Music“ und Musicals von Rodgers & Hammerstein unter www.rnh.com Aufführung in Arrangement mit Josef Weinberger Ltd., London für The Rodgers and Hammerstein Organization, New York Lizenzgeber für Österreich: Josef Weinberger Wien GmbH Premiere: Dallas, 2.11.2007 Sämtliche Marionetten sowie die gesamte Ausstattung wurden in den Werkstätten des Salzburger Marionettentheaters hergestellt.

03.06.2026 – 19:30 Uhr ODDLY SEASONED arbeitet mit den kompositorischen Möglichkeiten zwischen Körper, Stimme und Raum. Im Mittelpunkt steht dabei die Frage, welche Ausdrucksmöglichkeiten der Körper durch den Einsatz der Stimme gewinnt, deren Klangfarbe von abstrakten Lauten bis hin zu erkennbaren Ausdrucksformen wie Lachen, Weinen oder Lust reicht. Dank einer neutralen und zurückhaltenden Performativität kommen die Charakterunterschiede zwischen den beiden Darstellern deutlich zum Vorschein. Sie nutzen diese Neutralität als fruchtbaren Boden, auf dem verschiedene emotionale Interpretationen auf der Bühne zum Vorschein kommen können. In einem leeren Raum bewegen sie sich zwischen erkennbaren Bildern, die abstrahiert, dekonstruiert und transformiert werden. KEPTISK ist ein neu gegründetes Duo für Tanz und Physical Theatre mit Sitz in Salzburg. Es besteht aus Jacob Gregersen und Luca Bologna, zwei professionellen Tänzern, die international in Europa tätig sind. Mit einer minimalistischen Ästhetik liegt ihr Fokus auf Rhythmik und den kompositorischen Möglichkeiten des sich bewegenden Körpers im Raum. Dies reicht von komischen Timings bis hin zu Bewegungsmustern von zunehmender Komplexität Performers: Luca Bologna and Jacob Gregersen Choreographers: Luca Bologna and Jacob Gregersen Dramaturgic supervision: Manuel Rhonda Costumes: Nis Brender Light design: Jacob Gregersen and Luca Bologna Co-produced by Kinetic Orchestra Supported by Stadt and Land Salzburg

Auf Playin’ Dumb, das von den Lemon Twigs in enger Zusammenarbeit produziert und arrangiert wurde, verhandelt das New Yorker Trio Tchotchke das Verhältnis zwischen Nähe und Distanz, Nostalgie und Gegenwart neu aus. Dabei fühlt sich der Bubblegum Pop/Art Rock Sound der Band an als hätte man ein altes Geheimnis aus einer verstaubten Plattenkiste gezogen. Tchotchke Es gibt Platten, bei denen man beim ersten Hören spürt, dass sie weit mehr sind als bloße Ansammlungen von Songs - Playin’ Dumb von Tchotchke ist so eine. Es ist ein Album, das aus einer affinen Beziehung zur Musikgeschichte geboren wurde, ohne in nostalgische Imitation abzugleiten. Es atmet den Geist der 60er‑Jahre, ja - aber es ist weder Musealisierung noch postmodernes Zitatenkabinett; es ist vielmehr ein empfindsamer, durchaus ironischer Dialog mit jenen Klangwelten, der zeigt, wie viel Kraft im scheinbar Einfachen liegen kann. Tchotchke - das ist ein Trio aus New York, das sich mit einer Leichtigkeit in den Harmonien artikuliert, die man sonst nur bei Ensembles findet, die jahrzehntelange Spielfreundschaft miteinander teilen. Hier singen drei Stimmen, die gleichzeitig verschmelzen und differenziert bleiben, als erzählten sie unterschiedliche Kapitel derselben Geschichte. Die Instrumentierung ist aufmerksam, zurückhaltend dort, wo es Tiefe braucht, aufbrausend dort, wo das Moment verlangt, dass der Song atmet und vorwärts strebt. Playin’ Dumb beginnt mit einer Klarheit, die ebenso unschuldig scheint wie kalkuliert. Schon der Opener lässt erahnen, dass hier keine trivialen Pop‑Harmonien aneinandergereiht werden, sondern ein musikalischer Kosmos, in dem Ironie, Melancholie und Freude aufeinanderprallen. Es sind Songs, die auf den ersten Blick simpel erscheinen - kurze, klare Sätze, fast naive Melodien - die bei näherem Hinhören jedoch komplexe Gefühlslagen freilegen: Sehnsucht, Skepsis, Selbstbetrachtung. Es ist kein Zufall, dass Tchotchke oft in einem Atemzug mit Begriffen wie „Girl‑Group“ oder „Retro‑Pop“ genannt werden - doch diese Etiketten verfehlen, worum es hier wirklich geht. Die Platte ist eine Reflexion über Rollen, über Erwartungshaltungen - musikalisch wie lyrisch. Der Titel Playin’ Dumb ist keine bloße Phrase; er ist eine Verbeugung vor der Rolle, die man oft zugedacht bekommt - und zugleich eine Haltung der Subversion: das Unterschätzen bewusst auszuspielen, um dann mit feiner Klinge zu zuspitzen. Es ist, als würden die Stimmen sagen: Ja, wir klingen vertraut - und gleich darauf: Aber wir sind hier, um mit diesem Vertrauten zu brechen. Live übertragen Tchotchke diese feine Balance zwischen Vertrautheit und Überraschung in eine körperliche Präsenz, die unaufdringlich, aber unvergesslich ist. Ihre Konzerte sind keine Exhibitionen von Virtuosität um ihrer selbst willen, sondern vielmehr Räume, in denen Sekunden der Stille, des Innehaltens, des genauen Zuhörens genauso Gewicht haben wie die Ausbrüche lauter Freude. Es ist bemerkenswert, wie die Band diesen schmalen Grat zwischen Leichtigkeit und Tiefe hält. Playin’ Dumb ist ein Text über Ironie, ein Spiegel über Zuschreibungen und zugleich ein Gefäß für etwas zutiefst Menschliches: die Sehnsucht nach Ausdruck, nach Gemeinschaft, nach Wahrheit in einem Meer von Wiederholungen. Wer Tchotchke live erlebt, begegnet einer Musik, die ernst ist, ohne sich selbst zu ernst zu nehmen; die Gewicht hat, ohne zu schwer zu werden; die berührt, ohne Effekte zu suchen. Dieses Trio zeigt, dass Pop - mit all seinen Konnotationen von Vergänglichkeit - zu einem ernstzunehmenden Ort der Reflexion werden kann. Nicht trotz seiner Melodien, sondern gerade wegen ihnen.

HEARTLANDS HEARTLANDS ist der erste Schritt einer künstlerischen Zusammenarbeit zwischen der Tänzerin Nayana Keshava Bhat und dem Theaterregisseur Sankar Venkateswaran, die sich mit dem Wesen der menschlichen Beziehung zum Land auseinandersetzt – einer Beziehung, die durch Körper, Geografie, Geologie, Klima, alltägliche Interaktion und folglich auch durch Kultur geprägt ist. HEARTLANDS, ein Ort von Bedeutung, ist ein physischer Ort, der sich in unser sensorisches Gedächtnis eingebettet hat. Er bezieht sich auf den Ort, der im Zentrum des eigenen Gefühlslebens verbleibt, ganz gleich, wie weit man sich physisch davon entfernt. Durch Rituale aus Bewegung und Gespräch wird das Theater zu einem Raum des kollektiven Erinnerns und der (Wieder-)Verbindung mit allen inneren und äußeren Herzensorten. Sprache: Englisch, Deutsch, nonverbal Dauer: ca. 60 Minuten Konzept, Performance & Begleitung: Nayana Keshava Bhat, Sankar Venkateswaran Musik: Chris Dahlgren Kostüme: Sigrid Wurzinger Produktionsleitung: Carolin Gstädtner Grafikdesign: Annette Rollny / Fokus Visuelle Kommunikation Eine Produktion von INFLUX – Netzwerk für Tanz, Theater & Performance & Sahyande Theatre In Zusammenarbeit mit dem Toihaus Theater Technische Unterstützung: SZENE Salzburg Gefördert von: Stadt Salzburg, Land Salzburg

Pjotr Iljitsch Tschaikowski In russischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln Ein skeptischer, gelangweilter und unentschlossener junger Mann und eine idealistische, empfindsame und leidenschaftliche junge Frau, die immer zur falschen Zeit am falschen Ort aufeinandertreffen – davon erzählt Pjotr Iljitsch Tschaikowskis Oper „Eugen Onegin“. Die junge Tatjana ist in Eugen verliebt, der jedoch die Liebe als unerheblich empfindet und Tatjana abweist. Auf einem Ball beleidigt er auch noch ihren Bruder Lenski, der ihn daraufhin zu einem Duell herausfordert, welches für Lenski tödlich endet. Jahre später kehrt Onegin, inzwischen vom Leben enttäuscht, in die ländliche Gegend zurück, wo er auf die mittlerweile verheiratete Tatjana trifft, die in ihrer Rolle als Dame der Gesellschaft erblüht ist. Onegin erkennt nun seine Liebe zu ihr, doch es ist zu spät. Tatjana weist Onegin entschieden zurück und bleibt ihrem Mann treu. Tief emotional und reich an melodischer Schönheit verbindet Tschaikowski in dieser Oper russische Volksmelodien mit klassischen europäischen Traditionen und bringt so eine einzigartige musikalische Sprache hervor. Die Kontraste zwischen den inneren Konflikten der Figuren und den äußeren gesellschaftlichen Erwartungen machen „Eugen Onegin“ zu einem tiefgründigen Werk, das sowohl persönliche als auch universelle Themen wie Liebe, Reue und menschliche Fehlbarkeit behandelt. Pjotr Iljitsch Tschaikowski (1840–1893) begann mit der Arbeit an „Eugen Onegin“ (basierend auf dem gleichnamigen Versroman von Alexander Puschkin) im Jahr 1877. Nach den Erfolgen seiner Ballette „Der Nussknacker“ und „Schwanensee“ wollte er sich nun auch als Opernkomponist profilieren und stand unter dem Druck, den Erwartungen gerecht zu werden. Die erste Aufführung vor großem Publikum fand am 23. Jänner 1881 im Bolschoi-Theater statt und wurde zu einem großen Erfolg. Regisseurin Alexandra Liedtke widmet sich mit ihrem eingespielten Team, dem Bühnenbildner Philip Rubner und der Kostümbildnerin Su Bühler, diesem großen Werk der russischen Opernwelt. Ihre Erfahrungen aus dem In- und Ausland bündeln sie bereits zum wiederholten Mal am Salzburger Landestheater. Die Inszenierung erforscht die komplexen psychologischen Vorgänge in Tschaikowskis Werk.

POP, BLUES & POINTEN KABARETT UND SONGS MIT EDI JÄGER (Kabarett) & MAGDALENA KÖCHL (Gesang), PHILIPP KOPMAJER (Schlagzeug) ROLI WESP (Piano) Kabarett & Komik • Soul & Satire • Lachen & Lieder Kabarettglanzstücke und Humorjuwelen, dazu wunderbare Live-Musik: Pop, Soul, Blues. Songs von Amy Winehouse bis Ernst Molden. Stimmen Publikum: • Das Publikum reagierte begeistert … man fühlt sich herzlich umarmt. • erstklassige Musiker, exzellente Sängerin, tolle Songs, es war bombastisch… bei den Kabarett-Nummern ist uns vor Lachen die Luft weg geblieben… zurecht standing ovations. • Ein außergewöhnlicher Abend mit Magdalena Köchl, die mit Ihrer Stimme den Saal verzaubert hat, tollen Musikern und Edi Jäger, der ein verbales Inferno von sich gab. Was für ein toller Abend! • … wir waren vom Programm Pop, Blues & Pointen allesamt ausgesprochen begeistert!!! Magdalena Köchls Stimme und ihre ganze Präsenz und Performance hat uns schwer beeindruckt, bin noch immer ganz beseelt … also ein ganz besonderer Abend. Edi Jäger 120% in seinem Element und auch die beiden Musiker grandios! • Ein super Abend, das Team von Pop, Blues & Pointen ist schlicht genial! NACHLESE • Kunstbox: In "Pop, Blues & Pointen" stehen neben Jäger seine Tochter Magdalena Köchl sowie die Musiker Philipp Kopmajer (Schlagzeug) und Roli Wesp (Piano) im Fokus… ein fließendes Wechselspiel zwischen Musik und Kabarett. Magdalena Köchl verlieh mit ihrem sinnlichen, tiefen Alt manchem Stück einen regelrechten Gänsehautmoment. Ihre Interpretation des Klassikers "House of the Rising Sun" wurde zu einem der atmosphärischen Höhepunkte des Abends. Getragen vom bluesigen Piano und dem dezent groovenden Schlagzeug entwickelte sich der Song langsam zu einer intensiven Klanglandschaft. Köchls Stimme bewegte sich souverän zwischen rauer Bluesfärbung und klaren, kraftvollen Höhen - ein Vortrag, der spürbar unter die Haut ging. Auch bei "Jolene" zeigte sie ihre stilistische Bandbreite … eine leicht bluesige Interpretation, bei der Roli Wesp am Flügel mit eleganten Läufen glänzte und Philipp Kopmajer mit zurückhaltendem, aber präzisem Rhythmus den Song erdete. Köchl verlieh dem Stück eine Mischung aus Leidenschaft und erzählerischer Intensität, die das Publikum sichtbar mitriss. Kopmajer wiederum bewies ein ausgezeichnetes Timing: Sein Schlagzeugspiel war nie aufdringlich, aber immer präsent und musikalisch klug gesetzt, die vokale Überstimme zu Magdalena Köchls Alt unvergesslich. Dazwischen agierte ein … in seiner Redegewandtheit entfesselter Jäger. In manchen seiner Einspielungen prasselte ein Ironie-gesättigtes Wortstakkato auf das Publikum ein, sodass man das Gefühl hatte, aufgrund der Geschwindigkeit über drei Pointen gleichzeitig lachen zu müssen … … mit seinem Volltreffer - der sarkastischen Wiedergabe der Festrede eines typischen Dorfpolitikers - vereinte er das gesamte Publikum in einem kollektiven, minutenlangen Lachanfall. …Das Publikum reagierte begeistert … man fühlt sich herzlich umarmt. (mw) Magdalena Köchl, Sängerin, Schauspielerin, miss standing ovations • Phil Kopmajer, Ausnahme-Schlagzeuger und Multiinstrumentalist • Roli Wesp, begnadeter Jazz-Pianist • Edi Jäger, Schauspieler auf der Bühne und vor der Kamera •

Crematory Founded in 1991 in Mannheim, Germany, Crematory quickly became one of Europe’s pioneering forces in Gothic and 'Darkmetal. Their early albums such as Transmigration (1993) and …Just Dreaming (1994) established a unique blend of heavy riffs, melodic keyboards, and dark atmospheres. With Illusions (1995) - the record that featured their future classic "Tears of Time" - and the follow-up Awake (1997), they built a strong fan base worldwide. Over the decades, Crematory evolved: In the 2000s and 2010s they incorporated more electronic and dark elements while still keeping their heavy Goth-metal roots. Albums like Act Seven (1998), Believe (2000), Revolution (2004), Pray (2008), Antiserum (2014) or Monument (2016) show this stylistic progression. With Inglorious Darkness (2022), the band even re-recorded their signature "Tears of Time" under the German title "Tränen der Zeit" - a nod to fans and a celebration of their long career. Most significantly, in May 2025 Crematory released their latest album, Destination, which debuted at #8 on the official German album Charts - their highest chart position ever. This renewed chart success underlines their enduring relevance and continuing appeal, even more than three decades after their formation.

Kulturleinwand goes Klang Parade Die Kulturleinwand ist dieses Jahr Teil der Klang Parade! Dafür versammeln wir unsere Allstars und bringen sie gemeinsam auf den Kulturleinwand-Truck, um die Straßen mit feinsten Beats zu füllen. Mit dabei sind: Jok3r, Luggi Ziesel, Persito, Christian Klenner, Mikkelson und Barely Human (Baexclusive & Pstork). Von 13:00 bis 20:00 Uhr sorgen sie für durchgehenden Sound, der euch garantiert nicht stillstehen lässt. Natürlich ist alles am Start, was man für einen perfekten Tag braucht: kühle Getränke, ein starkes Soundsystem und Musik, die euch direkt auf die Tanzfläche zieht. 🎟️ Truck Tickets: Normales Ticket: 25€ Supporter Ticket: 50€ – wenn ihr unsere Arbeit als Kulturverein zusätzlich unterstützen möchtet 💛 Zustieg auf den Truck möglich ab Höhe Eni - Münchner Bundesstraße. Kommt vorbei, tanzt mit uns und erlebt die Kulturleinwand in Bewegung! 💥

Erlebe Techno in seiner reinsten Form – direkt auf dem Vibefusion Truck der Klang Parade Salzburg! Am 06.06.26 verwandelt sich die Straße in einen pulsierenden Dancefloor: treibende Beats, hypnotische Psy- und Tribal-Vibes und eine Crowd, die gemeinsam eskaliert. Unsere erfahrenen DJs liefern den Soundtrack für einen unvergesslichen Tag – laut, intensiv und voller Energie.br> Spüre den Bass unter deinen Füßen, tanze durch die Straßen und werde Teil einer Bewegung, die den Spirit des „good old Techno“ neu entfacht. Steig auf. Dreh auf. Vibefusion erleben.

Kulturleinwand goes Klang Parade Die Kulturleinwand ist dieses Jahr Teil der Klang Parade! Dafür versammeln wir unsere Allstars und bringen sie gemeinsam auf den Kulturleinwand-Truck, um die Straßen mit feinsten Beats zu füllen. Mit dabei sind: Jok3r, OSDillinger, Persito, Christian Klenner, Mikkelson und Barely Human (Baexclusive & Pstork). Von 13:00 bis 20:00 Uhr sorgen sie für durchgehenden Sound, der euch garantiert nicht stillstehen lässt. Natürlich ist alles am Start, was man für einen perfekten Tag braucht: kühle Getränke, ein starkes Soundsystem und Musik, die euch direkt auf die Tanzfläche zieht. 🎟️ Truck Tickets: Normales Ticket: 25€ Supporter Ticket: 50€ – wenn ihr unsere Arbeit als Kulturverein zusätzlich unterstützen möchtet 💛 Zustieg auf den Truck möglich ab Höhe Eni - Münchner Bundesstraße. Kommt vorbei, tanzt mit uns und erlebt die Kulturleinwand in Bewegung! 💥

Die KLANGWOLKE - Der Truck auf Klang Parade zum Mitschweben Von sonnigen Tech-House-Grooves zum kraftvollen Finale: DJ Kick & Friends eröffnen mit entspannten Vibes, bevor melodischer Techno mit treibenden Basslines die Stimmung hebt. Anschließend sorgt druckvoller Techno für klare Energie, gefolgt von intensiven Peak-Time-Sounds. Das letzte Drittel wird dunkel und massiv mit Industrial Techno, bevor ein kompromissloses Hard-Techno-Closing die KLANGWOLKE zum Beben bringt.

Erlebe Techno in seiner reinsten Form – direkt auf dem Vibefusion Truck der Klang Parade Salzburg! Am 06.06.26 verwandelt sich die Straße in einen pulsierenden Dancefloor: treibende Beats, hypnotische Psy- und Tribal-Vibes und eine Crowd, die gemeinsam eskaliert. Unsere erfahrenen DJs liefern den Soundtrack für einen unvergesslichen Tag – laut, intensiv und voller Energie. Spüre den Bass unter deinen Füßen, tanze durch die Straßen und werde Teil einer Bewegung, die den Spirit des "good old Techno" neu entfacht. Steig auf. Dreh auf. Vibefusion erleben.

John von Düffel / William Shakespeare Schauspiel mit Sport und Ballett Theater spielen, tanzen und Sport treiben – all das war möglich im Ballhaus. Seit 400 Jahren wird am Mirabellgarten Theater gespielt. Das erste Theatergebäude wurde 1625 gebaut und hieß Ballhaus. Tatsächlich hatte das eindrucksvolle Gebäude mit offenem Dachstuhl, drei Galerien und fast 50 Metern Länge mehrere Funktionen, nämlich als Theater, Tanzpalast und Sporthalle. Anlässlich des 400-jährigen Jubiläums des heutigen Landestheaters schreibt John von Düffel ein Theaterstück, das die Vorgeschichte so aufleben lässt, wie sie gewesen sein könnte. Ein ambitionierter Architekt plant den Neubau als Ort der bürgerlichen Gemeinschaft, doch natürlich entsteht schon früh Streit über die Nutzung. Sport, Tanz und Schauspiel treten tagsüber in Widerstreit, doch nachts wird das Ballhaus ein Ort der Sehnsüchte und Träume. Plötzlich entsteht dort die Handlung von Shakespeares „Sommernachtstraum“ im Wechselspiel der Disziplinen. Liebende suchen und finden einen Ort, an dem Irrungen und Wirrungen passieren, begegnen Elfen, einem Theaterensemble und erleben mit fabelhaft tanzenden Schattenwesen eine verrückte Nacht. Am nächsten Morgen weiß niemand so recht, was real war und was nicht. William Shakespeares Stücke erlebten ihre Blüte in London, als in Salzburg das Ballhaus gebaut wurde, und so kommen theatrale Gründerzeiten in diesem Stück, das den „Sommernachtstraum“ durch die hinzugedichtete Rahmenhandlung ergänzt, kreativ zusammen. Das Schauspielensemble wird um Tänzer*innen der Sparte Ballett erweitert, und Salzburger Sportvereine sind eingeladen, das Ballhaus als Showcase zu nutzen. William Shakespeare (1564–1616) und John von Düffel (*1966) sind die Autoren des Brückenschlags von damals nach heute. Im Landestheater, an der Stelle des ehemaligen Ballhauses, das Fürsterzbischof Paris Lodron 1625 zum „Zwecke des Ballspiels“, zur Belustigung der Hofgesellschaft und um Theater zu erleben, errichten ließ, verbinden sich ihre Texte zu einem Spiel. Carl Philip von Maldeghem und Reginaldo Oliveira feiern mit der Uraufführung des Auftragswerkes von John von Düffel das Spiel – das sportliche wie das theatrale – als spartenübergreifendes Fest von Schauspiel, Ballett und Sport. Dazu erschafft Bühnenbildner Thomas Mika eine bildliche Reminiszenz des Ballhauses von damals.

In einem Solistenkonzert erleben Sie internationale Preisträger, welche Mozarts Klaviersonaten in einem Ambiente aus der Renaissance virtous interpretieren. Dauer des Konzerts: 45 min In these solo concerts, set in a spectacular Renaissance Palace, you can listen to international prize winners interpreting Mozart's virtuoso piano sonatas. Duration of the concert: 45 min

HEARTLANDS HEARTLANDS ist der erste Schritt einer künstlerischen Zusammenarbeit zwischen der Tänzerin Nayana Keshava Bhat und dem Theaterregisseur Sankar Venkateswaran, die sich mit dem Wesen der menschlichen Beziehung zum Land auseinandersetzt – einer Beziehung, die durch Körper, Geografie, Geologie, Klima, alltägliche Interaktion und folglich auch durch Kultur geprägt ist. HEARTLANDS, ein Ort von Bedeutung, ist ein physischer Ort, der sich in unser sensorisches Gedächtnis eingebettet hat. Er bezieht sich auf den Ort, der im Zentrum des eigenen Gefühlslebens verbleibt, ganz gleich, wie weit man sich physisch davon entfernt. Durch Rituale aus Bewegung und Gespräch wird das Theater zu einem Raum des kollektiven Erinnerns und der (Wieder-)Verbindung mit allen inneren und äußeren Herzensorten. Sprache: Englisch, Deutsch, nonverbal Dauer: ca. 60 Minuten Konzept, Performance & Begleitung: Nayana Keshava Bhat, Sankar Venkateswaran Musik: Chris Dahlgren Kostüme: Sigrid Wurzinger Produktionsleitung: Carolin Gstädtner Grafikdesign: Annette Rollny / Fokus Visuelle Kommunikation Eine Produktion von INFLUX – Netzwerk für Tanz, Theater & Performance & Sahyande Theatre In Zusammenarbeit mit dem Toihaus Theater Technische Unterstützung: SZENE Salzburg Gefördert von: Stadt Salzburg, Land Salzburg

Die Zauberflöte Wolfgang Amadeus Mozart (in deutscher Sprache mit Übertiteln in verschiedenen Sprachen) Dauer 2 Stunden/1 Stunde (Kurzfassung) Musikalische Aufnahme Deutsche Grammophon RIAS-Symphonie-Orchester Dirigent Ferenc Fricsay Sänger Josef Greindl, Rita Streich, Maria Stader, Ernst Häfliger, Dietrich Fischer-Dieskau u. a./a. o. Regie Géza Rech Neueinstudierung 2015: Thomas Reichert Dekor Günther Schneider-Siemssen Kostüme Friedl Aicher

Die Klang Parade steht für gelebte Clubkultur, Vielfalt und kollektive Energie im öffentlichen Raum. Tausende Menschen kommen zusammen, um elektronische Musik als Ausdruck von Freiheit, Toleranz und urbaner Kultur zu feiern – laut, sichtbar und verbindend. 2026 setzen wir noch einen drauf: Endlich wieder Afterparty im einzigartigen Innenhof von Schloss Mirabell – eine der außergewöhnlichsten Locations Salzburgs. Von 21:00 bis 02:30 Uhr verwandelt sich der barocke Innenhof in einen pulsierenden Dancefloor unter freiem Himmel. LINE-UP TIMO MAAS Ikone der elektronischen Szene. Weltweit auf den größten Bühnen – kompromissloser Sound zwischen treibendem Techno und hypnotischen Grooves. MAXINNE International gefragter House-Act mit druckvollen Sets und klarer Dancefloor-DNA. SUMMIT RISING STAR - Hardtechno & emotional Schranz der neuen Generation – schnell, roh, über 150 BPM. OPENING ACT – LOCAL POWER Ein besonderes Highlight: Die Gewinner unseres DJ-Contests 2026 eröffnen die Afterparty. Mit Thomas Foster x Dany Vibe x Nicole Christina bringen wir erstmals ein rein Salzburger Projekt auf diese Bühne – Producer, DJane und Sängerin vereint. Sie präsentieren exklusiv den offiziellen Klang Parade Track 2026 "KLANG" – ein starkes Statement für lokale Szene und kreative Eigenständigkeit! FACTS OPEN AIR - Schloss Mirabell Innenhof, Salzburg 06.06.2026 21:00 – 02:30 Uhr Stark limitiertes Kontingent via Ticketphasen

HELL OR HEAVEN – das Leben zwischen den Extremen. Unsere Events feiern die ganze Bandbreite elektronischer Musik: Techno, Hardcore, Gabber, Extremecore. Wir stehen für unkommerzielle Sounds, künstlerische Freiheit und echte Community. Jede*r ist willkommen – Herkunft, Alter, Geschlecht? Egal. NUR ABENDKASSA 12€ 18+

Salzburger Dult — Messezentrum Salzburg GmbH. Termin: Jun 7 um 2:00 AM. Veranstaltungsort: Messezentrum Salzburg GmbH, Salzburg, Austria.

In einer neuen Inszenierung von Marco Dott wird „Die kleine Zauberflöte“ zu einem spannenden und lustigen Abenteuer für junges Publikum. Das Regiekonzept verspricht mit Energie und Liebe zu den Figuren die Geschichte von Anna und ihren neugewonnenen Freundschaften auf die Bühne zu bringen. Ein ideales Stück, um zu entdecken, wie aufregend Oper sein kann.

In Österreich sind 376.000 Kinder und Jugendliche armutsund ausgrenzungsgefährdet – das ist jedes fünfte Kind. Emin gehört dazu. Jeder Einkauf mit seiner Mutter ist eine Qual, denn an der Kassa sind sie den blöden Sprüchen der anderen ausgeliefert. Außerdem wird der Einkaufswagen schon lange nicht mehr voll und gesundes Gemüse oder Obst gibt es auch kaum. So ist es auch heute wieder nur eine Packung Nudeln. Doch Emins Mutter ist eine Löwin: Sie verspricht, ihn zu beschützen, und Emin möchte das Gleiche auch für sie tun. Er beschließt, eine Nacht im Supermarkt zu verbringen und merkt schnell, dass er mit seinem Problem nicht alleine ist. Gemeinsam mit Johanna rechnet er mit der Gesellschaft ab. Er realisiert, wie wichtig es ist, eine echte Freundin zu haben, zuzuhören und zu teilen. Denn gemeinsam kann man alles schaffen. „Das Pommes-Paradies“ bricht das Schweigen, Ausblenden und Kleinreden. Das Stück des preisgekrönten Autors Akın Emanuel Şipal, das im Rahmen der weltweiten Bewegung 10children.org am Jungen Schauspiel Düsseldorf entstand, zeigt den Zusammenhang von schlechter Ernährung mit Kinderarmut anhand einer verrückten Nacht im Supermarkt auf. Besetzung: Inszenierung Sarah Henker

Text von Horst Schroth. Bearbeitung: Edi Jäger. "Einfach großartig ... ich hab seit vielen Jahren nicht mehr so gelacht." (Zuschauerin) "supertolle Vorstellung, alle total begeistert! Das Feedback war Extraklasse!" (Veranstalterin) "zum Brüllen … zwei Stunden beste Unterhaltung" (Zuschauerin) "Edi Jäger, dieser Mann, diese Energie… unglaublich. Wir waren mit unseren Eltern zu Gast, hatten einen unglaublich lustigen Abend und wurden von Pointe zu Pointe getragen. Das Programm zielt eher auf 50+ ab, wir als 30-jährige konnten trotzdem herzhaft mitlachen. Absolute Empfehlung" (Zuschauer) Geschlechter-Verständigung mit Lachtränen-Garantie: Atemberaubend witzig und auf den Punkt gebracht beantwortet Edi Jäger Fragen, die Frauen an ihn gerichtet haben: Warum schlafen viele Männer immer sofort nach dem Orgasmus ein? Warum können Männer Schmutz nicht erkennen? Wo schauen Männer hin, wenn sie eine Frau zum ersten Mal sehen? Warum reden Männer weniger als Frauen? etc. Dem männlichen Publikum bietet Jäger einen Crash-Kurs im Umgang mit unangenehmen Fragen der Frauen – von Fällt dir gar nichts auf? bis hin zu Wieviele Frauen hast du schon vor mir gehabt? "Jäger ist eine Klasse für sich" (Der Standard) "ein fantastischer Edi Jäger ... das Publikum amüsiert sich köstlich" (OÖN) "Herrlich! Zum ersten Mal im Leben fühlt sich mein Mann wirklich verstanden. Woher wussten Sie so genau wie es bei mir zu Hause zugeht! ... Was für ein perfekter Abend! //... hat meiner Frau aus der Seele gesprochen. Wir haben bereits zum zweiten Mal Tränen gelacht! ... extrem lustig, erschreckend wahrheitsgetreu und sehr beruhigend: es fördert das Verständnis für den Partner ... Danke für diesen absolut geistreichen, grenzgenialen Auftritt." (Zuschauer) "umwerfend komisch... Jäger hat die Lacher auf seiner Seite" (Salzburger Nachrichten) "Jäger legt die Latte des Humor-Niveaus ganz hoch an." (Augsburger Allgemeine) "ein grandioser Mime ... bricht alle Komik-Rekorde" (FAZ) "Einsame Spitzenklasse. ... die Spiel- und Sprechkunst, die Körpersprache, eine unfassbare Bühnenpräsenz – ... super !!" (Veranstalter)

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Sasha WaltzTravelogue I – Twenty to eightMit dem lebendigen Klassiker Travelogue I – Twenty to eight, dem ikonischen Stück der Ausnahmechoreographin Sasha Waltz wird die Sommerszene 2026 eröffnet. Im Zentrum des Abends steht die Küche, die zur Bühne eines wilden, schmerzhaften und absurden Alltags wird. Kühlschrank, Tisch und Türen werden zu Spielpartnern, während fünf Figuren in neurotischen Routinen, stillen Sehnsüchten und grotesken Konflikten verstrickt sind. Mit Humor, Schärfe und Sinnlichkeit zeichnen Sasha Waltz & Guests einen Ausschnitt der Gegenwart, der seit der Uraufführung 1993 nichts an Brisanz verloren hat. Tanz, Theater und die Musik des Tristan Honsinger Quintetts verschmelzen zu einer expressiven, rhythmischen Momentaufnahme menschlichen Zusammenlebens, in der sich Einsamkeit, Begehren und komische Absurdität überlagern. Ein Tanzstück, das mit entlarvendem Witz und schmerzhafter Präzision auf unsere Beziehungen und unser Miteinander blickt – zeitlos, radikal, komisch und voll roher Schönheit. Sasha Waltz, die den zeitgenössischen Tanz seit mehr als 30 Jahren maßgeblich prägt, begreift ihre Repertoire als ein living archive, das mit jeder neuen Besetzung neu pulsiert und wächst. sashawaltz.de Regie & Konzept: Sasha Waltz Tanz: Virgis Puodziunas, Edivaldo Ernesto, Rosa Dicuonzo, Hwanhee Hwang, Margaux Marielle-Tréhoüart Bühne: Barbara Steppe Licht: Tomski Binsert, André Pronk Musik: Tristan Honsinger, Jean-Marc Zelwer Probenleitung: Takako Suzuki Das Stück wurde von und mit den Tänzer*innen Ákos Hargitay/Thomas Lehmen, Nasser Martin-Gousset, Takako Suzuki, Sasha Waltz und Charlotte Zerbey entwickelt. Eine Koproduktion von Sasha Waltz & Guests und dem Grand Theatre Groningen. Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kulturelle Angelegenheiten Berlin, des Fonds Darstellende Künste e.V. und der Initiative Neue Musik Berlin e.V. Sasha Waltz & Guests wird gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 25/20/15/10 Alberto CisselloPOINT FIXEWas passiert, wenn plötzlich alles um uns herum stehen bleibt? Wenn wir selbst stillstehen? Wenn wir bewusst in diesem seltsamen Zwischenraum zwischen einem Atemzug und dem nächsten verweilen? Im Alltag ist das Innehalten selten. Es ist unrentabel. Und doch: wenn wir tatsächlich anhalten – oder angehalten werden – was geschieht dann? Alberto Cissellos Solo POINT FIXE ist ein Gespräch mit der Leere – ein Dialog, in dem jede Pause zwischen Handlungen, Gesten und Worten zu einer Chance, zu einer Möglichkeit wird. Der Titel stammt aus einer Technik der Pantomime: Man fixiert einen imaginären Punkt im Raum und macht so etwas Unsichtbares real und präsent. In dieser Performance wird das Publikum eingeladen, sich auf die Pause einzulassen – auf die Spannung und den Schwebezustand – in einer feinen, spielerischen Erfahrung, in der Abwesenheit Gestalt annimmt. Das Stück sprüht vor absurdem Humor, subtilen Gesten und unerwarteten Wendungen. Vor allem aber macht Alberto Cissellos grandiose Interpretation POINT FIXE zu einem kurzweiligen Trip in die Welt des Nichts. IG@alberto_cissello Konzept, Choreographie & Performance: Alberto Cissello Outside Eye & Text: Luigi Guerrieri Choreographische Assistenz: Daphna Horenczyk Dramaturgische Beratung: Sebastian Bechinger Lichtdesign: Joe Albrecht Kostümberatung: Sophie Baumgartner Produktionsleitung: Laura Golfier-Brechmann Koproduktion: WUK - performing arts Gefördert von der Kulturabteilung der Stadt Wien. Mit Unterstützung von Tanz*Hotel im Rahmen von Artist At Resort – Term 23, Bildrecht SKE, ACTOUT (ein Projekt von IG Freie Theaterarbeit, gefördert von BMEIA) und nunart Barcelona. Besonderen Dank an Elio Gervasi RAUM33, tanztheaterperformance WUK, Rennweg Studios.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Sasha WaltzTravelogue I – Twenty to eightMit dem lebendigen Klassiker Travelogue I – Twenty to eight, dem ikonischen Stück der Ausnahmechoreographin Sasha Waltz wird die Sommerszene 2026 eröffnet. Im Zentrum des Abends steht die Küche, die zur Bühne eines wilden, schmerzhaften und absurden Alltags wird. Kühlschrank, Tisch und Türen werden zu Spielpartnern, während fünf Figuren in neurotischen Routinen, stillen Sehnsüchten und grotesken Konflikten verstrickt sind. Mit Humor, Schärfe und Sinnlichkeit zeichnen Sasha Waltz & Guests einen Ausschnitt der Gegenwart, der seit der Uraufführung 1993 nichts an Brisanz verloren hat. Tanz, Theater und die Musik des Tristan Honsinger Quintetts verschmelzen zu einer expressiven, rhythmischen Momentaufnahme menschlichen Zusammenlebens, in der sich Einsamkeit, Begehren und komische Absurdität überlagern. Ein Tanzstück, das mit entlarvendem Witz und schmerzhafter Präzision auf unsere Beziehungen und unser Miteinander blickt – zeitlos, radikal, komisch und voll roher Schönheit. Sasha Waltz, die den zeitgenössischen Tanz seit mehr als 30 Jahren maßgeblich prägt, begreift ihre Repertoire als ein living archive, das mit jeder neuen Besetzung neu pulsiert und wächst. sashawaltz.de Regie & Konzept: Sasha Waltz Tanz: Virgis Puodziunas, Edivaldo Ernesto, Rosa Dicuonzo, Hwanhee Hwang, Margaux Marielle-Tréhoüart Bühne: Barbara Steppe Licht: Tomski Binsert, André Pronk Musik: Tristan Honsinger, Jean-Marc Zelwer Probenleitung: Takako Suzuki Das Stück wurde von und mit den Tänzer*innen Ákos Hargitay/Thomas Lehmen, Nasser Martin-Gousset, Takako Suzuki, Sasha Waltz und Charlotte Zerbey entwickelt. Eine Koproduktion von Sasha Waltz & Guests und dem Grand Theatre Groningen. Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kulturelle Angelegenheiten Berlin, des Fonds Darstellende Künste e.V. und der Initiative Neue Musik Berlin e.V. Sasha Waltz & Guests wird gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Gatecreeper (USA) Decapitated Formed in 1996, Polish Tech Death masters DECAPITATED built a reputation over the years as one of the international leaders of their genre. Over their near 25-year career, DECAPITATED has released seven studio albums, which are considered to be some of the most influential death metal releases of the 21st century. Recording the new creation, entitled »Anticult« (2017), has proven to be an extremely demanding process for DECAPITATED, as they have never before faced a challenge as testing as the new songs turned out to be. The band cross-bred various styles and sounds, setting the bar higher with this new release. Flirting with various tempos, mixing Death Metal with Grindcore, Black Metal atmosphere with more groove laden beats and Stoner-Rock vibes, there are also modern Metal rhythmic riffs on DECAPITATED’s latest output that hark back to their past releases. "It’s not pure death metal anymore," he admits. "Right now, Decapitated’s music is a mixture of musical ideas that is really hard to describe. We connected death, thrash, rock ‘n’ roll, even black metal, and atmospheric parts together. All this makes Decapitated unique. I love to listen to all kinds of metal and all kinds of music in general. It will be so hard for me to make a pure death metal album now. And I think it would be a little boring. We put lots of time and energy to make this album sound like it does," Vogg offers. "I hope people will love it, too. I sure this album will not disappoint old and new Decapitated fans. There is something for all of them. I really can’t wait to get on tour again. I want to play Anticult songs to everyone." With their emphasis on inventive songwriting and technical prowess, DECAPITATED has earned the respect of their musical peers and have gained a devoted fan base. Vogg, the band’s musical mastermind, creates songs that often feature blazing tempos, crushing riffs and memorable guitar solos – all of which can be expected on their new release. Gatecreeper The new wave of American death metal needs a breakout album, and Dark Superstition is it. Gatecreeper’s third full-length sees the Arizona death metal specialists-vocalist Chase H. Mason, guitarists Eric Wagner and Israel Garza, drummer Metal Matt Arrebollo and bassist Alex Brown-carving out their own path. The band’s first album for Nuclear Blast is more concise, melodic, and memorable than anything they’ve done in the past. "We refined the song structures," Mason says. "We’re getting better at what we do."

Herr Schröder, der dienstälteste Junglehrer und Mensch gewordene Overhead-Projektor, präsentiert seine neue Doppelstunde "Der Rest ist Hausaufgabe". Dabei leuchtet er den Weg in ein besseres Futur II und verleiht uns die Lehrkraft, die wir alle brauchen. Denn Schule heute ist ein Gruppenpuzzle mit 1000 Teilen. Es zu lösen gleicht der Quadratur des Stuhlkreises. Freuen Sie sich auf den Silberstreif am Erwartungshorizont, wenn es heißt: "Tablets raus, einloggen und mitmachen. Auch in der letzten Reihe! Und wenn wir nicht ganz fertig werden: Der Rest ist Hausaufgabe!".

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 25/20/15/10 Alberto CisselloPOINT FIXEWas passiert, wenn plötzlich alles um uns herum stehen bleibt? Wenn wir selbst stillstehen? Wenn wir bewusst in diesem seltsamen Zwischenraum zwischen einem Atemzug und dem nächsten verweilen? Im Alltag ist das Innehalten selten. Es ist unrentabel. Und doch: wenn wir tatsächlich anhalten – oder angehalten werden – was geschieht dann? Alberto Cissellos Solo POINT FIXE ist ein Gespräch mit der Leere – ein Dialog, in dem jede Pause zwischen Handlungen, Gesten und Worten zu einer Chance, zu einer Möglichkeit wird. Der Titel stammt aus einer Technik der Pantomime: Man fixiert einen imaginären Punkt im Raum und macht so etwas Unsichtbares real und präsent. In dieser Performance wird das Publikum eingeladen, sich auf die Pause einzulassen – auf die Spannung und den Schwebezustand – in einer feinen, spielerischen Erfahrung, in der Abwesenheit Gestalt annimmt. Das Stück sprüht vor absurdem Humor, subtilen Gesten und unerwarteten Wendungen. Vor allem aber macht Alberto Cissellos grandiose Interpretation POINT FIXE zu einem kurzweiligen Trip in die Welt des Nichts. IG@alberto_cissello Konzept, Choreographie & Performance: Alberto Cissello Outside Eye & Text: Luigi Guerrieri Choreographische Assistenz: Daphna Horenczyk Dramaturgische Beratung: Sebastian Bechinger Lichtdesign: Joe Albrecht Kostümberatung: Sophie Baumgartner Produktionsleitung: Laura Golfier-Brechmann Koproduktion: WUK - performing arts Gefördert von der Kulturabteilung der Stadt Wien. Mit Unterstützung von Tanz*Hotel im Rahmen von Artist At Resort – Term 23, Bildrecht SKE, ACTOUT (ein Projekt von IG Freie Theaterarbeit, gefördert von BMEIA) und nunart Barcelona. Besonderen Dank an Elio Gervasi RAUM33, tanztheaterperformance WUK, Rennweg Studios.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 25/20/15/10 Rosana Ribeiro/SelvaBreak the DamDas künstlerische Oeuvre von Rosana Ribeiro, der in Salzburg lebenden portugiesisch-brasilianischen Choreographin, zeichnet sich durch eine eigenständige Bewegungssprache und fundierte thematische Recherche aus. In ihrer neuen Produktion Break the Dam, die bei der Sommerszene ihre Premiere feiert, suchen fünf Tänzer*innen ihren Weg von einem Zustand körperlicher und ökologischer Stagnation hin zu kollektiver Entladung. Das Stück untersucht, wie sich das Stemmen gegen von außen auferlegte Erschütterung sowohl im menschlichen Körper als auch in der Umwelt einschreibt. In einer postapokalyptischen, kohleartigen und unbeweglichen Landschaft ringen die Performer*innen mit Gewicht, Wiederholung und Widerstand und machen sichtbar, wie sich Druck aufbaut, wenn Kräfte zu lange zurückgehalten werden. Nach und nach durchströmen Mikrobewegungen die Gruppe, lösen die Starre und leiten so eine Transformation ein. Während die Energie der Tänzer*innen zu zirkulieren beginnt, scheint sich auch die Landschaft selbst zu verändern: Was zuvor unbeweglich war, bricht auf, gerät in Bewegung und wird fließend – Wellen, Wirbel und Zyklen entstehen. selva.co.at instagram.com/rosanaribeiro_selva Konzept & Choreographie: Rosana Ribeiro Co-Kreation mit den Performer*innen: Jadwiga Mordarska, Jin Lee, Melissa Ugolini, Mai-Júli Machado, Eli Hooker Dramaturgie: Verena Pircher Probeleitung: Melissa Ugolini Sounddesign & Komposition: Peter Kastner Bühnenbild: Daniela Kerck Lichtdesign: Cárin Geada Kostümdesign: Sara Chéu Produktionsmanagement: Carolin Gstädtner Produktion: Selva Koproduktion: SZENE Salzburg Gefördert von: Stadt Salzburg, Land Salzburg und Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport. Mit freundlicher Unterstützung von tanz_house Salzburg.

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Dauer: 2 Stunden 15 Minuten (Pause nach dem dritten Akt) Schauspiel in fünf Akten Übersetzung aus dem Englischen: Hinrich Horstkotte Musik: Felix Mendelssohn-Bartholdy Musikalische Bearbeitung und Komposition: Franz-Josef Grümmer Uraufführung: London, ca. 1598 In deutscher Sprache mit Erläuterungen auf Englisch, Französisch, Spanisch Inhalt Das Stück spielt im antiken Athen und in einem an die Stadt angrenzenden verzauberten Wald, in dem Feenkönig Oberon und seine Frau Titania herrschen und sich Elfen und Kobolde tummeln. Der Kobold Puck stiftet ordentlich Verwirrung zwischen den Menschen im Wald … Besetzung Inszenierung und Ausstattung: Hinrich Horstkotte Choreographie: Peter Breuer Bildhauerarbeiten: Pierre Monnerat Technik: Alexander Proschek Marionettenspieler:innen: Philippe Brunner, Pierre Droin, Vladimir Fediakov, Edouard Funck, Heide Hölzl, Maximilian Kiener, Michaela Obermayr, Emanuel Paulus, Eva Wiener, Ursula Winzer Sprecher:innen: Prodromos Antoniades, Monika Bujinski, Annette Dasch, Horst Eierharfe, Hinrich Horstkotte, Irmtraud Horstkotte, Julia Jentsch, Michael Kamp, Muriel König, Christoph Kottenkamp, Manuel Kressin, Markus Meyer, Ulrich Naudé, Max von Pufendorf, Nerupama Rathore, Max Ruhbaum, Michael Schrodt Weitere Informationen Inboccallupo-Orchester Berlin Dirigent: Andreas Schüller Stipendiaten der Orchesterakademie der Berliner Philharmoniker Dirigent: Franz-Josef Grümmer Aufnahme für das Salzburger Marionettentheater Premiere: Salzburg, 2.6.2001 Sämtliche Marionetten sowie die gesamte Ausstattung wurden in den Werkstätten des Salzburger Marionettentheaters hergestellt.

Die English Drama Group Salzburg führt heuer Henrik Ibsens Klassiker An Enemy of the People (Ein Volksfeind) im kleinen theater in Schallmoos auf. In einem beschaulichen norwegischen Kurort findet ein Badearzt heraus, dass das Wasser des Kurbads gesundheitsschädliche Bakterien und Schmutz enthält. Voller Sorge will er seine Recherchen öffentlich machen. Seine Brüder, der Bürgermeister und etliche Bürger des Ortes befürchten jedoch ein wirtschaftliches Desaster und wollen die Wahrheit vertuschen. Trotz dieses Widerstands prescht der Arzt vor und will alles in der lokalen Zeitung publizieren. Er bringt sich und seine Familie in Gefahr, da alle in ihm eine Bedrohung für die Reputation des Badeortes und somit auch für ihren Lebensunterhalt sehen. Regie: Michael Darmanin

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Michikazu Matsune / Unusual Symptoms / Theater Bremen Tomorrow we dreamed of yesterday Was wäre, wenn das Leben eine Aneinanderreihung von Proben wäre, für den einen Moment, auf der Suche nach der perfekten Illusion? Wenn jede Begegnung eine Szene wäre, jede Erinnerung ein Skript, das wir so lange durchspielen, bis es uns gefällt? Was wäre, wenn wir uns wieder und wieder zum ersten Mal begegnen könnten? Würden wir alles anders machen als zuvor? In Tomorrow we dreamed of yesterday bringen Unusual Symptoms, die international viel beachtete Kompanie des Theater Bremen, und der japanisch-österreichische Künstler und Choreograph Michikazu Matsune eine Landschaft der geteilten Erinnerungen und kollektiven Fantasie auf die Bühne. Acht Tänzer*innen und ein Gespenst suchen nach den überraschenden Verbindungen ihrer persönlichen Geschichten, nach dem Absurden im Alltäglichen und führen uns an Orte, die außer ihnen niemand kennt. Zwischen Tanz und Erzählung, Songs und Bühnentricks entsteht ein Raum, in dem heute, gestern und morgen zusammenfallen – und für einen kurzen Moment alles möglich scheint. www.michikazumatsune.info theaterbremen.de/tanz Konzept, Regie, Choreographie: Michikazu Matsune Von und mit: Aaron Samuel Davis, Gabrio Gabrielli, Maria Pasadaki, Nora Ronge, Andor Rusu, Waithera Lena Schreyeck, Young-Won Song, Csenger K. Szabó Kostüm und Bühne: Michikazu Matsune, Julia Zastava Musik: Janis Elias Müller Licht: Michael Filter Dramaturgie: Gregor Runge Produktionsleitung: Alexandra Morales, Franziska Zaida Schrammel (Studio Matsune) Ausstattungsassistenz: Carla Warneboldt Ausstattungshospitanz: Myriam Andrea Avila Vásquez Übersetzung Übertitel: Franziska Zaida Schrammel Inspizienz: Lena Maire Produktion: Theater Bremen. In Kooperation mit Studio Matsune. Unusual Symptoms ist die Tanzkompanie des Theater Bremen.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 25/20/15/10 Rosana Ribeiro/SelvaBreak the DamDas künstlerische Oeuvre von Rosana Ribeiro, der in Salzburg lebenden portugiesisch-brasilianischen Choreographin, zeichnet sich durch eine eigenständige Bewegungssprache und fundierte thematische Recherche aus. In ihrer neuen Produktion Break the Dam, die bei der Sommerszene ihre Premiere feiert, suchen fünf Tänzer*innen ihren Weg von einem Zustand körperlicher und ökologischer Stagnation hin zu kollektiver Entladung. Das Stück untersucht, wie sich das Stemmen gegen von außen auferlegte Erschütterung sowohl im menschlichen Körper als auch in der Umwelt einschreibt. In einer postapokalyptischen, kohleartigen und unbeweglichen Landschaft ringen die Performer*innen mit Gewicht, Wiederholung und Widerstand und machen sichtbar, wie sich Druck aufbaut, wenn Kräfte zu lange zurückgehalten werden. Nach und nach durchströmen Mikrobewegungen die Gruppe, lösen die Starre und leiten so eine Transformation ein. Während die Energie der Tänzer*innen zu zirkulieren beginnt, scheint sich auch die Landschaft selbst zu verändern: Was zuvor unbeweglich war, bricht auf, gerät in Bewegung und wird fließend – Wellen, Wirbel und Zyklen entstehen. selva.co.at instagram.com/rosanaribeiro_selva Konzept & Choreographie: Rosana Ribeiro Co-Kreation mit den Performer*innen: Jadwiga Mordarska, Jin Lee, Melissa Ugolini, Mai-Júli Machado, Eli Hooker Dramaturgie: Verena Pircher Probeleitung: Melissa Ugolini Sounddesign & Komposition: Peter Kastner Bühnenbild: Daniela Kerck Lichtdesign: Cárin Geada Kostümdesign: Sara Chéu Produktionsmanagement: Carolin Gstädtner Produktion: Selva Koproduktion: SZENE Salzburg Gefördert von: Stadt Salzburg, Land Salzburg und Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport. Mit freundlicher Unterstützung von tanz_house Salzburg.

Warum rütteln wir alle an Türen, die wir gerade abgeschlossen haben? Bei „Komische Sachen“ servieren wir dir die Crème de la Crème des täglichen Wahnsinns. Ausgesuchte Acts der deutsprachigen Comedy Szene, teilen ihre absurde Alltagsbeobachtungen und ihre skurrilen Perspektive. Ein Abend zum Weinen - vor Lachen!

Subsistence meets Mountain Pressure On Friday, 12.06.2026, we're joining forces with Mountain Pressure to bring heavy Dub / Roots / Soundsystem pressure to MARK Salzburg. MARK Salzburg Friday, 12.06.2026 22:00-04:00 Entry: €10 Two Soundsystems, heavyweight basslines, heavy steppers vibes and full pressure on the stack. Come early, bring your people and get ready for a long night of sound system culture.

«She* Jams» – eine regelmäßige Jam-Session von & für FLINTA.Die Idee: Wir schaffen einen Raum, um gemeinsam zu musizieren – ohne Druck, einfach aus Freude am Sound 🎶💃. Egal ob Anfängerin oder Bühnenerfahrene, ob du Gitarre, Drums, Geige oder Kazoo spielst – alle Instrumente und Stimmen sind willkommen! 🎹🥁🎤 Auch Spoken Word, Slam oder einfach spontanes Jammen – alles darf, nichts muss. 💫 Wir freuen auf viele coole Musikerinnen & kreative Vibes! Info an Interessierte gerne weitergeben.

Peter und der Wolf/Rotkäppchen Sergej Prokofieff Dauer: 1 Stunde in deutscher Sprache mit englischen Übertiteln Regie Grete Lindinger/Philippe Brunner Bühnenbild und Kostüme Marouan Dib/Salzburger Marionettentheater Peter aus dem musikalischen Märchen "Peter und der Wolf" und Rotkäppchen haben eines gemeinsam: ihre Erlebnisse mit dem großen, bösen Wolf!

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Jan Martens / GRIPTHE DOG DAYS ARE OVER 2.0 2014 uraufgeführt, markierte THE DOG DAYS ARE OVER den internationalen Durchbruch des gefeierten Choreographen Jan Martens. Die Sommerszene zeigt nun die Österreich-Premiere der mit neuem Cast einstudierten Version 2.0. In dieser atemberaubenden physischen Performance erscheint der Tänzer als reine Performer auf der Suche nach Perfektion. Acht Tänzer*innen sind einer komplexen, mathematischen und erschöpfenden Choreographie unterworfen, die in erzwungener Gleichförmigkeit ausgeführt wird – bis schließlich Fehler passieren und die Masken fallen. Mit seiner radikalen choreographischen Form stellte THE DOG DAYS ARE OVER bereits bei seiner Uraufführung die Wahrnehmung von Tänzer*innen, Choreograf*innen, Publikum und kulturpolitischen Rahmenbedingungen infrage. grip.house dogdays.cargo.site Choreographie: Jan Martens Probenleitung & künstlerische Assistenz: Naomi Gibson Coaching: Steven Michel, Piet Defrancq Performance: Camilla Bundel, Jim Buskens, Simon Lelièvre, Florence Lenon, Elisha Mercelina, Dan Mussett, Pierre Adrien Touret, Maisie Woodford Dramaturgie: Renée Copraij Kostümdesign: Sofie Durnez Lichtdesign: Jan Fedinger Tourtechnik: Michel Spang, Elke Verachtert, Nele Verreyken Produktion: GRIP Internationale Distribution: A propic / Line Rousseau, Marion Gauvent Partner 2023-2027: La Comédie de Clermont-Ferrand SN, Maison de la danse/Pôle européen de création, en soutien à la Biennale de Lyon Koproduktion: Theater Rotterdam, DE SINGEL , Le Carreau – Scène nationale de Forbach et de l’Est Mosellan, Perpodium Dank an: Opera Ballet Vlaanderen, c o r s o Mit Unterstützung von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels.Zehn Jahre später haben diese Fragen angesichts aktueller politischer und gesellschaftlicher Entwicklungen nichts an Aktualität verloren: Wo verläuft die schmale Grenze zwischen Kunst und Unterhaltung? Wer sind wir als Publikum, wenn wir das Leiden der Tänzer*innen im Theater betrachten – fast wie einen Stierkampf in der Arena? THE DOG DAYS ARE OVER 2.0 verschiebt die Position der Zuschauer*innen: vom bloßen Erleben hin zur aktiven Reflexion.

Vor die Hunde (GER/AUT) Tired. (AUT) Escuela Grind New England’s extreme metal powerhouse, Escuela Grind, continues to shatter the boundaries of grindcore, death metal, and hardcore. Since their formation in 2016, the quartet has evolved from an underground secret into a leading force in the modern heavy music scene, known for their "unbelievably hostile" sound and an unexpectedly positive, empowering message. Led by the charismatic and high-energy vocalist Katerina Economou, Escuela Grind delivers a sonic assault that is as intellectually deep as it is physically punishing. Their music-a "metallic hardcore monster"-blends the lightning-fast blasts of grindcore with the crushing weight of modern death metal and the raw energy of power violence. Vor die Hunde Vor die Hunde are four businessmen from the future, armed with the knowledge of how to turn noise into revenue. They have returned to the present to launch their hyper-lucrative fusion of grindcore, death metal, and punk against us. Their business model is simple and straightforward: blastbeats in, money out. With unprecedented brutality, they extract listeners’ hard-earned cash - all while delivering maximum customer satisfaction. Vor die Hunde proudly embrace their role as the world’s first profit-driven Grindcore band. Fueled by pseudo-intellectual world-improvement lyrics and a Sound scientifically engineered by leading experts to trigger consumer desire, they target a solvent audience eager to invest in exclusive, limited-edition merchandise at luxury price points. The scientific foundation of their success: advanced AI models trained on the Output of world market leaders like Rotten Sound, Nasum, Napalm Death, Carcass, and others - ensuring exponential audience growth with minimal effort. On March 13, 2026, Vor die Hunde will expand their successful product portfolio with the launch of a brand-new full-length album. This premium-Segment release is designed to dominate the global grindcore market and further solidify their position as industry leaders in extreme music monetization. Vor die Hunde - Turning Blastbeats into Business since 2017. Tired. Worn down by the relentless pressures of modern society and the intricate challenges of navigating human values, we channeled our frustrations into the creation of our hardcore project, „Tired.“. Drawing inspiration from a myriad of influences, both musical and personal, our sound is a raw, unfiltered reflection of the struggles and resilience that define our lives. We are all tired at some point.

Dieser Ballettabend führt uns thematisch auf die iberische Halbinsel. Erstmals im großen Haus werden gleich drei verschiedene choreographische Handschriften an einem Abend präsentiert und unser Ballettensemble hat die Möglichkeit, seine ganze tänzerische Vielfalt und interpretatorische Bandbreite unter Beweis zu stellen. Mit den eingängigen Melodien von Georges Bizets Oper „Carmen“ hat der Komponist Rodion Schtschedrin der Primaballerina Maya Plissetskaja ein Ballett für Streichorchester und Schlagwerk auf den Leib geschrieben, das – wie er meinte – „immer einige Grade heißer klingen soll als die Oper.“ In Valentina Turcus Choreographie stehen die seelischen Widersprüche der Protagonistin im Fokus. Im Mittelpunkt des Ballettabends steht Reginaldo Oliveiras Ballett „Rosa“ als Annäherung an den spanischen Pop in Verbindung mit modernem Flamenco. Er begibt sich auf die Spur der Poplegende Rosalía und ihrer ungewöhnlichen Interpretation dieser leidenschaftlichen Musik. Nachdem der Chefchoreograph überaus erfolgreich mit „Fridas Welt“ dem lateinamerikanischen Esprit huldigte, wird er dieses Mal eine mitreißende, von spanischen Rhythmen und Popmusik inspirierte Choreographie erarbeiten. „Boléro“ gab 1928 die russische Tänzerin Ida Rubinstein bei Maurice Ravel in Auftrag. Bronislawa Nijinska, die Schwester des legendären Tänzers Vaslav Nijinsky, sorgte für die Choreographie, und gemeinsam brachten sie das Werk an der Pariser Oper zur Uraufführung. Rubinstein tanzte dabei auf einem Tisch, umkreist von 20 Männern, die sich in lasziv anmutenden Bewegungen mit dem Crescendo der Musik immer weiter steigerten, bis sich die Spannung im Schlussakkord orgiastisch entlud – damals ein Skandal! Die preisgekrönte kroatische Choreographin und Regisseurin Valentina Turcu zählt zu den international angesehensten Spezialistinnen für narrative Handlungsstücke und erhielt ihre künstlerische Prägung bei Maurice Béjart. Yonggeol Kim hat am Ballett der Pariser Oper getanzt und feiert heute in seiner koreanischen Heimat große Erfolge als Choreograph. Reginaldo Oliveira hat in seiner Arbeit als Chefchoreograph für das Salzburger Landestheater bereits vielfältige Facetten seines choreographischen Schaffens gezeigt. Mit „Rosa“ folgt auf „Tanto…Tango!“ und „Fridas Welt“ eine Hommage an die temperamentvolle Rhythmik der iberischen Halbinsel vereint mit der modernen Interpretation der spanischen Künstlerin Rosalía.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 25/20/15/10 Solène Weinachter AFTER ALLAFTER ALL ist ein Stück über den Tod – und über das Leben. Die französisch-schottische Tänzerin und Choreographin Solène Weinachter verbindet in dieser Soloarbeit Tanz, Theater, Storytelling und Humor zu einer sensiblen und überraschend leichten Auseinandersetzung mit dem Ende. Wie gehen wir mit Verlust um? Welche Rituale helfen uns – und welche fehlen uns in einer Zeit, die oft sprachlos auf das Thema Tod reagiert? Mit klarem Blick, feiner Ironie und großer körperlicher Präsenz erforscht Weinachter unterschiedliche Begräbniskulturen: tradierte, vergessene – und solche, die noch erfunden werden müssen. Entstanden ist das Stück aus intensiver Recherche und Gesprächen mit Menschen, die sich professionell mit Tod und Abschied beschäftigen, von Sterbebegleiter*innen über Sargflechter*innen bis hin zu interreligiösen Gesprächskreisen. AFTER ALL ist eine performative Sternstunde über das, was uns alle betrifft – irgendwann. Und über das, was bis dahin zählt: Verbindung, Gemeinschaft, Lebendigkeit. soleneweinachter.com Regie & Performance: Solène Weinachter Lichtdesign & Produktionsmanagement: Emma Jones Creative Producer: Helen McIntosh Bühnendesign: Matthias Strahm Film: Rachel Bunce Textberatung & Dramaturgie: Chris Thorpe Künstlerische Begleitung & Dramaturgie: Neil Callaghan Outside Eye & Vermittlung: Lisa Fannen Produktionsleitung & Inspizienz: Amy Steadman Mit Unterstützung von Creative Scotland, Made in Scotland, British Council, Momentum, Dance North, Dundee Rep und Scottish Dance Theatre, The Work Room, Dance Base, The Space, Rencontres und Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis.

n einer Stadt, die vor einigen der talentiertesten Künstler der Welt nur so strotzt, sticht Jax Hollow aus Nashville als seltenes "Triple Threat" hervor – eine nuancierte und kraftvolle Songwriterin, eine stimmgewaltige Sängerin und eine Gitarristin von Weltklasse. Sie verkörpert wahrhaft das Trifecta von Music City. Jaxs außergewöhnliche Fähigkeiten als Songwriterin haben ihr bemerkenswerte Anerkennung eingebracht, darunter den ersten Platz beim renommierten ISC Songwriting-Wettbewerb für ihren Song "Wolf In Sheepskin". Als Absolventin des renommierten Berklee College of Music ist Jax sowohl auf der Bühne als auch im Studio faszinierend. Ihre Musik, die Blues, Rock und Americana mühelos miteinander verbindet, zeigt ihre Fähigkeit, durch gefühlvolle, tiefgründige Texte und mitreißende Vocals eine tiefe Verbindung zu den Zuhörern aufzubauen – während ihre atemberaubenden Gitarrensoli ein seltenes Meisterniveau ihres Könnens offenbaren. Es ist keine Überraschung, dass Rolling Stone France Jax mit "einer frühen Sheryl Crow oder Melissa Etheridge" verglichen hat. Sogar Etheridge selbst zeigte Bewunderung und sagte: "Ich möchte diejenige sein, die Jax Hollow entdeckt!" Dieses Lob folgte nach Jaxs unvergesslichem Solo-Opening-Set im ikonischen Ryman Auditorium, bei dem sie das Publikum mit ihrer fesselnden Performance von den Sitzen riss. Ihre elektrisierende Bühnenpräsenz wurde von Guitar World Magazine als "hendrixesk… mit Anklängen an Jimmy Page und Eddie Van Halen" gefeiert. Dieses Lob wird auch von Anderson Guitar Works geteilt, die sie in ihren angesehenen Künstlerkader aufgenommen haben, neben Legenden wie Keith Richards und Bob Seger.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 25/20/15/10 Solène Weinachter AFTER ALLAFTER ALL ist ein Stück über den Tod – und über das Leben. Die französisch-schottische Tänzerin und Choreographin Solène Weinachter verbindet in dieser Soloarbeit Tanz, Theater, Storytelling und Humor zu einer sensiblen und überraschend leichten Auseinandersetzung mit dem Ende. Wie gehen wir mit Verlust um? Welche Rituale helfen uns – und welche fehlen uns in einer Zeit, die oft sprachlos auf das Thema Tod reagiert? Mit klarem Blick, feiner Ironie und großer körperlicher Präsenz erforscht Weinachter unterschiedliche Begräbniskulturen: tradierte, vergessene – und solche, die noch erfunden werden müssen. Entstanden ist das Stück aus intensiver Recherche und Gesprächen mit Menschen, die sich professionell mit Tod und Abschied beschäftigen, von Sterbebegleiter*innen über Sargflechter*innen bis hin zu interreligiösen Gesprächskreisen. AFTER ALL ist eine performative Sternstunde über das, was uns alle betrifft – irgendwann. Und über das, was bis dahin zählt: Verbindung, Gemeinschaft, Lebendigkeit. soleneweinachter.com Regie & Performance: Solène Weinachter Lichtdesign & Produktionsmanagement: Emma Jones Creative Producer: Helen McIntosh Bühnendesign: Matthias Strahm Film: Rachel Bunce Textberatung & Dramaturgie: Chris Thorpe Künstlerische Begleitung & Dramaturgie: Neil Callaghan Outside Eye & Vermittlung: Lisa Fannen Produktionsleitung & Inspizienz: Amy Steadman Mit Unterstützung von Creative Scotland, Made in Scotland, British Council, Momentum, Dance North, Dundee Rep und Scottish Dance Theatre, The Work Room, Dance Base, The Space, Rencontres und Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Leïla KaMaldonneDie Französin Leïla Ka hat mit ihrem ersten eigenen Gruppenstück einen choreographischen Coup gelandet: Maldonne gastiert auf zahlreichen europäischen Bühnen und nun bei der Sommerszene erstmals auch in Österreich. Fünf Tänzerinnen treten in vierzig verschiedenen Kleidern auf – Abendkleider, Brautkleider, Nachthemden, Alltagskleider und Ballkleider. Mit Pailletten besetzt, lang, bauschig, figurbetont oder oversized. Kleider, die fliegen, glänzen, aufbrechen, sich drehen, über den Boden schleifen oder zu Boden fallen. In Maldonne erforscht Leïla Ka das Frausein anhand von Körpern, die mit Kleidern ringen – Kleidern, die blenden, einengen oder aufbegehren. Maldonne ist ein politisches Stück über Körper und Kämpfe, in denen man sich behauptet, sich zeigt, sich offenbart. Gleichzeitig erzählt der Abend, der durch seine chorische Struktur und die Intensität der Bewegungen beeindruckt, viel über Zerbrechlichkeit, Rebellion und die vielfältigen Identitäten, die im Weiblichen nebeneinander existieren. Nach Choreographien für Beyoncé, die César Awards, Zaho de Sagazan oder das Nationalballett von Chile hat Leïla Ka mit ihren Wurzeln im Urban Dance eine präzise und kraftvoll ausdrucksstarke Tanzsprache kreiert. leilaka.fr Choreographie: Leïla Ka Performance: Justine Agador, Adèle Bonduelle, Océane Crouzier, Lise Messina, Flore Ruiz Choreographieassistenz: Jane Fournier Dumet Lichtdesign: Laurent Fallot Kostüme: Leïla Ka Lichttechnik: Laurent Fallot, Clara Coll Bigot, Zacharie Bouganim Sounddesign: Rodrig Desa, Sacha Menez-Allanic Produktion: CENTQUATRE-PARIS und Cie Leïla Ka Leïla Ka ist assoziierte Künstlerin von La Garance – Scène nationale de Cavaillon, DSN, scène nationale de Dieppe, at la MC2, scène nationale de Grenoble. Seit 2024 wird die Kompanie unterstützt von BNP Paribas Foundation.

Unser schon traditioneller 4-Tages Ausflug führt uns diesmal nach Salzburg. Dort wollen wir die Sehenswürdigkeiten dieser schönen Stadt in Augenschein nehmen.

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Wir lesen uns die Münder wund 2026 - Finale des Autor*innen-Wettbewerbs Der Literaturwettbewerb „Wir lesen uns die Münder wund“ findet einmal im Jahr statt und richtet sich an Nachwuchsautor*innen, die noch keine oder nur wenige Erfahrungen im literarischen Betrieb gesammelt haben. In Kooperation mit dem Literaturhaus Salzburg setzt das MARK damit ein wichtiges Zeichen für die Förderung junger Schriftsteller*innen und bietet ihnen eine Plattform, ihre Texte einer interessierten Öffentlichkeit zu präsentieren. Im Finale treten drei Autor*innen an, die sich in den Vorrunden gegen ihre Mitstreiter*innen durchgesetzt haben. Eine Fachjury bewertet die Finalist*innen , als Hauptpreis winkt eine begleitete Publikation in Buchform. Neben den Lesungen der Finalist*innen wird es an diesem Abend auch ein Gespräch mit Katharina J. Ferner geben: Die Salzburger Schriftstellerin erzählt von ihren Erfahrungen im Literaturbetrieb und liest aus dem Lyrikband „salamanderin“ (Limbus, 2025). Musik: Felicitas Reinbacher Veranstalter: MARK, erostepost, Verein Literaturhaus Location: Literaturhaus Salzburg Eintritt: frei

Fünf Frauen, fünf Begegnungen, fünf Legenden: Songs für Nobodies von Joanna Murray-Smith ist eine berührender Abend über die Magie flüchtiger Begegnungen, der einem Lust auf das Leben beschert. In fünf eindrucksvollen Monologen erzählen uns Frauen von nebenan – von ihren zufälligen Zusammentreffen mit den größten Gesangs-Legenden aller Zeiten. Zwischen Ruhm und Realität, Sehnsucht und Hoffnung entsteht ein ebenso humorvoller wie bewegender Abend über die Kraft der Musik und die Träume jener, die im Schatten stehen. Von hervorragender Live Musik begleitet, verkörpert Magdalena Köchl die Figuren und lässt die großen Diven stimmgewaltig wieder aufleben. Eine mitreißende Hommage an fünf unvergessliche Stimmen – und an die Menschen, deren Leben sie für immer berührt haben. Von: Joanna ­Murray-Smith Mit: Magdalena Köchl

Dauer: ca. 1 Stunde 30 Minuten Tragödie in fünf Akten Textfassung: Thomas Reichert Uraufführung: ca. 1597, London In deutscher Sprache mit Erläuterungen auf Englisch Für Jugendliche und Erwachsene Inhalt Er ist ein Montague, sie eine Capulet – und ihre Familien trennt seit Generationen eine erbitterte Feindschaft. Doch ab dem Moment, als sich Romeo und Julia zum ersten Mal in die Augen blicken, ist für beide klar, dass ihre Liebe auch im hasserfüllten Umfeld unauflöslich ist. Heimlich treffen sich die beiden bei Nacht, heimlich schließen sie ihre Ehe. Aber schneller als gedacht stoßen neues, persönliches Glück und alte, festgefahrene Verhältnisse aufeinander: Als Romeo seinen Feind Tybalt um Frieden bittet, erhitzt sich der Streit erneut und fordert die ersten Todesopfer. Eine Reihe unglücklicher Zufälle treibt die beiden Liebenden samt ihrer Familien in ein tragisches Schicksal. Besetzung Inszenierung: Thomas Reichert Kostüme: Edouard Funck Puppenköpfe: Leonhard Winkler Marionettenspieler:innen: Philippe Brunner, Anne-Lise Droin, Vladimir Fediakov, Edouard Funck, Maximilian Kiener-Laubenbacher, Marion Mayer, Emanuel Paulus, Philipp Schmidt, Eva Wiener, Ursula Winzer Weitere Informationen Vor über 400 Jahren beschreibt William Shakespeare den Archetyp bedingungsloser junger Liebe, die sich auch über gesellschaftliche Grenzen hinwegsetzt. Regisseur Thomas Reichert, der seit 2006 durch mehrere Produktionen mit dem Salzburger Marionettentheater verbunden ist, nimmt in seiner Neuinszenierung die zeitlosen Aspekte der Tragödie in den Blick. Seine Bühnenfassung erzählt den Stoff mitsamt seinen tragischen und komischen Elementen in einer heutigen Sprache verdichtet, ohne die Poesie Shakespeares zu übergehen. In einem großen, reduzierten Bühnenraum und in der Verbindung aus verdecktem und offenem Marionettenspiel erlebt das Publikum mit Romeo und Julia einen berührenden Theaterabend. Premiere: 24.10.2024

Cabal (DEN) Banks Arcade (NZL) The Browning Since their inception, The Browning has remained one of the most innovative forces in heavy music. Spearheaded by frontman and creative mastermind Jonny Beck, the band has masterfully pioneered a high-octane fusion of crushing metalcore and hard-hitting electronic music. Known for their signature blend of technical deathcore riffs, soaring synth melodies, and relentless trance beats, The Browning delivers a sonic experience that is as visceral as it is danceable. They don't just bridge the gap between the mosh pit and the rave; they demolish it. Cabal Since their emergence in 2015, CABAL has solidified their reputation as one of the most visceral and uncompromising forces in the modern metal scene. Hailing from the dark heart of Copenhagen, the quintet has spent the last decade perfecting a signature sound that blends the bone-crushing weight of deathcore with the raw energy of metallic hardcore and the haunting atmospheres of dark electronic music. Following the massive success of their previous records-Mark of Rot (2018), Drag Me Down (2020), and the Nuclear Blast debut Magno Interitus (2022)-CABAL has reached a new peak with their fourth studio album, Everything Rots (released March 2025). The record showcases a band at their most focused and ferocious, featuring high-profile collaborations with icons like Matt Heafy (Trivium) and Jamie Hails (Polaris). Banks Arcade Banks Arcade are a modern heavy metal band that has dismantled the traditional genre walls to fuse the raw, physical violence of metal with the maximalist energy of alternative electronic music and hip-hop. Drawing inspiration from underground electronic artists, modern hip hop, and classic metal-core the band has always been hellbent on creating something unique. The identity of the band was forged by two best friends driven by a relentless desire to perfect. A partnership where life experiences range from Jazz degrees to professional MMA fighting. Born in a corner of the world where musical success seemed an impossibility, Banks Arcade was built on a foundation of constant relocation and total reinvention. For everyone involved, the struggle was the catalyst for an unbreakable new identity. Over the past few years, Banks Arcade has evolved from a New Zealand underdog to a global force. They have sold out headline shows across the Southern Hemisphere and dominated international stages, including Download Festival, while supporting heavyweights such as The Plot in You, Northlane, and Thornhill. With a commitment to pushing musical limits, Banks Arcade continues to redefine what a modern heavy band can be.

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Societas Delinquere non Potest (Die Gesellschaft kann nicht delinquieren) ist ein multidisziplinäres Projekt, die 2025 in Bogota ins Leben gerufen wurde. Durch Videoprojektionen und Performance-Kunst hinterfragt sie den Platz der Natur in unserer Gesellschaft und unser Verhältnis zur Gewalt. Die innovative Bühnengestaltung ermöglicht eine aktive Beteiligung des Publikums, das mehr als nur Zuschauer ist. Sie beschäftigt sich mit der Musik des Barock, mit den Meisterwerken von Jean-Fery Rebel, einem kühnen französischen Komponisten, dessen „Chaos“ aus der Suite „Les Elements“ die Leere vor der Schöpfung und die Geburt der Elemente in einer sehr innovativen harmonischen und rhythmischen Sprache darstellt. "La Foresta Incantata" von Geminiani ähnelt aufgrund seines Kontrasts zwischen Solopart und Ripieno einem Concerto grosso. Es besteht aus mehreren Abschnitten unterschiedlicher Länge, die das Chaos, die Ruhe der Natur und die Dichotomie, in der die menschliche Zivilisation versunken ist, darstellen. Als Grundlage und narrative Linie dienen verschiedene Bedeutungen des Waldes für die heutige Gesellschaft. Ohne weit in die Fantasie zu schweifen, hat es für viele eine Konnotation von Einsamkeit und Verlassenheit, für andere von Gewalt, für wieder andere von romantisierten Geschichten. Für uns ist es eine musikalische und inszenierte Meditation, in der wir den Zuschauer mittels Klang-, audiovisueller und körperlicher Mittel in Geschichten ohne Erzähler eintauchen lassen. Die Aufführung dauert etwa 45 Minuten und wird gefolgt von einem zwanglosen Konzert rund um die Tiple, ein traditionelles kolumbianisches Instrument, sowie einem DJ-Set von George Palace. Eintritt: Pay as you want

Die Local Heroes im Mai, mit Dopamine, Hayfever und Eclipse of Empathy, versprechen ein kraftvolles Hard & Heavy Paket von modernem Metalcore über energiegeladenen Hard Rock bis zu melodischem Death Metal. Misz Sputnik feiern mit ihrem intergalaktischen Elektro-Pop-Album ‚Mind the Gap!‘ (Ata Tak) Release, dazu live Stirnbänd vielfüßiger, ehrlicher Rapmusik und Pferd Pferds chaotischer Liedermacherkleinkunstpunk.

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Marco da Silva FerreiraF*cking FutureDer Portugiese Marco da Silva Ferreira zählt zu den prägnantesten Choreographen der Gegenwart. 2024 eröffnete er mit seinem fulminanten Stück Carcaça die Sommerszene, dieses Jahr gastiert er mit der Österreich-Premiere von F*cking Future beim Festival. Im Zetrum des Stückes stehen aktuelle Themen wie Gewaltbereitschaft, Männlichkeit und Militarisierung sowie das komplexe Zusammenspiel von patriarchalen Systemen, kollektiven Affekten und körperlicher Disziplin. Auf einer von allen vier Seiten offenen Bühne entfaltet sich ein choreographischer Marsch zwischen Revolution und Widerstand. Acht Tänzer*innen bewegen sich im pulsierenden Rhythmus, schreiten, schlendern, stampfen – stets vorwärts, stets in Formation, die Raum für individuelle Abweichungen lässt. Glitzernde Hosen, kettenhemdartige Kostüme und flirrendes Licht verstärken die ambivalente Ästhetik eines kollektiven Körpers, der zwischen Euphorie und Bedrohung oszilliert. F*cking Future fragt nach der Macht der Masse, nach Anpassung und Aufbegehren – und nach der Zukunft, die wir gemeinsam erschaffen oder zerstören. Die Botschaft ist unmissverständlich: wir bleiben. Wir bewegen uns. Wir leisten Widerstand. m-arco.pt Künstlerische Leitung & Choreographie: Marco da Silva Ferreira Assistenz Künstlerische Leitung & Dramaturgie: Catarina Miranda, Cristina Planas Leitão Performance: Catarina Casquerio, Eríc Amorim dos Santos, Fábio Krayze, Doisy Bryan, Marco da Silva Ferreira, Matias Rocha Moura, Max Makowski, Nala Revlon Performer (Trainee): José Santos Performerin (Residenz): Mélanie Ferreira Musik: Rui Lima, Sérgio Martins Lichtdesign: Teresa Antunes, Rui Monteiro Kostüme und Bühne: Marco da Silva Ferreira Produktionsleitung: Mafalda Bastos Produktionsassistenz: Ana Lopes Produktion: P-ulsa Distribution: ART HAPPENS Koproduktion: Maison de la Danse, Lyon/Pôle européen de création, in support of Biennale de Lyon, Sadler's Wells, Charleroi Danse, Centre Chorégraphique de Wallonie-Bruxelles, Teatro Municipal do Porto, PACT Zollverein, Points Communs - Nouvelle Scène nationale of Cergy-Pontoise/Val d’Oise, Théâtre National de Chaillot, Julidans Amsterdam, TANDEM Scène nationale, La Place de la Danse – CDCN Toulouse/Occitanie, Tanz im August/HAU Hebbel am Ufer, Centro Cultural de Belém. Mit Unterstützung von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels und República Portuguesa - Cultura, Juventude e Desporto/Direção-Geral das Artes Koproduktion Residenz: O Espaço do Tempo; Centro de Criação de Candoso, Teatro Municipal do Porto; CRL-Central Elétrica TriggerwarnungStroboskop-Lichteffekte, erhöhte Lautstärke, starke Bässe

Palace Concert in Salzburg — Classical music performance. Termin: Jun 19 um 8:00 PM. Veranstaltungsort: Schlosskonzerte Mirabell, Salzburg, Austria.

Erleben Sie das magische Abenteuer von CAVALLUNA – Tor zur Anderswelt ab Oktober 2025! Diese atemberaubende Show nimmt Sie mit auf eine fesselnde Reise in eine Welt voller Geheimnisse und Fantasie. Lassen Sie sich verzaubern, wenn rund 60 majestätische Pferde, Europas beste Reiter und eine hochkarätige Tanzkompanie das Publikum in Staunen versetzen. Begleitet von emotionaler Musik, spektakulären Lichteffekten und Spezialeffekten erwartet Sie eine unvergessliche Inszenierung, die Herzen berührt und Gänsehaut garantiert. Die Geschichte Tauchen Sie ein in die märchenhafte Erzählung um die junge Seherin Meerin, die sich auf eine gefährliche Reise begibt. Verstoßen von ihrem Volk, muss sie nicht nur ihre eigenen Kräfte neu entdecken, sondern auch einem jungen König in einem fernen Land helfen. Doch das Böse ist ihr dicht auf den Fersen: Der finstere Hexenmeister Röndrup und seine gerissene Nichte setzen alles daran, Meerin und ihre Verbündeten aufzuhalten. Gefangen, gejagt und betrogen, bleibt Meerin dennoch tapfer und entschlossen, das Richtige zu tun. Wird sie es schaffen, die dunklen Mächte zu besiegen und das Tor zur Anderswelt zu durchschreiten? Die packende Geschichte entfaltet sich in spektakulären Bildern, die durch die Schönheit und Anmut der Pferde zum Leben erweckt werden. Die Stars der Show Freuen Sie sich auf unvergessliche Momente mit den wahren Stars der Show – den Pferden! Majestätische Friesen, edle Lusitanos und niedliche Miniponys sind nur einige der tierischen Darsteller, die mit unglaublicher Reitkunst und Akrobatik begeistern. Ob waghalsige Stunts bei der Ungarischen Post, elegantes Trickreiten oder beeindruckende Freiheitsdressur – hier ist für jeden etwas dabei! Publikumslieblinge wie Bartolo Messina und Luis Valença sind ebenso dabei wie das neue italienische Talent Rudj Bellini, der sein Debüt bei CAVALLUNA feiert. CAVALLUNA – Tor zur Anderswelt ist ein unvergessliches Erlebnis für die ganze Familie – voller Magie, Abenteuer und atemberaubender Reitkunst. Seien Sie dabei, wenn diese außergewöhnliche Show Sie in eine andere Welt entführt!

Dauer: 1 Stunde 10 Minuten Karneval der Tiere – eine animalische Trilogie I. Die Geschichte von Babar, dem kleinen Elefanten: nach dem Kinderbuch von Jean de Brunhoff (1899–1937), Musik von Francis Poulenc (1899–1963), Bearbeitung von Paul Yeon Lee II. Ferdinand, der Stier: nach dem Kinderbuch von Munro Leaf (1905–1976), Musik von Alan Ridout (1934–1996) III. Der Karneval der Tiere: Musik von Camille Saint-Saëns (1835–1921) In deutscher Sprache mit Erläuterungen auf Englisch Empfohlen für Erwachsene und Kinder ab 8 Jahren Inhalt In einer abwechslungsreichen Stunde erzählt das Salzburger Marionettentheater drei musikalische Tiergeschichten: Die vom kleinen Elefanten Babar, der in eine Stadt flieht und Gefallen am Leben der Menschen findet; die vom jungen Stier Ferdinand, der andere Vorlieben hat als seine kampfeslustigen Altersgenossen; und Saint-Saëns' berühmten Karneval der Tiere in einer poetischen Neuinterpretation. Musik Musikalische Leitung: Andreas Groethuysen, Benjamin Schmid Tonmeister: Sascha Tekale Flöte, Piccolo: Eiko Yagi Klarinette: Marie-Theres Schindler Glockenspiel, Xylophon: Gregor Resch Klavier zu vier Händen: Jiayin Li, Asuka Tagmi; Yelyzaveta Pachabut, Caitlan Rinaldy Violine: Benjamin Schmid Violoncello: Jeremias Fliedl Kontrabass: Roberto Di Ronza Die Aufnahme entstand exklusiv für das Salzburger Marionettentheater in Kooperation mit der Universität Mozarteum Salzburg. Besetzung DIE GESCHICHTE VON BABAR, DEM KLEINEN ELEFANTEN Konzept, Dramaturgie, Licht: Herbert Kapplmüller, Lisa Stumpfögger Regie: Lisa Stumpfögger Figurinen, Bühnenbild: Herbert Kapplmüller Sprecherin: Hanna Schygulla Figurenbau: Maximilian Kiener-Laubenbacher, Vladimir Fediakov, Emanuel Paulus FERDINAND, DER STIER Konzept, Regie: Philippe Brunner Figurine: Vladimir Fediakov Illustrationen: Clemens Birsak Solo-Violine: Benjamin Schmid Sprecher: Matthias Bundschuh DER KARNEVAL DER TIERE Konzept: Philippe Brunner, Matthias Bundschuh Regie, Bühnenbild: Matthias Bundschuh Figurinen: Barbara Weinhold Musikalische Bearbeitung: Philipp Schmidt Figurenbau: Günter Weinhold Marionettenspieler:innen: Philippe Brunner, Anne-Lise Droin, Vladimir Fediakov, Edouard Funck, Maximilian Kiener, Marion Mayer, Emanuel Paulus, Philipp Schmidt, Eva Wiener, Ursula Winzer

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 25/20/15/10 BODHI PROJECT & Ann Van den BroekWe Solo MenDas gefeierte Stück We Solo Men von Ann Van den Broek, das ursprünglich 2009 entstand, wird nun neu inszeniert und von BODHI PROJECT dance company im Rahmen der Sommerszene aufgeführt. We Solo Men beschäftigt sich mit dem Konflikt zwischen dem Wunsch zu unterhalten und der Unfähigkeit zu kommunizieren. Der Ruf nach Aufmerksamkeit wird zu einem Schrei der Verzweiflung. We Solo Men ist eine unterhaltsame und letztlich einsame Skizze. Ann Van den Broek hat eine rhythmische Komposition aus Klängen, Worten, Bewegung und Körpersprache geschaffen, die darauf abzielt, eine Verbindung zum Publikum herzustellen. Als Choreographin hat Ann Van den Broek eine stark eigenständige künstlerische Handschrift entwickelt. Ihre Inspiration schöpft sie aus Mustern menschlichen Verhaltens, emotionalen Zuständen und Eindrücken, die aus der Auseinandersetzung mit ihren unterschiedlichen Lebensumfeldern entstehen. BODHI PROJECT ist eine international tourende Kompanie. Unter der Leitung der künstlerischen Visionärin Susan Quinn, Gründerin und künstlerische Leiterin von SEAD, präsentiert die Kompanie ein vielfältiges Repertoire in ganz Europa und weltweit. wardward.nl bodhiproject.at Konzept & Choreographie: Ann Van den Broek Cast: BODHI PROJECT dance company: Jaeger Wilkinson, Dylan Labiod, Simone Lorenzo Benini, Maelle Cirou, Noam Carmeli, Stijn Maathuis Künstlerische Leitung BODHI PROJECT dance company: Susan Quinn Choreographische Assistenz: Nik Rajšek Musikkomposition: Arne Van Dongen Bühnendesign: Niek Kortekaas Lichtdesign: Bernie van Velzen Styling & Kostüme: Ann Van den Broek Produktionleitung: Tatjana Lechner Management & internationale Distribution: Marilena Dara Koproduktion: blackmountain, WArd/waRD, SZENE Salzburg, SEAD Artistic Residency: Probehaus Salzburg Mit Unterstützung von Stadt Salzburg, Land Salzburg, Bundesministerium für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport Ward/waRD wird unterstützt vom Dutch National Performing Arts Fund, der Provinz Nordbrabant und der Tilburg.

Paul Pizzera, Gabi Hiller & Philipp Hansa Hawi D´Ehre – Live! Hawi D´Ehre ist der Podcast von Paul Pizzera, Gabi Hiller & Philipp Hansa für Jedermann und jede Frau, der oder die gerne über das Leben nachdenkt und -hört. Hawi D´Ehre live auf der Bühne ist quasi der Livecast zum Podcast. Ein spontaner und einzigartiger Abend, der alles erlaubt, zulässt und einfängt, was in den drei unterschiedlichen Köpfen vorgeht. Um all denen etwas über das Leben der drei „Podagonisten“ zu berichten, die sie gerne besser kennenlernen würden und werden. Wenn ihr Themen, Ideen oder andere Fragen an Gabi, Paul & Philipp habt, einfach eine Mail an hawi.podcast@gmail.com Gabi Hiller: „Vielleicht werdet ihr live erleben wie David Langmann dem putzenden Yoga-Philipp eine mit seinem geliebten Nudelwalker drüberzieht! Vielleicht werdet ihr aber auch erleben, wie David Langmann dem Wegbier-Paul die Zunge herreißt, weil ihm gerade fad im Mund ist. Keiner weiß was passiert.“ Paul Pizzera: "Reiß her a Zungenreiberl, mir is fad in der Pappn." Philipp Hansa: „Nach Monaten der Skype verzerrten Gesichter, freue ich mich ähnlich wie ihr, Gabi Hiller und Paul Pizzera endlich mal live zu erleben. Hab ja keine Ahnung wie die Typen in Echt ausschauen. Ein, zwei Schweinereien hab ich mir auch überlegt. Für die beiden. Aber vor allem für euch! Denn euch wollen wir verbal streicheln, emotional kitzeln und an diesem Abend in die Hawi of Fame einführen.“

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Marco da Silva FerreiraF*cking FutureDer Portugiese Marco da Silva Ferreira zählt zu den prägnantesten Choreographen der Gegenwart. 2024 eröffnete er mit seinem fulminanten Stück Carcaça die Sommerszene, dieses Jahr gastiert er mit der Österreich-Premiere von F*cking Future beim Festival. Im Zetrum des Stückes stehen aktuelle Themen wie Gewaltbereitschaft, Männlichkeit und Militarisierung sowie das komplexe Zusammenspiel von patriarchalen Systemen, kollektiven Affekten und körperlicher Disziplin. Auf einer von allen vier Seiten offenen Bühne entfaltet sich ein choreographischer Marsch zwischen Revolution und Widerstand. Acht Tänzer*innen bewegen sich im pulsierenden Rhythmus, schreiten, schlendern, stampfen – stets vorwärts, stets in Formation, die Raum für individuelle Abweichungen lässt. Glitzernde Hosen, kettenhemdartige Kostüme und flirrendes Licht verstärken die ambivalente Ästhetik eines kollektiven Körpers, der zwischen Euphorie und Bedrohung oszilliert. F*cking Future fragt nach der Macht der Masse, nach Anpassung und Aufbegehren – und nach der Zukunft, die wir gemeinsam erschaffen oder zerstören. Die Botschaft ist unmissverständlich: wir bleiben. Wir bewegen uns. Wir leisten Widerstand. m-arco.pt Künstlerische Leitung & Choreographie: Marco da Silva Ferreira Assistenz Künstlerische Leitung & Dramaturgie: Catarina Miranda, Cristina Planas Leitão Performance: Catarina Casquerio, Eríc Amorim dos Santos, Fábio Krayze, Doisy Bryan, Marco da Silva Ferreira, Matias Rocha Moura, Max Makowski, Nala Revlon Performer (Trainee): José Santos Performerin (Residenz): Mélanie Ferreira Musik: Rui Lima, Sérgio Martins Lichtdesign: Teresa Antunes, Rui Monteiro Kostüme und Bühne: Marco da Silva Ferreira Produktionsleitung: Mafalda Bastos Produktionsassistenz: Ana Lopes Produktion: P-ulsa Distribution: ART HAPPENS Koproduktion: Maison de la Danse, Lyon/Pôle européen de création, in support of Biennale de Lyon, Sadler's Wells, Charleroi Danse, Centre Chorégraphique de Wallonie-Bruxelles, Teatro Municipal do Porto, PACT Zollverein, Points Communs - Nouvelle Scène nationale of Cergy-Pontoise/Val d’Oise, Théâtre National de Chaillot, Julidans Amsterdam, TANDEM Scène nationale, La Place de la Danse – CDCN Toulouse/Occitanie, Tanz im August/HAU Hebbel am Ufer, Centro Cultural de Belém. Mit Unterstützung von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels und República Portuguesa - Cultura, Juventude e Desporto/Direção-Geral das Artes Koproduktion Residenz: O Espaço do Tempo; Centro de Criação de Candoso, Teatro Municipal do Porto; CRL-Central Elétrica TriggerwarnungStroboskop-Lichteffekte, erhöhte Lautstärke, starke Bässe

Torture Squad (BRA) Venom Inc. Put together by Dolan for a one off show, bringing the second true era Venom back together in Lauda Konigshofen. Halfway through the Mpire Of Evil set at the Keep It True festival three Venom members were reunited for a couple of Venom classics. The hall exploded with sheer enjoyment. Mantas on guitar, Demolition Man on bass and vocals were joined by drummer Abaddon and so the Prime Evil line up of Venom was back on stage. When promoters got word of this reunion, a bomb exploded; offers from all over the world followed and so the band decided to have a go at it once more. The name Venom Inc was adapted and for the next few years, the power trio toured the earth up and down, to much success. 2017 saw the release of the album Avé - an album very well received by press and fans who expressed how happy they were that the true keepers of the Venom spirit were back. Venom Inc never gave up and started work on their second album, ‘There’s Only Black’, released on Nuclear Blast in 2022, to much acclaim. With countless highlights behind them - Poland & Rock to half a million people, LATAM with Possessed, Hammersonic in Indonesia as well as other high profile festivals and a full EU tour with Krisiun & Hate, the unholy trinity began demoing for the new album due out 2026. 2 live album releases are coming as well as a new visual product and new studio album. If the old phrase was ‘here lies Venom’!! Then the new flag reads, ‘here stands VenomInc’!

Bitte nutzen Sie ein digitales Ticket anstelle eines ausgedruckten – der Umwelt und den Ressourcen zuliebe. Pay what you can Solidarität und Zusammenhalt sind gerade jetzt besonders wichtig. Daher setzen wir auf ein faires Preismodell: Wählen Sie selbst, was Sie zahlen können. Wer mehr gibt, ermöglicht anderen günstigeren Zugang. So wollen wir möglichst vielen Menschen Kunst und Kultur zugänglich machen. Preise zur Auswahl: € 40/35/30/25/20/15/10 Doris Uhlich & Susanne KirnbauerCome Back Again„Aus diesem Aufeinandertreffen entsteht große Faszination.“ Deutschlandfunk Kultur heute Come Back Again ist eine Performance über den Mut, die eigene Körperbiographie herauszufordern und auch im hohen Alter ungewohnte Wege einzuschlagen. Doris Uhlich führt nach SPITZE (2008) und Come Back (2012) ihre Zusammenarbeit mit Susanne Kirnbauer, ehemalige Ersten Solotänzerin der Wiener Staatsoper, fort. Mit Mitte 40 musste sie ihre Karriere als aktive Balletttänzerin beenden. Ein älter werdender Körper hat keinen Platz auf der Ballettbühne – schon gar nicht der Körper einer Frau. Die über 80-Jährige erforscht mit Doris Uhlich, wohin sich ihre Energie und Kraft jenseits der Ballettschritte, die für sie nicht mehr ausführbar sind, tänzerisch, performativ und stimmlich transformieren können. Im Schwebezustand von Veränderung und Neusortierung treffen zwei Tänzerinnen unterschiedlicher Generationen aufeinander. Dabei wird Vergangenheit hinterfragt, Gegenwart beleuchtet und futuristische Archäologie betrieben. dorisuhlich.at susanne-kirnbauer.at Konzept & Choreographie: Doris Uhlich Performance: Susanne Kirnbauer, Doris Uhlich Dramaturgische Zusammenarbeit: Adam Czirak Outside Eye: Nikolaus Selimov Feedback: Yoshie Maruoka Sound, DJ: Boris Kopeinig Bühne: Doris Uhlich in Zusammenarbeit mit Juliette Collas Bühnenmitarbeit: Marco Tölzer Lichtdesign: Leticia Skrycky Lichttechnische Umsetzung und Betreuung auf Tour: Gerald Pappenberger Kommunikation, Presse: Franziska Heubacher Produktionsmanagement: Margot Wehinger Internationale Distribution: Giulia Traversi Dank an: best4stage und Sophie Tautorus Koproduktion: brut Wien und insert Tanz und Performance GmbH Gefördert von: Kulturabteilung der Stadt Wien und Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport. Einführung: 23. Juni, 19:30 Artist Talk: 23. Juni, im Anschluss an die Vorstellung

Bare Bones, ein zu 100 % akustisches Konzert Bryan Adams an der Gitarre und Gary Breit am Klavier in einer besonderen Show Der berühmte kanadische Künstler Bryan Adams wird am 23. Juni 2026 in Salzburg im Großen Festspielhaus auftreten und im Zuge von "The Bare Bones Live" sein geniales zu 100 % akustisches Konzert präsentieren. Zwei Stunden lang wird Bryan an der Gitarre, begleitet ausschließlich von seinem Pianisten Gary Breit, mehr als nur Musik bieten. Der Künstler wird seine Seele offenbaren – das gesamte Konzept des Konzerts basiert auf dem Wunsch, dass jeder einzelne im Publikum das Gefühl hat, Bryan spiele nur für ihn persönlich. The Bare Bones Live bietet eine einmalige Gelegenheit, Bryan Adams in seiner ursprünglichsten Form zu erleben. Das Publikum wird das Gefühl haben, als säße es im eigenen Wohnzimmer und erlebe einen besonders nahbaren Bryan Adams. Songs wie "Run to You", "It’s Only Love", "Here I Am", "Cuts Like a Knife", "I Finally Found Someone" (ursprünglich als Duett mit Barbra Streisand gesungen) und besonders "(Everything I Do) I Do It For You" lassen die zeitlose Größe von Bryan Adams musikalischer Meisterschaft aufleben – vielleicht in der einzigartigsten Form eines Adams-Konzerts überhaupt. Die akustische Interpretation seiner größten Klassiker wurde von Kritikern und Fans gleichermaßen begeistert aufgenommen. Bryan Adams – die Rocklegende, vor der die Zeit den Hut zieht Bryan Adams, bekannt für seine unverwechselbare Stimme, seine gefühlvollen Texte und seine kraftvolle Bühnenpräsenz, ist seit Jahrzehnten eine feste Größe in der Musikbranche. Mit zeitlosen Hits wie "Summer of ’69", "Heaven" und "Run to You" ist Adams zum Synonym für hymnischen Rock geworden, der Menschen auf der ganzen Welt begeistert. Der gefeierte Künstler tourt seit fast vier Jahrzehnten rund um den Globus. Seine Musik erreichte in mehr als 40 Ländern die Charts und wurde mit zahlreichen Auszeichnungen geehrt, darunter ein Grammy, American Music Awards, drei Oscar-Nominierungen, fünf Golden-Globe-Nominierungen sowie die Ernennung zum Companion of the Order of Canada. Und wie er selbst gerne sagt: "Jedes Mal, wenn mir jemand ein Kompliment macht, sage ich: ‚Rock ’n’ Roll hält jung!‘ Musik zu spielen und die Welt zu sehen – das ist kein schlechter Job, wenn man ihn machen darf." 2018 wagte er sich in die Welt des Musicals und schrieb gemeinsam die Songs für "Pretty Woman: The Musical". 2022 veröffentlichte er sein 16. Studioalbum "So Happy It Hurts". 2023 folgte er dem Beispiel von Taylor Swift und nahm einige seiner größten Songs neu auf – veröffentlicht auf dem Doppelalbum "Classics". Kurz darauf erschien außerdem ein Drei-Album-Boxset mit Aufnahmen aus seiner Royal-Albert-Hall-Residenz. Im August 2024 gründete Bryan sein eigenes unabhängiges Plattenlabel Bad Records und veröffentlichte eine limitierte 7-Zoll-Digitalsingle sowie ein Musikvideo mit den beiden Songs "Rock And Roll Hell" und "War Machine". Gary Breit Gary Breit ist ein kanadischer Pianist, der seit 2002 mit Bryan Adams zusammenarbeitet und bei den Bare Bones-Konzerten sein einziger musikalischer Begleiter ist. Breit spielte bereits auf Adams’ Album "Room Service" (2004) Keyboard, nachdem Adams’ früherer Keyboarder Tommy Mandel die Band verlassen hatte. Seitdem ist er kontinuierlich mit Adams und seiner Band auf Tour.

Ein Sommer. Eine Nacht. Ein Traum. Und ein bunter Haufen Jugendlicher. Vor der Bühne. Auf der Bühne. Hinter der Bühne. Da tummeln sie sich – als Feen, Elfen und Menschenkinder – und spielen eine Liebesgeschichte voller Magie und komisch-tragischer Verwechslungen. Ein bisschen Wald. Ein bisschen Stadt. Und alles mit einer Brise Klassik. Geleitet von Helena May Heber und Benjamin Blaikner mit TeilnehmerInnen vom Jugendclub des kleinen theater Salzburg.

Babyspace ab 0,5 Jahre Termin: 25.06.2026, 10:00 Uhr In einer vielfältigen Auseinandersetzung dreier Tänzer:innen mit drei Schlafsäcken und einer Zitrone wird das Thema des Einschlafens und Wachbleibenwollens auf spielerische Weise erkundet. Dabei entstehen unerwartete Verbindungen zwischen den Schlafsäcken, die neue Formen, Aktionen und Zugänge für die Kinder eröffnen – bunt, lebendig und voller Fantasie. Gemeinsam wird getanzt, gespielt, gerochen … und vielleicht sogar eingeschlafen? Oder doch nicht? Konzept, Choreografie: Silke Grabinger Performer:innen: Elias Choi-Buttinger, Sonja Stojanović-Aufreiter, Roland Géczy Produktionsleitung: Julia Lehner Probenleitung: Gergely Dudás-Simó, Kirin Espana Dramaturgie: Ludwig Felhofer, Silke Grabinger Kostümdesign: Bianca Fladerer Lichtdesign: Max Windisch-Spoerk PR und Kommunikation: Julia Lehner Foto: Mistral, Julia Lehner Eine SILK Fluegge Produktion, gefördert durch die Stadt Linz, Kulturland Oberösterreich sowie dem BMWKMS. Ermäßigungen: Familienpass, Freizeitpass BGL, S-Pass, Jugendcard BGL, Ö1-Club, SalzburgCard, SN-Card, Senior*innen, SAV – Amateurtheater Verband Salzburg, Aktiv Karte Salzburg.

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Die Eleven Empire Summer Sessions setzen die Tradition einer der markantesten Veranstaltungsreihen unserer Breitengrade fort, die seit 2013 im Rockhouse Salzburg durch konsequente Hinwendung zu Qualität, Vielfalt und unabhängiger Kuratierung eine einzigartige Plattform für zeitgenössische Musik jenseits industrieller Zwänge geschaffen hat. In der Ausgabe 2026 präsentieren sich erneut mehrere sorgfältig ausgewählte Acts an einem Abend live, darunter als erste bestätigte Formation die Band Talk To Her aus Padua, deren dunkler, incisiver Sound Post-Punk, New Wave und elektronische Elemente zu einer intensiven Auseinandersetzung mit Themen wie Identität, Verlangen und Entfremdung verdichtet. Talk To Her (IT) + more to come Summer Sessions Was einst als kleine Bastion für roh klingenden Garage‑Rock startete, hat sich in den vergangenen anderthalb Jahrzehnten zu einem unverzichtbaren Forum einer lebendigen, vielgestaltigen Gegenwartsmusikszene entwickelt, in dem künstlerische Kühnheit und subkulturelle Vielfalt nicht nur toleriert, sondern konsequent gefördert werden. Dieser Anspruch, sich jenseits konventioneller Musikindustrie‑Logiken zu positionieren und stattdessen kuratorisch wie ästhetisch einen offenen, experimentellen Raum zu schaffen, ist bis heute charakteristisch für das Eleven Empire‑Projekt im Rockhouse Salzburg. Die Summer Sessions markieren einen besonderen Höhepunkt im jährlichen Kalender: Sie bündeln an einem Abend mehrere sorgfältig ausgewählte Acts, deren gemeinsame Nennung mehr ist als eine bloße Auflistung von Bands. Vielmehr spiegelt sich hier eine kuratorische Haltung von globaler Underground‑Elektronik über post‑punkige Reibungsflächen bis zu rhythmisch ungewohnten Schichtungen und narrativen Visionen. In der Vergangenheit standen diese Sessions im Zeichen der Entgrenzung: Künstlerinnen und Künstler wie HHY & The Kampala Unit, Descartes A Kant und Morena Leraba eröffneten dem Publikum unterschiedliche Perspektiven auf zeitgenössische Musik jenseits gängiger Kategorisierungen, indem sie afro‑elektronische Rhythmen, psychedelische Texturen und eine generell transkulturelle Performance‑Sensibilität miteinander verbanden. In ihrer Struktur wie in ihrem Selbstverständnis verweisen die Summer Sessions auf ein Grundprinzip von Eleven Empire: die radikale Offenheit gegenüber musikalischer Innovation, die Anerkennung von Sound als kollektives Existenzfeld und die Behauptung eines unabhängigen Raums im kulturellen Gefüge Salzburgs. Diese Haltung hat sich in den Jahren vor 2026 kontinuierlich verfestigt, nicht zuletzt durch die Präsenz zahlreicher Acts, die im weiteren Verlauf ihrer Karriere bedeutendere Positionen eingenommen haben, aber früh im Rahmen von Eleven Empire ihre ersten größeren Bühnenauftritte in der Stadt hatten. Die Ausgabe 2026 steht daher nicht nur für ein weiteres Kapitel einer Reihe, sondern für die fortdauernde Gültigkeit eines kuratorischen Ethos, avantgardistischer Haltung, Underground‑Sensibilität und kulturelle Unabhängigkeit zu verbinden sucht - und das Publikum einlädt, diese Haltung nicht nur zu konsumieren, sondern in ihr mitzudenken. Talk To Her Talk To Her sind eine italienische Band aus Padua, deren Sound ein breites Spektrum von Post-Punk über elektronische Musik bis hin zu New Wave und Alternative Rock umfasst. Ihre introspektiven Themen - Leiden, Verlangen, Entfremdung und die Suche nach Identität - erinnern dabei an die emotionale Intensität und Dunkelheit, die man auch bei Post-Punk-Ikonen wie Killing Joke oder moderneren Acts wie Editors wiederfindet, sowie an elektronische Melancholie, wie sie etwa Depeche Mode in vielen ihrer Werke vermitteln. Im Jahr 2018 erschien ihre EP "Home", die mit einer dichten, atmosphärischen Mischung aus Wave-, New-Wave- und Post-Punk-Einflüssen das Fundament ihrer späteren Entwicklung legte. 2020 folgte das Album "Love Will Come Again", das nicht nur thematisch in die Tiefe ging, sondern der Band auch positive Resonanz und eine wachsende Fanbase einbrachte. Nach der Veröffentlichung intensivierte die Band ihre Live-Aktivitäten und spielte unter anderem auf renommierten Festivals wie Wave Gotik Treffen, Sinner’s Day und Post Punk Strikes Back Again - Veranstaltungen, die eng mit der europäischen Post-Punk- und Dark-Wave-Szene verknüpft sind. Mit ihrem zweiten LP-Album "Pleasure Loss Desire" aus dem Jahr 2025 begeben sich Talk To Her klanglich noch weiter in dunklere, schärfere Gefilde. Die früher stärker emotional-leidenschaftlichen Themen weichen nun Alienation, Angst und existenzieller Kälte, und sowohl der Sound als auch der Gesang erscheinen kälter, kompromissloser und gelegentlich aggressiver. Während der Wave-Einfluss weiterhin spürbar bleibt, dominiert eine post-punk-getriebene Klangästhetik, die mit starken Anleihen aus dem Post- und Alternative Rock der späten 1990er und frühen 2000er Jahre gemischt wird - eine Entwicklung, die Fans von Bands wie Editors oder Killing Joke sicher anspricht, oder auch Anhängern moderner Dark-Wave-Acts wie She Past Away.

Delinquent Habits, die Latin-Hip-Hop-Ikonen aus Los Angeles, feiern 30 Jahre Rhythmus, Kultur und globalen Einfluss. Mit ihrem millionenfach verkauften Hit "Tres Delinquentes" gelang ihnen der internationale Durchbruch. Als Pioniere des Spanglish-Raps haben sie sich ein weltweites Vermächtnis aufgebaut - sechs Alben, unzählige Tourneen rund um den Globus, Auftritte in Filmen und Videospielen sowie Kollaborationen mit Legenden wie Cypress Hill, Beck und Korn. Nach dem jüngsten Erfolg "California" kehren die Schwergewichte der Westküste stärker denn je mit ihrem neuen Album "El Ritmo" zurück. Ihre Live-Shows sind legendär - die markanten Bläser, rohe Energie und unverwechselbaren Delinquent-Habits-Vibe: mehr Hits, mehr Kultur und mehr Tequila als je zuvor. 30 Jahre. Ein Vermächtnis. El Ritmo.

«She* Jams» – eine regelmäßige Jam-Session von & für FLINTA.Die Idee: Wir schaffen einen Raum, um gemeinsam zu musizieren – ohne Druck, einfach aus Freude am Sound 🎶💃. Egal ob Anfängerin oder Bühnenerfahrene, ob du Gitarre, Drums, Geige oder Kazoo spielst – alle Instrumente und Stimmen sind willkommen! 🎹🥁🎤 Auch Spoken Word, Slam oder einfach spontanes Jammen – alles darf, nichts muss. 💫 Wir freuen auf viele coole Musikerinnen & kreative Vibes! Info an Interessierte gerne weitergeben.

Der kleine Prinz Antoine de Saint-Exupéry Musik: Parviz Mir-Ali 1 Stunde In deutscher Sprache mit Erläuterungen in Englisch Inszenierung Alexandra Liedtke Bühnenbild Raimund Orfeo Voigt Kostüme Lane Schäfer Sprecher Alexandra Liedtke Peter Raffalt Michael Maertens Robert Kratky Matthias Hartmann Marcus Bluhm Edouard Funck

9 Uhr Messe mit Übergabe der Vater Unser Tafeln im Anschluss Fest mit allerlei vom Grill, Salate, Kaffee und Kuchen Aktivitäten für Kinder: Schminken und viele Spiele

In seinem ersten veröffentlichten Gedichtband „Loveletters – mutwillige Liebesergüsse“ zeigt sich Stefan Jürgens selber als hoffnungsvoller Romantiker, der den Grabenkämpfen der Geschlechter hemmungslos mit dem Wunder der Liebe begegnet. Hier wird die Liebe gefeiert und zur obersten Glücksformel erhoben. Ein Aufatmen in dunklen Zeiten und ein Nachtlicht zur Zuversicht. In seiner Leseperformance „NENN‘ ES LIEBE“ lässt er nun alle Erscheinungsformen der Liebe an uns vorüberziehen. Wir spüren ihre Heilkraft ebenso wie ihre Zerstörungswut. Wir schwelgen in ihrer Hemmungslosigkeit und werden Zeugen ihrer Opferbereitschaft. Große Dichter der Weltliteratur zeigen uns die vielen Gesichter der Liebe, wie sie unterschiedlicher nicht sein könnten. Und doch bezeugen sie alle eines gemeinsam: Liebe ist nicht verhandelbar. Und nicht in Regeln zu sperren. Sie überlebt unter kargsten Bedingungen und ist keinem Zwang zu unterwerfen. Sie macht uns aus. Sie ist alles, was zählt. Spieldauer: ca. 90 min Pause: nach ca. 55 min

Kleider tauschen statt kaufen! T-Shirts, Schuhe, Kleider oder Hosen? Beim Kleidertausch im MARK ist viel dabei, das auf neue Besitzer*innen wartet. Wir bitten euch, nur intakte Kleidung zu bringen, die noch keine/wenig Abnutzungserscheinungen aufweisen. Zur Entsorgung von kaputter Kleidung verweisen wir gerne auf ökologisch-nachhaltige Container. In Ruhe stöbern und mitnehmen könnt ihr am ersten Donnerstag im Monat, von 17:00 – 23:00 Uhr. Beim gemütlichen Erkunden gibt es auch eine Stärkung. Zeitgleich zum Kleidertausch findet am Donnerstag die Community Kitchen statt. Kontakt: office@marksalzburg.at

Chicago-based cosmic and cataclysmic quartet REZN have mined the stark monochromatic depths of underground metal and fused them with the kaleidoscopic delights of psychedelia, prog rock, and shoegaze. From their inception, the band have been fiercely independent with a fully realized aesthetic and a fervent cult following. As knowledgeable gear heads, experienced sound engineers, and seasoned DIY veterans, REZN have been able to create a body of work devoid of any sonic compromises in their speaker-rattling dirges and heady lysergic forays. Their four self-released albums—Let It Burn (2017), Calm Black Water (2018), Chaotic Divine (2020), and Solace (2023)—have all gone through multiple vinyl pressings without any distribution or retail presence, and the international underground heavy psych world has routinely selected the band for distinguished festival slots across North America and Europe.

Kleider tauschen statt kaufen! T-Shirts, Schuhe, Kleider oder Hosen? Beim Kleidertausch im MARK ist viel dabei, das auf neue Besitzer*innen wartet. Wir bitten euch, nur intakte Kleidung zu bringen, die noch keine/wenig Abnutzungserscheinungen aufweisen. Zur Entsorgung von kaputter Kleidung verweisen wir gerne auf ökologisch-nachhaltige Container. In Ruhe stöbern und mitnehmen könnt ihr am ersten Donnerstag im Monat, von 17:00 – 23:00 Uhr. Beim gemütlichen Erkunden gibt es auch eine Stärkung. Zeitgleich zum Kleidertausch findet am Donnerstag die Community Kitchen statt. Kontakt: office@marksalzburg.at

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg ist eine einzigartige Veranstaltung, die klassische Musik und kulinarische Genüsse in einem historischen Ambiente verbindet. Während des Konzerts werden Werke von Wolfgang Amadeus Mozart von talentierten Musikern aufgeführt, die in originalgetreuen Kostümen auftreten. Die Gäste genießen ein mehrgängiges Menü, das von der Küche des 18. Jahrhunderts inspiriert ist.

Premiere: 02. Juli 2026 – 20:00 Uhr Weitere Termine: 03. + 04.07.2026 – 20:00 Uhr LOOP bewegt sich zwischen Präzision, Synchronität und Freiheit im Tanz. Bewegung zirkuliert: Im kontinuierlichen Fluss entstehen Formationen, verschieben sich Linien, brechen Strukturen auf und setzen sich neu zusammen – ein Loop, der Veränderung antreibt. House Dance bildet die choreografische Grundlage von LOOP: musikalisch sensibel, rhythmisch präzise und zugleich durchlässig. Inspiriert von digitalen Filtern, die Zeit dehnen und Perspektiven verschieben, entsteht eine visuelle Struktur aus sich überlagernden Ebenen, in der sich Muster verdichten und wieder auflösen. Eine Choreografie, die atmet und fließt. Künstlerische Leitung & Choreografie: Olivia Mitterhuemer Performance und Ko-Kreation: Giulia Aiosa, Farah Deen, Arūnas Mozūraitis, Rachad Zangaba Research: Farah Deen, Darya Kostskina, Ines Reisner, Ramona Peter, Daniel Krümke Musik-Mix: Manoo Kostüm & Bühne: Magdalena Neuburger, Olivia Mitterhuemer Licht und Technik: Robert Schmidjell, Julian Besch Produktion: Carolin Gstädtner Eine Koproduktion von Potpourri Dance und Toihaus Theater Salzburg. Gefördert von Stadt Salzburg, Land Salzburg, Bildrecht & Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport. Unterstützt von Salzburg Verkehr.

Mimi Barks (GER) KING 810 King 810 is an American nu metal band from Flint, Michigan. Formed in 2007, in a town renowned for its crime and poverty their sound blends everything from crushing nu-metal riffs and twisted alt-rock, to experimental hip-hop, electronica and dark jazz, standing proudly apart from the common modern metal herd. King 810 punctured the mainstream consciousness in 2012, when their "Midwest Monsters" EP earned them a deal with Roadrunner Records. "Memoirs Of A Murderer" the band’s full-length debut emerged to great acclaim later that year. Breaking new ground in 2015 with mixtape "Midwest Monsters 2": a collaboration with DJ Drama, featuring luminaries from the hip-hop world, including Freddie Gibbs, and a wholly new take on the rap/metal crossover. The following year, King 810 released the audacious "La Petite Mort Or A Conversation With God". The extraordinary, visceral poetry and prose of frontman David Gunn transmuted into the acoustic respite of the "Queen" EP before King 810 cut their big label ties embracing independence with 2018’s gleaming, esoteric "Suicide King" album.More recently, Flint’s finest have been spotted around the world, performing increasingly artful and theatrical shows following 2020’s apocalyptic "AK Concerto No.47, 11th Movement In G Major"; and dropped their most vivid and absorbing material yet, on 2023's "K5: follow my tears…" EP. Endlessly creative, King 810 continue to stride where no else dares, armed with nothing more than the bloody truth. Mimi Barks Mimi Barks has built a sound that is entirely her own. Her work is rooted in the collision of metal, industrial energy and trap, shaped into something she calls DOOM TRAP. The music is emotional, heavy and unfiltered. It reaches into places that are uncomfortable and turns them into something powerful and strangely beautiful. Nothing in her catalogue feels polished for comfort. It lives and breathes with tension, grit and truth.

"10 Jahre Neulich… und wir drehen auf.Ein Konzert mit unseren Weggefährt_innen, Freund_innen und natürlich dem Wonderchor. Seit 10 Jahren stehn wir auf der Bühne – und das feiern wir genau so, wie wir es am liebsten tun: mit euch. Mit allen, die uns schon lange begleiten, unseren treuen „Fans“, und genauso mit denen, die einfach Lust auf gute Musik, Stimmung und eine richtig gute Atmosphäre haben. Kommt vorbei und lasst uns gemeinsam einen Abend erleben, der klingt, vibriert und im Kopf bleibt." Einlass: 18:30 / Beginn: 19:00 VVK: 11€ / AK: 12€ Tickets gibt’s im Vorverkauf bis 17:00 Uhr am Veranstaltungstag – danach zum Abendkassenpreis vor Ort.

Premiere: 02. Juli 2026 – 20:00 Uhr Weitere Termine: 03. + 04.07.2026 – 20:00 Uhr LOOP bewegt sich zwischen Präzision, Synchronität und Freiheit im Tanz. Bewegung zirkuliert: Im kontinuierlichen Fluss entstehen Formationen, verschieben sich Linien, brechen Strukturen auf und setzen sich neu zusammen – ein Loop, der Veränderung antreibt. House Dance bildet die choreografische Grundlage von LOOP: musikalisch sensibel, rhythmisch präzise und zugleich durchlässig. Inspiriert von digitalen Filtern, die Zeit dehnen und Perspektiven verschieben, entsteht eine visuelle Struktur aus sich überlagernden Ebenen, in der sich Muster verdichten und wieder auflösen. Eine Choreografie, die atmet und fließt. Künstlerische Leitung & Choreografie: Olivia Mitterhuemer Performance und Ko-Kreation: Giulia Aiosa, Farah Deen, Arūnas Mozūraitis, Rachad Zangaba Research: Farah Deen, Darya Kostskina, Ines Reisner, Ramona Peter, Daniel Krümke Musik-Mix: Manoo Kostüm & Bühne: Magdalena Neuburger, Olivia Mitterhuemer Licht und Technik: Robert Schmidjell, Julian Besch Produktion: Carolin Gstädtner Eine Koproduktion von Potpourri Dance und Toihaus Theater Salzburg. Gefördert von Stadt Salzburg, Land Salzburg, Bildrecht & Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport. Unterstützt von Salzburg Verkehr.

Premiere: 02. Juli 2026 – 20:00 Uhr Weitere Termine: 03. + 04.07.2026 – 20:00 Uhr LOOP bewegt sich zwischen Präzision, Synchronität und Freiheit im Tanz. Bewegung zirkuliert: Im kontinuierlichen Fluss entstehen Formationen, verschieben sich Linien, brechen Strukturen auf und setzen sich neu zusammen – ein Loop, der Veränderung antreibt. House Dance bildet die choreografische Grundlage von LOOP: musikalisch sensibel, rhythmisch präzise und zugleich durchlässig. Inspiriert von digitalen Filtern, die Zeit dehnen und Perspektiven verschieben, entsteht eine visuelle Struktur aus sich überlagernden Ebenen, in der sich Muster verdichten und wieder auflösen. Eine Choreografie, die atmet und fließt. Künstlerische Leitung & Choreografie: Olivia Mitterhuemer Performance und Ko-Kreation: Giulia Aiosa, Farah Deen, Arūnas Mozūraitis, Rachad Zangaba Research: Farah Deen, Darya Kostskina, Ines Reisner, Ramona Peter, Daniel Krümke Musik-Mix: Manoo Kostüm & Bühne: Magdalena Neuburger, Olivia Mitterhuemer Licht und Technik: Robert Schmidjell, Julian Besch Produktion: Carolin Gstädtner Eine Koproduktion von Potpourri Dance und Toihaus Theater Salzburg. Gefördert von Stadt Salzburg, Land Salzburg, Bildrecht & Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport. Unterstützt von Salzburg Verkehr.

Devon Allman’s Blues Summit versammelt mit Devon Allman, Jimmy Hall, Bernard Allison und Claudette King eine hochkarätig besetzte US-All-Star-Formation des zeitgenössischen Blues, die in einem kuratierten Live-Format die stilistische Spannweite von Southern Soul über Chicago Blues bis hin zu modernem Blues-Rock bündelt und damit ein seltenes, genreübergreifendes Gipfeltreffen etablierter Szenegrößen auf europäischen Bühnen realisiert. special guest:Jimmy Hall (US) special guest:Bernard Allison (US) special guest:Claudette King (US) Devon Allman‘s Blues Summit Devon Allman’s Blues Summit präsentiert eine seltene Konstellation zeitgenössischer Bluesautoritäten, die in dieser Form nur wenige Male außerhalb der USA zu erleben ist. Initiiert und geleitet von Devon Allman, – einem Musiker, der sich seit Jahren als stilistisch eigenständige Stimme innerhalb der amerikanischen Blues- und Roots-Szene etabliert hat – versammelt das Projekt Persönlichkeiten, die jeweils eigene Kapitel der jüngeren Bluesgeschichte repräsentieren. Jimmy Hall (Wet Willie), seit den 1970er-Jahren prägender Sänger und Harmonikaspieler im Grenzbereich zwischen Southern Soul, Rhythm & Blues und Rock, gilt bis heute als einer der markantesten Vocalisten seines Genres. Bernard Allison führt das musikalische Vokabular seines Vaters Luther Allison in die Gegenwart weiter: mit einer Spielhaltung, die den Chicago-Blues um funkige Texturen und moderne E-Gitarren-Akzente erweitert. Claudette King wiederum steht für die unmittelbare Verbindung zum klassischen Electric Blues; ihre Stimme und Bühnenpräsenz machen nachvollziehbar, warum die US-Presse sie wiederholt als „The Princess of the Blues“ bezeichnet hat. Der Summit ist weniger ein traditionelles Konzertformat als ein kuratiertes Treffen eigenständiger musikalischer Handschriften. Der Fokus liegt auf Interaktion, Stilvielfalt und der historischen Spannweite des Genres – vom urbanen Blues der Nachkriegszeit über Southern-Varianten mit Soul-Affinität bis zu zeitgenössischen, rockorientierten Ausprägungen. In den USA wurde die Produktion bereits als „one of the most dynamic live collaborations in modern blues“ beschrieben; in Europa markiert sie eine der seltenen Gelegenheiten, diese Künstler in einer gemeinsamen, dramaturgisch verdichteten Show zu erleben. Was hier entsteht, ist ein Panorama des amerikanischen Blues, das sich nicht über Nostalgie definiert, sondern über die unmittelbare Präsenz seiner Protagonisten. Ein Abend, der das Genre in seiner Breite und Aktualität erfahrbar macht.

CARMEN Oper von G. Bizet INTERNATIONALE SOLISTEN OPER IM BERG FESTIVAL ORCHESTER Seit 2008 steht das Oper im Berg Festival unter der Schirmherrschaft von Weltstar Grace Bumbry und in Hommage Luciano Pavarotti für großartige Stimmen, die aus dem jährlichen Grandi Voci Wettbewerb engagiert werden und für klassische Regie und wunderbaren Operninszenierungen, wie man sie heute nur noch selten trifft. Seit einigen Jahren findet das Festival in der Großen Aula, Salzburgs ältesten Operntheaters (400 Jahre) statt, wo Mozart seine erste Oper uraufführte!

Strange Pleasures by digital_kid01ABOUT ME: I am Ekaterina Kartseva or digital_kid01, an artist, currently based in Austria. How do I make art? I just try to replicate the image I see in my head to reality it with whatever means at hand. I am fond of the surrealist art style. I think it portrays how the brain thinks in the most accurate way, since emotions and images are not filtered by the wish to distil them to a universally translatable form. ABOUT THE VERNISSAGE: The name of the vernissage is a title of the album by Still Corners. The art style was inspired by the calmness of their songs and the moments they’ve created for me. The calm melodies found in everyday life and dreamy landscapes is what this Exhibition aims to show. This album has been with me since I was 17 years old and was a constant when I was to make art. There is something about the melodies that inspired me to translate them into strokes, pause my life and see which moments of my life can I turn into art. These can be the most random moments of life, which for me were: Danish filmmaking culture, a course on semiotics I had during my Bachelor’s degree, advertising that I've been hearing on the loudspeaker while shopping at Viru Keskus and mountains of Salzburg I see now every day when I do my long nature walks. ABOUT THE ARTWORKS: The vernissage features artworks that are united with a topic of nature, dreaming inwardly and embracing the soft and hazy atmosphere of day and night dreams. Some of the images were drawn directly from my dreams, while some were a free flow of Imagination, inspired by moments of feeling "strange pleasures” one can experience if they were to immerse into their own dreams.

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Nach einem Märchen der Gebrüder Grimm von Leopold Faltner Regie, Bühnenbild, Licht Thomas Reichert Dauer 1 Stunde In Deutsch mit Übertiteln in englischer Sprache

TICKETS: https://www.eventim-light.com/at/a/67064c26f1e6776e611b0492/e/6978900aa7284623ee6fb45cPullman City CMA - Best New-Country Band 2024 Boots On! Die Country Rock Show ist ein Musikgenuss, den man in unseren Breitengraden nur selten findet. Wir bringen den „neuen Sound“ aus den besten Clubs Nashvilles direkt auf eine Party in deiner Nähe! Mit modernen Country Rock Party Tunes von Country-Stars wie Miranda Lambert, Randy Houser, Gretchen Wilson, Brad Paisley, Jason Andean, Lady Antebelum, Sugarland und vielen mehr begeistert die 7-köpfige Country-Rock Tribute Band nicht nur altgediente Honky-Tonk Country Fans, sondern auch die junge Generation von Gitarren-Rock und Contemporary Pop liebenden Cowboys und Girls. Infos unter https://boots-on.at Einlass 19:30 / Beginn 20:30 VVK 30€ / AK 35€ TICKETS: https://www.eventim-light.com/at/a/67064c26f1e6776e611b0492/e/6978900aa7284623ee6fb45c

Pullman City CMA Best New-Country Band 2024 Boots On! Die Country Rock Show ist nicht nur eine Country Band, sondern ein Musikgenuss, den man in unseren Breitengraden nur selten findet. Wir bringen den „neuen Sound“ aus den besten Clubs Nashvilles direkt auf eine Party in deiner Nähe! “Als modernste Country Band österreichs haben wir es uns zur Aufgabe gemacht Country Musik vor allem für Jüngere Leute wieder attraktiv zu machen. Wir stecken auch den letzten Skeptiker zum Bewegen an und sorgen in einer Zeit der Schnelllebigkeit für einen erinnerungsreichen Abend.” antwortet Bandgründer Tom Perry auf die Frage ob Country Musik in Österreich überhaupt noch ein Publikum hat. Mit modernen Country Rock Party Tunes von Country-Stars wie Miranda Lambert, Randy Houser, Gretchen Wilson, Brad Paisley, Jason Andean, Sugarland und vielen mehr begeistert die 7-köpfige österreichische Country Band aus Wien nicht nur altgediente Honky-Tonk Country Fans, sondern auch die junge Generation von Gitarren-Rock und Contemporary Pop liebenden Cowboys und Girls. Tanzwütige werden von der bandeigenen Line-Dance Tanzgruppe zum Mitmachen animiert, während Musikbegeisterte sich an der herausragenden musikalischen Darbietung satt sehen dürfen. Buchbar für Festivals, Events und Firmenfeiern verspricht Boots On! Die Country-Rock Show eine abendfüllende Country-Rock Party, von der du und deine Freunde noch lange sprechen werden.

Von Sarah Marie Jones Regie Torsten Hermentin Mit Judith Brandstätter & Gaby Schall Weiters PRODUKTION Salzburger Tournee Theater Verlag Edition Schmidt Spieldauer ca. 80 min Zwei Heldinnen der Pflege, eine folgenschwere Entdeckung – das ergibt unzählige Versuchungen und Möglichkeiten. Was für Francis und Loretta als kleine Schummelei gegen die tägliche Ungerechtigkeit beginnt, entwickelt sich zum Vergnügen des Publikums zu einer kriminellen Achterbahnfahrt, aus der der Ausstieg bald unmöglich erscheint. Sarah Marie Jones präsentiert ein starkes Frauen Duo, das mit viel Witz, Poesie und einer geballten Ladung schwarzem Humor den blank liegenden Nerv unseres Systems treffen und ein brandaktuelles moralisches Dilemma auf die Bühne bringen. Judith Brandstätter und Gaby Schall, die als Frauenduo schon in den „Vagina Monologen“, „Busenfreundinnen“ und „Zwei Frauen und eine Leiche“ brilliert haben“, schlüpfen hier in die Rollen von Francis und Loretta.

Brother Buffalo It starts as a quiet hum in the air, a vibration that slowly expands until it fills the room. This is not another polished act chasing trends. This is Brother Buffalo. Raw energy taking shape, a movement born out of passion and a belief in real music. Founded in Salzburg in 2018 by American songwriter Dave Long, Brother Buffalo began as a small circle of friends and musicians from Austria, Italy, the UK, and the United States. What started as one man’s vision has grown into a powerful collective built on groove, connection, and the fearless pursuit of authenticity. Their self-produced debut album, now available on vinyl, with digital Releases rolling out November 2025, captures that evolution. Recorded in the Austrian Alps and mastered for vinyl, the record blends blues-infused guitars, soulful melodies, and alternative rock grit into a sound that feels both familiar and fresh. It is the sound of a band that has lived every note they play.Sound that captivates Songs like "Seen Nothin" and "Devil for a Six-String" drive forward with the restless pulse of American roots rock, while "One More Time" slows things down into a classic blues ballad with raw, surging dynamics. "Moonshine" drifts into grungier territory, a melancholic alternative rock anthem that lingers long after it fades. Together, these songs reveal the band’s range and heart, anchored by Long’s voice and lyrics that balance grit and vulnerability. At home on stage Fresh off a sold-out album release show at the Rockhouse Salzburg, Brother Buffalo are quickly gaining momentum. Their songs resonate with audiences who crave something honest: music with heart, weight, and energy that they can related with. The band is actively expanding into new venues, festivals, and broadcast channels, and invite you to reach out to bring this sound to your audience.

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Es ist so weit – 10 Jahre Pestspiele!! 10 Jahre DIY - 10 Jahre Subkultur - 10 Jahre Punkrock! Alle Jahre wieder bringen die SALZBURGER PESTSPIELE pünktlich kurz vor der Festspieleröffnung eine Ladung Gegenkultur nach Salzburg! Wir wollen dem Elitären-Kulturprogramm der Salzburger Festspiele entgegentreten und für ein lautes, buntes und autonomes Kulturangebot in der Stadt Salzburg stehen. Dieses Jahr wird leider auch die letzte Ausgabe der Pestspiele sein. Den Reichen auf die Bühnen scheissen! 2 TAGE | WORKSHOPS | KÜFA | SOLI-SCHNAPS | INFOTISCHE ➤ GUM BLEED Hardcore Punk, Beijing, China https://gumbleed.bandcamp.com/ ➤ DUMMY TOYS Punk, Qinhgdao,China https://dummytoyspunk.bandcamp.com/ ➤ GRIMMS EYE Hardcore /Punk/Sludge, Wien https://grimmseyeband.bandcamp.com/ ➤ ABSENT FROM THE MORNING HEADCOUNT Emo-Violence, Wien https://aftmhc.bandcamp.com/ ➤ PLASTIC BAGS AS HELMETS Emotional Hardcore, St. Gallen https://ruraltrauma.bandcamp.com/.../the-practice-of... ➤ HPSS Hardcore Punk, Mülheim https://hpss.bandcamp.com/album/hpss ➤ LÆXX Garagepunk, Leipzig https://laexxmusic.bandcamp.com/ ➤STICKY MOLOCH Hardcore Punk, SBG https://stickymoloch161.bandcamp.com/ ➤ NEUE HEIMAT Post-Punk, SBG ➤ABGRUND D-Beat, SBG https://abgrundcrust.bandcamp.com/ ➤ EMES Screamo, SBG ➤ SALZBURG ALL STARS Ein Medley aus Salzburger Top-Hit Bands der letzten 10 Jahre! ➤ STROMABWÄRTS Folk Punk, Wien https://stromabwaerts.noblogs.org/ ➤ SLUF Folk Punk, Salzburg, Linz, Kutná Hora https://sluf.bandcamp.com/album/demo VVK: 24€ @Mark. Salzburg Hannakstr. 17 5023 Salzburg NO RACISM ! NO SEXISM ! NO HOMOPHOBIA ! JUST PUNK ! 100% DIY Tickets gibt’s im Vorverkauf bis 15:00 Uhr am Veranstaltungstag – danach zum Abendkassenpreis vor Ort.

Salzburger Festpiele - Fest zur Festspieleröffnung — Classical music concert. Termin: Jul 18 um 7:00 PM. Veranstaltungsort: DomQuartier Salzburg, Salzburg, Austria.

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Irokäse Cosmic Subway (AUT) Broken B Sides (AUT)

MARK Sommerfest 2026Am Samstag, 25. Juli geht unser Open Air Sommerfest in die zweite Runde und es wird wieder bunt, laut und richtig schön! Freut euch auf: Live-Bands Essen & Trinken vor Ort Kinder- & Jugendprogramm Spiele & Spaß UV Mal Session Dunk Tank Siebdruck Tombola Afterclubbing .. UND VIELES MEHR! Ob Groß oder Klein, Musikliebhaber*in oder Siebdruckfan – es ist für alle was dabei! Also: Datum merken, Freund*innen einladen & brav teilen! Wir feiern den Sommer – seid dabei! Würfle um deinen Eintritt:Du hast die Wahl: Zahl fix 8€ im Vorverkauf ODER Würfle VOR ORT mit 2 Würfeln deinen Eintrittspreis aus Würfelergebnis = dein Eintritt in Euro Einlass 14:00 / Beginn 15:00Kinder bis einschließlich 8 Jahre haben freien Eintritt. Tickets gibt’s im Vorverkauf bis 10:00 Uhr am Veranstaltungstag – danach zum Kassenpreis vor Ort. _______________ HIGH TRANSITION - Stoner-, Progressive-, Psychedelic-, Alternative- und Space Rock Obskure Stimmlagen, effektgeprägte Gitarrenwände, harte Rhythmusvarianten und ekstatische Synthesizer Wellen. Das spacige Power-Trio von High Transition setzt auf Diversität und Eigenständigkeit im Songwriting sowie auf energetische Live Performances! THE LITHIC SEA - Female fronted Classic and Hard Rock Band THE SALTIES - Pop, Rock GIRL NAMED JACK - Acoustic Post-Hardcore „Where the quiet comes undone“ Als Herzensprojekt neben seinen verschiedenen Bands vor vielen Jahren ins Leben gerufen, spielt Manuel Decker alias Girl named Jack akustischen Post-Hardcore irgendwo zwischen Wut und Melancholie, Energie und Zerbrechlichkeit… nahbar, ehrlich und voller Gefühl. LUDWIG LEITNER - Electronic Ludwig Leitner macht seit über 20 Jahren die österreichische Musikszene unsicher und ist zurück auf der Bühne, mit dem ersten Auftritt seit 2020. Gespielt wird eine Auswahl der besten Stücke, die über die letzten Jahre entstanden sind. Erwarten Sie das Unerwartete, denn es werden Genregrenzen ignoriert, Songstrukturen auf den Kopf gestellt und die Grenzen der Vernunft ausgelotet in einem Sound-Spektakel, das Sie mit mehr Fragen zurücklässt als es beantwortet. Ein seltenes Erlebnis, welches Sie sicher so schnell nicht vergessen werden. Ähnliche Künstler: Daedelus, Flying Lotus, Perturbator https://www.ludwigleitner.com/ https://www.instagram.com/ludwigleitner/ https://www.youtube.com/@ludwigleitner666

SUBSISTENCE SOUNDSYSTEM kommt mit voller Crew und eigener Anlage zum MARK Sommerfest. DJ Diaz und King Cone a.k.a. Dubdellic sind seit über 20 Jahren in der österreichischen Underground- und Soundsystem-Szene aktiv. Expect Roots Reggae, Dub, Steppers, Bass pressure and heavyweight Soundsystem vibes. Handbuilt sound, deep selections, full crew energy – all night long. Würfle um deinen Eintritt:Du hast die Wahl: Zahl fix 8€ im Vorverkauf ODER Würfle VOR ORT mit 2 Würfeln deinen Eintrittspreis aus Würfelergebnis = dein Eintritt in Euro Tickets gibt’s im Vorverkauf bis 17:00 Uhr am Veranstaltungstag – danach zum Kassenpreis vor Ort.

Among Rats (AUT) Pestilence The legendary Dutch pioneers of technical death metal, Pestilence, are set to conquer stages once again. Under the command of founder and mastermind Patrick Mameli, the band officially announces their highly anticipated "Entering the Portals Tour 2026." For over three decades, Pestilence has been a defining force in the metal underground, seamlessly blending raw brutality with progressive jazz-fusion elements. This 2026 trek promises to be a journey through the band’s groundbreaking history. Among Rats Seit ihrem Gründungsjahr 2009 haben sich AMONG RATS einen festen Platz in der Oldschool Death Metal Szene erkämpft. Mit ihrem einzigartigen Mix aus Oldschool Death Metal, Grindcore und Brutal Death Metal haben sie die Grenzen des Genres stets herausgefordert und neu definiert. Von extrem schnellen Rasereien bis zu groovigen Riffs bietet ihre Musik eine vielseitige Palette an Klängen und Emotionen. Mit über 300 Konzerten in Österreich, Deutschland, Italien und sogar Malta haben sich AMONG RATS einen Ruf als unaufhaltsame Live-Performer erarbeitet. Die Band ist bekannt für ihre kompromisslosen Auftritte, bei denen sie, egal vor wie vielen Fans, stets Vollgas geben. Ob vor einer Handvoll Enthusiasten oder vor einer ausverkauften Arena - AMONG RATS liefern immer eine energiegeladene Show, die das Publikum mitreißt und begeistert. 2024 markiert ein weiteres Kapitel in der Erfolgsgeschichte von AMONG RATS, denn sie haben ihre heiß ersehnte neue EP "There is no end" veröffentlicht. Diese Veröffentlichung zeigt die Band auf ihrem Höhepunkt und setzt neue Maßstäbe im Oldschool Death Metal. Mit einem reißenden Strom von brachialen Riffs, fesselnden Texten und einer unerbittlichen Energie beweist die EP einmal mehr die beeindruckende Vielseitigkeit und das Können der Band. Die EP "There is no end" ist ab sofort auf allen gängigen Streaming-Plattformen verfügbar.

Konzerthighlights auf der Zistel Alm bei Salzburg! 3 Abende beste Unterhaltung und tolle Stimmung mit hochkarätigen Solisten und Ensembles.

Konzerthighlights auf der Zistel Alm bei Salzburg! 3 Abende beste Unterhaltung und tolle Stimmung mit hochkarätigen Solisten und Ensembles.

SALZBURGER FESTSPIELE – SALZBURG FESTIVAL – FESTIVAL DE SALZBOURG — Performing arts festival. Termin: Jul 30 um 2:00 AM. Veranstaltungsort: Messezentrum Salzburg GmbH, Salzburg, Austria.

……vegane und gesunde Gerichte. Das Ganze gibt’s für 3€, egal ob mit oder ohne Nachschub. Jeden Donnerstag wird im MARK gekocht, gebraten oder gebacken, wenn die Community Kitchen zum gemeinsamen Essen einlädt. Von 19 bis 21 Uhr gibt es in der MARK Bar vegane und gesunde Gerichte. Die Preise für die Community Kitchen waren jahrelang festgelegt und 2022 haben wir uns gedacht, wir versuchen es mal mit „pay as you can“. Leider mussten wir feststellen, dass das über das vergangene Jahr nicht gut funktionieren hat. Wir können die Qualität und Vielfalt der Mahlzeiten, die wir uns für euch wünschen, nicht gewährleisten, wenn wir unsere Kosten nicht mehr annähernd decken können. Deshalb gilt ab jetzt der festgelegte Preis von 3€ für die Community Kitchen, Nachschub inklusive.:) Eines bleibt jedoch unverändert: bedürftige Personen, die sich die 3€ nicht leisten können, haben selbstverständlich immer gratis Zugang zur Community Kitchen. Die Community Kitchen ist das älteste Projekt des MARK, das seit 1966 besteht. Jede Woche kocht eine andere Person oder Personengruppe mit veganen und gewissenhaft ausgewählten Zutaten ein Gericht ihrer*seiner Wahl. Dabei kannst du dir so oft nachholen, wie du willst. Aber Achtung – die Community Kitchen ist begehrt und daher lohnt es sich, pünktlich um 19 Uhr ins MARK zu kommen. Du willst selbst den Kochlöffel schwingen und dich in der Community Kitchen ausprobieren? Dann melde dich hier! 📧 office@marksalzburg.at

Die engagierte Crew der Bike Kitchen steht jeden Donnerstag von 19 bis 23 Uhr mit Rat und Tat in der neu eingerichteten Radwerkstatt im Erdgeschoß bereit, um dir zu helfen, dein Fahrrad zu warten und zu pflegen. Die Bike Kitchen bietet einen niederschwelligen und verantwortungsvollen Zugang zum Thema Fahrrad und beantwortet deine Fragen zur nachhaltigen Nutzung. Unter Anleitung kannst du dein Fahrrad selbst reparieren. Das benötigte Werkzeug steht dir dafür kostenlos zur Verfügung. Außerdem gibt es eine Menge Ersatzteile und Räder, die darauf warten, fahrtüchtig gemacht zu werden. Auch Elektrofahrräder sind willkommen! In der Bike Kitchen lernst du, wie du den Akku zukunftsorientiert und ökonomisch wartest. In der Bike Kitchen kannst du aber nicht nur Fahrräder reparieren, sondern auch kaputt machen. Du würdest gerne ein Tallbike, Longbike, Einrad, Lastenrad, Anhänger, oder Ähnliches konstruieren? Kein Problem, die Bike Kitchen–Crew verfügt über umfangreiches Wissen und handwerkliches Talent, um deine Werkstattträume zu verwirklichen. Ansprechpersonen: Rene Riefl, Marcel Stark 📧 bikekitchen@marksalzburg.at

Konzerthighlights auf der Zistel Alm bei Salzburg! 3 Abende beste Unterhaltung und tolle Stimmung mit hochkarätigen Solisten und Ensembles.

Crypta is a Brazilian female Death Metal band, recognized worldwide. It was founded in 2019 by Fernanda Lira (bass and vocals) and Luana Dametto (drums). Currently, Crypta continues as a trio, with guest guitarists (on second guitar) for tours. Alongside guitarist Tainá Bergamaschi, invited to join the band in 2020, Crypta consolidated its line-up and released, in 2021, the acclaimed debut album "Echoes of the Soul", released by the Austrian label Napalm Records. The album reached relevant positions in international charts, such as Germany and Switzerland, and drew attention for its sound and visual work - with production by names such as Arthur Rizk, Jens Bogren and cover art by Wes Benscoter. The second album, "Shades of Sorrow", released in 2023, reaffirmed the band's prominence on the global scene. In addition to entering significant charts in the United States, Europe and Latin America, the album was among the 50 best albums of 2023, according to the São Paulo Association of Art Critics (APCA). With the album, Crypta also debuted on the US Billboard, something rarely achieved by Brazilian metal bands. The band was on 7 charts in the US, 6 in Canada, 2 in England, and also in Switzerland, Germany and Austria. Having played at major festivals such as Wacken Open Air (Germany), Rock in Rio (Brazil), Bloodstock (England) and Primavera Sound (Brazil), and toured and performed alongside legends such as Morbid Angel, Carcass, Behemoth, Ghost, Arch Enemy and Hatebreed, the band has performed in dozens of countries in the Americas and Europe. In 2025, the band will continue on the road with new tours already confirmed in Latin America, Europe, the United States, Canada and Brazil, while preparing their third album, scheduled for 2026.

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg vereint kulinarischen Genuss mit musikalischen Meisterwerken. In einem historischen Ambiente genießen die Gäste ein exquisites Abendessen, begleitet von den berühmten Klängen Wolfgang Amadeus Mozarts. Die Aufführungen beinhalten eine Auswahl seiner bekanntesten Opernarien und Instrumentalstücke, charmant dargeboten von talentierten Musikern in authentischen Kostümen.

KINGSTAR präsentiert: STICK TO YOUR GUNS - European Summer Tour 2026 07.08.2026 | KOMMA Wörgl Stick To Your Guns zählen seit über zwei Jahrzehnten zu den prägendsten Stimmen der internationalen Hardcore-Szene - kompromisslos, intensiv und mit einer klaren Haltung. Am 07. August 2026 macht die Band aus Orange County, Kalifornien im Zuge ihrer European Summer Tour Halt im KOMMA Wörgl. Mit ihrem unverkennbaren Sound aus brachialen Breakdowns, präzisem Riffing und emotional aufgeladenen Hooks schaffen Stick To Your Guns eine explosive Mischung, die gleichermaßen zum Nachdenken anregt wie zum Ausrasten im Moshpit. Frontmann Jesse Barnett und seine Bandkollegen stehen für eine Musik, die mehr ist als nur Lautstärke - sie ist Ventil, Botschaft und Katharsis zugleich. Seit ihrer Gründung im Jahr 2003 hat sich die Band mit jedem Release weiterentwickelt und dabei eine beeindruckende Diskografie aufgebaut. Alben wie Diamond, Disobedient, True View und zuletzt Spectre haben ihnen weltweit Anerkennung eingebracht und über 100 Millionen Streams generiert. Gleichzeitig gelten sie als herausragende Liveband, die sowohl große Bühnen als auch intime Clubs mit derselben Intensität bespielt. Mit ihrem aktuellen Album Keep Planting Flowers schlagen Stick To Your Guns ein neues Kapitel auf. Die Platte steht für Reduktion auf das Wesentliche - roh, ehrlich und emotional. Inhaltlich setzt sie sich mit Widerstandskraft, persönlichem Wachstum und der Schönheit im Kampf auseinander. Die zentrale Botschaft: Auch in schwierigen Zeiten lohnt es sich, weiterzumachen - und "Blumen zu pflanzen". Nach Tourneen mit Acts wie Parkway Drive, Architects oder Rise Against und sogar einem historischen Auftritt in Nairobi als erste US-Hardcore-Band in Ostafrika, überschreiten Stick To Your Guns immer wieder Grenzen - musikalisch wie geografisch. Am 07.08.2026 bringt die Band ihre mitreißende Energie nach Wörgl. Ein Pflichttermin für alle Fans von modernem Hardcore, der Herz und Haltung verbindet.

Man könnte meinen, man kenne Alien Ant Farm. Weit gefehlt. Fast ein Jahrzehnt nach ihrem letzten Album »Always And Forever« (2014) kehrt das Alternative-Metal-Quartett aus Südkalifornien – Sänger Dryden Mitchell, Gitarrist Terry Corso, Bassist Timmy P und Schlagzeuger Mike Cosgrove – mit »~mAntras~« zurück. Ein Album, das nicht nur alle Vorurteile über die Band über den Haufen wirft, sondern sie auch eindrucksvoll wieder ins Zentrum der Musikwelt katapultiert. Das sechste Studioalbum der 1996 gegründeten Band ist von persönlichen Veränderungen und Reifeprozessen geprägt und stellt für eine so alte Band so etwas wie einen Neuanfang dar – ohne jedoch die Vergangenheit zu verleugnen. Im Gegenteil: »~mAntras~« ist ein tiefgründiges, nachdenkliches Werk, das aus zahlreichen Schicksalsschlägen und Prüfungen heraus entstanden ist. Die Songs nehmen den Hörer nicht nur musikalisch, sondern – wie der Titel schon sagt – auch auf eine persönliche und spirituelle Reise mit. Nach so langer Pause ohne neues Material hatten Alien Ant Farm einiges aufzuholen. Tatsächlich hatten sie bereits Jahre zuvor vier Songs aufgenommen – darunter die 2020 veröffentlichte Wham!-Coverversion »Everything She wAnts« –, doch dann bremste die Pandemie alles aus. "Als der Song damals rauskam", erzählt Mitchell, "war die Idee, einfach weiter Gas zu geben. Aber das Leben kam dazwischen. Wir hatten Streit mit unserem Produzenten, und ich persönlich habe viel getrunken und war einfach unzufrieden mit meinem Leben. Klingt vielleicht dramatisch, aber ich hatte das Gefühl, ich muss erst mal allein klarkommen. Normalerweise verlässt man sich in solchen Phasen auf Freunde, aber in einer Band ist das ein bisschen wie in einer Ehe. Ich weiß nicht genau, was mich gestört hat, ich will der Band keine Schuld geben, aber ich brauchte einfach Abstand, um wieder auf die Beine zu kommen. Wenn ich mir selbst nichts nütze, nütze ich auch niemand anderem. Also haben wir eine Pause eingelegt – und im Nachhinein war das die beste Entscheidung, weil wir mit klarem Kopf so viel stärker zurückgekommen sind. Wir mussten einfach den Reset-Knopf drücken." "In diesen Jahren ist echt viel Scheiß passiert", ergänzt Corso. "Wir hatten sehr früh großen Erfolg und sind glücklicherweise immer noch da. Die Band hat extreme Rückschläge erlebt, und dieses Album ist das Ergebnis – quasi der Soundtrack dazu." Seit dem Durchbruch 2001 mit »Movies« und der legendären Michael-Jackson-Coverversion »Smooth Criminal« haben Alien Ant Farm einiges durchgemacht, doch die Zeit zwischen »Always And Forever« und »~mAntras~« war besonders hart. Kein Wunder also, dass sich viel davon in den elf Songs widerspiegelt. "Erwachsen werden, Scheidung, Kinder, Familie, Tod, Bandpausen, Busunfälle, Operationen, Krankheiten, Gesundung – einfach alles ist in diesem Album drin", sagt Corso. "Es ist buchstäblich das Produkt von all dem verdammten Scheiß, guten wie schlechten, den wir durchgemacht haben." All das wurde in das selbstbewussteste und souveränste Album der Bandgeschichte kanalisiert ("Aus Mist wachsen die schönsten Blumen", scherzt Mitchell). Nach dem Fehlstart haben sie, sobald sie wieder bereit waren, nahtlos weitergemacht – und waren plötzlich wieder voller Energie und Inspiration. Älter, weiser und längst nicht mehr darauf aus, der Musikindustrie zu gefallen, haben sie sich auf diesem Album endlich 100 % sie selbst sein können. Die vier bereits früher aufgenommenen Songs (»The Wrong Things«, »Storms Over«, »What Am I Doing?« und das Wham!-Cover) behielten sie bei, die restlichen sieben Tracks produzierten sie selbst im Homestudio von Schlagzeuger Cosgrove. "Dass wir nicht nach L.A. mussten, war großartig", sagt Mitchell. "Klar macht es Spaß, alles stehen und liegen zu lassen und irgendwo anders ein Album aufzunehmen – das haben wir oft genug gemacht. Aber einfach zu Hause in vertrauter Umgebung mit Leuten zu arbeiten, mit denen man sich wohlfühlt, hat uns unheimlich viel bedeutet." Diese Geborgenheit hört man den Songs an. Gleich der Opener »The Wrong Things« mit seinem hypnotischen, sinnlichen Groove und der Mischung aus emotionaler Text-Angst und psychedelischen Instrumentalteppichen zeigt: Das ist ein Album, das seinem Titel gerecht wird – eine Aneinanderreihung von Mantras, die tief in die Seele greifen und sie gleichzeitig zerreißen wollen. Hört euch nur »Last dAntz« an (viel schmerzhafter als der Titel vermuten lässt) oder das ansteckende Selbstgeißelungsstück »So Cold« mit seinen faszinierenden Prog-Rock-Anleihen. Prog ist tatsächlich eine der prägendsten Einflüsse dieses Albums – und ja, die Band steht dazu. "Für eine Band, die ›Smooth Criminal‹ gecovert hat, sind wir eigentlich ein ziemlich verrückter Prog-Act", lacht Mitchell. "Wenn man nur ein paar Songs tief gräbt, kommt da richtig gutes Zeug zum Vorschein." "Langlebigkeit ist mittlerweile unser Luxus", sagt Corso. "Sie gibt uns den Freiraum, all die Sachen zu machen, die wir machen wollen. Wir können unseren Prog-Neigungen nachgehen und uns musikalisch so bewegen, wie es sich für uns gut anfühlt – ohne irgendwelchen Trends hinterherzulaufen." Diese Freiheit hört man überall: im eingängigen Arena-Rock von »No. 1«, im reggae-lastigen Seelenschmerz von »What Am I Doing?«, in der luftig-melancholischen Akustik-Nummer »Glasses« oder im frisch aufpolierten Wham!-Cover. »~mAntras~« steht für echte künstlerische Freiheit, für das Abwerfen von Erwartungen und für die Wiedererstarkung einer eingeschworenen Freundesclique, die zusammen durch dick und dünn gegangen ist – und fast zehn Jahre später stärker denn je dasteht. Das alles bündelt sich im Titeltrack. Wie es der Name verspricht, ist »~mAntras~« ein sich ständig wandelndes Mantra, das nicht nur den Geist des Albums einfängt, sondern fast drei Jahrzehnte Bandgeschichte in einem Song verdichtet. "Bei dem Song dachte ich: Was, wenn wir einfach die komplette Bandgeschichte in drei Minuten packen?", erzählt Mitchell. "Das hat riesigen Spaß gemacht und war zugleich sehr emotional. Am Ende habe ich geheult beim Einsingen. Ich habe die Melodien der alten Songs leicht verändert, aber es stecken locker 20 ältere Alien-Ant-Farm-Songs da drin. Das war echt cool." "Es war auch richtig therapeutisch", sagt Cosgrove, "genau wie Mantras im spirituellen Sinne sein sollen. Auf diesem Album haben wir auf ganzer Linie geheilt." "Wir wussten, dass wir heilen mussten", fügt Corso hinzu, "aber wir hatten keine Ahnung, wie weit wir kommen können. Und wo wir jetzt stehen, ist einfach großartig – wir laufen auf allen vier Zylindern, alle sind motiviert, glücklich und bereit, diese Musik endlich raus in die Welt zu bringen."

Mit über einer Milliarde vollständig grassroots Cross-Platform-Streams ist Miracle Of Sound das Projekt von Gavin Dunne, einem unabhängigen Produzenten, Songwriter und Sänger aus Irland. Die Songs decken ein riesiges Spektrum an Genres und Stilen ab – von Dark Folk über Symphonic Metal bis hin zu Seemannsliedern – und haben in den letzten zehn Jahren ein breites und vielfältiges Publikum gewonnen. Das Projekt konnte hunderte Chartplatzierungen erreichen und einige ultra-virale Hits landen, darunter die Wikinger-Hymne Valhalla Calling, die Gavin nach dem Spielen von Assassin’s Creed Valhalla schrieb. Der Song hat unzählige Coverversionen, virale Momente und Remixes hervorgebracht. Da er sich selbst ein wenig zu langweilig findet, um ständig über sich selbst zu schreiben, feiert Gavin gerne großartige Geschichten in seinen Songs, von denen viele von Figuren und Geschichten aus TV, Videospielen, Büchern und Filmen inspiriert sind. Er hat an Cross-Promotions mit verschiedenen Unternehmen der Videospielbranche gearbeitet, darunter Ubisoft, Bioware, Owlcat/Games Workshop, EA und Bethesda, für Titel wie Mass Effect, Assassin’s Creed, Warhammer 40k, Wasteland 2 und Watch Dogs. Die Songs von Miracle Of Sound werden für ihre eingängigen Hooks, ihre starke emotionale Wirkung und ihr unglaublich vielfältiges Spektrum an Genres, Stilen und Songstrukturen geliebt, wobei stets der typische MOS-“Feel” erhalten bleibt. Nach einem Jahrzehnt als Studio-Projekt wird Miracle Of Sound endlich auf die Live-Bühne gehen – mit voller Live-Band und einigen sehr besonderen, einzigartigen Interpretationen aller Fan-Favoriten.

Vio-lence (USA) Cutthroat (USA)

Kuztrip in die Welt der Bibel. Ausflug in die Bibelwelt Salzburg. Mit Spiel, Spannung und Abenteuer in die Welt der Bibel eintauchen.

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Lars Eidinger kehrt im diesem Sommer nach Salzburg zurück und bringt mit der ANTI DISCO jene elektrisierende Mischung aus Kunst, Popkultur und Nachtleben ins Rockhouse. Der international gefeierte Schauspieler, der aktuell als Bösewicht im kommenden Superman-Film von James Gunn für weltweites Aufsehen sorgt, zeigt hier jene andere Seite seines künstlerischen Kosmos. feat Lars Eidinger (DE) Warmup Neon Panta (AT) Anti Disco ANTI DISCO ist als offene, genreungebundene DJ-Sessions konzipiert. Eidinger arbeitet darin mit einer breiten Auswahl an Tracks aus Rap, Techno, Breakbeat, Industrial und Pop und verzichtet bewusst auf dramaturgische Routinen oder ein klassisches Club-Narrativ. Das Format versteht sich als Gegenmodell zu stilistisch homogenen DJ-Sets. Die jährliche Ausgabe im Rockhouse Salzburg hat sich zu einem wiederkehrenden Termin etabliert. Eidinger kehrt seit Jahren während der Festspielzeit in die Stadt zurück und nutzt das DJ-Set als eigenständigen künstlerischen Beitrag neben seiner Arbeit auf der Bühne. Lars Eidinger Lars Eidinger ist seit vielen Jahren an der Berliner Schaubühne tätig und wurde durch Arbeiten wie den "Jedermann" bei den Salzburger Festspielen, Filmproduktionen von Tom Tykwer und prägende Musikvideo-Arbeiten - darunter für Deichkind - einem breiten Publikum bekannt. Neben seinen Theater- und Filmrollen verfolgt er seit Ende der 1990er-Jahre eine kontinuierliche DJ-Praxis; 1998 erschien seine erste Veröffentlichung beim Berliner Label !K7. Aktuell befindet er sich zudem im internationalen Fokus: Für James Gunns kommenden Film "Superman: Man of Tomorrow" wurde Eidinger für die Rolle des Brainiac besetzt. Der Kinostart ist für 2027 angekündigt. Damit erweitert er seine laufenden Film- und Serienprojekte um eine große US-Studio-Produktion. Die ANTI DISCO im Rockhouse verbindet Elemente aus Clubkultur und Performance und zeigt Eidinger in einem Bereich seiner Arbeit, der jenseits von Theater und Film entstanden ist und seit über zwei Jahrzehnten kontinuierlich weitergeführt wird. Neon Panta Ehemals Resident DJ des Yeah!Club’s (Gott hab ihn seelig!) und member des YC DJ Teams erstreckt sich sein musikalisches Spektrum von verträumtem Dreamwave, Indietronica bis hin zu euphorischem Disco, Italo und Deep House, gepaart mit einer Brise melodischer Piano- und Synthieklänge. "Let your dreams come back and get boarding to a melodic and sci-fi time travel into another dimension of sound space."

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

MAMMA MIA PARTY – DAS KONZERT - DIE ABBA TOUR! Bei der Mamma Mia Party, wir feiern die größten Songs – und zwar gemeinsam mit EUCH! Wir spielen alle Kult-Hits live vom DJ-Pult zum Mitsingen, Tanzen und Feiern. Ob alleine, mit Freunden oder der ganzen Familie: Jeder Song wird zum Gänsehautmoment! DRESSCODE: Mamma Mia Outfits! (Kein Muss, aber gerne gesehen) INFORMATIONEN ZUM ABEND: Wir starten mit der Show, sobald der größte Teil des Einlasses durch ist. Bis dahin laufen bekannte Partysongs zum Mitsingen. Der Einlass dauert in der Regel nicht länger als 30 Minuten. Dein Ticket brauchst du nicht auszudrucken – es reicht digital auf deinem Handy. Disclaimer: Bei dieser Veranstaltung handelt es sich um eine Fanparty, die in keinerlei offizieller Verbindung mit der Marke Mamma Mia, der Musikgruppe ABBA oder den Rechteinhabern steht. Alle verwendeten Namen, Titel und Musikstücke dienen ausschließlich der Hommage und Unterhaltung. Diese Party ist ein inoffizielles Event von Fans für Fans. Wichtige Info zur Veranstaltung: Dies ist eine Fanparty und eine echte Mitsing-Party – ihr seid das Konzert! Es gibt keine Live-Band und keine Sänger*innen vor Ort. Hier steht der gemeinsame Spaß und das Mitsingen im Mittelpunkt – keine Dinnerparty, kein klassisches Konzert. Einlass ab 18 Jahren – Ausnahmen nur nach Absprache mit der jeweiligen Location. Bitte kontaktiert die Location direkt, falls ihr hierzu Fragen habt.

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg bietet eine einzigartige Verschmelzung von Musik und Kulinarik aus der Zeit Mozarts. Die Besucher genießen ein mehrgängiges Menü, inspiriert von Rezepten des 18. Jahrhunderts, während Musiker in historischen Kostümen Meisterwerke von Wolfgang Amadeus Mozart aufführen.

Das Stück LOOP ist eine neue Choreografie von Olivia Mitterhuemer – co-künstlerische Leiterin von Flavourama – und wird von Farah Deen sowie drei weiteren internationalen Tänzer:innen auf die Bühne gebracht. LOOP bewegt sich zwischen Präzision, Synchronität und Freiheit im Tanz. Bewegung zirkuliert: Im kontinuierlichen Fluss entstehen Formationen, verschieben sich Linien, brechen Strukturen auf und setzen sich neu zusammen – ein Loop, der Veränderung antreibt. House Dance bildet die choreografische Grundlage von LOOP: musikalisch sensibel, rhythmisch präzise und zugleich durchlässig. Inspiriert von digitalen Filtern, die Zeit dehnen und Perspektiven verschieben, entsteht eine visuelle Struktur aus sich überlagernden Ebenen, in der sich Muster verdichten und wieder auflösen. Eine Choreografie, die atmet und fließt. Eine Koproduktion von Potpourri Dance und Toihaus Theater Salzburg. Gefördert von Stadt Salzburg, Land Salzburg, Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport. Unterstützt von Salzburg Verkehr. Info: Toihaus Theater Salzburg Franz-Josef-Straße 4, 5020 Salzburg Mittwoch, 02.09.2026 19:00 Uhr € 18,- Vorverkauf € 23,- Abendkassa

Die Flavourama Academy ist eine neue Bildungsplattform für Wissen, berufliche Weiterentwicklung und künstlerischen Austausch – geleitet von Farah Deen und Olivia Mitterhuemer, den Gründerinnen von Potpourri Dance und co-künstlerischen Leiterinnen von Flavourama. Seit 2006 prägen sie die Tanzszene: als Tänzerinnen, Choreografinnen und Kuratorinnen, die Street und Club Dance in unterschiedlichste Räume und Kontexte gebracht haben – und dabei eines der führenden Hip Hop und House Dance Festivals Europas aufgebaut haben. In diesem zweistündigen Workshop teilen Farah und Olivia ihr Wissen und ihre Erfahrungen rund um die Frage: Was braucht es, um ein Tanzevent aufzubauen und nachhaltig zu führen? Ein ehrlicher Einblick in zwanzig Jahre Festivalarbeit – von der Idee bis zur Umsetzung, von Community-Building bis zu den Realitäten des Kulturbetriebs. Info: AREA Lab Lasserstraße 10, 5020 Salzburg Donnerstag, 03.09.2026 13:00-15:00 Uhr € 30,- Vorverkauf € 32,- Abendkassa

Was bewegt die internationale Tanzszene – künstlerisch, persönlich, politisch? Ein interaktives Event, kuratiert von The Capsule London, das Dialog, Austausch und neue Perspektiven in den Mittelpunkt stellt. Moderiert von Luke Lentes, lädt der Abend zu Debatten, offenen Gesprächen und aktiver Beteiligung ein – ein Raum, in dem Tänzer:innen und Kreative ihre Erfahrungen teilen, Ideen hinterfragen und gemeinsam in einen bedeutungsvollen Dialog treten. Diskutiert gerne mit - wir sehen uns bei Flavourama Voices! Im Anschluss an Flavourama Voices übernimmt DJ Brooklyn Terry aus New York die Decks im Rockhouse – und die Party beginnt. Der Abend wird zum Feiern genutzt: 20 Jahre Verein Potpourri, die treibende Kraft hinter Flavourama. Zwei Jahrzehnte Gemeinschaft, Kultur und Leidenschaft für Hip Hop und House Dance – komm und feier mit uns! Info: Rockhouse Schallmooser Hauptstraße 46, 5020 Salzburg Donnerstag, 03.09.2026 19:00 – 20:30 Uhr € 15,- Vorverkauf € 18,- Abendkassa Anschließendes DJ Set im Ticketpreis inkludiert.

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Mariana Benenge: WAACKING – Intention & NuancesIn diesem Waacking Workshop mit Mariana Benenge liegt der Fokus auf Intention und Nuancen in deiner Bewegung. Gemeinsam erkunden wir, wie kleine Details, Dynamiken und bewusste Entscheidungen deinem Tanz mehr Ausdruck, Präsenz und Tiefe verleihen. Offen für alle Levels. Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Ruth: HIP HOP – Grooves & MusicalityIn diesem Workshop mit Ruth tauchen wir tief in das Herzstück des Hip Hop ein: Groove und Musikalität. Du lernst, wie du Musik wirklich fühlst und diese Verbindung in deiner Bewegung zum Ausdruck bringst. Offen für alle Levels. Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Flavourama Hip Hop & House Dance Festival 2026 – Early Bird Battle Package Mit dem Early Bird Battle Package erhältst du Zugang zu den zwei zentralen Battle-Events des Flavourama Hip Hop & House Dance Festivals 2026. Das Kontingent ist limitiert. Das Early Bird Battle Package beinhaltet: 1 Ticket für die Flavourama Preselection Datum: 04. September 2026 Einlass: ab 17:00 Uhr, Beginn: 18:00 Uhr Ort: Solitär, Universität Mozarteum Salzburg 1 Ticket für die Flavourama World Finals Datum: 05. September 2026 Einlass: ab 17:00 Uhr, Beginn: 18:00 Uhr Ort: SZENE Salzburg Das Early Bird Battle Package richtet sich an Teilnehmende der Preselection sowie an Besucher*innen, die sowohl die internationale Vorausscheidung als auch die World Finals live erleben möchten. Limitierte Anzahl – Verkauf nur solange der Vorrat reicht. Über FLAVOURAMA Das internationale Flavourama Hip Hop & House Dance Festival zählt zu den führenden Events seiner Art in Europa. Seit der Gründung in Salzburg bringt das viertägige Festival Tänzer*innen, Künstler*innen und Tanzbegeisterte aus der ganzen Welt zusammen. Im Jahr 2026 feiert Flavourama sein 18-jähriges Bestehen in Salzburg. Neben den Battles bietet das Festival ein sorgfältig kuratiertes Wochenprogramm mit Workshops, Performances, Partys, Talks und weiteren Formaten zum Austausch und zur Förderung von Street- und Clubkultur.

Tänzer*innen, die sich für die Flavourama Finals am Samstag qualifizieren möchten, können dies am Freitagabend bei der Preselection in den Kategorien House (1 vs. 1) und Hip Hop (2 vs. 2) tun. Zeigt euer Können vor einer renommierten Jury! Am Ende der Preselection werden die Top 16 Tänzer*innen oder Teams jeder Kategorie ausgewählt, um am nächsten Tag in den finalen Battles anzutreten. Bitte registriert euch vorab online, um Zeit zu sparen und lange Warteschlangen vor Ort zu vermeiden. Hinweis: Das Registrierungsdatum bestimmt nicht die Reihenfolge der Teilnehmer:innen – die Startreihenfolge wird zufällig festgelegt. WICHTIG: Alle Tänzer*innen benötigen ein reguläres Ticket, um teilnehmen zu können! Wenn die Veranstaltung ausverkauft ist, gibt es keine Möglichkeit, an der Preselection teilzunehmen. Battle-Info (nur für Teilnehmer*innen): Ticket für die Flavourama Preselection kaufen Online registrieren Vor Ort am Registrierungsschalter einchecken Genießt die Preselection & Battles! Info: Solitär (Mozarteum), Mirabellplatz 1, 5020 Salzburg Freitag, 04.09.2026 Einlass: 17.00 Start: 18.00 Ende: ca. 23:30 € 15,- Vorverkauf (Dancers Ticket) € 18,- Abendkassa (Dancers Ticket) € 18,- Vorverkauf (Besucher:innen Ticket) € 21,- Abendkassa (Besucher:innen Ticket)

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Dedson: HIP HOP – FloorworkDedson unterrichtet einen Hip-Hop-Workshop mit besonderem Fokus auf Floorwork. Erwartet dynamische Bewegungen, Groove, Technik und kreative Wege, Übergänge und Flow am Boden zu erkunden. Personalisiere deine Steps und mach jede Bodenbewegung zu deiner eigenen! Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Brooklyn Terry: HOUSE – Groove, Step, Variation, DirectionIn diesem Workshop erkundet Brooklyn Terry die Grundlagen des House Dance mit Fokus auf Groove, Steps, Variationen und Direction. Groove – die natürliche Reaktion des Körpers auf Musik – bildet den Ausgangspunkt für alles Weitere. Von dort aus arbeitet sich der Workshop durch die Technik der Steps, erweitert sie durch Variationen und bringt sie schließlich in den Raum. Ein Workshop für alle, die House Dance von Grund auf verstehen und verkörpern wollen. Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Kimbo: HOUSE – Musicality, Groove & Freestyle FoundationsIn diesem Workshop erkundet Kimbo die Grundlagen des House Dance durch Groove, Musikalität und Freestyle. Der Kurs konzentriert sich auf Rhythmus, Bounce, Footwork-Dynamik und darauf, wie eine natürliche Verbindung zwischen Bewegung und Musik entstehen kann. Die Teilnehmer*innen erwartet eine energiegeladene und ausdrucksstarke Session, die Individualität, Flow und ein tieferes Verständnis der House-Kultur fördert. Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Rubix: HIP HOP – Storytelling through body controlWie erzählst du eine Geschichte, nur mit deinem Körper? In diesem Workshop mit Rubix erforschst du, wie Body Control zum Ausdrucksmittel wird – präzise, bewusst und wirkungsvoll. Offen für alle Levels. Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Rachad: HOUSE – Basics & VariationsIn diesem House Workshop mit Rachad legst du das Fundament – oder baust darauf auf. Wir arbeiten an den grundlegenden Bewegungsprinzipien des House und erkunden, wie Variationen deinen persönlichen Stil formen. Offen für alle Levels. Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Entdecke neue Perspektiven, erweitere dein Movement und sammle frische Inspiration bei den jährlichen Flavourama Workshops! Wähle aus einer Vielzahl an Kursen – offen für jedes Level – und lerne von renommierten Tänzer*innen der internationalen Street- und Clubdance-Szene. Freu dich auf intensive Sessions, vielseitige Inputs und jede Menge Bewegung auf der Tanzfläche. Handtuch nicht vergessen – hier wird garantiert geschwitzt! Nastya: HIP HOP – Technical skills & CreativityTechnik und Kreativität müssen keine Gegensätze sein. In diesem Workshop mit Nastya schärfst du deine technischen Fähigkeiten und lernst gleichzeitig, wie du dieses Handwerk für deinen eigenen kreativen Ausdruck nutzt. Offen für alle Levels. Vorverkauf: 26,-€ Abendkassa: 28,-€

Die Flavourama World Finals sind das Hauptevent des Festivals und bringen Mitglieder der Hip Hop & House Dance Community sowie Musik- und Tanzbegeisterte zusammen. An diesem Abend treten die Weltklassetänzer*innen, die es durch die Preselection geschafft haben, in den Kategorien Hip Hop und House Dance gegeneinander an. Umrahmt von feinsten Tunes, Show-Acts und Jams verwandelt sich die SZENE Salzburg in eine pulsierende Tanzfläche, auf der Tänzer*innen und Besucher*innen gleichermaßen Musik und Tanz in ihrer reinsten Form zelebrieren. Info: SZENE Salzburg Anton-Neurmayr-Platz 2, 5020 Salzburg 05.09.2026 Einlass: 17:00 Start: 18:00 Ende: 23:00 € 30,- Vorverkauf € 35,- Abendkassa € 40,- Supporter Ticket Flavourama bzw. der dahinterstehende Verein Potpourri ist ein seit 20 Jahren aktiver Kulturverein, der sich für die Förderung und Sichtbarkeit von Street & Club Dances einsetzt. Um unsere Arbeit trotz begrenzter Ressourcen weiterhin nachhaltig umsetzen und faire Bedingungen für alle Beteiligten schaffen zu können, bieten wir erstmals ein Supporter-Ticket an – für alle, die unsere Vision aktiv mittragen und einen zusätzlichen Beitrag leisten möchten bzw. können.

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Was passiert, wenn nach dem großen Flavourama Finale die Grenzen zwischen Publikum und Battle-Tänzer*innen aufgelöst werden? Zusammen mit internationalen DJs bringen die 1000 Flavourama Gäst*innen die Tanzfläche des Jazzit zum Beben und verkörpern genau das, wofür Flavourama steht: einen Austausch durch Musik und Tanz. Egal ob Profi oder Amateur – auf der legendären Afterparty bleibt kein Shirt trocken, denn es wird getanzt bis in die Morgenstunden! Also schau vorbei und überzeug dich selbst! Info: Jazzit Musik Club Elisabethstraße 11, 5020 Salzburg, Austria 05.09.2026 Start: 23:00 Uhr € 18,- Vorverkauf € 23,- Abendkassa BITTE BEACHTEN: Die Vorverkaufstickets für die Flavourama Afterparty berechtigen zum Einlass bis 01:00 Uhr. Nach diesem Zeitpunkt besteht kein Anspruch mehr auf Einlass.

Nach einer durchtanzten Nacht bei der Afterparty gibt es nichts Besseres als frisch gebrühten Kaffee, ein leckeres Frühstück und mitreißende Tunes! In einem von Salzburgs schönsten Cafés genießt du in chilliger Atmosphäre ein Live-Set von internationalen DJs - so lassen wir das Festival Revue passieren und schmieden Pläne fürs nächste Jahr. Denn nach dem Festival ist vor dem Festival! Info: 220GRAD Rupertinum Wiener-Philharmoniker-Gasse 9, 5020 Salzburg 06.09.2026 11:30 – 14:30 Uhr € 15,- Vorverkauf € 18,- Abendkassa Ticketpreis exkl. Getränke + Speisen

Take The A-Train Festival 2026 – Festivalpass (10.–13. September) Erlebe vier Tage voller Musik, Vielfalt und urbaner Festival-Atmosphäre mit dem Festivalpass für das Take The A-Train Festival 2026! Vom 10. bis 13. September verwandelt sich die Elisabeth-Vorstadt erneut in einen pulsierenden Hotspot für internationale und nationale Künstler:innen sowie spannende Newcomer-Acts. Mit dem Festivalpass erhältst du Zugang zu einem einzigartigen Mix aus großen Open-Air-Bühnen und intimen Off-Locations. Freue dich auf ein abwechslungsreiches Line-up, innovative Konzertformate und unvergessliche Live-Momente in einer der spannendsten Festivalumgebungen. Nach zahlreichen ausverkauften Shows und einer stetig wachsenden Community geht das Take The A-Train Festival in seine 12. Edition – größer, vielfältiger und inspirierender denn je. Entdecke neue Klangräume, knüpfe Verbindungen und werde Teil eines Festivals, das Musik, Kultur und Begegnung vereint. Sichere dir jetzt deinen Festivalpass und sei dabei, wenn die Elisabeth-Vorstadt wieder zum musikalischen Zentrum wird!

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Was ihr wollt von WILLIAM SHAKESPEARE REGIE Alexander Kratzer BÜHNE & KOSTÜME Elisabeth Vogetseder Premiere: 12. September 2026, Saal Spieltermine: bis 30. Oktober 2026 Orsino liebt Olivia. Olivia hat sich wegen ihrer Trauer verboten, jemanden zu lieben. Viola hat alles verloren. Ihren Zwillingsbruder Sebastian und ihr Glück. Sie wird zu Cesario. Und in diesen Cesario verliebt sich dann Olivia. Cesario verliebt sich in Orsino. Und was ist mit Malvolio? Wegen seiner Liebe zu Olivia schmieden Ritter Bleichenwang, Sir Toby Rülp und die Kammerfrau Maria einen besonderen Plan. Alles geht drunter und drüber. Wer liebt wen? Wer ist wer? Und wer ist wie? Shakespeares Komödie Was ihr wollt ist eine wundervolle, erotisch-sinnliche Annäherung an die Frage wen wir lieben, wen wir lieben wollen und wer wir tatsächlich sind. Was ihr wollt gilt als die beste romantische Komödie des englischen Großmeisters über Schein und Sein, Täuschung und Wahrhaftigkeit.

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Norbert Egger & His Natural Blues Natural Blues ist eine 1982 in Hamburg gegründete Bluesformation. Das Ensemble spielt seit den 1980er-Jahren entsprechend der Clubgrössen in verschieden starken Besetzungen.Das äusserst abwechslungsreiche Programm bietet Blues aus allen Epochen seiner Geschichte, von frühestem Country Blues auf akustischen Instrumenten über den Blues der 1920er Jahre, Mississippi Delta Blues, Chicago Blues und soulige Titel bis zu aktuellem Blues Rock. Natural Blues ist Urkraft: Mitreissend, abwechslungsreich, fetzig und Tanzbar! BESETZUNG Lydia Stone (Lead Vocals) Alois Stöckl (Keyboards & Backing Vocals) Franz Neumeier (Sax & Backing Vocals) Michael Kreipl (Guitar) Norbert Egger (Lead Vocals & Guitar) Norbert Kreipl (Bass & Backing Vocals Stefan Kreipl (Drums)

Vor mehreren Jahren gestartet im Burgenland als Proberaum-Band, ging es Anfang 2025 mit dem ersten Schritt raus an die Öffentlichkeit – und damit auch ziemlich rasch mit eigentlich allem, was lovehead betrifft. Mit ihrem allerersten Song "denkst du an mich" kletterten Anna, Leni und Mara aus dem Stand an die Spitze der landesweiten Radiocharts des ORF-Senders FM4. Sie angelten sich nicht nur ein Management- und einen Plattenvertrag für alles, was rund um Musik etwas weniger Spaß macht, um sie formt sich auch ein kleines Team aus Freund*innen in Wien, mit denen unter anderem ihre ersten Musikvideos entstehen. Mit ihrer Debüt-EP "fanta lustig" ging es für die Band Mitte Februar dann auf ihre erste eigene und komplett ausverkaufte Headline-Tour durch Deutschland und Österreich. Und weil man bei so einer Ausgangslage absolut keinen Grund hat, vom Gas zu gehen, geht es für lovehead im März als Support von KRAFTKLUB direkt weiter.

Bernhard Egger, Host der Gesprächsreihe "Auf dem roten Stuhl", trifft auf Roland Düringer und Bernhard Speer - zwei Künstler, die viel zu erzählen haben. Gemeinsam sprechen sie über Erfolge und Rückschläge, über steile Karrieren in Musik und Kabarett, über das Leben auf und abseits der Bühne - und darüber, ob volle Hallen manchmal auch verunsichern können. In der zweiten Programmhälfte übernimmt die Musik: Roland Düringer greift zur Bassgitarre, Bernhard Speer ans Mikrofon, begleitet von einer vierköpfigen Band. Eine mitreißende Mischung aus humorvollen Anekdoten und sehr persönlichen Songs - und eine seltene Gelegenheit, diese beiden Ausnahmekünstler gemeinsam live zu erleben! Der YouTube-Kanal "Auf dem roten Stuhl" - die Gesprächsreihe gegründet 2011 und moderiert von Bernhard Egger - unternimmt von seiner Digitalversion aus immer wieder Ausflüge in die Welt der Live-Auftritte. Diese vereinen Talk und Live-Musik, und die Gästeliste vergangener Shows - von Willi Resetarits und Conchita Wurst, über Thomas Stipsits, Hans Theessink, Alex Kristan, Katharina Straßer, Peter Rapp, Roland Düringer und Hans Krankl bis Gery Seidl - kann sich sehen lassen. Seit 2024 läuft das Format auch auf ORF III. Seit Februar 2024 läuft das Format auch auf ORF III. Besetzung: Roland Düringer (bass) Bernhard Speer (vocals, guitar) Hanna Pichler (violin, vocals) Erich Buchebner (guitar) Geri Schuller (keyboard Bernhard Egger drums

The Poor Boys Zwischen 1968 und 1972 prägte Creedence Clearwater Revival den Rock ’n’ Roll wie kaum eine andere Band. John Fogertys raue Stimme, die treibenden Gitarrenriffs und die verschmelzende Mischung aus Blues, Country und rohem Rock machten Hits wie Fortunate Son, Proud Mary, Bad Moon Rising und Have You Ever Seen The Rain zu zeitlosen Klassikern. CCR verstand es, ehrliche, direkt erzählte Musik zu schaffen, die Generationen verbindet. Die Salzburger Coverband The Poor Boys holt dieses Erbe auf die Bühne. Die Band überträgt den ursprünglichen Groove und die erzählerische Kraft der Songs mit Spielfreude und Liebe zum Detail. Das Ziel ist nicht bloß Wiedererkennung, sondern die unmittelbare Erfahrung der Musik, die das Publikum seit Jahren begeistert und ihre Konzerte regelmäßig ausverkauft. BESETZUNG Freed Fagerer - vocals, acoustic guitar Miguel Silvestre - guitar, backing vocals Norbert Lanser - guitar, backing vocals Wolfgang Grubmüller - bass Sebastian Lanser - drums

Die Telefonleitungen glühen, denn Franziska Wanninger hat ein neues Programm rausgebracht! Nach ihrem Erfolgsabend „Für mich soll’s rote Rosen hageln“ unterhält sie ihr Publikum dieses Mal endlich auch mit herrlichen Kommunikatonsttitis. Aber das erkennt man ja bereits am Titel. „Wenn du wen brauchst, ruf mich nicht an“ ist eine Melange aus dotitielbödigen Figuren und absurd-witzigen Erzählungen. Gestiickt mit tiointerten Abhandlungen über das Leben an sich, Umzüge, Hotelbeten, das Glück und den Tod, schmeterndem Gesang und schaustiielerischer Komik – kurzweilig, mit Charme und mindestens so nachhaltg wie der Hochzeitsschrank von Tante Traudl. Lauschen Sie den urkomischen Geschichten dieser bayerischen Granate. Schreien Sie, lachen Sie, toben Sie! Aber rufen Sie bloß nicht bei ihr an.

Leo Bei alias Karl Horak war Produzent und legendärer Bassist von Dr. Kurt Ostbahn. Mit einer hochkarätigen Band wird der Sänger und Multiinstrumentalisten (bekannt auch von der EAV) live einige der größten Hits seines langjährigen Weggefährten Kurt Ostbahn spielen. Natürlich werden auch die besten G’schichtln aus der Zeit von "Ostbahn-Kurti & die Chefpartie" nicht fehlen. Es gibt wohl keinen Musiker, der berufener und authentischer wäre, wenn es um die unsterblichen Gassenhauer von Willi Resetarits geht. Leo Bei – in den Ostbahn-Bands als Karl Horak bekannt – bediente dabei nicht nur den Bass, sondern produzierte einige der legendärsten Tonträger, die man anno dazumal noch Schallplatten nannte. Wenn Karl Horak heute die Band, die seinen Nachnamen trägt, auf die Bühne führt, steht nicht wehmütiges Erinnern im Vordergrund, sondern das Feiern des Lebenswerks des Ostbahn-Kurti bzw. des Kurt Ostbahn. Dennoch sind es zwei Stunden voller Nostalgie, denn auf der Playlist finden sich viele Klassiker, die ganze Generationen begleitet haben. Es wäre vermutlich in Willis Sinn, dass auch heute noch seine Hits live gespielt werden – interpretiert von einem seiner langjährigen Wegbegleiter. Die Party darf starten, denn bei der Set-List, die Horak nun wieder auf den Bühnen Österreichs präsentiert, bleibt kein Tanzbein ruhig: "Joker", "Arbeit" "57 Chevy" sind nur einige der rockigen Highlights. Sentimentalität kommt auf, wenn es an die langsameren Nummern, wie "Es gibt Strassn" oder "Stadt aus Sta", geht. Oder, wenn Leo Bei alias Karl Horak Schnurren, G’schichteln und Anekdoten aus seinen langen Jahren gemeinsam mit Kurz Ostbahn zum Besten gibt. Nach dem überwältigenden Erfolg und den enthusiastischen Reaktionen der Fans eines ausverkauften Gigs in der Szene Wien folgt nun das Encore – mit Shows im ganzen Land. Angemerkt werden sollte aber auch, dass Leo Bei – neben seinen Aufnahmen und Auftritten mit Kurt Ostbahn – auch für die EAV viele Jahrzehnte lang den Bass bediente. Doch das ist ein anderes Kapitel in der Erfolgsgeschichte von Horak, die beinahe zu den Anfängen der eigenständigen, heimischen Musikszene zurückreicht.

Wie überlebt man Sperrmüll-Dates mit der Ehefrau, spontanen Kontrollbesuch vom Jugendamt und einen Nachbarn, der besser nagelt als man selbst? In "Herzklopfen" erzählt Stefan Leonhardsberger von der täglichen Herausforderung, als Partner, Heimwerker und Familienoberhaupt zu bestehen. Zwischen Meniskus-OPs, Grillabenden mit Profi-Besserwissern und heimlichen Haschkeksen fragt er sich: Bin ich mit 40 noch cool oder schon wie mein eigener Vater? Heraus kommt ein Abend voller Gags, Gesang und intimer Geständnisse – witzig, unverschämt und mitten ins Herz.

Über den Dächern von Salzburg auf dem Mönchsberg liegt das Kloster der Pallottiner - das Johannes- Schlössl. Innerhalb der wunderbaren Atmosphäre der Klostermauern, eingebettet in die Natur, bleibt die Hektik des Alltags vor der Tür. Schon beim Betreten des Klostergartens spürt man die Kraft und die Ruhe. Beim Klosterfasten hast Du die Wahl zwischen Suppen/Saft-Fasten nach Dr. Buchinger/Dr. Lützner und Basenfasten, eine sanftere Form der Entlastung kombiniert mit Intervallfasten. Beim Kosterfasten wird bewusst auf Luxus verzichtet. Der Weg zu sich selbst ist so viel einfacher in der Einfachheit zu finden. Ich würde mich freuen, Dich durch diese Fastenwoche begleiten zu dürfen! Das prachtvolle Salzburg bietet einen wunderbaren Rahmen für Deine Fastenwoche. Spannende Kultur und die herrliche Natur - diese Kombination macht das Fasten zu einem einzigartigen Erlebnis.

Doppelt gemoppelt von MANFRED SCHILD Gewinnerstück des Österreichischen Komödienpreis Porcia 2025 Uraufführung Koproduktion mit dem Ensemble Porcia REGIE Leila Müller BÜHNE Nina Ball KOSTÜME Alexia Engl Premiere: 19. September 2026, Studio Spieltermine: bis 24. Oktober 2026 Josef traut seinen Augen nicht: Da ist doch tatsächlich ein wildfremder Mann in seiner Küche und bereitet sich in aller Seelenruhe ein Frühstück zu. Aber damit nicht genug: Jan, sein eloquentes und gut gekleidetes Gegenüber behauptet steif und fest, dass es sich um seine eigene Wohnung handelt. Nachdem sämtliche Versuche, das Gegenteil zu beweisen, kläglich scheitern, bleibt Josef nur mehr die verzweifelte Hoffnung, dass seine Frau Margit Licht ins Dunkel bringt. Doch auch die steht ganz auf Jans Seite und schön langsam dämmert Josef, dass er hier plötzlich aus der ihm bislang bekannten Wirklichkeit fällt und am Ende gar durch einen Doppelgänger ersetzt werden soll…

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Nick Steed, beeinflußt von seinem Vater und dessen Plattensammlung, begann im Alter von 7 Jahren Keyboard zu spielen. Schon als Elfjähriger unterhielt er dann die Gäste im elterlichen Pub mit seinem Spiel und schloss sich mit 15 einer lokalen Bluesband im heimatlichen Stockport an. Im Laufe der folgenden Jahre spielte er in diversen Bandprojekten und beschäftigte sich auch intensiv mit der Studioarbeit, was sich irgendwann dahingehend auszahlte, daß er über 300 Auftritte pro Jahr absolvierte. Ab 2013 trat er mit seiner eigenen Bluesband auf, einem Quartett, bei dem u.a. Paul Burgess am Schlagzeug saß, der es wiederum mit 10CC zu einigem Erfolg gebracht hatte. Bei einem der Auftritte sah ihn Norman Beaker, der Nick daraufhin einen Job in seiner Band anbot, welche in Folge u.a. mit bekannten Größen wie der amerikanischen Blueslegende Larry Garner oder Chris Farlowe auf Tour ging. Zwischenzeitlich wurden auch die Mitglieder der legendären Prog-Jazz-Rock-Band Colosseum auf Nick aufmerksam, was ihm letztendlich den Job als Keyboarder dieser großartigen Band einbrachte, mit der er bis heute regelmäßig tourt und aktuell gerade an einem neuen Album arbeitet. Darüber hinaus ist Nick auch weiterhin bei diversen anderen Projekten involviert, sei es mit seiner Jazz-Fusion-Band Optimystic Visionaries, seinem Power-Blues-Trio oder auch weiterhin als Solokünstler. Als Solcher hat er 2023 sein Soloalbum "Influential Guidance" veröffentlicht, welches in der musikalischen Presse großen Anklang fand und dessen Songs er zu einem großen Teil auch mit seinem Trio zum Besten gibt. Auf der Tour wird Nick begleitet von seinem Landsmann Steve Gibson am Schlagzeug, aktuell bei Polydor und A&M Records unter Vertrag, der in seiner Karriere mit Größen wie Jack Bruce, Chris Farlowe und Van Morrison gearbeitet hat. Gitarrist ist der in Österreich geborene und in Los Angeles lebende Sebastian Lorenz, welcher in seinen jungen Jahren bereits mit namhaften Künstlern wie John Lee Hooker Jr., Creed Bratton (The Office), Jamie Jones (All-4-One), Elliot Easton (The Cars), Katey Sagal, Jennifer Warnes, Dean Parks und Weiteren zusammen spielt.

Call It Off Ein Abend voller mitreißender Gitarren, energiegeladener Drums und… Taylor Swift. Genau - Taylor Swift, aber so, wie man sie bisher noch nicht gehört hat. Von "Enchanted" bis "Fate of Ophelia" verschmelzen Energie, Emotionen und Nostalgie in einer explosiven Live-Show, wenn niemand Geringeres als die niederländische Pop-Punk-Band CALL IT OFF die erfolgreiche "ERAS GOES POPPUNK"-Tour im September diesen Jahres fortsetzt. CALL IT OFF ist der absolute Hammer! Seit ihrer Gründung im Jahr 2013 hat die Band mit ihrem mitreißenden Pop-Punk-Sound ziemlich jede Halle und jedes Festival zum Beben gebracht. Und da war diese Frau, die die Jungs den ganzen Abend vom Fell der Bassdrum anstarrte. Das war Taylor Swift! Schlagzeuger Sergei hat eine ganz besondere Verbindung zu dem amerikanischen Megastar: "Als ich Taylor 2008 zum ersten Mal hörte, fühlte es sich an, als würde ich meine eigenen Songs hören. Die Struktur der Songs, die Harmonien, die Drum-Breaks - alles klang so vertraut und logisch für mich, aber auf einem ganz anderen Niveau". Wie sich herausstellte, war Sergei nicht der Einzige mit einem Faible für Taylor. Ihre Musik läuft oft im Bandbus oder in den Entspannungsphasen vor Auftritten. In einem dieser Momente entstand die Idee: "Taylors Songs sind einfach so gut gemacht. Wir wollten alle aus Spaß ein kurzes Cover aufnehmen. Es gefiel uns so gut, dass wir es in den sozialen Medien teilten." Die Band ist völlig überwältigt von der unglaublichen Resonanz: Eine Flut von Likes, Herzchen und Anfragen nach weiteren Covern! Taylor ist der absolute Star in diesem Jahr! Bereits im März brillierte CALL IT OFF bei ihren Deutschland-Terminen in ausverkauften Clubs, so dass schnell klar wurde, dass es weitergehen muss. Im September ist es nun soweit: Neue Termine und Abende voller Taylor-Songs im typischen CALL IT OFF-Stil und dem einen oder anderen neuen Cover im Gepäck.

Descartes A Kant Zu gleichen Teilen Punk, Metal, Pop, Shoegaze und Kabarett hat das von Kritikern gefeierte Underground-Sextett Descartes a Kant (Guadalajara, Mexiko) sich als eine überirdische, unberechenbare und theatralische Live-Attraktion einen echten Namen gemacht. So sehr, dass sogar das Wall Street Journal bemerkte, dass „der Versuch, ihre Musik zu beschreiben, ihr nur schadet. Sie ist laut, frech, unglaublich fantasievoll, anspruchsvoll, witzig und wild; als würden die Yeah Yeah Yeahs von Albert Ayler angeführt und von Frank Zappa dirigiert.“ Sie gelten als eine der führenden Kräfte der lebendigen, ständig im Wandel befindlichen mexikanischen experimentellen Underground-Szene und sind nun bereit für größere internationale Anerkennung. Angeführt von starken weiblichen Figuren führten ihre ersten beiden Veröffentlichungen Paper Dolls (ein intensives und bipolares Hardcore-Album mit kurzen Songs, eine Ode an multiple Persönlichkeiten) und Il Visore Lunatique (eine Hommage an psychiatrische Störungen, die von Hip-Hop bis zu einem bizarren Broadway-artigen Musical reicht) dazu, dass sie sowohl Club- als auch Festivalpublikum auf der ganzen Welt begeisterten – darunter in Mexiko, den USA, Russland, Brasilien usw. – und sich die Bühne mit The Melvins, Yeah Yeah Yeahs, Sonic Youth, Explosions in the Sky und Slayer teilten. Descartes a Kant kehren 2023 mit einem neuen Studioalbum zurück, After Destruction. Die Veröffentlichung ist für den 29. September in allen Formaten geplant; dieses Konzeptwerk schlägt einen erzählerischen Bogen, der die Zyklen existenzieller Schöpfung und Zerstörung erkundet. After Destruction porträtiert psychisches Unbehagen in einer zwanghaft hyperkommunikativen, aber emotional isolierten Gesellschaft – mit retro-futuristischer Ästhetik, zerstörerischen Gitarren, Synthesizern und gefühlvollen Melodien. Als Satire auf zeitgenössischen emotionalen Konsumismus integriert die Band eine Automatenfigur in ihr Line-up: The DAK, eine innovative Maschine zur Reparatur emotionaler Schäden, die sowohl im Album als auch live in Interludes auftritt. Dein Leben nach einer Katastrophe wiederherstellen? Deinen Schmerz in ein Kunstwerk zu verwandeln war noch nie so einfach. Die erste Single, der titelgebende Song des Albums, wurde am 27. Juli auf allen Plattformen veröffentlicht, zusammen mit dem entsprechenden Videoclip unter der Regie von Gamaliel de Santiago und choreografiert von Mauricio Rico. Eine zweite Single, „A Catastrophe“, erschien am 31. August, begleitet von einem Lyric-Video, das von Nespy5euro animiert wurde. Modula Nation Modula Nation ist eine markante Fusion aus experimentellem, psychedelischem Space Rock, kombiniert mit schweren Industrial-Riffs, komplexen Rhythmen und satten Grooves. Die Gruppe wurde in Graz gegründet und zählt zu den vielversprechendsten Rockbands der österreichischen Underground-Szene. Das progressive Rock-Quartett aus Graz liefert pulsierende Space-Rock-Odyseen, die das Publikum auf eine psychedelische Reise durch verschiedenste musikalische Welten mitnehmen. Modula Nation hatte die Ehre, die Bühne mit legendären Künstlern wie Molotov, Tito & Tarantula, Mother's Cake, KMFDM und Skinny Puppy zu teilen. Das Projekt entstand aus früheren musikalischen Formationen des Sängers und Multiinstrumentalisten Heinz Wallner sowie seines langjährigen Weggefährten und Bassisten Ricardo Paz. Ihre Freundschaft und die gemeinsame Liebe zu einer breiten Palette musikalischer Genres, kombiniert mit nächtelangen Jam-Sessions voller Ideenfindung, halfen dabei, den individuellen Sound der Band zu entwickeln. Weitere Bandmitglieder, die die musikalische Vision von Modula Nation komplettieren, sind Philipp Pluhar am Schlagzeug und an den Electronics sowie Markus Steinrück an der Gitarre. Die Aufnahme- und Produktionsphase des lang erwarteten Debütalbums von Modula Nation mit dem Titel THE RIFT ist nun endlich abgeschlossen. Das Album wird 2026 über Tonzonen Records (Deutschland) veröffentlicht. Unten finden sich weitere Details zum kommenden Album.

Black Sea Dahu zu hören ist wie barfuß in einem Gewitter zu stehen - völlig ungeschützt, aber zutiefst lebendig. Die Band um die Schweizer Sängerin und Songwriterin Janine Cathrein hat sich eine eigene Welt erschaffen: ein Kollektiv, eine Familie, ein Raum für radikale emotionale Ehrlichkeit. Mit ihrem kommenden Album Everything (VÖ: 20.02.2026) geht Black Sea Dahu tiefer als je zuvor - nicht indem sie sich neu erfinden, sondern indem sie noch mehr von dem zeigen, was immer schon da war: die Bereitschaft, sich verwundbar zu machen, Hoffnung, Selbstreflexion, Trauer und die starke Schönheit, all das gleichzeitig zu tragen. Die neuen Songs entstanden aus einer Welle der Trauer: dem Verlust von Janines Vater und dem Schwindel, in einer Welt zu leben, die mit sich selbst ringt. Live entfaltet die Band eine besondere Anziehung - ihre Konzerte, europaweit ausverkauft, werden zu intensiven Momenten kollektiven Fühlens. 2026 kehren Black Sea Dahu mit Everything auf Tour zurück - intensiv, ehrlich und tief berührend. Zwischen Indie-Folk, Chamber Pop und Art Rock entzieht sich ihre Musik jeder Schublade. Sie will nicht beeindrucken - sie will verbinden, tragen, überleben. In einer dröhnenden Welt schenkt Black Sea Dahu etwas Seltenes: stille Wahrhaftigkeit.

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Die CALZINGER Show!! … Lass Die Sau Raus (Tour) !! Wer ihn einmal live erlebt hat, wird Beppo unvermeidlich zu seiner Lieblings- Calzone erklären! Der Kabarettist weiß, einen Comedy-Abend der Superlative hinzulegen. Die wohl unvorhersehbarste, verrückteste und witzigste SHOW an nur EINEM Abend! Der Youngstar aus Bayern - Ein Entertainer, Gitarrist, Sänger, Kabarettist, Showman ... Man kann Ihn bezeichnen wie man möchte, aber für diese Lebensfrohe und Einzigartige Show gibt es keine Kategorie - und darauf sind wir STOLZ! Seine Scharfsinnigkeit im Witz, die unverkennbaren selbstgeschriebenen Songs gepaart mit seiner Spontanität auf der Bühne begeistern seine Zuschauer!! "Es war plötzlich wie ein riesengroßes Fest und Beppo hat ALLE Gäste miteinander verbunden! Unglaublich!…" ~ Berichtet ein Zuschauer nach der Show. 23 Jahre jung, quietschfidel und einfach nur authentisch! Ein Typ mit Hummeln im Hintern, einem riesengroßen HERZ und der wahrscheinlich interaktivsten Show überhaupt! Man kann es nicht beschreiben, man muss es erleben! Damit nicht genug: 2025 und 2026 geht’s für den bayerischen Muntermacher aus Passau auf deutschland- und österreichweite Tournee. Seine rasant wachsende Fangemeinde ist riesengroß und in allen Altersgruppen breit gefächert. Ein Erlebnis für ALLE: Deswegen gibt es auch nur bei uns das Familienticket! Sie haben noch keine CALZINGER Show gesehen?! Dann aber nichts wie los... Tickets sichern! Das lohnt sich VERSPROCHEN!

Der zumeist „verniedlichte“ Stoff soll diesmal in seiner ursprünglichen Form als Märchen für Wachsende und Erwachsene erzählt werden. Die bekannte Geschichte erzählt die Verwandlung einer „Meerjungfrau“ in eine Erdenbewohnerin und schließlich die Transformation in ein „Luftwesen“. Erst der Verzicht auf Gewalt eröffnet der Meerjungfrau eine Welt, die sie zuvor nicht gekannt hat. So trägt sie zwar am Ende die Wunden ihrer „Selbstaufopferung“ davon, erlangt aber die Fähigkeit, sich in unterschiedlichsten Welten zu bewegen. Andersens Kunstmärchen in heutiger Lesart bietet die Möglichkeit vielfältigste „Welten und Menschen“ in das Projekt einzubeziehen. Eine „Unterwasserwelt“ bevölkert von Meeresbewohner*innen, Nixen, Korallen, Quallen, Meeresungeheuern, Hexen und Phantasiewesen macht Geschlechterzuordnungen und Kategorien wie „behindert“ und „nicht behindert“ schwierig bis unmöglich. Auf der von Prinzen, Königen, Tempeldiener*innen und einem skurrilen Hofstaat bewohnten „Oberwasserwelt“ setzt sich diese „Unschärfe“ fort. Schließlich tauchen auch noch „sphärische Luftwesen“ auf. Wir sehen Hans Christian Andersens romantisches Märchen als Aufforderung, Lebewesen – egal ob Mensch oder Tier – als das zu sehen und zu achten, was sie sind: Lebendige Wesen! Zugang/Zufahrt von der Kendlerstraße (Bushaltestelle Richard Knoller Straße)

Dom Martin Dom Martin, in den rauen, gemeinschaftsgeprägten Straßen von Belfast aufgewachsen, hat sich seit seinem Auftauchen auf der internationalen Musikszene 2019 eine bemerkenswerte Stellung erarbeitet. Mit seiner unverwechselbaren Gitarrenarbeit und seiner markanten Stimme hat der Multi‑Award‑Gewinner ein Spektrum zwischen tiefverwurzeltem Blues, roots‑infiziertem Rock und atmosphärischem Americana geschaffen, das Kritiker und Publikum gleichermaßen beeindruckt. Bereits sein Debüt „Spain to Italy“ legte 2019 den Grundstein für eine Karriere, die mit dem Preis Best Solo/Acoustic Act bei den European Blues Awards begann und bald darauf in eine herausragende Serie von Ehrungen mündete. Dom gewann mehrfach die Auszeichnung „Acoustic Act of the Year“ bei den UK Blues Awards (2020, 2021, 2022) und wurde für diese Errungenschaften in die UK Blues Hall of Fame aufgenommen. Ebenso mehrfach wurde er zum „Instrumentalist of the Year“ gewählt (2022, 2023, 2025), eine Würdigung, die seine technische Finesse und stilistische Breite unterstreicht. Sein Album „Buried In The Hail“ wurde bei den UK Blues Awards 2024 zum Album des Jahres gekürt – ein seltener Triumph in einem Genre, das von Tradition und Innovation zugleich lebt. Dom Martins Wurzeln sind spürbar: Seine Musik ist durchzogen von den Klängen und Geschichten seiner Heimatstadt Belfast, aber zugleich tief verankert in transatlantischen Blues-, Folk- und Rocktraditionen. Kritiker vergleichen ihn nicht ohne Grund mit der Legende Rory Gallagher, dessen Geist und Stil Martin mit Respekt und eigener Stimme weiterführt. Referenzen zu Größen wie Roy Buchanan, John Martyn, Van Morrison oder Howlin’ Wolf zeugen von Martins musikalischer Tiefe und Breite. Pressestimmen fassen diesen einzigartigen Zugang zusammen: BBC‑Moderatorin Cerys Matthews nennt sein Schaffen „absolutely wonderful stuff“, Classic Rock Magazine spricht von einem „sprawling talent“, und Blues-Veteran Walter Trout urteilt: „Dom Martin is amazing! A unique, genuine, vital artist.“ Blues in Britain konstatiert, man stoße „now and again … auf ein seltenes Talent von solcher Genialität“. Musikalisch bewegt sich Martin souverän zwischen introspektiver Akustik und elektrischer Kraft. Sein drittes Studioalbum „Buried In The Hail“ zeichnet ein vielschichtiges Porträt von Intensität und Ruhe, von autobiografischer Härte bis zur erzählerischen Nuance. Songs wie „Belfast Blues“ reflektieren seine frühen Jahre – rau, gefährlich, voller Leben – und sind zugleich Ausdruck einer künstlerischen Reife, die weit über bloße Technik hinausreicht. Live ist Dom Martin gleichermaßen als Solokünstler wie mit seiner Power-Trio-Besetzung gefragt; seine Tourneen durch UK und Europa füllen Clubs und Festivalbühnen, und seine Live-Auftritte zeigen eine Bandbreite, die von intimen akustischen Momenten bis zu kraftvoll rockenden Passagen reicht. Dom Martin gehört heute zu den international beachteten Stimmen im aktuellen Blues- und Roots-Kosmos – ein Musiker, dessen Werk den Bogen von Belfast nach Dublin, London und weit darüber hinaus spannt, und dessen Entwicklung mit jedem neuen Album an Präzision und Aussage gewinnt.

Hearts Hearts sind eine österreichische Band, die sich irgendwo zwischen Indie-Pop und Indie-Rock eingerichtet hat. So sehr sich ihre Songs im Lauf der Jahre verändert haben, das Bandgefüge blieb stabil: Daniel, David, Johannes und Peter Paul sind Freunde – und um Freundschaft geht es auch in ihrer im November 2025 erscheinenden allerersten EP STUPID STARS. Nach vier Alben durchbrechen Hearts Hearts damit bewusst den gewohnten Takt und öffnen ein neues Kapitel.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch! 🤩 Die Kommunalmesse in Salzburg ist der Treffpunkt für zukunftsorientierte Gemeinden – und CITIES ist natürlich mit dabei. Als moderner Digitalisierungspartner zeigen wir, wie Gemeinden heute sichtbar, vernetzt und serviceorientiert auftreten können. 📱🧡

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg bietet eine einzigartige Kombination aus kulinarischen und musikalischen Erlebnissen. In historisch authentischen Kostümen präsentieren Musiker die berühmtesten Werke Mozarts, während Gäste ein sorgfältig zusammengestelltes Menü genießen, inspiriert von der Zeit des Komponisten. Diese Veranstaltung verspricht eine Reise in die Vergangenheit, die den Geist des 18. Jahrhunderts einfängt und ist ideal für Liebhaber klassischer Musik und Feinschmecker, die einen unvergesslichen Abend in Salzburger Ambiente erleben möchten.

The Addams Family - Das Musical Musical von Marshall Brickman, Rick Elice und Andrew Lippa, basierend auf Figuren erfunden von Charles Addams. Die Addams Family ist zurück! Dieses mal in einer schaurig schönen Musical Comedy Show. Die Addams leben in ihrer verfallenen Villa in der Nähe des Central Parks. Die Nachbarn attestieren ihnen einen Hang zum Makabren. Sie werden für skurril, schrullig und von manchen sogar für Monster gehalten. Wenn sie das kleinste Familienmitglied, "das eiskalte Händchen" durch den Vorgarten laufen oder den Sohn des Hauses im Mondschein mit seiner Guillotine spielen sehen, wechseln vorbeilaufende Passanten die Straßenseite. Bisher hat sich keiner der Addams um das Gerede geschert, doch plötzlich beginnt sich die Tochter Wednesday für ihre Familie zu schämen: Wednesday ist verliebt, in Lukas, einen ganz "normalen" Jungen. Ihr graut davor, dass Lukas ihre Familie kennenlernt, doch das Zusammentreffen lässt sich nicht vermeiden. Lukas‘ spießige Mutter steht gleich mit auf der Matte, um sich einen Eindruck von den Leuten zu verschaffen, mit denen ihr Sohn verkehrt. Mit gespannter Armbrust und bösem Lächeln begrüßen die Addams ihre Gäste und versuchen ihrer Tochter zuliebe einen Abend lang "stinknormal" zu sein.

Oha, Pardauz und Obacht! Aut of Orda - Das Schlachtschiff unter den Dialektdampfern setzt wieder die Segel und hat ihr neues Album "Die Leichtdichtheit des Seins" im Schlepptau! Gitarrenriffs wie Wellenbrecher und Wortspiele zum Kielholen inklusive. Die Jahrhundertflut unter den Liveshows rollt gnadenlos aufs Venue-Ufer Österreich zu und lädt mitreißend zum Mitreisen ein! Tschkaaah!

Die RevivalBand feiert ihr 25-jähriges Bandjubiläum mit einem Feuerwerk aus Rockklassikern. Unterstützt werden die vier Salzburger Urgesteine der Rock- und Popmusik bei diesem Konzert von befreundeten Musikerinnen und Musikern, die als hochkarätiges Streicher-, Bläser- und Chorensemble den Fans der Band ein neues Sounderlebnis bieten werden. RevivalBand Die Musiker der REVIVALBAND blicken auf eine bemerkenswerte, fast schon mythische Geschichte in der Salzburger Musikszene zurück. Zwischen 1968 und 1999 standen sie in verschiedenen Pop‑ und Tanzbands auf der Bühne, darunter Formationen wie „Les Cerises“, „Sgt. Pepper’s“ oder „Soft & Sound“ – Namen, die in Salzburgs musikalischer Erinnerung einen besonderen Klang haben und für eine lebendige lokale Szene stehen, in der handgemachte Musik von Leidenschaft getragen wurde. In den 1990er‑Jahren führte dieser gemeinsame Weg zur legendären Yesterday Revival Band – einer der ersten Gruppen in der Region, die sich mit Herz und Verve der Musik der 1960er und 1970er Jahre widmete. Diese Epoche war ohnehin eine Zeit der großen Umbrüche in der Pop‑ und Rockmusik, in der Bands wie die Beatles oder die Rolling Stones den Klang einer ganzen Generation prägten und Stücke wie „Paint It Black“ oder „Hey Jude“ zu kulturellen Meilensteinen wurden. Nach der Auflösung dieser Formation im Jahr 1999 setzten die vier Salzburger Musiker ihr gemeinsames Schaffen Anfang des 21. Jahrhunderts unter dem Namen REVIVALBAND fort – mit dem klaren Ziel, die Essenz anspruchsvoller Rock‑ und Popmusik neu zu beleben und weiterzuentwickeln. Unter dem Motto „Rock meets Pop“ entwickelte sich ein Repertoire, das den Bogen von bluesigen Hard‑Rock‑Riffs über melodische Gitarrenwände bis zu zeitlosen Klassikern spannt. Ihre Programmgestaltung spiegelt die Vielfalt der populären Musikgeschichte wider: kraftvolle Hymnen und energiegeladene Rocknummern, wie sie etwa von Deep Purple, Led Zeppelin, Gary Moore, ZZ Top oder Toto stammen, aber ebenso unvergessene Melodien der Beatles oder weiterer stilprägenden Acts der 60er bis 80er Jahre. Was die Band auszeichnet, ist nicht nur das handwerkliche Können und die jahrzehntelange Erfahrung; es ist vor allem die Fähigkeit, Songs, die seit Generationen im kollektiven musikalischen Bewusstsein verankert sind, mit frischer Energie und Spielfreude auf die Bühne zu bringen. Klassiker des Genres – etwa energetische Rock‑Anthems, treibende Bluesrock‑Grooves oder eingängige Melodien – werden so zu einem lebendigen Erlebnis für ein Publikum, das sich gleichermaßen an nostalgischen Erinnerungen und euphorischen Wiedergaben erfreut. In einer Zeit, in der Musikstile oft flüchtig und kurzlebig erscheinen, steht die REVIVALBAND für ein anderes Verständnis: für die Wertschätzung jener Lieder, die uns in ihrer Vielfalt, Dynamik und Emotionalität immer wieder berühren – vor allem dann, wenn sie mit der geballten Spielfreude einer Band präsentiert werden, die selbst ein Vierteljahrhundert - und in erweiterter Form weit darüber hinaus - auf der Bühne besteht.

Fäaschtbänkler – das ist kein Bandname, das ist ein Versprechen: fünf Schweizer Jungs, die mit Blasinstrumenten und wummernden Bässen das Publikum zum Tanzen, Jodeln und Ausflippen bringen. Und das mit einer Leichtigkeit, als wäre es das Natürlichste der Welt. Sie stammen aus einer Welt, in der Kuhglocken zum Alltag gehören und der nächste Club 48 Kilometer entfernt ist – und trotzdem feiern sie lauter als jedes Berliner Rooftop. Keine gecastete Boyband, keine glattgebügelten Influencer – sondern fünf echte Musiker und Freunde, die zwischen Bergluft, Blasinstrumenten und Technoclub ihre ganz eigene Form von Unterhaltung gefunden haben: originell, ehrlich und unfassbar unterhaltsam. Ihre Musik? Ein Feuerwerk aus Pop, Blasmusik, Elektro, Techno und Oberkrainer-Sound. Die Instrumentierung? So vielseitig wie ein Schweizer Taschenmesser: Trompete, Bariton, Akkordeon, Gitarre, Schlagzeug, Klarinette, Saxofon, Steirische, Alphorn, Klavier, E-Bass – alles ist erlaubt, solange es Spaß macht. Online wie offline begeistern sie ihr Publikum. Ihre Videos verbreiten sich wie Lauffeuer auf Instagram, TikTok & Co., weil sie genau den richtigen Ton zwischen Heimatgefühl und Lachflash treffen – ohne dabei ihre Wurzeln zu vergessen. Und live? Eine Naturgewalt: Ob beim Nova Rock, Frequency oder dem Woodstock der Blasmusik – sie füllen große Hallen, reißen Bühnen ab und bringen Generationen zum Mitsingen. Ihre Shows sind energiegeladen, überraschend, emotional – und oft einfach komplett irre. Mit Gold- und Platin-Hits wie "ALL IN", "Glück", "Humpa Humpa" oder "Can You English Please" haben sie längst bewiesen: Diese Band spielt nicht nur Musik – sie lebt sie. Und wer sie einmal erlebt hat, weiß: An den Fäaschtbänklern führt kein Weg vorbei. Laut, liebevoll irre – und mit ganz viel Herz. Das sind die Fäaschtbänkler.

Erntedankfest. 04. Oktober 09:00–10:00 Uhr 2026. 09:00 Uhr Festgottesdienst. Der Sozialkreis bietet großzügige Gemüse-Spenden von landwirtschaftlichen Betrieben aus unserem Pfarrgebiet nach dem Gottesdienst an.

Wie aus dem Nichts ist Benedikt Mitmannsgruber über Nacht 30 geworden. Umgeben von Wald, Kühen und Bauernhöfen lässt er die letzten Jahre Revue passieren. Auf dem Dachboden seines Elternhauses entdeckt er ein vergilbtes Album, in dem sich ein Stammbaum seiner Familie befindet. Für Benedikt Mitmannsgruber beginnt damit eine furiose Reise durch die Vergangenheit seiner Familie und durch seinen eigenen absurden Alltag. Die Reise beginnt Anfang des 20. Jahrhunderts in einem kleinen Dorf an der tschechischen Grenze. Dort entscheiden sich Benedikt Mitmannsgrubers Urgroßeltern dazu, 15 Kinder zu bekommen. In den 1960er Jahren werden Benedikt Mitmannsgrubers Eltern geboren. Sie verbringen ihre Kindheit neben dem Eisernen Vorhang in der tiefsten österreichischen Provinz. Keiner weiß so richtig, ob der kleine Streifen Land eigentlich zu Tschechien oder zu Österreich gehört. In den 1990er Jahren fällt der Vorhang und Benedikt Mitmannsgrubers Eltern entschließen sich, einen Sohn zu zeugen. Dieser wird in eine Welt geboren, in die er nie so richtig hineinpasst, die er aber mit all ihren schrulligen Bewohnern und Eigenheiten trotzdem liebt. Eine Hommage an das Aufwachsen im Nirgendwo. Eine Liebeserklärung an die vergessenen Kaffs. Eine Reise in die eigene Vergangenheit. Ein skurriler Blick auf unsere Gesellschaft und auf eine aus den Fugen geratene Welt. Benedikt Mitmannsgrubers drittes Programm „1996“ ist seinen zwei Eltern und vier Großeltern gewidmet, die ihn trotz schwierigem Aufwachsen am Ende der Welt mit kaum Perspektiven zu dem Benedikt Mitmannsgruber geformt haben, der er heute ist! Dauer: 90 Minuten Regie: Jürgen Marschal

33rd Rockhouse Birthday Party Part 1 Wallis Bird (IE) Songs For The Red Sun - A Tribute To Kyuss & Queens Of The Stone Age Catastrophe & Cure (AT) Jo the Man the Music (AT) Ro Bergman (AT) Part 2 Frittenbude (DE) Naked Cameo (AT) Fenzl (DE) Laurenz Nikolaus (AT) Farmar (AT) DJs für eine bessere Welt (DE) Special Guest 33 Umdrehungen Rockhouse - zum Geburtstag legen wir ein intensives 2-tägiges Liveprogramm auf! Am 9. Und 10. Oktober schlagen wir ein eklektisches Doppelalbum auf beiden Bühnen des Rockhouse auf. Die Beiträge dazu liefern an Tag 1 die irische Ausnahmemusikerin Wallis Bird, ein Kyuss und Qotsa Tribute von Songs For The Red Sun, Indie Rock von Catastrophe & Cure und die spannende Nachwuchshoffnung Jo The Man The Music. Tag 2 ruft die Ravepunk Institution Frittenbude auf den Plan, sowie Österreichs Indie Überflieger Naked Cameo, wildester bayrischer Ska-Polkabilly von Fenzl, Dialekt Pop von Laurenz Nikolaus, Mario Fartaceks Solo Projekt Farmar und nach der letztjährigen Feier-Eskalation machen die DJs für eine bessere Welt auch heuer wieder den Sack zu.

Sein neues Comedy-Programm über den täglichen Kampf mit dem ultimativen Gegner: dem eigenen Leben. Gernot Kulis nimmt das Leben, wie es ist – auf die Schaufel. Ob im chaotischen Familienalltag, auf abenteuerlichen Reisen mit schrägen Begegnungen oder im unausgewogenen Duell gegen die künstlich intelligente Badezimmerwaage – überall lauern Konflikte, die er nur auf eine Weise löst: mit Humor. Er kann nicht anders. Ausgestattet mit der K.I. – der Kulis Intelligenz – nimmt er sich in seinem neuen Programm der großen und kleinen Fragen seines Lebens an – stets bereit, auch im Ernst einen Witz zu finden. Und das wie immer auf seine unverwechselbare Art: energiegeladen, vielstimmig, mit vollem Körpereinsatz und einem Tempo, das einem den Atem raubt. Gernot Kulis kann eben nicht anders. Ein Programm über Freundschaft, Ehe und smarte Haushaltsgeräte, die einfach zu viel wissen.

EIN TOUCH TOO MUCH - Tahnee hat ein neues Programm, und ja: Es ist genau das, was passiert, wenn jemand mit zu viel Energie, zu vielen Gedanken und zu wenig Geduld beschließt, die Realität nochmal kurz durchzurütteln. Manchmal macht genau dieses kleine "zu viel" das Leben erst spannend - und manchmal bringt es einen komplett an den Rand der geistigen Betriebsbereitschaft. Tahnee feiert beides. Sie zeigt, wie großartig es sein kann, selbst EIN TOUCH TOO MUCH zu sein, wenn alle anderen auf Sparflamme laufen - und wie gnadenlos anstrengend Menschen wirken, die permanent mit XXL-Energie durch den Alltag stolpern. Zwischen liebevoller Selbstironie, einem Feuerwerk an Parodien und zielsicherer Beobachtung entsteht ein Programm, das fragt: "Was, wenn "zu viel" genau die richtige Menge ist?"

„Back To The Roots“-Tour Big Daddy Wilson Donnerstag, 08. Oktober 2026 20.00 Uhr, Altes Kino Rankweil Der amerikanische Blues-Singer-Songwriter Big Daddy Wilson kehrt 2026 zu seinen musikalischen Ursprüngen zurück. Das neue Album „Smiling All Day Long“, das im Jahr 2025 veröffentlicht wurde, ist eine ehrliche und tiefgründige Hommage an die Wurzeln der schwarzen Musik – und gleichzeitig ein eindrucksvoller Beweis für die musikalische Vielseitigkeit und Reife des preisgekrönten Künstlers. Mit „Back To The Roots“ lädt Big Daddy Wilson seine Fans auf eine facettenreiche Reise ein, die von Roots-Blues über klassischen Soul und Folk bis hin zu zeitgenössischen Urban Grooves reicht. Jeder Song erzählt eine eigene Geschichte und spiegelt die authentische Verbindung des Künstlers zu den Traditionen der schwarzen Musik wider, gepaart mit modernen Einflüssen und seiner einzigartigen Stimme. Authentisch, kraftvoll und voller Leidenschaft: Big Daddy Wilson begeistert mit einem einzigartigen Mix aus Blues, Roots und Soul.

"Lieber tour ich weiter" - Tour Bekannt geworden durch seinen Auftritt beim Eurovision Song Contest und seinen Hit "TANZSCHEIN", bringt COSMÓ frischen Wind in die Poplandschaft. Mit einem Sound zwischen Billie Eilish und CRO verbindet er Bedroom-Pop mit tanzbarer Leichtigkeit und erzählt von Sommer, Liebe und dem befreienden Gefühl, sich selbst neu zu erfinden. Live steht COSMÓ gemeinsam mit seiner Band (Julia Aspan, Sandro Humitsch, Raphael Kepplinger und Levi Luckart) auf der Bühne und schafft mit Energie und Nähe zum Publikum eine euphorische Atmosphäre - denn bei COSMÓ tanzen alle gemeinsam. Von einer Welt, die von Krisen und Unsicherheiten geprägt ist, lässt sich der 19-Jährige nicht unterkriegen - lieber tourt er weiter mit seiner neuen EP "LIEBER TANZ ICH WEITER".

Die Wiener Band CULK kündigt ihre große Herbsttour 2026 an und liefert damit den perfekten Rahmen für ihr mit Spannung erwartetes neues Album SMOGSTAR, das am 4. September 2026 über Siluh Records erscheint. Mit SMOGSTAR öffnen CULK ein neues klangliches Kapitel: roher, direkter und kompromissloser. Die Band orientiert sich stärker an der Soundästhetik der New Yorker Underground-Szene der 80er Jahre: eine Welt zwischen Lärm, Kunst und radikalem Ausdruck. Einflüsse von Noise-Rock-Pionieren wie Sonic Youth oder Swirlies treffen auf die Dringlichkeit von Bands wie Unwound und werden durch aktuelle Acts wie julie oder Blue Smiley weitergedacht. Dieses ‚in-your-face‘-Moment prägt auch die neuen Songs: weniger Distanz, mehr unmittelbare Energie, die sich in dichten Arrangements und eruptiven Dynamiken entlädt. Die unverwechselbare Stimme von Frontfrau Sophie Löw bleibt dabei das emotionale Zentrum intensiv, verletzlich und zugleich von einer neuen Dringlichkeit getragen. Im September bringt die Band ihre neuen Songs erstmals auf die Bühne und geht auf umfangreiche Tour durch Deutschland und Österreich. Ein besonderes Highlight ist der Auftritt beim renommierten Reeperbahn Festival in Hamburg, wo CULK Teil des hochkarätigen Line-ups sein werden.

„Kosmos & Orchester“ ist ein phantastisches Live-Erlebnis, das die Kraft eines Sinfonieorchesters mit eindrucksvollen Bildern, kosmischer Erzählkunst und zum Nachdenken anregenden Einblicken zu Sternen, Planeten und den verborgenen Kräfte des Lebens verbindet, die unser Leben prägen. Präsentiert von drei Visionären - der international bekannten Astrologin Silke Schäfer, dem Musiker und Produzenten Robert Emery sowie dem Komponisten und Perkussionisten Moritz Schneider - nimmt dieses Konzert das Publikum mit auf eine emotionale Reise voller Momente des leuchtenden Staunens und der meditativen Besinnung bis hin zu epischen, filmischen musikalischen Höhepunkten. Gemeinsam mit dem National Philharmonic Orchestra of Great Britain entsteht eine kraftvolle Mischung aus eigens komponierter Musik und inspirierender Erzählkunst. „Kosmos & Orchester“ ist daher mehr als nur ein Konzert. „Kosmos & Orchester“ ist eine Portal-Öffnung in eine andere Dimension, die das Herz berührt und den Kosmos in jeder Zelle fühlen lässt. Informationen zum Künstler: Silke Schäfer ist eine der bekanntesten Astrologinnen und spirituellen Lehrerinnen Europas und bekannt für ihre inspirierenden Live-Veranstaltungen, ihre Bestseller und ihre kosmischen Einsichten, die Astrologie mit persönlicher Entwicklung, Achtsamkeit und den Geheimnissen des Universums verbinden. Robert Emery ist ein international gefeierter Dirigent, Produzent und Moderator, der weltweit mit bedeutenden Orchestern, Filmmusikproduktionen und Crossover-Konzerten zusammengearbeitet hat. Er ist dafür bekannt, durch dynamische Live-Auftritte und Geschichtenerzählen ein neues Publikum für Orchestermusik zu begeistern. Moritz Schneider ist Komponist, Perkussionist und Musikproduzent, dessen filmische und meditative Werke Orchesterklang, Rhythmus und Spiritualität miteinander verbinden und so ein immersives Musikerlebnis schaffen, das zum Nachdenken anregt, Emotionen weckt und Verbundenheit schafft. Das National Philharmonic Orchestra of Great Britain ist ein Orchester von Weltklasse, das herausragende Musiker aus ganz Großbritannien zusammenbringt, um in spektakulären Live-Aufführungen beeindruckende symphonische, filmische und Crossover-Musik zu präsentieren.

9 Uhr Messe mit anschließender Agape

Erja Lyytinen ist eine der international anerkanntesten Blues-Rock-Gitarristinnen Europas. Carlos Santana verlieh ihr den Spitznamen "Lightning", Guitar Player nannte sie "eine der 10 Gitarristinnen, die den Blues im 21. Jahrhundert lebendig halten", Medien betiteln sie als "Finnish Slide Goddess" und "Queen of the Slide Guitar". Sie gewann u. a. den European Blues Award als Best Guitarist, wurde bei Total Guitar zu den "Best Guitarists in the World Now" gezählt und erhielt den HRH-Titel "Angel of Rock". Ihre Karriere umfasst zahlreiche Studio- und Live-Kollaborationen mit Legenden wie Carlos Santana, Jennifer Batten (Michael Jackson), Joe Bonamassa, KT Tunstall, Sonny Landreth und Finnlands Gitarren-Ikone Robin Trower. Mit über 15 Alben, Chart-Erfolgen, weltweiten Tourneen und einer herausragenden Live-Reputation gilt Lyytinen heute als eine der prägendsten europäischen Blues-Rock-Künstlerinnen ihrer Generation. Erja Lyytinen Erja Lyytinen gehört unumstritten zu den weltweit führenden Blues‑Rock‑Gitarrist:innen unserer Zeit - nicht nur als Virtuosin des Slide‑Guitars, sondern als musikalische Ikone, die dem Genre neue Horizonte erschließt. Die aus Kuopio, Finnland stammende Musikerin prägt seit mehr als zwei Jahrzehnten die internationale Blues‑Szene mit einer Mischung aus traditionellen Blues‑Elementen und rohem Rock‑Spirit. Was in den frühen 2000ern mit dem Debütalbum Wildflower begann, entwickelte sich zu einer diskographischen Expedition durch zwölf Studio‑ und mehrere Live‑Alben, deren Spektrum von klassischem Delta‑Blues bis zu riffstarken, hard‑rockigen Klanglandschaften reicht. Carlos Santana nannte sie nicht ohne Pathos: "She is the future", nachdem sie 2018 in Helsinki vor 20.000 Menschen mit ihm auf der Bühne stand - ein Moment, der nicht nur die Anerkennung einer Legende dokumentiert, sondern ihren Status im Blues‑Universum manifestiert. In Rezensionen wird Lyytinen als "Queen of Slide Guitar" gefeiert, und Musiker:innenkollegen wie Sonny Landreth attestierten ihr früh "große Gitarrenfähigkeiten", die sich längst in einem Namen materialisiert haben, der in Blues‑Kreisen mit Respekt geflüstert wird. Ihre Live‑Performances gelten als elektrisierende Ereignisse; energiegeladen, technisch brillant und tief verwurzelt im Blues, zugleich jedoch unvorhersehbar wie ein Sturm über dem Nordmeer. Das 2023 veröffentlichte Live‑Album Diamonds on the Road wurde in der internationalen Musikpresse als "magnificent" beschrieben und unterstreicht Lyytinens Ruf als Ausnahme‑Live‑Act. Zum 20‑jährigen Bühnenjubiläum konzipierte sie 2023 das opulente CD/DVD‑Projekt 20 Years of Blues Rock!, aufgezeichnet im legendären Tavastia Club in Helsinki, bei dem sie alle bisherigen Rhythmusgruppen und Gastkünstler:innen vereinte - ein kaleidoskopisches Dokument ihrer Karriere. Auch die Awards‑Liste liest sich wie ein Who’s Who der Blues‑Szene: - European Blues Awards - "Best Guitarist of the Year" (2017), eine der höchsten Würdigungen im europäischen Blues‑Kosmos. - #2 Platz in Total Guitar Magazine’s "10 Best Guitarists Now" (2020), was Lyytinen unter die aktuell relevantesten Gitarrist:innen weltweit katapultierte. - Historische Nominierung als erste Finnin für den BB King International Artist of the Year bei den Maple Blues Awards (Kanada, 2022), ein Meilenstein, der für ihren globalen Einfluss steht. - "Angel of Rock" bei den HRH Awards (2024), eine Ehrerweisung, die sie in die Tradition von Genre‑Ikonen wie Doro Pesch und Jackie Chambers stellt. Zudem wurde ihr Gitarrensolo in Bad Seed von Guitar World als Top‑10‑Solo 2022 gelistet, und Singles wie Bad Seed wurden von Classic Rock Magazine unter die besten Rock‑Songs des Jahres gewählt. Neben ihrer Soloarbeit hat Lyytinen mit Größen wie Jennifer Batten (Michael Jackson), Sonny Landreth, Dan Aykroyd & Downchild Blues Band, und Carlos Santana musiziert und getourt - Kollaborationen, die nicht nur Referenzen sind, sondern Pinselstriche in einem Panorama außergewöhnlicher musikalischer Verbindungen. Ihr 2025 erschienenes Studioalbum Smell the Roses markiert einen weiteren evolutionären Sprung: härter, rifflastiger, mit einer bewussten Hommage an die Essenz der britischen und amerikanischen Hard‑Rock‑Traditionen der 60er und 70er Jahre. Auf den UK‑IBBA‑Charts erreichte es Platz #6, und Kritiken weltweit attestieren dem Werk Rang und Reife in Lyytinens Schaffen. Pressestimmen fassen ihren Einfluss pointiert zusammen: "Erja Lyytinen’s one of the best guitarists on the scene at the moment - forget male or female, forget rock or Blues - just one of the best." - Music News "Erja Lyytinen continues to evolve as an artist, proving that she’s not just a phenomenal guitarist but also a visionary musician with an unshakable creative drive." - Jace Media Music Erja Lyytinen bleibt somit nicht wegen einzelner Auszeichnungen im kollektiven Gedächtnis, sondern als Dynamikerin der Gitarre, deren Schleifen, Slides und Soli in einer direkten Linie zu den Ursprüngen des Blues stehen, während sie zugleich die Sprache des Genres in die Gegenwart und Zukunft übersetzt.

Lina Bó gehen 2026 wieder auf Tour: Die Asphalt und Sterne Tour 2026! Lina Bó stehen für Musik, die bewegt! Seit ihrer Gründung 2018 haben Celina von Wrochem und Luca Bo Hansen ihren ganz eigenen Sound entwickelt: Folk-Pop mit Einflüssen aus Lateinamerika, viel Gefühl und noch mehr Energie. Ob auf der Straße oder im Club – ihre Songs erzählen von Begegnungen, vom Reisen, vom Leben zwischen Kulturen. Mal leichtfüßig und tanzbar, mal nachdenklich und voll Seele. Mit ihrer selbstbetitelten Debüt-EP, zahlreichen TV-Auftritten und Supportshows für Größen wie Santiano oder Anna R. haben Lina Bó längst gezeigt, was in ihnen steckt. Nach der 2025 teilweise ausverkauften Deutschlandtour bringen sie 2026 ihre Musik erneut in die Clubs der Nation! TICKETS: https://t.rausgegangen.de/tickets/lina-bo-asphalt-und-sterne-tour-2026-8

Sei schön brav! Das haben wir in unserer Kindheit doch alle einmal gehört. Und schon wird es verwirrend. Einerseits muss man den Schein wahren, andererseits sollst du nicht lügen. Müsste der Pfarrer bei der Beerdigung dann nicht die Wahrheit sagen, dass der Verstorbene nämlich ein solider Vollpfosten war? Überhaupt, hat uns gutes Benehmen jemals irgendetwas gebracht? Während den Braven bestenfalls das Kopferl gestreichelt wird, regieren die Saugfraster die Welt. Und spielen jedes Wochenende in Florida Golf. Oder fahren Jetski. Auf einem frisch geschmolzenen Gletscher. Jetzt ehrlich, so richtig geil wurde das Kasperl-Programm doch immer erst, wenn der Tintifax aufgetaucht ist und noch heute sind in jedem Krimi die Schurken spannender, während der Held mindestens ein Alkoholproblem, wenn nicht gar zwei braucht, um da mitzuhalten zu können. Und wenn Robert Heinrich I., Kaiser von Österreich, dem Klaus Oppitz jahrelang die Texte geschrieben hat, seinen Gästen rät, „einmal ein bissl brav zu sein“, versteht sich von selbst, dass er es ganz und gar nicht ist: Brav. Und viel mehr Spaß im Leben hat, als seine Untertanen. Klaus Oppitz will das jetzt auch, verwegen sein, rücksichtslos, hinterfotzig, unrasiert, die Nettigkeit überwinden, den Klosterschüler hinter sich lassen. Endlich einmal ein Saugfrast sein!

Trophäenraub Malarina muss sich etwas überlegen. Ihr Ruhm hat dazu geführt, dass das Finanzamt und die Sozialversicherung ständig absurde Geldbeträge von ihr wollen. Wie praktisch, dass sie in Österreich lebt, einem Land ohne Erbschaftssteuer. Malarina ist eine bürgerliche Pseudo-Feministin. Sie nützt das Patriarchat lieber für ihren Vorteil, anstatt es zerschlagen zu wollen. Also macht sich die Trophäenfrau auf die Suche nach potentiellen Partnern und dated sich durch die Geschichte der Menschheit. Text: Marina Lacković Regie: Steffo Sourial Technische Komposition: Stephan Philipp Kostüm: Goran Bugarić Pressestimmen: "Malarina zählt mit ihrer Rolle als rechtsaffine Austroserbin zu den interessantesten Kabarettaufsteigern des Landes" - Der Standard "Klug und hochgradig amüsant" - profil

"OVO" präsentiert das große Krabbeln! Das geniale artistische "Ei" des Cirque du Soleil Die Arena-Show in Salzburg und Graz "OVO", die gefeierte Arena-Show des Cirque du Soleil bietet ein rasantes, farbenfrohes und witziges Kaleidoskop in überragender, artistischer Perfektion. Die Welt der Insekten mit ihrer ungeheuren Vielfalt liefert eine ironische Blaupause für das Geschehen auf der Bühne, die einem Nest voller Akrobatik und Komik gleicht. Das große, kontrastreiche Krabbeln in schillernden Kostümen und grellen Kulissen ist ein herrlicher Spaß für die ganze Familie. "OVO", dass die Grenzen, die dem menschlichen Körper gesetzt sind, neu definiert, gastiert vom 22.10.-25.10.26 in Salzburg und vom 29.10.-01.11.26 in Graz. Die Zuschauer stürzen kopfüber in einen Kosmos, in dem es vor Leben wimmelt. Lautstarke, turbulente Szenen wechseln sich mit stillen, gefühlvollen Momenten ab. Ein mysteriöses, großes Ei gibt allen Schauspielern, Artisten und Clowns mit ihren Insektenverkleidungen und -Charakteren Rätsel auf. Mächtige Grillen werden vom Trampolin in die Höhe katapultiert und eine hypnotische Spinne verrenkt sich in ihrem Netz bis zur Unkenntlichkeit "Ovo", das auf Portugiesisch Ei bedeutet, ist ein zeitloses Symbol, das sich wie ein roter Faden durch das Spektakel zieht. Bei allem, was da kreucht und fleucht, darf die Liebe natürlich nicht zu kurz kommen, wenn die formidable Marienkäferdame ihr Herz für den quirligen, fremden Fliegenmann entdeckt. Und wie immer beim Cirque du Soleil ist auch "OVO" gespickt mit artistischen Höchstleistungen. 53 Akrobaten und Musiker gestalten ein Spektakel, dass die Vorstellungskraft in Frage stellt. Über 7 Millionen Menschen in 40 Ländern hat "OVO" bereits fasziniert.

Die schon beinahe altgediente norwegische true Black Metal Unit MORK kündigt für den Herbst 2026 ihre Europatour an, bei der sie von den niederländischen Blackened Death Metallern SOULBURN begleiten lassen. Der Schwerpunkt liegt im deutschsprachigen Raum aber auch andere Orte können sich auf die Black Metal Party von Thomas Eriksen freuen.

Cirque du Soleil - OVO — Circus performance. Termin: Oct 21 um 8:00 PM. Veranstaltungsort: Messezentrum Salzburg GmbH, Salzburg, Austria.

DNA - Albumrelease Tour 2026 Die Poxrucker Sisters, ausgezeichnet mit dem Amadeus Austrian Music Award, sind im Herbst 2026 wieder live mit Band unterwegs. Nach erfolgreichen Tourneen und ausverkauften Konzerten in ganz Österreich stellen Stefanie, Christina und Magdalena ihr neues Album "DNA" vor. Ihrer musikalischen DNA sind sie mit Songs wie "L.I.E.B.E", "So jung kumma nimma zaum" und weiteren musikalischen Überraschungen und Neuheiten auf der Spur und schaffen so ein einzigartiges, verbindendes Live-Erlebnis voller Energie und Spielfreude. Dreistimmiger Gesang, Haltung und Herzklopfn - dafür stehen die Poxrucker Sisters aus dem Mühlviertel. "DNA" - Dialektpop: nahbar und authentisch. Live im Herbst 2026

Fink, seit Jahren ein Fixstern in österreichischen Konzertkalendern, tourt 2026 wieder durchs Land. Im Gepäck hat er "The City Is Coming to Erase It All". sein neuntes Studioalbum, der Nachfolger von "Beauty In Your Wake" aus dem Jahr 2024. Aufgenommen in Zennor, Cornwall, entstand das Album mit einem streng zeittypischen Ansatz. Man stellte sich vor, wie ein Album von Michael Chapman klingen könnte, bis hin zu den Gitarrensaiten. Der Grammy-prämierte Produzent Sam Okell begleitete den Prozess: "Was es 1974 nicht gab, darf man nicht verwenden." Doch hier geht es um die Rückbesinnung auf die Gegenwart, nicht um Nostalgie. "Ich will etwas Neues, aber mit demselben Ethos", erklärt Sänger Fin Greenall. Es gibt eine Parallele zwischen den rastlosen 18-Jährigen, die Fink einst waren, und den Familienvätern im fortgeschrittenen Alter, die sie heute sind. Das Touren ist nach wie vor eine ebenso große Leidenschaft wie ein Genuss, obwohl sie schon unzählige Male in jeder großen europäischen Stadt gespielt haben. "Der Drang, das neue Material zu spielen, ist so überwältigend, dass er alle Annehmlichkeiten und Kleinigkeiten in den Schatten stellt." City ist ein Produkt dieser Entdeckerlust und der Verehrung des Albums als Kunstform – wie wir sie 1974 kannten. Das Cover spiegelt den Inhalt wider: Der erste Song ist die Begrüßung, der instrumentale Schluss der Ausklang. Es ist eine Geschichte. Es ist ein Album für Menschen, die wie seine Schöpfer neugierig sind. Menschen, die für Musik auch mal ein bisschen Kälte in Kauf nehmen, die zu Hause ein knisterndes Feuer entzünden und sich mit diesen Liedern beschäftigen, bis sie bereit sind, ihren eigenen Traum zu verwirklichen. Supported wird Fink von Angela Autumn, einer Country- und Folk-Künstlerin aus der Appalachenregion Pennsylvanias. Inspiriert von den Wurzeln ihrer kleinen Heimatstadt, brachte sie bald auch Geschichten aus ihrer Kindheit und ihrer verdrängten Herkunft nach Nashville. Mit mehreren Alben, darunter "Cowboy Jack Clementine" (2023), und unzähligen Videos, die sie über ihre Social-Media-Kanäle mit Millionen von Aufrufen veröffentlichte, erlangte sie Anerkennung für ihren Sound und ihre Traditionen und wurde zur "Rose der Appalachen" gekürt.

20 Jahre Wiener Soul Eine Institution der österreichischen Musiklandschaft feiert ihr 20jähriges Bandbestehen. 5/8erl in Ehr´n haben mit ihrem WIENER SOUL wohl den gemütlichsten und lässigsten Beitrag zum Austropop geleistet. Begonnen hat’s als Insider Tip mit groovigen Mundart Songs und Anlehnungen am Wienerlied, bald mit ihrem ersten Hit SIASSE TSCHICK ging’s aber Richtung FM4 und Popkultur. Divers ist das Oeuvre der Band, genauso wie ihr Publikum. Ihr Song BADESCHLUSS ist der wohlige, melancholische Schlusssong in den Wiener Bädern und machte die Band legendär, vom Schafbergbad bis ins Gänsehäufel. Den Refrain von VAPORIZER singt man in Berlin genauso textsicher mit wie in Graz. "Wie wenn Stevie Wonder eine Sachertorte geraucht hätte!" heissts im Bayerischen Rundfunk. Garantiert ist ein stimmungsvoller Abend, der die ganze Bandbreite der Band auffächert: von der gefühlvollen Ballade bis zur komischen Burleske. Feiern wir alle mit, schneiden wir die Geburtstagsmelone an, schön dass es die 5/8erln gibt! Max Gaier, Robert Slivovsky: Gesang Miki Liebermann: Gitarre Hanibal Scheutz: Bass Clemens Wenger: E-Piano, Akkordeon

Cirque du Soleil OVO — Contemporary circus performance. Termin: Oct 23 um 4:00 PM. Veranstaltungsort: Salzburgarena, Salzburg, Austria.

Gesang, Gitarren, Schlagzeug und Bass: Die Grundelemente des Rock sind das, wofür Danko Jones, einer der erfolgreichsten kanadischen Hard 'n' Heavy-Exporte, seit ihrer Gründung im Jahr 1996 konsequent steht. Ständiges Radio-Airplay in den führenden Rockländern der Welt, die treueste Fangemeinde, die sich eine Band nur wünschen kann, sowohl auf Festivals als auch bei ihren ausverkauften Clubshows, sowie zahlreiche Auszeichnungen - u.a. fünf Juno-Award-Nominierungen - im Laufe ihrer Karriere haben ihre führende Rolle in der Rock'n'Roll-Welt immer wieder zementiert.Danko Jones schaffen es, mit ihrem reichhaltigen Katalog, der bisher elf erfolgreich elektrisierende Studioalben umfasst, nicht nur Rocker, sondern auch Musikliebhaber von Genres weit jenseits von Hardrock und Punk zu vereinen. Die letzten neun Alben stiegen sogar in die offiziellen deutschen und schweizerischen Albumcharts ein (neben zahlreichen anderen Ländern). Support in Wien und Salzburg: Split Dogs

"Mich beschäftigt die Frage, ob es denn auch gefühltes Fühlen gibt. Und dann natürlich, wenn es gefühltes Fühlen tatsächlich gibt, ob sich das beliebig weiter fortführen läßt; also, man fühlt zwar nicht, aber es fühlt sich so an, als fühlte man. Wenn das geht, muß man so wirklich, richtig und in echt fühlen, daß man fühlt, oder genügt es, wenn man das - sozusagen in zweiter Ableitung - auch nur fühlt? Ich nehme aber an, daß diese Frage wirklich nur mich beschäftigt, deshalb werde ich in diesem Programm eher andere Sachen besprechen."

Angela Aux ist ein Phantom des deutschen Pop-Kosmos, aber keines, das sich besonders gut versteckt. Seine Songs laufen europaweit im Radio, er wird millionenfach gestreamt, seine Musik klingt in Kinofilmen. Doch live entfaltet sich seine ganze Magie: Zwischen Indie-Konzert, Philosophie-Crashkurs und Dada-Comedy schafft er Momente, die uns mal zum Lachen, mal zum Träumen bringen. Am 23.10.2026 erscheint sein neues Album DAS NICHTS MACHT KOPIEN VON SICH SELBST – sein erstes in deutscher Sprache – eine Reise durch 90er Grunge, Hamburger Schule und LoFi, die den Wahnsinn der Welt in sanfte Pop-Hymnen bettet. Der Songwriter verbindet vermeintliche Gegensätze, schafft Korridore zwischen entfernten Genres. So klingt er im einen Moment nach Mac DeMarco mit Peter Licht Chorus, im nächsten nach einer J-Dilla-Version von Sufjan Stevens, um kurz darauf zwischen den Beatles und Caribou zu oszillieren. Mitunter wechselt er in seinen Songs mehrmals die Musikrichtungen, changiert von Folk-Pickings über eklektisch-elektronische Patterns zu Ambient-Passagen und spielt gern mal eigene Folk-Stücke in reduzierten Dub-Versionen. Sein Kaleidoskop aus tiefgründigen Songs und absurden Gedanken erzeugt live eine traumartige, transzendente Sogwirkung. Auf einer feinen Linie zwischen Schlaf und Wachzustand tänzelnd, betreibt der Songwriter damit eine Art seriösen Dadaismus. Die Verschränkung vermeintlicher Gegensätze wie Talent und Dilettantismus, Kritik und Klamauk erinnert teils an Helge Schneider. Aber Angela Aux ist melancholischer. Nicht zufällig findet man seine Folk-Songs oft an besonders emotionalen Stellen in Filmen, z. B. wenn die Heldin einsieht, dass es kein Leben ohne Enttäuschung gibt (‚About a Girl‘), der verlorene Sohn mit seiner Mutter heimkehrt (‚Mein Sohn‘) oder Momo einen kurzen Moment innehält bevor der Showdown beginnt (‚Momo‘). Nach einem Konzert fühlt man sich, als hätte man gleichzeitig ein gutes Buch und einen besonderen Film gesehen. Angela Aux shapeshiftet wie eine Quanten-Persönlichkeit: immer wenn man meint ihn zu durchschauen, ist er schon woanders, konterkariert einen weisen Gedanken mit bizarrer Schusseligkeit. Oder er zählt fröhlich einige seiner Ängste auf, um anschließend seine liebsten Neuro-Hacks zu verraten. Konzertbesucher*innen verpassen teils die U-Bahn nach Shows, weil sie gedankenversunken das Revue passieren lassen, was sie eben erlebt haben. Feuilletons bezeichnen ihn als „die perfekte Mischung aus Kraftwerk und Bob Dylan” (Deutschlandfunk Kultur) und „ein wundersames Fabelwesen mit irre gutem Songwriting” (FM4). Die Süddeutsche Zeitung nennt ihn ein „Wunder einer Mischung aus Elliott Smith und The Notwist” und als „Zukunft des Folk” sogar das Redaktionsnetzwerk Deutschland, während der Musikexpress bekennt: „Ein besseres Folk-Album wird man dieses Jahr lange suchen müssen”. Sein letztes Album SPACELARKING IN THE AGE OF SPIRITUAL MACHINES war ‚Album der Woche‘ bei RadioEins und im Zündfunk / Bayern2. Zum Vorgänger INSTINCTIVE TRAVELS ON THE PATHS OF SPACE AND TIME schrieb er eine Science-Fiction-Novelle und inszenierte sie gemeinsam mit den Münchner Kammerspielen als transmediales Theaterstück, das auch auf dem ‚Fusion Festival‘ und der ‚Berlin Science Week‘ aufgeführt wurde. DAS NICHTS MACHT KOPIEN VON SICH SELBST wird das erste Album in deutscher Sprache und handelt von der Zukunft der Menschheit (Release: 23.10.2026). Für seinen Collagen-Stil bedient sich der Vinylsammler diesmal in anderen Plattenfächern: aus 90er Grunge, Hamburger Schule und LoFi-Elektronik kreiert Angela Aux kleine Pop-Hymnen, die so sanft in den Wahnsinn der Welt betten, dass es Zuversicht und Euphorie erzeugt.

Make Democracy Great Again! Worte gegen den Weltuntergang Was verbindet einen AfD-Wähler und eine Klimaaktivistin? Die Angst, dass die Welt, wie sie ist, untergehen wird. Von wegen gespaltene Gesellschaft! Egal, ob rechts oder links, «alter weißer Mann» oder junge «woke» Frau, Lastenradfan oder Impfgegner: Wir sind vereint in unserer Angst vor einer düsteren Zukunft. Doch Sarah Bosetti hat keine Lust auf Angst und Trübsal. Und sie hat eine bessere Idee! Wenn uns die Zukunft, wie sie gezeichnet wird, nicht gefällt, dann sollten wir uns eine schönere malen und darauf hinarbeiten. Wenn niemand mehr Bock auf Demokratie hat, sollten wir sie nicht aufgeben, sondern besser machen. «Make Democracy Great Again!» ist ein lustiges, bissiges und aufrüttelndes Plädoyer für die Rettung der Demokratie. Sarah Bosetti gibt Politiker*innen Kommunikationsnachhilfe, erfindet die schönsten Fake News, schreibt reflektierte Demoplakate und zeigt, wieso es ein Privileg ist, vom Sofa aufstehen zu dürfen. Sarah Bosetti ist Satirikerin, Autorin, Lyrikerin und Feministin wider Willen. Sie wurde bereitsu.a. mit dem Grimmepreis, dem Deutschen Fernsehpreis, dem Deutschen Kleinkunstpreis, dem Joachim-Ringelnatz-Preis für Lyrik und dem Dieter-Hildebrandt-Preis ausgezeichnet. Sie schreibt und moderiert die monatliche Late Night Show «Bosetti Late Night» (3sat), das wöchentliche Satireformat «Bosetti will reden!» (ZDF) sowie den extra3-Podcast «BosettisWoche» (NDR) und ist regelmäßig auf Live-Tour im gesamten deutschsprachigen Raum. «Also wenn die Kacke irgendwann zusammenbricht ... an Sarah Bosetti lag’s nicht.» - Marc-Uwe Kling «Sarah Bosetti hat eine noch nie dagewesene Form des Kabaretts und der Satire entwickelt.» - Jury Dieter-Hildebrandt-Preis

Die MAU R Tour geht weiter! Nach den energiegeladenen Konzerten in Dresden, Köln, Hamburg, Münster und Berlin, ziehen DŸSE, eine der besten Live-Bands wieder auf die Bühnen. Und es sind nicht nur Konzerte, sondern auch ein neuer Geniestreich des zweiköpfigen Power-Duos! Bei MAU R handelt es sich um ein Konzeptalbum oder eher ein Projekt, basierend auf der Auseinandersetzung mit der Zeit des Mauerfalls. Anlass und Motivation für das Projekt ist vor allem die aktuelle politische Lage. Mit sieben neuen Tracks, verpackt in einer aus Beton selbst gegossenen Berliner Mauer, gestaltet von 45 KünstlerInnen, sind hier keine Tonträger, sondern politische Kunstwerke entstanden. Limitiert auf 89 Stück, werden die einzigartigen Kunstwerke und Tonträger live versteigert und der gesamte Gewinn an demokratiefördernde Vereine und Netzwerke gespendet. In Kooperation mit Krakenduft Rec., Cargo Rec., der Initiative "Kein Bock auf Nazis" und "Netzwerk Polylux" dem OX Fanzine, VISIONS und diversen KünstlerInnen, bringen DŸSE ein Thema mit, welches aktueller nicht sein könnte. Präsentiert werden die neuen Songs, die sich zwischen Rock, Punk und Beats, dann im Live-Set. Klare Kante und gute Musik. DŸSE ist kein Konzert, DŸSE ist ein Erlebnis!

LOST CAUSE TOUR 2026 - OSKAR HAAG Mit gerade einmal 20 Jahren zählt Oskar Haag längst zu den spannendsten Stimmen der jungen österreichischen Pop- und Indie-Szene. Als Songwriter, Musiker und Schauspieler hat sich der Wahlwiener in kurzer Zeit einen Namen gemacht, nicht zuletzt als leidenschaftlicher Live-Künstler, der sein Publikum mit intensiven, emotional aufgeladenen Konzerten begeistert. Mit seiner Lost Cause"-Tour 2026 kehrt Oskar Haag jetzt nun endlich wieder auf die Bühne im Club 3 vom Cinema Paradiso zurück. Im Gepäck hat der "Indie-Wunderwuzzi" neben seinen schon bekannten Hits wie "Stargazing" oder "Sharpen the knives" auch die 15 neuen Lieder seiner im Herbst erscheinenden und sensationell vielschichtigen zweiten Platte Lost Cause.

TOSCA Oper von Giacomo Puccini INTERNATIONALE SOLISTEN OPER IM BERG FESTIVAL ORCHESTER Musikalische Leitung: PROF: HANS HÄRLE Seit 2008 steht das Oper im Berg Festival unter der Schirmherrschaft von Weltstar Grace Bumbry und in Hommage Luciano Pavarotti für großartige Stimmen, die aus dem jährlichen Grandi Voci Wettbewerb engagiert werden und für klassische Regie und wunderbaren Operninszenierungen, wie man sie heute nur noch selten trifft. Seit einigen Jahren findet das Festival in der Großen Aula, Salzburgs ältesten Operntheaters (400 Jahre) statt, wo Mozart seine erste Oper uraufführte!

"Laut der Umfrage eines großen deutschen Nachrichtenmagazins gehöre ich nicht zu den zehn erotischsten Männern Deutschlands – aber ich kann auch mit dem elften Platz gut leben." Wer so denkt, dürfte nicht viele Probleme haben. Olaf Schubert hat auch nur eins – jedoch ein großes – die Welt an sich! Deshalb versucht er die Welt zu verändern, umzuformen. "Meinetwegen kann sie rund bleiben …" sagt er, doch abgesehen davon herrscht Handlungsbedarf. Und tatsächlich – die Welt ist schlecht – aber zu erleben, wie Olaf sich ihrer annimmt, macht sie schon ein ganzes Stück erträglicher. Das ist nicht wenig und nicht wenig hat Olaf uns zu sagen. Es wäre ihm ein Leichtes, zwei Stunden Missstände anzuprangern, doch dazu fehlt ihm die Zeit. Er muss ja auch noch singen. Lieder über Sozialabbau, Erotik und Stabhochsprung. Die Kraft seines Gesangs, potenziert durch die metaphysische Wirkung seines Rhombenpullunders, macht selbst Hartgesottene betroffen.

Warum gehen manche Dinge irgendwann krachen und warum wollen andere einfach nicht aufhören? Die Science Busters beschäftigen sich mit dem Ende - des Universums. Des Lebens. Der Menschheit. Der Milchstraße. Der Klimakrise. Der Unendlichkeit. Aber auch mit den Dingen, die kein Ende kennen - Long Covid. Aberglaube. Verschwörungserzählungen. Strahlender Atommüll. Pi. Die neue Live-Show der Science Busters: Selber geschrieben, mit funktionierenden Experimenten, dry aged Wissenschaftlern und neu erfundenen Witzen. MC Martin Puntigam (Kabarettist & Univ.-Lekt. Uni Graz), Dr. Florian Freistetter (Astronom & Sternengeschichtenerzähler) und der Molekularbiologe Martin Moder, PhD, erklären und zeigen: Ist nach dem Urknall vor dem Urknall? Oder eher umgekehrt? Warum kann man sich bei ADHS so schlecht auf eine Sache konzentrieren? Wieviel Schnaps muss man trinken, um klimaneutral zu werden? Kann Künstliche Intelligenz ungekünstelt lachen? Und wie promptet man Wissenschaftler? Sind nach dem Weltuntergang noch Weltreisen möglich? Und was wir vom Gewitterfurzer lernen können. Mit Indoor-Polarlichtern, nagelneuem Buch ("Aus!" - Hanser Verlag) und Weltuntergang to go! Die neue Live-Show der Science Busters Wissenschaft für alle! Fakten in Zeiten der neuen Irrationalität!! Farbenfroh, 3-Dimensional, im gesamten Universum gültig!!! Premiere am 16. Oktober 2025 in Wien

Wenn zwei der prägendsten Stimmen der heimischen Dialektmusik gemeinsame Wege beschreiten, entsteht ein musikalisches Ereignis von seltener Intensität. Pizzera & Jaus und folkshilfe touren sich zamm' und bringen Mundartmusi auf die Bühne, die Herz und Hirn gleichermaßen berührt. In der Ehrlichkeit ihrer Kunst verbunden, lassen die zwei Ausnahmekappellen einen Sound entstehen, der Tradition und Gegenwart mit Humor, Tiefgang und Leidenschaft verbindet. Hau di her & eine ins Leben!

"ES KANN SEIN, DASS ALLES ENDET" heißt das neue und dritte Album der Wiener Überholspur-Wahnsinnsband Leftovers. Ein guter Titel, der nun aber auf keinen Fall für die Band selbst gilt, die mit diesem Album auf die denkbar beste Weise erwachsen geworden ist – und gleichzeitig weiterhin lichterloh brennt. Der Autor Eric Pfeil hat kürzlich in einer Kolumne für den "Rolling Stone" ein Hohelied auf die romantische Idee von der Band als Gang aus Freund*innen geschrieben. Eine Rockband, so Pfeil, sei eine "Brutstätte des Unfugs" mit "irrlichternden Ambitionen", selbst eine solche zugründen, zähle "für junge Menschen zu den sinnvollsten Unternehmungen überhaupt." Vielleicht hat Eric Pfeil ja an die Wiener Band Leftovers gedacht, als er diesen flammenden Appell verfasst hat. Was es bedeutet, mit seinen Freundinnen und Freunden die Welt aus den Angeln zu heben, zelebrieren Leftovers nun schon seit drei Alben auf stromstoßartig belebende Weise. Das am 11.10.2024 erschienene neue Album, "ES KANN SEIN, DASS ALLES ENDET", ist nun mehr denn je die 'Alle-machen-alles-Platte' dieser Band – und insofern die bislang kollaborativste Leftovers-Musik. Alle vier haben Texte geschrieben, gesungen, alles geht ineinander auf und verstärkt sich gegenseitig. Oft weiß man nicht, wer gerade singt oder was auch immer macht, aber das ist auch nicht wichtig: Alles auf diesem bestürzend umwerfenden Album ist Leftovers. Das womöglich gar nicht mal so überraschende, keineswegs selbstverständliche daran: Anna Grob, Leon Eder, Leonid Sushonund, Alex Waismayer, deren Namen wir hier ausnahmsweise ein einziges Mal ausschreiben, bevor wir sie dann wieder Anna, Leon, Leonid und Alex nennen, sind durchaus vier höchst unterschiedliche Individuen. Die natürlich unterschiedlich fühlen, wahrnehmen, träumen, ja: sind. Aber genau darum geht es ja! Erst ihre Unterschiedlichkeit macht Leftovers nicht nur größer als die Summe der Teile, sondern unschlagbar. "Wir haben für die Songs gearbeitet, nicht für unser Ego", sagt Alex. Auf "MÜDE" sangen Leftovers 2023 von chronischer Überforderung, von Panikattacken, toxischen Beziehungen und anderen Katastrophen der Adoleszenz, nun sind sie schon wieder einen Schritt weiter. Es geht in ES KANN SEIN, DASS ALLES ENDET um die Kraft der Gemeinschaft, um ein Aufrichten aneinander in finsteren Zeiten, um die Sehnsucht nach Liebe und die Abwesenheit derselben. Während der Produktion ergaben sich Trennungen, neue Bindungen, andere stabilisierten sich, das alles natürlich vor dem Hintergrund der großen globalen Krisen. Dabei wollte die Band eigentlich in diesem Jahr überhaupt kein neues Album aufnehmen. Nicht schon wieder! Nach unzähligen Konzerten und zwei Alben in ebenso vielen Jahren wollten sie die Dinge mal ein bisschen entspannter angehen. Ein bis zwei EPs veröffentlichen, hier und da noch mal einen Song vielleicht, einfach raushauen, was fertig ist. Es kam aber dann ganz anders: "Wir haben uns mit Kolleg*innen unterhalten, und die meinten: "Echte Bands machen Alben, keine EPs"", sagt Schlagzeuger Leon, »dieser Haltung haben wir uns angeschlossen. Immer noch kommt diese Musik einer Katharsis gleich, ist chronisch überdreht, auch mal lärmig bis zur Schmerzgrenze. Die Texte changieren zwischen Gebrauchslyrik, DADA, Punk und sind also ebenso unmittelbar wie die Musik. So weit, so Leftovers. Man hört aber auch, dass die Band so gründlich an diesen reichhaltigen, tiefgründigen Stücken gearbeitet hat wie noch nie. "Der Anspruch an unsere eigene Musik ist gewachsen", bestätigt Leon. Dazu passt, dass sich Leftovers zum ersten Mal bislang auf eine wirklich kollaborative Zusammenarbeit mit gleich zwei Produzenten (Georg Gabler, Sven Regener) einließen. Leftovers sind erwachsen geworden. Auf die denkbar beste und reifste Weise. "Es kann sein, dass alles endet"? Klar, jederzeit. Aber jetzt geht’s für die Gruppe Leftovers aus Wien erstmal so richtig los.

Eleine ELEINE is officially hitting the road this fall for their biggest headlining tour to date. ELEINE is no longer a "rising star" - they are a proven headlining powerhouse. This isn't just a concert; it’s an empowering experience. This tour is about raw energy, crushing riffs, and a dark immersive atmosphere only ELEINE can deliver. They are bringing a new production to the stage with new and highly anticipated songs - harder, louder, and more empowering than anything they’ve ever done before. Years of touring and a massive surge in global listeners has led us to this European headline tour. Set your reminder for the ticket release, and grab a ticket to this tour that will forever set an important mark in the history of ELEINE.

RUSTY - One Night in Las Vegas Rusty, einer der weltbesten Elvis Tribute Artist, performt gemeinsam mit seiner 12-köpfigen Las Vegas Band seine berühmte Las Vegas Show am 31. Oktober 2026 In der SZENE Salzburg In den Jahren 1969/70 begannen jene Konzertserien von Elvis Presley - unter anderem im damaligen "International-Hotel" in Las Vegas, das heutige "Las Vegas-Hilton" - die den King populärer machten, denn je. Seine Shows waren in ganz Amerika ausverkauft, die Film- und Plattenmitschnitte verkauften sich millionenfach. Rusty, einer der weltbesten Elvis Tribute Artists, beschloss bereits in jungen Jahren, die Musik seines größten Idols Elvis Presley weiterleben zu lassen. Nach einem Sprach- und Gesangstudium in Kalifornien/USA, gewann er 1991 bei einem Elvis Presley Contest mit 4.000 Elvis-Interpreten in Palm Springs California den 1. Platz. Dies ist seither keinem Europäer mehr gelungen und öffnete Rusty die Türen nach Las Vegas. Rusty performte jedes Jahr von 1994 - 2008 - 1 Monatvertrag (60 Shows) im Mandalay Bay Hotel in Las Vegas. Rusty & seine Las Vegas Band sind in der Lage, alle damals so heiß geliebten Songs von Elvis Presley eins zu eins wiederzugeben und bietet dem Publikum in sämtlichen Bereichen eine authentische und höchst professionelle Show. Ein einzigartiges Erlebnis!

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg vereint meisterhaft Musik und Kulinarik in einem historischen Rahmen. Gäste erleben ein mehrgängiges Menü, das nach traditionellen Rezepten zubereitet wird, während sie den Klängen von Wolfgang Amadeus Mozarts berühmtesten Werken lauschen. Professionelle Musiker und Sänger sorgen für ein authentisches Konzert-Erlebnis und bieten eine musikalische Reise durch die Welt des klassischen Genies.

Gernot & Stipsits Lotterbuben Da haben sich zwei gefunden. Zwei Erz-Komödianten, zwei Vollblutmusiker, zwei Sympathieträger, zwei Ausnahmedarsteller und vor allem zwei Freunde. Thomas Stipsits und Viktor Gernot endlich gemeinsam auf der Bühne mit ihrem Kabarettprogramm ‚Lotterbuben'! Dass die beiden, sowohl als Solisten als auch als Teamplayer, zu den Fixsternen der österreichischen Unterhaltungsszene zählen, haben sie in den vergangenen Jahrzehnten eindrucksvoll bewiesen. Als Lotterbuben werden sie voller Spielfreude, Humor, Erzähllust und Neugierde Figuren darstellen, Lieder singen, Gitarre spielen und parodieren. Und nehmen ihr Publikum mit auf eine Reise durch Reflexionen und Wahrnehmungen zweier österreichischer Kabarettgrößen. Ein Blick auf unsere Welt voller Ironie und Satire, zwischen Menschenliebe und ungläubigem Staunen. Und das alles mit der Kompetenz zweier gestandener Männer, quasi Vertreter zweier Generationen. Generation X trifft auf einen Millenial. Der alte, weiße Mann auf den Fourty-Something. Ein alter Jazzer auf den Austropopper. Der Kinderlose auf den zweifachen Vater. Und stets schwingt mit, dass sich hinter diesen bemüht seriösen und zweifellos glaubhaften Protagonisten eben auch zwei gestandene Lotterbuben verbergen. Seltenst bösartig und stets mit einem Augenzwinkern, spielen und singen sich diese Lauser, diese Grätz'n, diese Lotterbuben, durch ihr erstes gemeinsames Programm. Viel Vergnügen!

Tito & Tarantula–„Best of-Tour 2026“ Tito is back! Die Americana-und Desert Rock Legende schlechthin geht 2026 auf eine mitSpannung erwartete Best-of Europatournee.Ein Best-Of mit den Klassiker-Tarantula-Songs, den legendären Filmsongs und einigenmusikalischen Überraschungen.Passend dazu veröffentlichen Tito & Tarantula 2026 eine Compilation bisher unveröffentlichter undrarer Aufnahmen,"BEST OF THE UNHEARD". Einige dieser Songs werden damit sicher auch ihren Weg auf dieBühne finden.Geboren in Mexico und als Sohn eines Fallenstellers in der Wildnis Alaskas aufgewachsen, begannTito Larrivas Karriere in Los Angeles. Mit den PLUGZ und später den CRUZADOS nahm dieseschnell Fahrt auf. Eine Top10 Single und ein Cover auf dem Billboard Magazin später wurdeLarriva Teil der L.A. Musik-und Filmszene der 80er Jahre. Im Probenraum nebenan machten dieRed Hot Chili Peppers ihre ersten Gehversuche. Emmylou Harris, Jeff Porcaro (der frühverstorbene TOTO Drummer) waren seine Nachbarn. Zeitgleich begann auch die Schauspielkarrieredes ausgebildeten Ballett-Tänzers. Nach dem Debüt als „Hammy“ in der „Pee-wee Herman Show“(1981) arbeitete er mit Patrick Swayze (Roadhouse), Johnny Depp (Once Upon A Time In Mexico),Antonio Banderas (Desperados 2), mit Mel Gibson und Milla Jovovic in Wim Wenderś „TheMillion Dollar Hote“, David Byrne (True Stories), Cheech Marin (Born In East LA), in dem Oscar-prämierten Kurzfilm „Session Man“ sowie mit R. Rodriguez (Grindhouse).

Demokratie, Wirtschaft, Umwelt, Hoffnung auf eine bessere Zukunft - alles geht den Bach runter? Florian Scheuba setzt sich in Bachwatch-Mission ans Ufer und begegnet ausufernden Untergangstendenzen mit dem trotzigen Bau von Humor-Dämmen. Dabei drängen sich ihm viele Fragen auf: Soll das „Ja natürlich-Schweinderl“ Landwirtschaftsminister werden? Hat Donald Trump ein „Küchenkredenz-Problem“ - Sprung in der Schüssel, Schraube locker, nicht alle Tassen im Schrank? Müssen Autokraten beim Lügen überhaupt noch so tun, als würden sie die Wahrheit sagen? Und gilt da für das immerwährend neutrale Österreich der Grundsatz: „Der eine sagt so, der andere sagt so, wir sagen: Soso…“? Geht es uns wirklich besser, wenn es anderen schlechter geht? Wird ein Arschloch wählbar, wenn es „unser Arschloch“ ist? Darf man heutzutage noch überall sagen, dass man heutzutage nirgendwo mehr was sagen darf? Und was darf Satire denn nun tatsächlich? Florian Scheuba hält Witz den Wahnwitzigkeiten der Gegenwart entgegen und beweist dabei, dass Lachen die beste Form der Notwehr ist.

Endless Wellness kommen aus Wien – aber eigentlich aus dem Bauch. Ihr Debütalbum "Was für ein Glück" erschien Anfang 2024 bei Ink Music und machte die Band schnell zu einer der auffälligsten Stimmen der österreichischen Indie-Szene. Das Album erreichte die Top 10 der österreichischen Charts, mehrere Singles landeten in den Top 5 der FM4-Charts; 2025 folgten zwei Nominierungen für den Amadeus Award (FM4 Alternative). Musikalisch bewegen sich Endless Wellness zwischen Indie, Fuzz-Folk und roher Intimität: schrammelnde Westerngitarre und übersteuerte Klangflächen treffen auf obskur-poetische, deutschsprachige Texte über Erschöpfung, Verletzlichkeit und gesellschaftliche Überforderung. Live wird daraus ein kollektiver, tröstender Moment – laut, mitreißend und voller Wärme. Musik für alle, die nicht still sein wollen, aber auch nicht mehr wissen, wie laut man schreien darf.

Nach seiner ersten ausverkauften Headliner-Tour 2025 geht MARTEN im Winter 2026 mit der "Immer Leben Tour 2026" den nächsten Schritt. MARTEN nimmt sein Publikum mit auf eine Reise durch all das, was uns ausmacht - die großen Höhen, die leisen Tiefen, das Schöne und das Schwierige. Für Marten ist jedes Gefühl ein Teil davon - Einfach: Immer Leben.

Mit scharfem Blick, viel Schmäh und einem Gespür für die feinen (und nicht so feinen) Eigenheiten des Landes serviert er österreichische Gustostücke auf dem Silbertablett. Tradition trifft auf moderne Absurditäten, Dialekt auf trockenen Humor und das alles in einem Abend voller Überraschungen. Der Kuseng nimmt das Publikum mit auf eine Reise durch die heimischen Abgründe, von skurrilen Alltagssituationen bis hin zu den großen Fragen des Zusammenlebens. Und das Publikum? Lacht sich durch den Abend oder erkennt sich selbst wieder. Das Programm deckt eine breite Palette an Themen ab, inspiriert von der Vielseitigkeit des Künstlers selbst. Aufgewachsen als ehemaliges Flüchtlingskind in Oberösterreich wurde er 2016 Wahlwiener und machte sich nicht nur als LGBTIQ+-Aktivist einen Namen, sondern auch als Rapper. Seine Erfahrungen zwischen Identitätssuche, gesellschaftlichem Engagement und künstlerischem Ausdruck prägen seinen Blick auf die Welt. Dieser ist mal scharfzüngig, mal nachdenklich, aber immer mit einer ordentlichen Portion Selbstironie. Persönliche Erlebnisse werden dabei geschickt in politische Zusammenhänge eingebettet. Statt belehrender Moralpredigten reicht er dem Publikum eine wohlwollende, offene Hand. "Ein geborener Entertainer... er zeigt eine starke Bühnenpräsenz mit Gags, die fast immer funktionieren... Gern mehr davon!" (Die Presse) “Ein grundehrliches Stück zur Gegenwart” (profil)

ACHTUNG DIE TICKETS WERDEN KNAPP! NEVERLAND DIE CHILDHOOD / DISNEY PARTY DEUTSCHLAND TOUR – EINE MAGISCHE NACHT IM CLUB! Disney-Fans aufgepasst: Die Songs, die uns verzaubern, live und laut – so wie ihr sie liebt! Erlebe einen Abend, der dich in die zauberhafte Welt von Disney entführt! Unsere Party bringt die größten Disney-Hits auf die Bühne und verwandelt den Club in ein singendes, tanzendes Märchenland. Tauche ein in die magische Atmosphäre, begleitet von funkelnden Kostümen, nostalgischen Momenten und einer Portion Disney-Zauber. Das erwartet dich: - Magische Show-Elemente und Überraschungen - Ein Finale, das dich garantiert verzaubern wird – Gänsehaut garantiert! - Deine liebsten Disney-Momente auf der Tanzfläche Egal, ob du ein Fan der alten Klassiker bist oder die neuesten Hits liebst – diese Nacht ist für alle Disney-Herzen gemacht. Lass uns zusammen singen, tanzen und die Magie erleben – denn „A Dream Is A Wish Your Heart Makes“! Be our guest and let’s celebrate Disney!

Robert Palfrader "Testament" Das neue Programm! Nicht unbedingt sein letzter Wille, aber definitiv sein neues Comedy Solo-Programm. Könnte sein, dass es etwas bei Robert Palfrader zu erben gibt. Seine pointierten Betrachtungen und Überlegungen beispielsweise zu allem was man wissen muss, damit man in Frieden ruhen kann aber trotzdem noch laut und deutlich gehört wird. Das Ganze präsentiert mit hinreissend schauspielerischer Wucht und Eleganz.

Zum Greifen nah in den schönsten Konzertsälen Intimes Akustik Live-Setting mit Band und Streichern Das 10-jährige Jubiläum seines legendären MTV Unplugged-Kapitels feiert Andreas Gabalier mit sehr persönlichen, publikumsnahen Konzerten in den schönsten Konzertsälen Deutschlands, Österreichs und der Schweiz. Der einzigartige Volks-Rock’n’Roller, der sonst Abertausende von Fans in den großen Arenen und Stadien begeistert, hat sich bei dieser Tournee im Herbst 26 bewusst für einen kleineren Rahmen entschieden, bei dem das Publikum zum Greifen nah ist und seine Musik unmittelbarer erlebt. Für dieses akustische Projekt mit handgemachter Musik, wurde ein spezielles Konzept entwickelt, in dessen Mittelpunkt natürlich Andreas Gabalier und seine Band stehen. Die herausragenden Musiker geben dem unverwechselbaren Volks-Rock’n’Roll seine kraftvolle, wenn auch fein abgestimmte Grundlage. Zusätzlich verleiht ein zehnköpfiges Streicher-Ensemble den Arrangements Tiefe, Dynamik und klangliche Weite. Ziel ist es, mit der Verbindung aus akustischer Instrumentierung, großer musikalischer Besetzung und neuen Arrangements eine Atmosphäre zu schaffen, die Energie und Intimität gleichermaßen vereint. Wer Andreas Gabalier sonst auf großen Bühnen erlebt hat, begegnet ihm hier hautnah in einem intimen Live-Setting – getragen von außer-gewöhnlichen Musikern. Andreas Gabalier sieht 10 Jahre MTV Unplugged als ein "Fest musikalisch-akustischem Handwerks". "10 Jahre Ritterschlag meiner Laufbahn, darauf blicke ich gemeinsam mit meinem Team gerne zurück. Und wer im Herbst 26 dabei sein will, muss schnell sein! Am 13. März startet der Vorverkauf und wir wollen mit Euch ein Fest feiern, wie wir dies zuletzt vor zehn Jahren auf diesen kleinen, aber feinen und familiären Konzerthausbühnen erlebt haben. Die Vorfreude ist groß, dabei sein ist alles." Am 13. März erscheint sein Song "Vergiss Mein Nicht" in einer Unplugged-Version. Am Tag danach, wird Andreas diesen Song in der Giovanni Zarrella Show präsentieren.

Jimi Hendrix hat die Gitarre nicht gespielt - er hat sie befragt, ausgequetscht, zum Sprechen und Schreien gebracht. Seine Akkorde waren Explosionen, seine Soli Geschichten voller Rauch, Schweiß und elektrischer Freiheit. Dem Erbe der Gitarren Legende zollen Julijan Eric und Midnight Lightnin‘ an diesem Abend beim Blue Monday gebührend Tribut. Julijan Eric & Midnight Lightnin' Julijan Eric führt die Gitarre wie ein Gesprächspartner, nicht wie ein Instrument: seine Soli fließen, reden, schreien, flüstern - ganz im Geiste von Hendrix. Perfektion ist nebensächlich; Ausdruck ist alles. Selbst wenn er die Gitarre mit den Zähnen spielt, bleibt jede Note beseelt. Und ja, der Verstärker? Von einem echten Hendrix-Techniker gebaut. "Manchmal ist es schwer zu glauben, dass jemand allein durch seine Präsenz das Gefühl erzeugen kann, gleich einen Hendrix-Klassiker zu hören. Das ist Julijan", sagt Schlagzeuger Zlatko Djogic. Erwartet eine Reise durch Hendrix’ reiches Repertoire: von der Experience über die Band of Gypsys bis hin zu Woodstock - Songs wie Voodoo Chile, Fire, Spanish Castle Magic, Freedom oder Machine Gun werden neu interpretiert, oft in langen, wilden Improvisationen. Kein Konzert gleicht dem anderen - immer überraschend, immer intensiv. Midnight Lightnin’ ist mehr als eine Tribute-Band. Sie nehmen Hendrix’ Songs als Sprungbrett für Experimente und eigene Ausdruckskraft. Blues, Rock’n’Roll, Improvisation - alles verschmilzt zu einem elektrisierenden Sound.

Miss Allie gilt als eine der humorvollsten Singer-Songwriterinnen im deutschsprachigen Raum und überragende Entertainerin. Sie bringt eine einzigartige Mischung aus modernem Liedermaching, charmantem Humor und scharfsinniger Sozialkritik auf die Bühne. Ihre Konzerte sind wahrhaftige Gemeinschaftsereignisse, bei denen sie oft spontan und schlagfertig mit dem Publikum interagiert und ihre Lieder in humorvolle Anekdoten und persönliche Geschichten einbettet. Ihre Musik und ihre warme Persönlichkeit erzeugen Wellen an Emotionen, die entweder sanft oder mit voller Wucht durch den Konzertsaal rauschen. Fassungslos authentisch, mit verwegener Entschlossenheit und starker Stimme reißt sie das Publikum Abend für Abend mit. Was Miss Allie besonders auszeichnet, ist ihre Bereitschaft, gesellschaftliche Tabus zu brechen und schwierige Themen in ihren Songs anzusprechen. Ihre Texte sind oft provokant und regen zum Nachdenken an. Sie scheut sich nicht davor, manch Unaussprechliches auszusprechen. Songs wie "Du bist wunderschön" oder "Dieter - das Regeltagebuch" haben bereits Kultstatus und sind virale Hits. Hinzu kommen zeitlose Liedermacherballaden wie "Gelernt ham‘ wir nicht viel" und fantasievolle Popsongs wie "Immer wieder fallen", die die musikalische Bandbreite der Songpoetin zeigen. Diese Bandbreite wird durch musikalische Stand Ups komplettiert. Sie hat "Funny Bones" und so verwundert es nicht, dass sie als Musikerin auch regelmäßig in Comedyformaten zu sehen ist. Miss Allie stand bereits mehrfach mit Carolin Kebekus auf der Bühne. Olli Schulz empfahl ihr letztes Album im Podcast mit Jan Böhmermann, ein ARTE Concert durfte sie schon spielen. Sie ist zahlreich preisgekrönt und regelmäßig präsent in TV und Radio, zudem gerngesehener Gast in Talkshows. Nach drei Alben und immer umfangreicheren Tourneen, entsteht zurzeit Miss Allies 4. Album. Ab September 2025 geht Miss Allie auf große Paradiesvogel-Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz.

Alexander Veljanov ist die unverwechselbare Stimme von ‚Deine Lakaien'. Seit knapp vier Jahrzehnten prägen sie die nationale und internationale Musikszene im Spannungsfeld von Avantgarde und Dark Wave. Seit 1998 ist Veljanov auch auf Solo-Pfaden unterwegs, charakterisiert durch einen neuen, unverwechselbaren Sound. Erhalten bleiben sein poetischer Charme und die fesselnde Ausstrahlung seiner Stimme, untermalt durch Texte über Liebe, Hingabe und Vergänglichkeit. Mit seinen drei sehr verschiedenen Studioalben zeigt der Frontmann immer wieder, dass er sich musikalisch nicht festnageln lässt und nutzt auch dieses Musikprojekt als Spielwiese für seine Stimme und einen musikalischen Ausdruck außerhalb des Lakaien-Kosmos. Derzeit befindet er sich mit seienr Band im Arbeitsprozess für ein neues Album das 2026 erscheinen soll. Es wird aber neben neuen Songs und einem Querschnitt aus den 3 Solo-Alben auch ein paar Stücke von Deine Lakaien im Programm geben.

Alfred Dorfer schreibt sich im kabarettistischen Ein-Mann-Theater "GLEICH" mit Freude seine Welt und teilt wie gewohnt auf Augenhöhe in alle Richtungen aus. Mit sympathischer Souveränität und viel Selbstironie nimmt der Wiener Satiriker Alfred Dorfer als genauer Beobachter unseres Alltags gesellschaftliche Strömungen als rhetorischer Bruder Leichtfuß aufs Korn. Vergnüglich und gekonnt spielt er mit seinem Publikum. Nichts und niemand ist vor seinen unerwarteten Gedankengängen sicher. "Wo waren wir? Bei den Sonnenblumen. In meiner ersten Pantomimestunde mussten wir Sonnenblumen spielen. Ich war eine gute Sonnenblume." Mit sympathischer Souveränität und viel Selbstironie nimmt der Wiener Satiriker Alfred Dorfer in seinem 8. Soloprogramm als genauer Beobachter unseres Alltags gesellschaftliche Strömungen als rhetorischer Bruder Leichtfuß aufs Korn. Vergnüglich und gekonnt spielt er mit seinem Publikum. Nichts und niemand ist vor seinen unerwarteten Gedankengängen sicher.

Natürlich steht Lydia Prenner-Kasper über den Dingen. Sie wird selbstverständlich in Würde reifen, jede frische Falte lachend willkommen heißen und jedes hinzuaddierte Lebensjahr innig umarmen. Denn das eigene Verfallsdatum ist erst der Beginn der Verwesung. Davor wird gelebt, gelacht, geliebt und genossen. Sie lässt sich doch nicht von ihrer dahergelaufenen Ganzkörperbaustelle diktieren, wann der Spaß aufhört. Nein, rattenscharf zu sein ist eine Entscheidung. Und die muss man knallhart treffen. Das MILFglas ist schließlich immer halb voll. Also dann, liebe MILFmädchen und MILFbuben, gemma's an und exen wir gemeinsam ein erfrischendes Glas Haltbar-MILF.

Serdar Somuncu - "HASSIAS - Er ist wieder da. Und er hasst euch noch immer " Zwei Jahre Pause. Zwei Jahre Schweigen. Zwei Jahre, in denen die Welt geglaubt hat, sicher zu sein. Doch jetzt ist er zurück: Der Hassias. Der Hohepriester der Beleidigung. Der Messias der Menschenverachtung. Serdar Somuncu bringt seine fiktive Glaubensgemeinschaft zurück auf die Bühne - kompromisslos, kabarettistisch und maximal inkorrekt. Unter dem Leitsatz: "Jede Minderheit hat ein Recht auf Diskriminierung", nimmt Somuncu als Hassias alles auseinander, was sich für sakrosankt hält: politische Korrektheit, Empörungskultur, moralische Überheblichkeit - und euch. Niemand wird verschont. Alle werden gleich hart getroffen. Ein Abend für alle, die keine Triggerwarnung brauchen. Ein Programm für Menschen, die bereit sind, sich selbst infrage zu stellen. Ein Comeback, das kein Applaus braucht - nur offene Münder. Hinweis: Dieses Programm enthält Humor. Echter, schmerzhafter Humor. Nicht empfohlen für empfindliche Seelen oder moralische Selbsthilfegruppen.

STEAMING SATELLITES Nach Jahren auf der Bühne, unzähligen Festivalauftritten und mehreren gefeierten Alben zählen die Steaming Satellites längst zu den Fixsternen der österreichischen Musikszene. Mit ihrem unverkennbaren Sound zwischen Indie - Rock, Psychedelic und einem Hauch elektronischer Weite hat sich die Band eine treue Fangemeinde aufgebaut - nicht nur im deutschsprachigen Raum, sondern auch darüber hinaus. Seit ihrem Debütalbum "Neurotic Handshake at the Local Clown Party" (2006) waren die Steaming Satellites europaweit und auch in den USA auf Tour . Ihre Musik wurde nicht nur in den Charts gefeiert, sondern fand auch Eingang in die Filmwelt, etwa mit dem Song "How Dare You ! " im Soundtrack des preisgekrönten Films "Das finstere Tal". Beim letzte Album "ANDROMEDA" widme te sich die Band rund um Singer/Songwriter Max Borchardt der Liebe zum Motown und dabei ist ein emotional spannendes und Genre übergreifendes Potpourri entstanden.

INA REGEN - "REVOLUTION DER LIEBESLIEDER"-TOUR 2026 Tour im November 2026 Ina Regen öffnet mit ihrer neuen Tour "Revolution der Liebeslieder" ein weiteres Kapitel ihrer künstlerischen Reise - mutig, berührend und kompromisslos nah am echten Leben. Ab November 2026 geht die gefeierte österreichische Singer-Songwriterin auf große Österreich-Tour und lädt ihr Publikum ein, in eine Klangwelt einzutauchen, die sich wie eine warme Umarmung anfühlt und zugleich wie ein Aufbruch: der warmherzige, aber entschlossene Befreiungsschlag einer Frau, die gelernt hat, ihrer eigenen Wahrheit zu trauen. Ihre Lieder sind handgemacht und ehrlich, getragen von der poetischen Sprache, die Ina Regen seit Jahren zu einer der wichtigsten Stimmen im deutschsprachigen Pop macht. Sie singt über Liebe ohne Kitsch, über Mut ohne Pathos - und über das Loslassen all jener Rollen, in denen Frauen sich zu oft kleinmachen mussten. Ihre Musik klingt nach Heimkommen und Weitwerden zugleich. Begleitet wird Ina Regen auch 2026 von ihrer großartigen Live-Band, die den intimen Moment ebenso beherrscht wie den kraftvollen Höhepunkt. Neben neuen Songs bringt sie all jene Stücke mit, die ihr Publikum seit Jahren begleiten - Lieder, die längst zum Soundtrack unserer eigenen Geschichten geworden sind. Die Tour verspricht Abende voller Wärme, Lebendigkeit und dieser besonderen Art von Verbundenheit, für die Ina Regen auf der Bühne so geliebt wird. Konzerte, die nicht nur klingen, sondern nachhallen - im Herz, im Bauch, im eigenen Leben.

Leatherwitch (POL) Crystallion (GER/AUT) Fifth Angel American Metal legends FIFTH ANGEL will celebrate 40th anniversary of their bestselling same titled debut album, with an exclusive European Tour in November. The band will play all their classics, and the mentioned album will be played in its entirety. FIFTH ANGEL features 3 original members, and recently played at several major festivals in Europe. Their latest studio album, "When Angels Kill", came out in 2023 on Nuclear Blast Records. Leatherwitch The tour will feature a special guest act, LEATHERWITCH, new Heavy Metal band founded by the ex-CRYSTAL VIPER front woman, Marta Gabriel. The band will release its debut album "First Spell" on Listenable Records at the end of May, and this will be their historic first tour. Crystallion Nachdem sich Crystallion in den letzten Jahren wieder als Geheimtipp hoch gespielt haben - wir erinnern uns an die erste legendäre Show mit Neusänger Tony Sunclear am Mic, hier bei uns im Rockhouse im Vorprogramm von Serious Black - scheint es sich langsam rum zu sprechen, daß es sich hierbei um ein Kraftpaket der besonderen Art handelt! Mit Konzerten in mehr als 10 Ländern, inclusive Supportshows für Grave Digger und Riot - spielen sich die Jungs mit Proberaum in Freilassing 2026 richtig heiß! Grund genug die Burschen endlich wieder zu uns nach Salzburg zu holen! Eines der letzten Konzerte mit reinem Old School Set, bevor im Jan./Feb. 2027 das lang ersehnte neue Album den immer gößer werdenden Hunger der Heavy/Power Metal Gemeinde auf eine aktuelle & volle Ladung Crystallion stillen wird.

“That girl gets down to the nitty gritty.” Koko Taylor Danielle Nicole, Sängerin, Bassistin und Songwriterin aus Kansas City, Missouri, hat ihr Leben damit verbracht, Musik zu machen und Fans im In- und Ausland zu begeistern. Nicole wurde zunächst von ihren Eltern beeinflusst, die in Bands spielten und in der Musikszene von Kansas City tätig waren. Sie erinnert sich daran, wie ihr Vater Bluesgitarre spielte und ihre Mutter mit der Gruppe Little Eva and The Works sang, und das war der Auslöser. Zusammen mit ihren beiden Brüdern Nick und Kris gründete sie die „Heavy Blues”-Band Trampled Under Foot, die zunächst im Mittleren Westen populär wurde und dann über 10 Jahre lang weltweit für Furore sorgte. An Lob mangelt es nicht: Guitar World schrieb: „Danielle Nicole hat sich mit ihrem gefühlvollen, einfallsreichen Spiel und ihrer unermüdlichen Arbeitsmoral den Respekt und die Bewunderung der gesamten amerikanischen Blues-Szene verdient.“ Das Blues Music Magazine schwärmte: „Nicole bringt es, backt es und serviert es glühend heiß auf einem silbernen Soul-Rock-Teller.“ Der Kansas City Star erklärte: „Blues- und Soul-Sängerinnen werden mit zunehmendem Alter oft besser. Bettye LaVette gehört zu den Künstlerinnen, die mit zunehmender Reife immer glaubwürdiger wurden. Danielle Nicole scheint in ihre Fußstapfen zu treten.“

Im November 2026 gehen ANY GIVEN DAY erneut auf Europa Tour! Fokussiert, selbstbewusst und mit einem Set, das die Entwicklung der letzten Jahre deutlich widerspiegelt. Neue Songs bringen frischen Druck, das Best-Of-Material zeigt klar, warum die Band längst über Deutschland und die direkten Nachbarländer hinaus etabliert ist. Die Band freut sich darauf, diese neuen Titel endlich live auf die Bühne zu bringen und wieder unterwegs zu sein. Erstmals stehen Headline-Shows in London, Budapest, Stockholm und Kopenhagen auf dem Plan. Ein konsequenter Schritt nach vorn und ein deutliches Zeichen dafür, wie stabil die Band inzwischen europaweit verankert ist. Diese Tour markiert den nächsten professionellen Entwicklungsschritt: Ruhrpott-Mentalität, präzise auf internationalem Niveau umgesetzt. Genau das, was man von ANY GIVEN DAY erwarten kann.

Mother’s Cake kündigen Europa-Tour 2026 an – ein psychedelischer Trip ohne Rücksicht auf Verluste Mother’s Cake setzen ihre weltweite Ultrabliss-Mission fort: Nach Shows in Mexiko, Südafrika, Indien und quer durch Europa kehrt die Band im Frühjahr 2026 endlich wieder auf die europäischen Bühnen zurück. Deutschland, Rumänien, Bulgarien, Griechenland und Österreich dürfen sich auf eine explosive Mischung aus neuen Tracks so wie „all-time-favourites“ freuen. Was das Publikum erwartet? Ein energiegeladener, musikalischer Trip durch die schillernden Welten des Psychedelic Rock – intensiv, düster, ekstatisch. Mother’s Cake entführen ihr Publikum in eine hypnotische Welt, in der Grenzen verschwimmen und die Dunkelheit zum Tanz bittet. Moshpits und Wall of Death sind dabei alles andere als ausgeschlossen. Wer Musik voller Überraschungen, Stilbrüche, Wendungen und roher Experimentierlust liebt, wird sich in diesem Soundkosmos verlieren. Mother’s Cake bleiben die perfekte Band für alle, die keine Berührungsängste kennen, Regeln brechen wollen und offen sind für Neues. Erlebe die totale Mother’s Cake Experience – eine musikalische Befreiungskur, die Deine Sorgen und Ängste einfach wegbläst – Musiktherapie mit Psychedelic Punk.

Calm your tits In ihrem zweiten Soloprogramm "Calm your tits" serviert Julia Brandner eine gehörige Portion österreichischen Schmäh - ehrlich, frech und urkomisch. Mit messerscharfer Zunge und entwaffnender Offenheit spricht sie über die Absurditäten von Hochzeiten, peinliche Celebrity Crushes, offene Beziehungen und ihre eigene Bisexualität. Zwischen Dates mit toten Fischen, gesellschaftlichen Tabus und Selbstironie trifft sie immer genau ins Schwarze -manchmal provokant, oft charmant, aber immer zum Brüllen komisch. Wer glaubt, schon alles gehört zu haben, sollteerst mal ihre Stories hören.

Wissen sie noch, als wir die Demokratie für so selbstverständlich gehalten haben, dass "seine Stimme abgeben" hieß: nach der Wahl vier Jahre lang zu schweigen?! Die Zeiten sind vorbei. Die Demokratie steht unter Druck, irgendwas ist aus der Balance geraten. Die politische Welt in Bewegung. Da kann einem schon mal schwindelig werden. Wir stehen zwar fest auf dem Boden des Grundgesetzes, aber irgendwie hat sich das schon mal stabiler angefühlt. "Projekt Equilibrium" ist ein Programm über die Suche nach dem Gleichgewicht in einer Welt aus den Fugen - ein satirisch-furioser Tanz am Rande der Apokalypse. Claus von Wagners neuestes Programm kreuzt die Tradition amerikanischer Stand Up Comedy mit Themen, die eigentlich verdammt noch mal nicht lustig sind und Worte wie Schuldenbremse, Sondervermögen, Klimakrise, Erbschaftssteuerreform oder Ungleichheit sind plötzlich merkwürdig unterhaltsam! Keine Ahnung wie er das macht, aber eines steht fest: Das verspricht auf jeden Fall ein verdammt guter Abend zu werden. Nicht weniger. Und manchmal sogar ein bisschen mehr.

Cordoba78 sind die spannendste Newcomer-Band, die Österreich derzeit zu bieten hat – und sie wissen genau, wie sie einen Club zum Stadion machen. Verschwitzte Hemden, viel zu große Anzüge, Gitarrensoli wie aus dem letzten Jahrhundert. Manchmal klingt es wie das Ende einer Party, manchmal wie der Anfang von etwas ganz Großem. Meistens beides. Was als Jam-Session im Proberaum begann, ist in zwei Jahren zu einer der aufregendsten Bandgeschichten im deutschsprachigen Raum geworden: 60 Liveshows im Sommer 2026, Support für Ennio, Betterov und die Sportfreunde Stiller – und im Herbst die erste eigene Tour durch 15 Städte. „Wir sind keine Wiener Band", sagt Sänger Carlo. „Wir kommen aus einem Kaff. Weil's beweist, dass auch von dort kluge, laute, linke Musik kommen kann." Hinter dem Sound stehen: Carlo Giulio Sossella (Vocals), Tobias Fussenegger (Gitarre), Paul Pichler (Piano), Georg Pinter (Bass) und Alex Fetz (Schlagzeug) – irgendwo zwischen Indie, Pop und katharischem Größenwahn. Röhrende Blues-Gitarre, Soul-Klavier, Stadionmelancholie. Eine kollektive Ekstase mit Anspruch. Ihr Debütalbum AFTERHOUR KALTENBRUNNEN erscheint am 31.07.2026 und sie nehmen es mit auf Tour: 14 Songs über Rausch und Kater, Wut und Liebe, Afterhours und das kurze Glück dazwischen – geboren aus Nächten zwischen Wien, Vorarlberg und von Menschen, die bleiben, und die, die man loslassen muss. Cordoba78 hat 2026 Großes vor. Und man sollte auf gar keinen Fall dabei sein.

Was am 13. Juli 2001 in Eislingen an der Fils als Teenagerband begann, ist heute eine der beständigsten, erfolgreichsten und zugleich sympathischsten Punkrock-Institutionen Deutschlands. Mit unbändiger Energie, viel Humor und einem unverwechselbaren Gefühl für große Melodien spielten sich ITCHY von den ersten Jugendhaus-Konzerten bis auf die großen Bühnen quer durch Europa. Früh entschieden sich Sibbi, Panzer und Max kompromisslos ihren eigenen Weg zu gehen: Ohne riesige Marketingbudgets, dafür mit unermüdlicher Arbeit, schier endloser Spielfreude und einer treuen Fangemeinschaft im Rücken. Über die Jahre entwickelte sich aus der Drei-Mann-Band ein beeindruckendes Live-Phänomen: Weit über 1000 Konzerte in über 20 Ländern und ein Ruf für Shows, die gleichermaßen präzise, mitreißend, humorvoll und emotional sind. Die Band schafft dabei den seltenen Spagat zwischen Punkrock-Attitüde, melodischer Eingängigkeit und klarer Haltung zu gesellschaftlichen und politischen Themen. Musikalisch entwickelte ITCHY sich kontinuierlich weiter, veröffentlichte in konsequenter Regelmäßigkeit neue Platten und kreierte Hymnen, die längst zum festen Bestandteil der deutschen Punkrocklandschaft gehören. Trotz der langen Bandgeschichte ist ITCHY nie stehen geblieben. Statt Nostalgie dominiert bis heute ein starker Vorwärtsdrang: neue Songs, neue Tourneen, zwei Bücher, ein eigener Podcast, ein immer weiterwachsendes Publikum. Was geblieben ist, ist der unbedingte Glauben daran, dass Musik verbinden kann – und dass man seine Überzeugungen laut und ohne Kompromisse vertreten darf. 2026 feiert die Band nun ihr 25-jähriges Jubiläum. Ein Meilenstein, der die außergewöhnliche Beständigkeit und Authentizität dieses Trios unterstreicht. ITCHY stehen für gelebten DIY-Spirit, große Leidenschaft und für die simple, oft vergessene Wahrheit: Am Ende eines jeden Tages sind wir drei Freunde, die versuchen Musik zu machen – und nicht drei Musiker, die versuchen Freunde zu sein.

Die Bühnen-Performance der Strange Kind Of Women, mit ihrem leidenschaftlichen, energiegeladenen Temperament, vermittelt einen authentischen Eindruck des Schaffens der Rock-Ikonen von Deep Purple und überzeugt Unbedarfte wie Szene-Veteranen gleichermaßen. Nur wenige Bands schaffen es, ihren Vorbildern in Show und Sound tatsächlich nahe zu kommen. Darauf wurde auch Ian Paice, der legendäre Schlagzeuger von Deep Purple und das aktuell einzig verbliebene Gründungsmitglied der Band, aufmerksam und ist seitdem so sehr begeistert, dass er sogar auf einem gemeinsamen Konzert in Graz mit Ihnen spielte. Danach sagte er: "Es macht wirklich viel Spaß mit ihnen zu spielen. Sie machen einen wirklich tollen Job, haben einen großartigen Sound und geben alles. Ich habe es sehr genossen mit Ihnen zu spielen." Die Besetzung von "Strange Kind Of Women - The Classic Deep Purple Years" bilden fünf professionelle, international agierende Musikerinnen. Als Frontfrauen agieren, die in Italien Bewunderung und Berühmtheit genießen: Nachdem Alteria im Herbst 2024 die Band aus beruflichen und privaten Gründen in aller Freundschaft verlassen hat, ist nun die in London lebende Leadsängerin Ronnie und Gitarristin Eliana Cargnelutti, die neue Hoffnung des italienischen Blues Rocks, in der ersten Reihe. Begleitet werden sie von Chiara Cotugno am Schlagzeug, Margherita Gruden an den Keyboards und Elettra Pizzale am Bass.

Wir freuen uns sehr, dass Ernst Molden & das Frauenorchester an diesem Abend auf der Bühne stehen und dem Publikum ein besonderes musikalisches Erlebnis bieten werden. Für diesen Anlass wird ein eigenes Programm unter dem Titel "schduam" zusammengestellt. Molden, von den Oberösterreichischen Nachrichten als "herausragender österreichischer Liedermacher der Gegenwart" bezeichnet, spielt gemeinsam mit dem Frauenorchester eine mitreißende Show mit bekannten Liedern wie "Awarakadawara" – in dieser besonderen Besetzung neu interpretiert. Wir sind überzeugt, dass dieser Abend in dieser Konstellation seine ganz eigene Qualität entfalten wird und ein eindrucksvolles Konzerterlebnis verspricht.

Die HypnoX Show – ist eine atemberaubende Reise in die Welt der Hypnose mit Mr Yasin! Der Hypnoseexperte nimmt das Publikum mit auf ein unvergessliches Abenteuer voller Spannung, Spaß und faszinierender Augenblicke. Durch Freiwillige aus dem Publikum gibt er inspirierende Einblicke in die Fähigkeiten der menschlichen Psyche. Die Besucher erfahren wie Hypnose den Alltag bestimmt und erleben einen Abend voller Faszination, Spannung und jeder Menge Spaß. Mr Yasin präsentiert seine Show auf humorvolle Art und Weise und führt seine Gäste durch die transformative Kraft der Hypnose. Ein Abend voller unvergesslicher Momente, mit Humor, moderner Frische und einer aufregenden Entdeckungsreise.

OPERNBALL & OKTOBERFEST Stefanie Sargnagel, geb. 1986, studierte in der Akademie der bildenden Künste Wien Malerei, verbrachte aber mehr Zeit bei ihrem Brotjob im Callcenter. Seit 2016 ist sie freie Autorin – und verbringt seitdem mehr Zeit bei ihrem Steuerberater. Im selben Jahr wurde sie beim Bachmann-Wettbewerb mit dem Publikumspreis ausgezeichnet, weitere Preise folgten. Ihre Bücher STATUSMELDUNGEN, DICHT und IOWA waren Bestseller. Im Herbst 2026 ist sie auf Lesereise mit ihren beiden aktuellen Büchern OPENBALL und OKTOBERFEST. Opernball Zu Besuch bei der Hautevolee Steffi Sargnagel war auf dem Wiener Opernball, und jetzt hat sie so einiges zu erzählen: von den Reichen und Schönen, von den reichen Nicht-so-Schönen, von Abendkleid und Walzertraum. Natürlich ist alles ganz schrecklich, aber auch schrecklich interessant! Und der Blick dieser Autorin ist böse, jedoch nicht gnadenlos, dafür interessiert sie sich zu sehr für die ihr fremden Welten. Und so begibt Steffi sich geschminkt, geschnürt, zurechtgemacht aufs härteste Parkett der Welt, amüsiert uns aufs Köstlichste und wirft ein Schlaglicht auf die unheimliche Schnittmenge von Kultur, Kapital und Macht. Österreichs lustigste Autorin war auf dem Opernball und hat ein wildes Stück darüber geschrieben. Das ist einfach nur zum Lachen. Süddeutsche Zeitung Oktoberfest Eine Reise in den Rausch Nach ihrem Buch über den Opernball legt Stefanie Sargnagel mit einem weiteren abenteuerlichen Reisebericht nach: Jetzt schreibt sie über das Münchner Oktoberfest. Allen Warnungen zum Trotz und in ein Dirndl geschnürt begibt sie sich an einen Ort, der für viele eine Zumutung ist und für andere der Himmel. Das bietet viel Anlass zum Nachdenken über die liebenswerten und weniger schmeichelhaften Gemeinsamkeiten von Österreich und Bayern. Vor allem ist es aber eine mitreißende, mitreißend komische Höllenfahrt in ein Paradies des Exzesses, wie es nur in Bayern vorstellbar ist. Es wird nicht getrunken, sondern gesoffen, gefressen und gehurt, gewankt, gekotzt, das Bewusstsein verloren, alles in dem Hochgefühl, dass es genau so sein soll. Stefanie Sargnagel schaut zu, macht mit, und die Leserin, der Leser kommt aus dem Staunen nicht heraus über der Frage: Was hat sie da erlebt, was hat sie sich ausgedacht? Möglich erscheint alles. OKTOBERFEST erscheint am 14.08.2026 im Rowohlt-Verlag.

9 Uhr Messe anschließend Empfang Wir feiern mit den Ehejubilaren

Die spektakuläre Live Show und lange erwartete Fortsetzung des Mega-Erfolgs FASZINATION RECHTSMEDIZIN mit vielen neuen spannenden Fällen von Deutschlands Rechtsmediziner Nr. 1: Prof. Dr. Michael Tsokos.

Eric Johanson Eric Johanson verbindet prägnantes Songwriting mit einer tiefen Verbindung zur Gitarre und schafft Musik, die dynamisch, gefühlvoll und in einer Mischung aus Rock, Roots, Blues und modernen Einflüssen verwurzelt ist. Ob er den swampigen Puls seiner Heimat New Orleans aufgreift oder sich in schwerere, fuzzlastige Klangtexturen vertieft – Johansons Musik hält die Balance zwischen Rauheit und Finesse, zwischen Kraft und Zurückhaltung. Wie American Songwriter es ausdrückt, „zeigt er sein Gitarrenkönnen, aber innerhalb der Grenzen von Melodien und Texten, die die Grenzen von Blues/Rock verschieben … mit brennender Gitarrenarbeit und überzeugendem Songwriting.“ Sein Album The Deep and the Dirty aus dem Jahr 2023 stieg auf Platz 1 der Billboard Blues Charts ein und machte Johanson endgültig zu einem der spannendsten gitarrengetriebenen Künstler der Gegenwart. 2025 folgte mit Live In Mississippi ein weiterer Top-10-Erfolg der Billboard-Charts, der die rohe Energie seiner Liveshows einfängt. Ausgedehnte US-Tourneen und ausverkaufte Headliner-Shows in ganz Europa haben ein rapides Wachstum durch Mundpropaganda befeuert und ihm den Ruf eingebracht, Konzerte zu spielen, die kraftvoll, unvorhersehbar und stark mit dem Publikum verbunden sind. Johansons Aufstieg wurde sowohl von Kollegen als auch von Kritikern gewürdigt. Er wurde von Guitar Player Magazine als einer der „25 besten neuen Blues-Gitarristen“ ausgezeichnet und von Total Guitar in die Liste der „größten Blues-Gitarristen aller Zeiten“ aufgenommen. Der Branchenveteran Bob Lefsetz sagte: „Es ist, als hätte er die gesamte Musik der Sechzigerjahre aufgenommen – genau wie diese Musiker die Vorgänger gehört haben – und die Flamme weiter brennen lassen. Dieser Typ hat einen Platz im Firmament.“ In Louisiana geboren und die meiste Zeit seines Lebens in New Orleans beheimatet, sind Johansons Wurzeln tief in der Musikkultur der Stadt verankert. Sein Durchbruch kam, als Blues-Legende Tab Benoit ihn bei Whiskey Bayou Records unter Vertrag nahm und sein Solo-Debütalbum Burn It Down (2017) produzierte. Es folgten zwei Jahre Tournee, bei denen Benoit während Johansons Support-Sets selbst am Schlagzeug spielte. Sein zweites Album Below Sea Level (2020) markierte eine dunklere, schwerere kreative Wende und festigte seine Identität als Künstler, der bereit ist, Genregrenzen zu überschreiten. Für The Deep and the Dirty schuf Johanson nach Ansicht vieler Kritiker sein bislang stärkstes Werk – ein Album, das rohe, hochenergetische Gitarrenarbeit mit eindringlichem, songorientiertem Schreiben verbindet. Die Platte setzt auf dichte, fuzzgetränkte Klangschichten, swampige Grooves und treibende Rhythmen, ohne dabei Melodie und emotionale Tiefe zu verlieren. Es ist moderner Blues mit Biss – in der Tradition verwurzelt, aber bereit, härter zuzuschlagen, weiterzugehen und heller zu brennen. Im Laufe seiner Karriere stand er unter anderem mit The Record Company, Samantha Fish, Tab Benoit, Anders Osborne und North Mississippi Allstars auf der Bühne. Seine Zusammenarbeit mit Big Chief Monk Boudreaux führte zu einer Grammy-nominierten Aufnahme und festigte seinen Platz innerhalb der lebendigen musikalischen Tradition Louisianas. Mit einem neuen Studioalbum, das für 2026 angekündigt ist, setzt Johanson seinen Weg fort, den modernen Blues in mutiges, ungefiltertes Terrain zu führen – er erweitert die Tradition, ohne ihre Seele zu verwässern.

KOMMST DU MIT? TOUR HERBST 2026 Mit dem Start ihrer großteils ausverkauften LIEBLING(S)-TOUR im Mai 2026 legt Sandra Hesch direkt nach: Die österreichische Newcomerin kündigt für den Herbst 2026 ihre nächste Tournee „Kommst Du mit?“ durch Deutschland und Österreich an. Inspiriert von ihrer gleichnamigen Sommerhymne lädt sie ihre Fans dazu ein, sie in acht weitere Städte Deutschlands und Österreichs zu begleiten. Seit ihrem gefeierten Auftritt beim Reeperbahn Festival 2025 geht es für Sandra Hesch steil bergauf. Auf den Festivalerfolg folgte ein Vertrag mit Sony Music, und so begann ein außergewöhnliches Karrierejahr für die Sängerin. Es folgten mehrere Singles, darunter „Vorsichtig zerbrechlich!“, ein Song über Verletzlichkeit und intensives Fühlen, sowie der provokante feministische Song „Traumfrau“, mit denen sie ihr künstlerisches Profil weiter schärfte. Parallel dazu zog die 25-Jährige nach Berlin, um sich noch intensiver ihrer Musik zu widmen. Mit ihrer authentischen Art, pointierten Texten und Songs zwischen Selbstzweifel, Stärke und feministischer Haltung hat sich Sandra Hesch längst eine feste Community aufgebaut. Ihre Musik verbindet Wortwitz mit emotionaler Offenheit und schafft Räume, in denen sich ihre Fans verstanden fühlen. Ob Beziehungen, mentale Gesundheit oder gesellschaftliche Erwartungen – Sandra spricht Themen an, die bewegen, und macht dabei Mut, den eigenen Weg zu gehen. Nach ausverkauften Clubshows, Festivalauftritten und Open-Air-Konzerten beweist Sandra Hesch mit der „Kommst Du mit?“-Tour: Sie ist gekommen, um zu bleiben. In den Tourstädten können sich ihre Fans erneut auf diesen besonderen Safe Space freuen. Auf einen Ort, an dem sich offen über ernste Erfahrungen ausgetauscht und sich gegenseitig Kraft geschenkt werden kann. Denn Sandras Botschaft bleibt klar: Glaube an dich selbst, sei, wie du bist, denn genau das kommt gut an.

Ein Album namens "Roses" würde sich mit romantischen Gesten beschäftigen. Über die zehn Songs, die das siebte und neueste Album von Widowspeak ausmachen, werden intime Räume und Phasen der Liebe mit einer nostalgischen, vaselinebeschichteten Linse eingefangen. Kerzen brennen in rotem Glas, während Liebende in einer Ledernische zusammenrücken. Promi-Porträtfotos blicken in einem Restaurant wie Engel herab. Anderswo werden Nelken in ein schwarzes Buch gepresst und Tänzer ziehen sich gegenseitig nah heran. Widowspeak ist eine Band, die große Gefühle anklingen lässt, ohne allzu ernst zu wirken. Die Süße, sogar die Albernheit einer verlängerten limerenten Phase, die so vereinnahmend wird wie ein pulpiger Taschenroman. Autos und ihre Fahrer dienen als Metapher, um über Co-Abhängigkeit zu sprechen. Und alte Liebe wird eingelaufen, weich wie ein altes T-Shirt. Wenn Musik zugleich naturalistisch und noir sein kann, gesättigt und üppig, dann ist das Widowspeak. Eine Band, die weiß, wie man eine Szene setzt. Diese Songs nutzen intime Momente, um über tiefergehende Herzschmerzen zu sprechen: die Rastlosigkeit, die dem modernen Dasein innewohnt, das Warten darauf, dass etwas passiert. Oder das Gefühl, sich in der eigenen Lebensrolle fehl am Platz zu fühlen. "Roses" ist vielleicht das romantischste Widowspeak-Album, aber zugleich das realistischste: Die Bühne wird nicht mit dramatischen Gesten bereitet, sondern durch den Hintergrund der Kleinigkeiten und Wiederholungen alltäglicher Handlungen. Kleine Beobachtungen vor, während und nach der Arbeit: das Ritual, Wasser für Gäste einzugießen, sich an einem freien Tag eine Erkältung einzufangen. Tagträume vom Lottogewinn – oder vielleicht die Erkenntnis, dass man ihn längst gewonnen hat. Hier ist Liebe ein Weg, darüber zu sprechen, was uns antreibt, und Widowspeak deutet an, dass sie der eigentliche Sinn sein kann. Das Licht, das die dunklen Ecken eines Tages, eines Lebens erhellt. Ein Grund, weiterzumachen, trotz des Schmerzes, den sie verursachen kann. Wie es im Titelsong heißt: Nicht alle Dornen stechen dich, du spürst immer den ersten. Und jetzt ziehst du keine Rosen mehr, weil der eine noch wehtut… Ich will derjenige sein. Widowspeak gehören zu den produktivsten und fleißigsten Bands überhaupt und brodeln stets knapp unter der Oberfläche. Molly Hamilton und Robert Earl Thomas sind der Kern der Gruppe und ihre Songwriter – sie haben ihren Sound über sechzehn Jahre und ein beeindruckend konsistentes Werk verfeinert. In dieser Zeit ist viel passiert: für sie, für alle. Als eine von vielen Bands, die in einer fruchtbaren Musikszene in New York City entstanden, begannen sie damit, ihr Equipment zwischen inzwischen geschlossenen Veranstaltungsorten (Glasslands, Cake Shop, 285 Kent, Death By Audio, um nur einige zu nennen) und ihrem Proberaum im Monster Island Basement (heute ein Trader Joe’s) hin- und herzuschleppen. Die Höhen und Tiefen einer langen Karriere bedeuten chaotische Phasen als Road Dogs quer durch Nordamerika, eingeflogene Gigs in São Paulo oder Guadalajara, siebenwöchige Europatouren… und dann jahrelange Ruhezeiten dazwischen, in denen sie überlegen, wie mächtig es ist, langsam ein Werk aufzubauen. Widowspeak ist inzwischen ein Ehepaar, das außerhalb der Saison Tagesjobs hat. Robert ist Schreiner, Molly Kellnerin. Vielleicht hat ihnen die Zeit die Fähigkeit gegeben, langsam zu wachsen; "Roses" ist ungezüchtet und gerade deshalb schöner – ein wenig wild gelassen, während es sein neues Wachstum in alle Richtungen ausstreckt. Schon in den ersten Akkorden von "The Hook" hört man, wie weit sie gekommen sind: Die Straße ist offen, der Himmel klart auf. Die Band wirkt gelöst und lässt sich Zeit. Das Album wurde im vergangenen Januar in der Old Carpet Factory auf der griechischen Insel Hydra aufgenommen – ein Studio in einem alten Haus, das in die steilen Hügel des Dorfes eingebettet ist. Im Winter ist es dort ruhig, wenn alle Touristen wieder zu Hause sind. Langjährige Tourmitglieder Willy Muse, John Andrews und Noah Bond sind hier die Spieler. "Roses" wurde dann mit nach Hause genommen und langsam, sanft weiterverfeinert, bevor es von Alex Farrar in den Drop of Sun Studios feinfühlig gemischt und von Greg Obis bei Chicago Mastering gemastert wurde. "Roses" zeigt Widowspeak in Bestform und schöpft aus ewigen Einflüssen. Es gibt Dream- und Power-Pop, ein wenig Stones, vielleicht etwas Petty, offene und träumerische Balladen mit dem Twang einer Lynch-artigen Roadhouse-Band… Vielleicht hört man R.E.M., Yo La Tengo oder Cat Power. Ein wenig Neil Young in Hamiltons Anspielungen auf die Arbeit im Diner. Die Magie der Band ist – immer noch und für immer – das Zusammenspiel zwischen Molly und Robert in ihren beiden Hauptrollen: ihre lässige, texturierte Stimme und sein körperliches, spürbares Gitarrenspiel. Und als Produzent fängt Robert den flüchtigen Zauber einer Band ein, die im Studio einen Song findet: etwas, das immer noch Spuren der Direktheit von Mollys Voice-Memos und der dichten Gitarrenschichten der Demos trägt. Die rauen Spuren der Werkzeuge sind noch sichtbar, das Rauschen bleibt drin. "Can’t hold too tight or I’ll have nothing, Like a candy melts in your hand." Während der Albumabschluss "Hourglass" über die Vergänglichkeit von etwas – von allem – nachdenkt, zeigt er, was an Widowspeak am wahrsten ist. Im Kern ist ihre Musik besonders, weil sie echt ist – vor allem für die Menschen, die sie machen. Zerbrechlich und vorübergehend, und dennoch wertvoll… wie die Liebe selbst.

WEIHNACHTLICHE OPERNGALA INTERNATIONALE SOLISTEN OPER IM BERG FESTIVAL ORCHESTER Musikalische Leitung: PROF: HANS HÄRLE Seit 2008 steht das Oper im Berg Festival unter der Schirmherrschaft von Weltstar Grace Bumbry und in Hommage Luciano Pavarotti für großartige Stimmen, die aus dem jährlichen Grandi Voci Wettbewerb engagiert werden und für klassische Regie und wunderbaren Operninszenierungen, wie man sie heute nur noch selten trifft. Seit einigen Jahren findet das Festival in der Großen Aula, Salzburgs ältesten Operntheaters (400 Jahre) statt, wo Mozart seine erste Oper uraufführte!

80 Jahre Salzburger Adventsingen Es begann im Jahr 1946 als bescheidene volkskulturelle Gedenkfeier für Freunde mit der Sehnsucht nach einer besseren, friedlicheren Welt und entwickelte sich unter dem Begründer Tobi Reiser d. Ä. zum Salzburger Adventsingen - zur Keimzelle und zum großen Vorbild zahlreicher "Adventsingen" im gesamten deutschsprachigen Raum. Die Aufführungsorte in der erzbischöflichen Residenz und in der Aula der Salzburger Universität wurden rasch zu klein, und so wagte Tobi Reiser 1960 den Sprung in das neu erbaute Große Festspielhaus. In seiner Nachfolge entwickelte Tobias Reiser d. J. ab 1974 das verantwortungsvolle Erbe höchst erfolgreich weiter und verlieh dem Adventsingen im Großen Festspielhaus bis zu seinem Tod im Jahr 1999 ein neues, künstlerisch anspruchsvolles Profil. Der erfolgreiche Weg der behutsamen, aber stetigen Weiterentwicklung findet seit 2000 unter der Intendanz von Hans Köhl seine Fortsetzung. Die Traditionsveranstaltung entwickelte sich zu einem gesellschaftsrelevanten, mittlerweile international gefragten Großkulturereignis. Seit Anbeginn schwingt bei diesem Friedensprojekt die zentrale Botschaft vom Frieden allen Menschen guten Willens mit. Verwoben mit dem adventlichen Mysterium der Geburt, mit vertrauten Klängen und zeitgemäßen Denkansätzen werden die Inszenierungen zu einzigartigen Erlebnissen. Rund 34.000 Besucher strömen alljährlich herbei - in Summe über zwei Millionen Gäste seit der Gründung. Beim Jubiläums-Adventsingen.2026 wird sich der Vorhang zur 1000. Aufführung im Großen Festspielhaus heben und damit die Beliebtheit dieses einzigartigen Originals nochmals unterstreichen. Die schönste Geschichte der Welt Gläubigen, aber auch Besuchern, die nicht tief religiös sind, eröffnen sich mit dieser schönsten Geschichte der Welt neue universale Perspektiven, welche gesellschaftsrelevante spirituelle Botschaften widerspiegeln. Das Salzburger Adventsingen ist bestrebt, in unseren bewegten Zeiten mit Botschaften, die zu Herzen gehen, Hoffnung und Zuversicht zu vermitteln. Hirten, die das Herz erobern Die Hirtenkinder sind seit mittlerweile 75 Jahren das "Herzstück" des Salzburger Adventsingens. Ihre Darbietungen zählen zu den berührendsten und stimmungsvollsten Momenten. Mit unverfälschter, ehrlich-kindlicher Art sind sie im schönsten Salzburger Dialekt zu erleben und begeistern mit ihren Hirtenweisen, G’stanzln und dem originellen Schleunigen mit Påsch alljährlich das Publikum. Vertraute Lieder und Weisen Das Salzburger Adventsingen hat einen einzigartigen musikalischen Dialekt. Das harmonisch abgestimmte Klanggefüge aus vertrauten volksmusikalischen Liedern und Weisen, klassischen Werken und neuen Kompositionen lässt alljährlich ein stimmungsvolles Klangerlebnis entstehen, in dem das Geheimnis der spirituellen Botschaft auf ganz besondere Weise mitschwingt. Eine große Gemeinschaft Bei den Aufführungen im Großen Festspielhaus wird spürbar, wie die Energie der über 2000 Besucher und Mitwirkenden ineinanderfließt. Eine unbeschreibliche, energiegeladene Aura einer großen Gemeinschaft entfaltet sich, die spätestens beim gemeinsam gesungenen Andachtsjodler einen glückseligen Höhepunkt erreicht.

Connor Kelly & The Time Warp is an American band from Nashville, TN crafting off-center indie rock that drifts between chaos and introspection. Brothers Connor and Ben Kelly trade in raw vocals and timeless guitar lines, building songs that feel spontaneous but land somewhere deeply familiar. Formed in Knoxville, TN, the band has toured across eight countries, sharing stages with acts like The Backseat Lovers, Superdrag, Vista Kicks, and Moon Taxi. Their latest record, This Egg — self-recorded in their Nashville home and mixed by Paul Q. Kolderie (Radiohead, Pixies) — hums with the blistering nostalgia of learning to let things fall where they may, earning praise from Rolling Stone, Bridge Magazine, and Earmilk. https://www.instagram.com/connorkellyandthetimewarp Eintritt: 12€ Tickets gibt’s im Vorverkauf bis 17:00 Uhr am Veranstaltungstag – danach zum Abendkassenpreis vor Ort.

STRANZINGER, benannt nach dem charismatischen Frontmann und Gitarristen Reinhard Stranzinger, ist ein einzigartiges Musikprojekt, das Elemente aus verschiedenen Genres vereint. Als ehemaliges Mitglied von Bands wie Hubert von Goisern & die Original Alpinkatzen, ERSTE ALLGEMEINE VERUNSICHERUNG (EAV), SUPERMAX und DRAHDIWABERL hat Reinhard Stranzinger eine unverwechselbare Handschrift hinterlassen und ist eine prägende Figur der österreichischen Musikszene. Mit STRANZINGER geht er seit vielen Jahren seinen eigenen Weg, der sowohl an seine musikalischen Vorbilder anknüpft als auch neue, kreative Akzente setzt. STRANZINGER ist nicht nur ein Rückblick auf vergangene musikalische Epochen, sondern auch ein aufregender Ausblick auf die Zukunft des österreichischen Rock. Die Band vereint musikalische Tradition mit Innovationsgeist und legt dabei besonderen Wert auf die Authentizität des Sounds und die Nähe zum Publikum. Die energiegeladenen Live-Auftritte und die kraftvolle Präsenz von Reinhard Stranzinger am Mikrofon und an der Gitarre sorgen für unvergessliche Momente. Propening VBS 2026 Pässe sind gültig!

Über den Dächern von Salzburg auf dem Mönchsberg liegt das Kloster der Pallottiner - das Johannes- Schlössl. Innerhalb der wunderbaren Atmosphäre der Klostermauern, eingebettet in die Natur, bleibt die Hektik des Alltags vor der Tür. Schon beim Betreten des Klostergartens spürt man die Kraft und die Ruhe. Beim Klosterfasten hast Du die Wahl zwischen Suppen/Saft-Fasten nach Dr. Buchinger/Dr. Lützner und Basenfasten, eine sanftere Form der Entlastung kombiniert mit Intervallfasten. Beim Kosterfasten wird bewusst auf Luxus verzichtet. Der Weg zu sich selbst ist so viel einfacher in der Einfachheit zu finden. Ich würde mich freuen, Dich durch diese Fastenwoche begleiten zu dürfen! Das prachtvolle Salzburg bietet einen wunderbaren Rahmen für Deine Fastenwoche. Spannende Kultur und die herrliche Natur - diese Kombination macht das Fasten zu einem einzigartigen Erlebnis.

Alex, die Piratenratte von PETER BLAIKNER und COSI M. GOEHLERT empfohlen ab 6 Jahren REGIE Florian Eisner BÜHNE Alexandra Burgstaller KOSTÜME Katia Bottegal Premiere: 24. November 2026, Saal Spieltermine: bis 24. Jänner 2027 und von 22. Mai bis 30. Juni 2027 Edgar und Allan, die einäugigen Piraten-Zwillinge, haben es nicht leicht. Sie könnten auf ihrem Schiff ein ruhiges Leben führen, doch müssen sie jedes Jahr einen Teil ihrer Beute, den Enterpreis, an eine Oberpiratin, genannt die Fliegende Holländerin, abliefern. Doch machen sie keine Beute. Zur Strafe sollen sie auf dem Schiff der Fliegenden Holländerin ein Jahr lang rudern. Von dieser Ruderstrafe wäre auch der Bordgorilla, der Schriftsteller Professor Lodengrün, betroffen. Er könnte dann natürlich keine Bücher mehr schreiben, auf die Millionen von Leseratten schon sehnsüchtig warten. Im Kielraum des Schiffes lebt Alex, die Piratenratte. Gemeinsam mit Professor Lodengrün und der Funkmöwe Gabriele entwickelt er nun einen Plan, um die drohende Katastrophe abzuwenden. Vom Riesenkraken Quartz, der auf der Insel der tausend Löcher lebt, erfahren sie von einem verbotenen Lied. Dieses Lied enthüllt das Geheimnis und die wahre Herkunft der Fliegenden Holländerin. Gelingt es ihnen damit, der Oberpiratin ein für allemal das Handwerk zu legen und auf dem Schiff endlich Ruhe zu haben?

Nach einer erfolgreichen Tour zum Colabo-Album MEGA D mit Flo Mega, melden sich Thomas D & The KBCS mit brandneuer Musik zurück und gehen 2026 wieder gemeinsam auf Tour. "Aus dem Studio direkt auf die Bühne. Ich kann nur so viel sagen: Wir werden eine neue und überraschende Platte auf die Bühne bringen", verrät Thomas D voller Vorfreude. Thomas D & The KBCS verbindet eine besondere musikalische Partnerschaft, die seit 2018 mit der Veröffentlichung des Albums "The M.A.R.S. Sessions" stetig gewachsen ist. Neben seinem aktuellen Album MEGA D (dessen Tour 2025 stattfand) verfeinerten Thomas D und The KBCS ihre gemeinsame künstlerische Vision zuletzt mit den Alben "M.A.R.S. Sessions II" und dem Live-Album "Little Big Beat Studio Sessions". Diese Alben haben eindrucksvoll unter Beweis gestellt, wie vielseitig und emotional ihre Musik sein kann. Die kommende Tournee wird diese musikalische Reise fortsetzen – mit Songs aus den bisherigen Alben und brandneuem Material, das live eine besondere Energie entfaltet. "Es sind jedes Mal sehr emotionale Konzerte, wenn Thomas D & The KBCS zusammenkommen", betont Thomas D. Die Termine für die Tournee 2026 sowie Informationen zum Vorverkaufsstart werden in Kürze bekannt gegeben. Mit ihrer unverkennbaren Mischung aus Rap, Rock und Soul haben Thomas D & The KBCS die Herzen der Musikfans im Sturm erobert. Das neue Album und die anstehende Tour versprechen, ein weiteres musikalisches Highlight zu werden.

MURG und BERNARDIN ...bis einer weint! – ein Abend zum Lachen In ihrem ersten gemeinsamen Programm schenken sich Murg und Bernardin nichts, dem Publikum aber ein Wiedersehen mit Klassikern und Rarem aus mehr als 100 Jahren Kabarett Simpl. Ein Best of Simpl von Farkas bis Niavarani und retour. bis einer weint! … das Publikum vor Lachen! PRESSESTIMMEN "Egal, ob sie in Doppelconferencen zu sehen waren oder jeder eine Einzeldarbietung zeigte, man fühlte sich zu jeder Zeit gut unterhalten und ja vielleicht kamen dem ein oder anderen sogar Tränen, wenn auch nicht vor Rührung... Publikumsreaktionen in der Pause zeigten, dass die beiden auf dem richtigen Weg waren: 'Es ist so erfrischend...mir tut so der Bauch weh vor lauter Lachen.' Den Vogel schossen die beiden aber ab, als sie als greise Piloten einen Flug nach Wohinauchimmer steuerten. ...Wer sich einmal einen richtig lustigen Abend gönnen möchte, dem sei das Duo wärmstens ans Herz gelegt, da sie definitiv dafür sorgen, dass man einmal so richtig lachen kann." Andrea Martin, kulturaspekte.de "Stefano Bernardin und Bernhard Murg schenken sich nichts... Ein Abend wie eine Zeitreise: Der älteste Sketch soll tatsächlich ein Jahrhundert alt sein. Gemeint sind übrigens die BesucherInnen, denen vor Lachen die Tränen in die Augen schießen." Kurier (österreichische Tageszeitung)

Das Mozart Dinner Concert in Salzburg bietet eine einzigartige Kombination aus kulinarischem Genuss und musikalischer Darbietung. In der historischen Kulisse des Barocksaals wird ein exklusives, mehrgängiges Menü serviert, inspiriert von den Speisen der Mozartzeit. Die musikalische Begleitung wird von talentierten Musikerinnen und Musikern in historischen Kostümen dargeboten, die ausgewählte Werke von Wolfgang Amadeus Mozart aufführen.

Es ist kaum zu fassen, aber Fiddler's Green, feiern im Jahr 2026 ihr 35-jähriges Bestehen! Fünfunddreißig Jahre voller Musik, Leidenschaft und unvergesslicher Momente – das muss tüchtig gefeiert werden! Zum Jubiläum gibt es eine exklusive Tour, die FIDDLER’s GREEN in die großen und kleinen Städte führt, wohin die Fans die Band all die Jahre begleitet hat. Es werden die größten Hits, die liebsten Klassiker und vielleicht auch der ein oder andere seltene Song aus der Vergangenheit auf die Bühne gebracht werden. Und als besonderes Highlight haben FIDDLER’s GREEN sogar einige brandneue Songs im Gepäck, die sie live auf der Jubiläumstour vorstellen werden! In all den Jahren durften Fiddler’s Green unglaubliche Erfahrungen sammeln: von legendären Auftritten auf Festivals wie Wacken, dem Pol'and'Rock Festival, Sweden Rock oder dem Montreux Jazz Festival bis hin zu unvergesslichen Konzerten gemeinsam mit Koryphäen wie The Dubliners, The Chieftains, Flogging Molly und den Dropkick Murphys. Besonders stolz ist die Band auf ihre Japan-Tour, die sie zu den Fans auf der anderen Seite der Welt geführt hat. Erleben kann man Fiddlers Green live in einer ganz besonderen Show, die zurück zu den Wurzeln führt, aber auch in die Zukunft schauen lässt. Die Sechs können es kaum erwarten, mit allen gemeinsam diese außergewöhnliche Reise zu feiern und sich für die Unterstützung und Treue zu bedanken! Es wird legendär!

Roland Düringers REGENERATIONSABEND - die hohe Kunst des Geschichtenerzählens - geht in die dritte Runde. Neue Geschichten aus seinem abwechslungsreichen Leben, erzählt in gewohnter Manier. Unvorbereitet, aber tiefenentspannt. Dankbar für jede Zwischenfrage aus dem Publikum und wie immer kein Blatt vor dem Mund. Ein Kleinkunstabend in einfacher Sprache, und wer trotzdem nicht alles versteht, hebt wie immer einfach die Hand. PREMIERE: 14.10.2025, STADTSAAL Wien Pressestimmen: "Laut und lustig." - Der Standard "Roland Düringer unterhält sein Publikum von der ersten bis zur letzten Minute." - Wiener Zeitung

Höchste Eisenbahn! Ein neues Kabarettprogramm muss her. Eine neue Wohnung. Eine neue Stadt? Oder doch aufs Land? Kindergarten, Karriere, Kundenkonto? Oder als Gast fortfahren? Und wenn ja, wohin? Chrissi Buchmasser steht unter Zugzwang, und mitten in der Rushhour ihres Lebens. Prioritäten gehören gesetzt, Entscheidungen getroffen, und die Weichen für die Zukunft gestellt. Und das jetzt. Denn sie weiß: Irgendwann ist für uns alle der Zug abgefahren. Nach ihrem preisgekrönten Debüt "Braves Kind" treffen wir Chrissi Buchmasser in ihrem zweiten Programm auf dem sinnbildlichen Bahnsteig des Lebens. Mit scharfsinnigen Einordnungen und erfrischendem Humor reist sie mit uns in die Welt der Entscheidungen. Und das mit voller Fahrt. Chrissi Buchmasser (1989, Stmk): Ihr Kabarett-Debüt gab sie 2021 beim renommierten Grazer Kleinkunstvogel. Im Oktober 2022 folgte das erste Soloprogramm "Braves Kind". Im März 2023 gab es dafür den Jury- und den Publikumspreis beim Freistädter Frischling Auch im Fernsehen bei "Pratersterne", "Kabarett im Turm" und "Die Tafelrunde" ist sie bereits aufgetreten. Exklusiver Insider-Tipp von Buchmasser selbst: Werdet jetzt Fan, bevor ich Mainstream bin.

Das neue Soloprogramm des überregional bekannten People Pleasers! Vor 100 Jahren ist der erste Heilige Puntigam gestorben. Höchste Zeit für einen neuen! Und Martin Puntigam, kabarettistischer High-Potential, First Mover und einer der frommsten Atheisten des Landes, ist bereit, das Kreuz auf sich zu nehmen. Für uns alle. Denn heilig wird man nicht einfach so. Da muss Vieles passen. Da reicht es nicht, wenn man wen kennt im Ministerium oder im Ordinariat. Oder weiß, wo man immer einen Parkplatz findet. Auch am Sonntag Abend! Aber Sie können helfen: indem Sie sein neues Super-Solo besuchen, am besten mehrmals und in Begleitung. Das ist am einfachsten. Und nicht nur für ihn, sondern vor allem zu ihm beten, wenn Gram und Schmerz Sie drücken. Denn um heiliggesprochen zu werden, muss man mindestens ein Wunder nachweisen! (Was an sich schon ein Wunder wäre, gelänge sowas. Also helfen Sie mit, rufen Sie ihn an in Ihren dunklen Stunden, erflehen Sie Heilung durch ihn von Siechtum und Pein! Damit es möglichst bald heißt: "Santo subito!" Denn die Alternative, um heilig zu werden, nämlich als Märtyrer zu sterben, würde er gern nur im Notfall ausreizen. Und wenn alles nichts hilft, dann spricht er sich eben selber heilig. So schwer kann das nicht sein. Das haben schon so viele geschafft, obwohl sie bereits tot waren. DER HEILGE PUNTIGAM Das neue Soloprogramm des Pater Ralph der Kabarettszene! Ein Black Friday der guten Laune, eine Engtanzrunde der gepflegten Unterhaltung!! Kommen Sie, bevor er heiliggesprochen wird und Sie sich seine Reliquien nicht mehr leisten können!!!

Seit 2015 schaffen LICHTERKINDER ein einzigartiges Universum aus Musik, Videos und Tanz - gesungen und getanzt von Kindern für Kinder. Die Songs von Lichterkinder sind in Kitas, Kinderzimmern und bei Laternenumzügen längst nicht mehr wegzudenken. Jetzt könnt ihr die beliebten Tanz- und Mitmachlieder hautnah erleben. Die Show bietet eine einzigartige Atmosphäre, bei der Kinderaugen strahlen und Eltern die Musik genauso genießen wie die Kleinen. LICHTERKINDER und ihre Hits sind bekannt durch über 600 Millionen YouTube-Aufrufe, Top Ten Chartplatzierungen, Rekord Streamings und sehr erfolgreiche Tonie Figuren. Nach der super gelungenen Millionen Sterne Tour 2025, kommen sie auch in diesem Jahr wieder live auf die Bühne! Freut euch auf eine mitreißende Show voller Tanz, Musik und Spaß, bei der die ganze Familie gemeinsam singen, tanzen und feiern kann! Seid dabei beim Sommer Mitmach-Spaß 2026 und auf der Millionen Sterne Tour 2026! Die 7-köpfige LICHTERKINDER-Liveband bringt die größten Hits wie "Der Körperteil Blues" und "Guck mal diese Biene da" live auf die Bühne - mit fröhlichen Choreografien, bunten Kostümen, einer magischen Lichtshow und jeder Menge Energie. Liki und Lumi sind natürlich auch dabei und bringen weitere Freunde, wie die Biene, aus dem Lichterkinder-Universum mit. Mit ihrem Sternenreich-Charme bringen sie alle zum Tanzen und Singen, denn der Saal ist die Bühne und das Publikum der wahre Star der Show. Erinnerungen, die nicht vergessen werden, entstehen bei jedem Mitmach-Konzert der Lichterkinder Live Band, wenn Kinder aus der jeweiligen Region beim großen Finale mit auf der Bühne stehen. Mit etwas Glück kann jedes Kind dieses besondere Erlebnis durch die Teilnahme an der "Sternenticket"-Verlosung über Lichterkinder-Website gewinnen. Wer gewinnt, darf schon vor dem offiziellen Einlass zusammen mit einer erwachsenen Begleitung in die Halle, bekommt eine exklusive Backstage Tour, trifft Liki und Lumi persönlich, erlebt einen richtigen Soundcheck und schnuppert echte Bühnenluft! Was für ein Gefühl, dann später vor mindestens 1000 Zuschauenden im Saal auf der großen Bühne zu stehen! Eine Erinnerung für immer - oder wie Liki sagen würde: "Am Anfang lernen wir zu staunen!" Die Live-Show begeistert Familien in Deutschland, Österreich und der Schweiz, von großen Open-Air-Events wie im Stadtpark Hamburg bis hin zu ausverkauften Konzerten vom Rheinland bis Berlin und von Hamburg bis nach Wien. Ein Erlebnis für Groß und Klein! Sichert euch jetzt Tickets für LICHTERKINDER LIVE! Ein unvergessliches Erlebnis für die ganze Familie: Gemeinsam singen, tanzen und Spaß haben!

DER KULTFILM AUF DER BÜHNE "Wenn das der Papale noch seh’n könnt…" Eine Produktion der JTH Jubel Trubel Heiterkeit GmbH (Julia Sobieszek & Thomas Tröbinger) Mit Verena Scheitz, Kristina Sprenger, Inge Maux, Julia Jelinek und Gregor Seberg Alternierende Besetzung: Olivia Shilhavy, Irene Budischowsky Der Kult-Weihnachtsfilm Single Bells kommt auf die Bühne! Am Tag vor dem Weihnachtsurlaub auf Mauritius beschließt Kati: "Ich will heiraten… und: Ich möchte ein Kind!" Ihr Freund spielt nicht mit, sie ist genervt, denn "das kann ja kein Problem sein." Doch er bleibt dabei. Mauritius fällt ins Wasser und Kati fährt kurzerhand zu ihrer Schwester Luiserl, um mit ihr und ihrer Familie Weihnachten am Land zu verbringen. Doch von der ersehnten Besinnlichkeit keine Spur… "Ja wo is er denn?" - Omama findet den Majoran nicht, "macht Weihnachten" aber dennoch im Alleingang. "Wenn das der Papale noch seh’n könnt…" träumt sie und versichert: "Ich beschwer’ mi jo ned, ich hab‘ mi no nie beschwert!" Luiserl flüchtet sich vor Omamas "großer, fetter Gans" in den Alkohol und Lilibet genehmigt sich "zwei klitzekleine Eierlikör". Hansi, der "Mann im Haus" fragt noch einmal: "Schmückst du jetzt den depperten Bam oder ned?". Hin und her gerissen zwischen Ehefrau, Mama und Schwiegermutter, beschließt er letztendlich: "Eine Erniedrigung folgt der nächsten." Sissy gesteht panisch: "Lilibet, der Ratz ist weg!", und Gregor fordert: "Auch Karpfen haben ein Recht auf Leben!" Am Ende brennt der Christbaum und in der Krippe sitzt die Ratte. Der normale Familien-Weihnachtswahnsinn, oder? Es wird gesungen: "Mach keine Faxen, jetzt kommt das Christkind!" Regie: Matthias Bauer Buch: Matthias Bauer nach dem Drehbuch von Ulli Schwarzenberger Eine Produktion der JTH

Nach zwei Jahren mit intimen Akustikshows kehren Mighty Oaks 2026 mit voller Band und voller Energie zurück auf die Bühne. Die Crew ist wieder vereint, und mit ihr kommt auch der große, dynamische Sound zurück, der ihre Live-Auftritte seit fast 15 Jahren so besonders macht. In den letzten Jahren haben sie alles auf das Wesentliche reduziert, doch jetzt ist der Zeitpunkt gekommen, ein neues Kapitel aufzuschlagen: mit einem brandneuen Album, dessen Songs speziell für die Bühne geschrieben wurden. Denn Mighty Oaks sind am stärksten, wenn sie gemeinsam auf der Bühne stehen. Die Tour 2026 vereint alles, was Fans an der Band lieben: die Nähe und Ehrlichkeit der Akustikjahre, kombiniert mit der kraftvollen Energie, mit der sie auf Festivals wie Rock am Ring, dem Montreux Jazz Festival, Lollapalooza oder dem Exit Festival begeistert haben. Die Setlist spannt einen Bogen über mehr als ein Jahrzehnt Musikgeschichte – von frühen Klassikern wie "Brother" und "Just One Day" bis hin zu neuen, noch unveröffentlichten Songs vom kommenden Album, die live ein ganz eigenes Leben entwickeln. Für Mighty Oaks fühlt sich diese Tour wie ein weiterer Neuanfang an – eine Erinnerung daran, dass auf der Bühne Freundschaft, Leidenschaft und Verbundenheit zusammenkommen. Ein Abend, den man fühlen muss, nicht nur hören.

Nach zwei Jahren mit intimen Akustikshows kehren Mighty Oaks 2026 mit voller Band und voller Energie zurück auf die Bühne. Die Crew ist wieder vereint, und mit ihr kommt auch der große, dynamische Sound zurück, der ihre Live-Auftritte seit fast 15 Jahren so besonders macht. In den letzten Jahren haben sie alles auf das Wesentliche reduziert, doch jetzt ist der Zeitpunkt gekommen, ein neues Kapitel aufzuschlagen: mit einem brandneuen Album, dessen Songs speziell für die Bühne geschrieben wurden. Denn Mighty Oaks sind am stärksten, wenn sie gemeinsam auf der Bühne stehen. Die Tour 2026 vereint alles, was Fans an der Band lieben: die Nähe und Ehrlichkeit der Akustikjahre, kombiniert mit der kraftvollen Energie, mit der sie auf Festivals wie Rock am Ring, dem Montreux Jazz Festival, Lollapalooza oder dem Exit Festival begeistert haben. Die Setlist spannt einen Bogen über mehr als ein Jahrzehnt Musikgeschichte – von frühen Klassikern wie "Brother" und "Just One Day" bis hin zu neuen, noch unveröffentlichten Songs vom kommenden Album, die live ein ganz eigenes Leben entwickeln. Für Mighty Oaks fühlt sich diese Tour wie ein weiterer Neuanfang an – eine Erinnerung daran, dass auf der Bühne Freundschaft, Leidenschaft und Verbundenheit zusammenkommen. Ein Abend, den man fühlen muss, nicht nur hören.

Was wäre, wenn die Ramones aus Österreich kämen und einen unstillbaren Durst nach Bier hätten? Genau dort setzen TURBOBIER an. Wenn es um schweißtreibenden Austro- Punkrock geht, führt kein Weg an der Wiener Band vorbei. Mit unnachahmlicher Attitüde, schneidenden Gitarren und jeder Menge Turbo fegt das Quartett um Frontmann Marco Pogo über die Bühnen Europas und macht klar: Hier gibt’s keine halben Sachen. Seit zehn Jahren stehen TURBOBIER für Kompromisslosigkeit, Schmäh, klare Kante und einen Rhythmus, auf den selbst Schweizer Uhrwerke neidisch wären: Fünf Alben in einer Dekade, im Schnitt alle zwei Jahre eine neue Platte. Songs wie "Insel muss Insel bleiben", "King of Simmering" oder "Fuaßboiplotz" haben sich längst zu Hymnen einer treuen Fangemeinde entwickelt, die bei jeder Show für kollektives Ausrasten sorgt. Ihre Konzerte sind pure Eskalation - kein T-Shirt bleibt trocken, kein Refrain ungesungen. Die Band hat sich längst weit über Österreich hinaus einen Namen gemacht - mit zahllosen Festival- und Clubshows in ganz Europa und drei Amadeus Austrian Music Awards. 2026 kehren die vier Wiener mit neuer Energie zurück: Am 1. Mai 2026 erscheint - pünktlich zum Tag der Arbeit - das neue Studioalbum "Das Leben is ein Oaschloch", der Soundtrack für alle, die das Leben nicht immer ernst nehmen, aber umso lauter feiern. Musikalisch geht’s dabei zurück an die Wurzeln - manchmal schwer wie ein Montagmorgen, manchmal leicht wie das erste Bier nach Feierabend. Begleitet wird das Album von der gleichnamigen "Das Leben is ein Oaschloch"-Tour 2026, mit der TURBOBIER erneut Clubs und Festivals zum Kochen bringen wird.

Alle wissen alles, aber niemand kennt sich aus. Wir tragen das Wissen der Welt in unseren Handys spazieren und scheitern trotzdem an den großen und kleinen Fragen des Lebens: Sag ich meiner Nachbarin, dass ich ihren Teenager beim Rauchen erwischt habe? Lüge ich beim Vorstellungsgespräch? Soll ich die Familien-Whatsapp-Gruppe verlassen? Soll ich glauben, was die KI mir erzählt? Und vor allem, was soll das alles und wann sind wir endlich damit fertig? Damit ist es jetzt vorbei! Magda Leeb stellt die größtmögliche Behauptung in den Raum: Auf alle Lebensfragen des Publikums eine Antwort zu haben. Das ist unmöglich? Wer Impro-Kabarett kennt, weiß, alles ist möglich! Und wer es nicht kennt und neugierig ist: Frag Magda! Formatentwicklung: Ursula Anna Baumgartner

Was folgt nach dem ganz großen Kino? Richtig, "Mein Dschungel"! Deutschlands lustigster Erzieher ist zurück, auch wenn dieser Titel nicht mehr so ganz stimmt. Doch, Serdar ist immer noch lustig und er ist immer noch Deutscher, aber er hat seinen Job in der Kita an den Haken der Igel-Gruppe gehangen. Dafür hat er jetzt den härtesten Beruf der Welt: Er ist Vater. Und: Er ist natürlich Comedian. Und genau um diesen Spagat geht es in seinem neuen Programm "Mein Dschungel" Wie schreibt man Jokes, wenn man zwischendurch jemand anderem den Hintern wischen muss? Wie fühlt man sich, wenn man während der Schwangerschaft mehr zugenommen hat als seine Frau? Wie verhält man sich, wenn die Leute einen an der Supermarkt-Kasse erkennen, während man sein Kind vom Boden ziehen muss, weil es kein Ü-Ei bekommt? Und was geschieht eigentlich, wenn dein schwäbisches Alter Ego "Dietmar Dieterle" bekannter ist als der Name, den deine Eltern dir geschenkt haben ("Meine Mama lag nicht 28 Stunden in den Wehen für Dietmar!") In "Mein Dschungel – by Serdar Karibik” schwingt sich der Comedy-Tarzan von Gag zu Gag. Hier bleibt kein Auge trocken – und die Windeln sowieso nicht!

Vier Jahre nach dem Breakout-Erfolg von "Mixed Feelings" (Platz 1 der FM4 Jahrescharts 2021, Nominierung beim Amadeus Austrian Music Award) veröffentlicht NENDA ihr Debütalbum "KRRRA", dass gegen Rassismus, Nationalismus und das Patriachat ankämpft, aber auch den Verlust ihres Herzensbruders thematisiert. NENDA ist Musikerin, Schauspielerin und Filmemacherin. Ihre Wurzeln sind ein Mix aus Wien, Tirol und Nigeria. Sie singt, rappt und schreibt ihre Texte selbst. Texte, die kämpferisch, lustig und emotional offen sind. Musikalisch ist "KRRRA" genauso facettenreich wie seine Themen: Hip Hop, Spoken Word und Conscious Rap trifft auf Indie-Rock und dazwischen gibt es Big Band, Jazz und Indie Pop Momente. Gemeinsam geschrieben und produziert wurde von Musiklegende Femi Temowo (Amy Winehouse, Soweto Kinch). Im Titeltrack "KRRRA" greift sie das österreichische Krampus-Brauchtum auf. Der Krampus, ein Ungeheuer, das "schlimme Kinder" in seinen Sack steckt, wird hier nicht gefürchtet, sondern von NENDA gefressen. Anstatt von einem Symbol nationalistischer und toxischer Maskulinität entführt zu werden, "krallt sich" NENDA sein Fell, zieht es an und holt sich die Macht zurück. "Was für a Krampf und es passt ma nit ganz aber lieber hab Is an als sonst irgend a Mann." In der ersten Single "Mountain Goat" widersetzt sich NENDA den Österreich-Klischees mit denen sie im Ausland konfrontiert wird. Jodeln und ein "Sound of Music" Alpenidyll werden zu einem Hip Hop Track mit catchy Hook umgewandelt. Gleichzeitig geht es aber auch um ihre Ausgrenzung innerhalb von Österreich. Ein Kampf in beide Richtungen. "Egal was I mach da is wer vom Fach, dem muss I beweisen, dass Deutsch meine Sprache is." "R2F" und "Stellar" sowie die zweite Single "Alone" sind von tiefer Trauer geprägt. In den Songs geht es um die Trauer, die sie seit dem Verlust ihres Herzensbruders begleitet. Melodische Gitarren und verletzlicher Gesang - Dieses ehrliche Gefühlschaos ist für alle, denen schon mal der Teppich unter den eigenen Füßen weggerissen wurde. "yeah we didn't have a plan, apart for me to finally land this trick, unaware that time was ticking like a fucking lunatic" In "Pheasants", channelt sie ihren "inner Kendrick" und verbindet hochmütige Angeberei mit einer Schimpftirade ("I am that bitch with an ego so big you might have to book a trip to New Zealand to see it."). Unterstützt wird sie dabei von einem Drum Solo der Jazz-Schlagzeugerin Jas Kayser (Lenny Kravitz, Jorja Smith und Nubya Garcia). NENDAs Debüt "KRRRA" präsentiert uns ganz viel auf 11 Tracks. Sie zeigt, wer sie ist, was sie alles kann und was sie schon erlebt hat. Tirol, London, Wien, singen, rappen, Song-schreiben, Liebe, Trauer, Patriarchat. Rassismus, Stolz und ein zu sich selbst Finden. NENDA behandelt nicht nur viele Themen, sie mixt auch viele Genres und Skills. Ein Album über den Verlust einer geliebten Person und über den Alltagsrassismus-Scheiß, dass allen, die mit dem gleichen struggeln, Kraft schenken soll.

THE DARK SIDE OF THE MOO PT 2 It could've been a cold winter day or warm summer night in Finland - but it was around the year 2010. Someone came up with an idea to combine bluegrass, Finnish folk and rock/metal music. The outcome was and has since been Steve'n'Seagulls. The band you didn't know you missed but you do know you want to hear again. Hailing from Finland in Northern Europe - this jolly bunch is riding harder and faster than ever. To put it short: in 2014 the band filmed three live music videos back at the farm. The second one, their new and fresh take on AC/DC classic Thunderstruck took the internet by storm. Suddenly this flock of seagulls found themselves touring around the world, recording an album and touring harder than ever. Since 2014 Steve'n'Seagulls have recorded four studio albums. The debut album Farm Machine (2015) took the band on the road for 170 shows in Europe and North America. They rocked and made their audience smile from small clubs to some of the biggest festivals in Europe. In 2025, the sun will lay its rays on the long-awaited fifth Steve 'n' Seagulls album - The Dark Side of the Moo! Recorded and produced with the same crew as the previous one, Steve 'n' Seagulls have again found and torn down the limits of progressive bluegrass and newgrass. The album combines elements from genres that are hard to imagine together. Yet they meet and shake hands like old friends. Steve 'n' Seagulls' originals and some re-arranged classics form yet another interesting musical soup ready to be served on their The Dark Side of the Moo -tour around Europe in 2025. So far, all four Steve 'n' Seagulls albums have hit the album charts in Finland and the Billboard bluegrass chart. Their music videos have gathered close to 346 million views on YouTube alone. They have played on some of the biggest festivals on this earth - including Wacken Open Air, Rescontres Trans Musicales, Nova Rock, Sweden Rock etc. in over 30 countries and on four continents the audiences from small clubs to big festivals have witnessed their musical adventures and pure good times. And the Seagulls continue on flying! Due to popular demand here´s the next bunch of shows!!!

Aufputzt is - ein Weihnachtsdebakel Was kann schöner sein, als einmal im Kreise der Familie in aller Ruhe und Besinnlichkeit das Fest des Jahres zu begehen? Andere feiern doch auch Weihnachten mitsammen. Wenn das Essen dann fertig ist, der Tisch festlich gedeckt, wenn die Geschenke fertig eingepackt sind, der Baum geschmückt ... Bald sind alle da. Fein. Wäre da nicht diese Türe. Eine kleine Unachtsamkeit. Und das Verhängnis nimmt seinen Lauf ... Aufputzt is - Ein Weihnachtsdebakel von und mit Gery Seidl.

Martin Frank - "Grüße aus Allegro Süd" Sie sehnen sich nach einem Kurzurlaub aus dem Wahnsinn der Welt? Dann kommen Sie für einen zweistündigen Comedyabend nach Allegro Süd. Sie wissen nicht, wo das liegt? Martin auch nicht. Aber der 33-jährige Comedian hat alles im Gepäck, was der Name "Allegro Süd" verspricht: authentische Gags, mitreißendes Tempo, genussvolle Musik und einen unvergleichlichen bayerischen Charme. Während sich anderswo die großen Dampfplauderer in die ersten Reihen drängen und die Welt mit Hasstiraden in den Wahnsinn treiben, schätzt man in Allegro Süd die bodenständige zweite Geige. In seinem fünften Soloprogramm redet sich Martin Frank in seiner unverwechselbaren Art alles von der Seele, was ihn gerade so bewegt. Sie haben noch nie etwas von diesem Comedian gehört? Dann sollten Sie schleunigst Ihre Oma fragen! Oder Sie lassen sich überraschen und vertrauen auf das, was 123jackydaniel789 auf YouTube schreibt: "Super lustig aber das Singen nervt!". Also buchen Sie, überzeugen Sie sich selbst und schicken auch Sie "Grüße aus Allegro Süd" in die Welt hinaus.

Musik: P. I. Tschaikowsky Choreographie: L. Iwanow und M. Petipa Redaktion Elena Antsupova Bühnenbild und Kostüme: V. Okunev Ein Ballett-Traum: „Schwanensee“ International Festival Ballet präsentiert eine Feerie aus Schönheit, Eleganz und Anmut. Ein vollendetes Kunstwerk mit Live-Orchester-Begleitung Das International Festival Ballet präsentiert eines der berühmtesten Ballette zur Musik von Pjotr Iljitsch Tschaikowskis „Schwanensee“. „Schwanensee“ ist für viele das Synonym für Ballett überhaupt. Das romantische Märchen über den jungen Prinzen Siegfried, der sich in die Schwanenprinzessin Odetta verliebt und sie vom bösen Zauber des Herzogs Rotbarts befreien will, ist eine Geschichte über die Macht der wahren Liebe. Dieses Ballett-Stück gehört zum Standardrepertoire aller großen Kompanien. Insbesondere das Allegro Moderato aus den Schwanentänzen des 2. Akts ist in der Choreografie von Lew Iwanow Gegenstand unzähliger Parodien und daher als “Tanz der vier kleinen Schwäne“ weit über das ballettinteressierte Publikum hinaus bekannt. Kurzum: Ein geniales Werk eines genialen Komponisten und schon seit Jahrhunderten ein Publikumsmagnet. „Schwanensee“ wird auf die Bühne gezaubert von einem der besten klassischen Ballett-Ensemble, dem International Festival Ballet. Zudem sorgen das grandiose Bühnenbild des genialen Theater-Designer Vjatscheslav Okunev, der u.a. für Mariinski Theater St. Petersburg und La Scala in Mailand tätig ist, wunderschöne Kostüme und die grenzlose Eleganz und unbeschwerte Leichtigkeit des Ballett-Ensembles für eine verträumte und märchenhaften Version eines klassische Balletts, die auch nach über 100 Jahren fasziniert. International Festival Ballet Ensemble tanzt auf Künstlerische Leitung Elena Antsupova International Festival Ballet wurde 2009 gegründet, um die besten Traditionen und den Geist des klassischen Balletts zu repräsentieren. International Festival Ballet ist ein internationales Ballett, das über nationale Grenzen hinweg denkt, Tänzerinnen und Tänzer aus 20 verschiedenen Nationen vereint und für Verständnis und Ko-Existenz in der Poesie von Kunst, Musik und Tanz steht. Künstlerisch repräsentiert das Ballett die russische Schule des klassischen Balletts in ihrer reinsten Form. Strenge Eleganz kombiniert mit Einflüssen der Moderne und des 21. Jahrhunderts, also eine Tanzaufführung der Extraklasse - und das alles in Verbindung mit prächtigen Kostümen und prächtigen Bühnenbildern. Auch in der neuen Saison präsentiert das International Festival Ballet wieder ein ganz besonderes Juwel des klassischen Balletts: "Schwanensee". Die unsterblichen Ballettklassiker von Pjotr I. Tschaikowsky sind in der ganzen Welt bekannt und verzaubern Menschen jeden Alters. Jeder kennt die romantische Geschichte vom "Schwanensee" mit dem weißen und dem schwarzen Schwan, die zum Synonym für die Eleganz des klassischen Balletts auf höchstem Niveau geworden ist. Der jahrhundertealte Schlaf von Dornröschen, aus dem nur die Liebe eines Prinzen sie erlösen kann, hat das Publikum seit Generationen in seinen Bann gezogen. Und die Geschichte des Balletts "Nussknacker" bietet den perfekten Winter- und Weihnachtszauber für die ganze Familie. Die einzigartigen Aufführungen des Internationalen Festivalballetts erwecken beliebte Ballette in hinreißender Schönheit und Perfektion zum Leben. Das klassische Ballett hat in Osteuropa eine lange Tradition, die auch heute noch gepflegt wird. Die renommierten Ballettschulen sind für ihr hohes Niveau und ihre Strenge bekannt, und die Schüler für ihren Leistungswillen, ihren Ehrgeiz und ihr enormes Talent. Auch die 42 Tänzerinnen und Tänzer des International Festival Ballets haben diese harte Schule durchlaufen, sei es die Waganowa-Akademie in St. Petersburg, die Moskauer Choreografie-Akademie, die Ballettschule in Ufa oder die Ballettakademie in Perm in Russland, Kiew – oder Charkiv Ballettschulen in der Ukraine oder eben italienische La Scala oder französische Grand Opera. Sie alle haben an den wichtigsten Balletttheatern Europas gearbeitet und zahlreiche Preise bei internationalen Ballettfestivals und Wettbewerben gewonnen. Gemeinsam sind sie zu einer der ästhetisch und technisch erfolgreichsten Ballettkompanien nicht nur in Europa, sondern, als Teil des Internationalen Festival Ballets, auch weltweit geworden. Neben einer absolut präzisen Tanztechnik zeichnet sich dieses Ballett auf hohem Niveau durch ein harmonisches und stimmiges Gesamtbild und elegante Leichtigkeit aus. Das Internationale Festivalballett glänzt mit einer perfekten Tanzperformance, die dem Publikum den Atem raubt. FESTIVAL ORCHESTER Künstlerischer Leiter & Dirigent Normunds Vaicis Das Festival Orchester wurde von talentierten Musikern aus Moldawien, der Ukraine und Lettland gegründet. Der künstlerische Leiter und Chefdirigent ist der renommierte Dirigent Normunds Vaicis. Das Repertoire des Orchesters umfasst Werke von Ravel, Debussy, Rimsky-Korsakow, Tschaikowsky, Massenet, Faure und Albegis, Gounod und vielen anderen. Musik aus klassischen Balletten wie Schwanensee, Nussknacker, Dornröschen, Giselle, Don Quijote und vielen anderen ist ein zentraler Bestandteil des Repertoires. Das Orchester hat mit renommierten Ballettensembles aus Russland, der Ukraine und Weißrussland zusammengearbeitet. Das Festival Orchester ist mit großem Erfolg in Frankreich, Großbritannien, Belgien, Deutschland, Luxemburg und anderen europäischen Ländern aufgetreten und hat sich trotz seiner relativ geringen Größe als eines der besten Ballettorchester in Europa etabliert. In naher Zukunft werden sie für das renommierte Internationale Festivalballett russische Ballettsaisons in Skandinavien, Belgien, Frankreich, Luxemburg, Deutschland und Österreich aufführen.

The Christmas Gospel Die besten Stimmen der Südstaaten aus den USA Schwarze Musik und packende Gospel - Messen wie sie sonst nur in den USA gefeiert werden. Das Feeling von Harlem, St. Louis und Jersey - wird Sie in seinen Bann ziehen. 04.12. - 05.12.26 11.12. - 12.12.26 18.12., 19.12., 20.12.26 Beginn: 20:15 Uhr Karlskirche Wien Kreuzherreng. 1, 1040 Wien In vorweihnachtlicher Stimmung hören Sie die berühmtesten Songs aus dem Repertoire von The Christmas Gospel. Die ausgewählten Stimmen der Christmas Gospel präsentieren diese in unerreichbarer Intensität und Qualität. Die frühen Jahre Die Wurzeln der schwarzen Gospels und Spirituals reichen zurück zum Anfang des 18. Jahrhunderts. Damals entwickelten die afrikanischen Sklaven ihre ersten englischsprachigen Hymnen im fremden Land Amerika. Zu dieser Zeit hatten sie noch ihre ureigensten moralischen Vorstellungen und religiösen Überzeugungen. Die Geschichte des Ensembles Fast zwanzig Jahre sind wir durch die USA gereist, um die frohe Botschaft in Kirchen und Theatern zu verkünden. In dieser Zeit durfte ich einige der besten Gospel-Sänger erleben, die Amerika zu bieten hat. Doch egal, wo meine Reisen mich hinführten, immer hielt ich meine Ohren offen. In meiner eigenen Gemeinde in Harlem entstand dann der Traum, einige der besten amerikanischen Gospel-Sänger als Gruppe zusammenzubringen, damit sie Ihr spirituelles Feuer den Brüdern und Schwestern in Europa vermitteln können. Dank der Hilfe unserer Produzenten und Veranstalter können wir diesen Traum nun leben. Wenn die Sängerinnen und Sänger des Ensembles " The Christmas Gospel " sowohl am Anfang als auch zum Ausklang des Konzertes ihre glasklare Stimme bis in die höchsten Register erheben, geht regelmäßig ein Schauer durch das Publikum. Das ist der Geist des Gospel - ist eine oft gehörte Meinung zur Darbietung von " The Christmas Gospel ". Aber auch die Klassiker des Gospels wie "Oh Happy Day", Amazing Grace und "When the Saint" gehören selbstverständlich zum Repertoire des Ensembles, welches vor allem durch die Ausgewogenheit der Frauen und Männerstimmen überzeugt. Gospel - Klassik und moderne Soulballaden - Gefühl und Temperament vereinigt sich hier zu einem faszinierenden Erlebnis. Die unterschiedlichen Erfahrungen, die The Christmas Gospel auf der Bühne sammelte sowie ihre bekannte glückliche Hand bei der Auswahl seiner Sängerinnen und Sänger lassen uns nach über 500 Konzerten in den Jahren 2000 bis 2025 in Deutschland und Österreich bei der kommenden Tournee von The Christmas Gospel ausverkaufte Kirchen und Konzerthallen erwarten. Es ist ein Konzert - aber die Atmosphäre der berühmten Gottesdienste der Black Churches lässt das Publikum auf der großen Österreichtournee 2025 zu einem Teil der "Community" werden. Es ist die heitere Besinnlichkeit, die diese Konzerte von Christmas Gospel" zu einem außergewöhnlichen Ereignis machen.

Weihnachten mit Friedrich von Thun In seiner unvergleichlich charmanten Art stimmt der österreichische Schauspieler und Publikumsliebling Friedrich von Thun sein Publikum mit ausgewählten Texten und Gedichten auf die Weihnachtszeit ein. Mit besinnlichen wie auch heiteren Inhalten trifft er punktgenau inmitten der Herzen der Zuhörer: Weihnachtliches und Amüsantes mit Ephraim Kishon, Astrid Lindgren, Oscar Wilde, Axel Corti, Ludwig Thoma, Hermann Hesse u.v.a. Musikalisch begleitet wird der Wahl-Münchner dabei von der vielfach ausgezeichneten Akkordeonisten Maria Reiter.

"Immer is irgendwas. Entweder die Fiaß schlafen mir ein. Oder sie jucken. Dann krieg i wieder ka Luft, wenn i schneller geh. Oder i hab an Schweißausbruch. Dann friert mich wieder. Das Essen schmeckt mir nimmer, der Sex ist fad, die Hosen sind z’eng. Was is das bitte? - Des muss alles dieser Klimawandel sein, oder? Temperaturen hat’s im Sommer wie in den Tropen! Dadurch gibt’s auf einmal diese riesigen Insekten! Die hat’s doch früher net geb’n! Wenn die dich stechen, kriegst einen Dippel, der geht monatelang net weg! Wahrscheinlich san die alle gentechnisch verändert. Und die Pflanzen! Die werd’n jetzt auch schon deppert. Die spinnen, die Pflanzen! Die wachsen jetzt alles zua! Seit i nimmer aus’n Haus geh. Meine Theorie is, die Pflanzen woll’n die Herrschaft über den Planeten zurück. Die sind alle miteinander unterirdisch verbunden über ihre Wurzeln. Weltweit! Die Pflanzen hab’n einen geheimen Plan. Sie wollen die totale Zerstörung der abendländischen Kultur und des österreichischen Volks-Rock’n Roll. Das soll alles ersetzt werden durch äh Photosynthese." Regie: Petra Dobetsberger Technik: Gerhard Pimperl

Mit seinem internationalen Megahit "Disko Partizani" wurde Shantel weltweit das hörbare Gesicht einer neuen Musik und Dance Culture. Er war der Erste, der aufgrund seiner vielschichtigen familiären Wurzeln der aktuellen Popkultur einen kosmopolitischen Sound verpasste. Bei Shantel ist Migration hör- und tanzbar. Musikalische Preziosen aus Südosteuropa, Griechenland und dem Nahen Osten erscheinen in einem neuen, vielschichtigen Kontext. Seine Arbeit als Musiker sieht Shantel als kreative Aufbereitung eines fortlaufenden Diskurses zwischen Theorie und Praxis. Dabei sind die hör-, fühl- und tanzbaren Ergebnisse stets ein Produkt seiner ganz individuellen Auseinandersetzung mit Musik als spezifischer Ausdruck einer historischen, kulturellen, sozialen und politischen Klanglandschaft eines Ortes. Sein Output als DJ, Produzent und Musiker steht dabei schon von Beginn an in dem Spannungsfeld zwischen Tradition + Moderne und Analogem + Digitalem.

SEILER UND SPEER kündigt weitere "HÖDN 2026"-Tour-Dates an! Der letzte Ton des jetzt schon legendären und für alle Beteiligten unvergesslichen ausverkauften Konzerts im Ernst-Happel-Stadion hallt noch nach - und schon kündigt das kultige Duo massig neue Live Termine an. Im Rahmen ihrer großen "HÖDN" - Tour, benannt nach dem neuen Album, das trotz sechs Jahren Wartezeit direkt auf Platz 1 der österreichischen Charts krachte, besuchen SEILER UND SPEER nächstes Jahr einige der schönsten und großen Freiluft-Arenen und Hallen des Landes. Von Oberwart, Graz und Moosburg über Klam, Gmunden und Salzburg bis nach Kufstein führt die Konzertreise, die ganz im Zeichen der neuen Hits stehen wird, ohne dabei selbstredend auf die großen Klassiker zu verzichten. Davor werden SEILER UND SPEER im November und Dezember 2025 noch zahlreiche Konzerte in Deutschland und der Schweiz spielen und auch sonst wird’s nicht langweilig für einen - und mit einem - der erfolgreichsten österreichischen Musikacts der letzten zehn Jahre. Am 25.07.2026 kommen sie im Rahmen ihrer großartigen Tour auf die Schlosswiese Moosburg - für einen Abend voller Hits, großer Emotionen und einer herausragenden Stimmung!

SILVESTERGALA INTERNATIONALE SOLISTEN OPER IM BERG FESTIVAL ORCHESTER Musikalische Leitung: PROF: HANS HÄRLE Die Silvestergala bietet ein Feuerwerk an Melodien, Arien, Ensembles, Hits! Gassenhauer, Ohrwürmer und Lieblingsstücke aus der Welt der Oper und der großen Stimmen. Verdi's und Puccini's berühmte Opernhits wie zum Beispiel La donna e mobile oder die Sternenarie dürfen ebenso wenig fehlen wie ein Ensemble getragenes und wuchtig geschmettertes Brindisi aus La Traviata. Gute Stimmen und großartige Stimmung werden Sie auf den Jahreswechsel einstimmen... Seit 2008 steht das Oper im Berg Festival unter der Schirmherrschaft von Weltstar Grace Bumbry und in Hommage Luciano Pavarotti für großartige Stimmen, die aus dem jährlichen Grandi Voci Wettbewerb engagiert werden und für klassische Regie und wunderbaren Operninszenierungen, wie man sie heute nur noch selten trifft. Seit einigen Jahren findet das Festival in der Großen Aula, Salzburgs ältesten Operntheaters (400 Jahre) statt, wo Mozart seine erste Oper uraufführte!

Vom Kinderzimmer bis aufs legendäre Wacken Open Air, vom Familienausflug bis zur Festivalbühne, von kleinen Clubs bis zu großen Hallen - HEAVYSAURUS spielen echten Metal für Groß und Klein. Nach dem überwältigen Erfolg der "Pommesgabel Tour" 2024 und 2025 - über 350 Termine! - legen HEAVYSAURUS nun nach: Mit ihrem kommenden Album "METAL" (VÖ 30.01.2026) und einem neuen Liveprogramm tourt die Band in 2026 erneut intensiv durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Von allen verkauften Tickets werden 1€ an "Die Arche" gespendet !

Das neue EUROTEURO-Album MAGIC markiert eine musikalische Neuorientierung. Die Texte wechseln zwischen deutscher und englischer Sprache und bewegen sich thematisch durch Räume von Trauer und Trost, Zweifel und Hoffnung. Nach ihren bisherigen Volume-Veröffentlichungen, die als Singles-Collections fungierten, präsentiert sich MAGIC als das erste geschlossene EUROTEURO-Album. Es entstand in einem gemeinsamen Prozess unter anderem mit den Wiener Musiker*innen Alexander Kranabetter, Topsy Turvy, Katarina Maria Trenk, Soap&Skin, Farce, Voodoo Jürgens und Elise Mory. Das Album erscheint am 25.9.2026 auf dem Wiener Label Siluh Reocrds als LP / CD und in digitaler Form. Live dargeboten von Peter T. und Katarina Maria Trenk. Peter T. ist der Geist von EUROTEURO. Sein Künstlername ist als Teil einer Kunstfigur — selbst gewählt, weil er „einfach wunderschön“ klingt und die Freiheit eröffnet, in andere Rolle zu schlüpfen; auf der Bühne ebenso wie im Studio. Diese Freiheit wird auf MAGIC konsequent genutzt um sich künstlerisch neu zu erfinden. EUROTEURO überraschen auf MAGIC mit einer neu gewonnenen Musikalität. Das Album bewegt sich zwischen New Wave, Art Pop und Neuer Deutscher Welle. Ein Sound, der sich nicht festlegen will aber trotzdem seine klare Form nicht verliert. Der Titel verweist auf den Entstehungsprozess: Musikmachen mit anderen ist für Peter T. Magie. Es ist unvorhersehbar, was entsteht, vieles bleibt im Moment, manches entzieht sich sogar im Nachhinein der vollständigen Erklärung. „Magic“ versteht sich als ein „fantastisches“ Album — als ein Werk, das über das Sichtbare hinausdenkt. Glaube, Vorstellungskraft und innere Bilder bleiben unsichtbar und entfalten dennoch eine reale Wirkung auf unser Denken, Fühlen und Handeln.

2 Stunden mitreißende, temperamentvolle Bühnenpower! Emotion Pur! In einer über zweistündigen Show werden Highlights aus den bekanntesten Musicals eindrucksvoll und stimmungsstark präsentiert. Stars der Originalproduktionen zeigen auf einer Reise durch die Welt der internationalen Musicals, ausgewählte Solo-, Duett- und Ensemblenummern. Weltbekannte Hits aus dem aktuellen Broadway Musical "Aladdin" werden das Publikum gleichermaßen begeistern, wie die Sensationsmusicals die Eiskönigin mit dem Wahnsinnshit "Let it go" und "Moulin Rouge" mit seinen leidenschaftlichen Pop-Hymnen voller Glamour und Emotion. Lassen Sie sich bei "Die Nacht der Musicals" von einem Bühnenfeuerwerk aus schwungvoller Tanzakrobatik und weltbekannten Hits mitreißen und seien Sie live mit dabei, wenn die Starsolisten die schönsten Melodien der eingängigsten Songs zum Besten geben! Musikcocktail der Extraklasse: Internationale Erfolgsmusicals, aktuelle Hits und altbekannte Klassiker! Neben Klassikern wie "König der Löwen", "Mamma Mia", oder "Tanz der Vampire", dürfen natürlich All Time Favourites wie "Das Phantom der Oper", "Cats", "Die Rocky Horror Show", "Elisabeth" nicht fehlen! Erleben Sie live wie "Das Phantom der Oper" Christine seine Liebe gesteht oder die Samtpfoten aus "Cats" mit "Memory" ihren absoluten Kultcharakter erneut unter Beweis stellen. Lassen Sie sich von einem Musikcocktail der Extraklasse bei "Die Nacht der Musicals" verzaubern! Änderungen vorbehalten! Abwechslungsreich, vielfältig, einzigartig! So abwechslungsreich wie die verschiedenen Musicals, so vielfältig ist auch die "Die Nacht der Musicals". Ein ausgefeiltes Licht- und Soundkonzept, sowie aufwendige Kostüme und liebevoll gestaltete Bühnenbilder, machen dieses Event zur beliebtesten Musicalgala mit der Atmosphäre des New Yorker Broadway und des Londoner West End! Bereits über 3 Millionen Besucher haben "Die Nacht der Musicals" mit einem Lächeln auf den Lippen verlassen und in unvergesslicher Erinnerung behalten! So wird diese einzigartige Musicalsensation auch zur 25-jährigen Jubiläumstournee die Zuschauer mehr als begeistern und vollkommen in ihren Bann ziehen! Die Eiskönigin kommt!

Ungeheuer schön: In seinem Musical-Highlight „Die Schöne und das Biest“, erzählt das Theater Liberi eindrucksvoll die berührende Geschichte über die wahre Liebe. Gefühlvolle Eigenkompositionen und viel Poesie entführen gemeinsam mit Witz und Emotion in die Welt dieses bezaubernden Märchens – ein Live-Erlebnis für die ganze Familie! Romantische Musical-Show in märchenhafter Kulisse Das für seine fantasievollen Musicals bekannte Theater Liberi präsentiert das französische Volksmärchen in einer zeitgemäßen und unterhaltsamen Fassung. Ein bestens ausgebildetes Ensemble begeistert das Publikum mit abwechslungsreichen Choreografien zu romantischen Balladen und poppigen Songs mit Hitpotenzial. Auf der Bühne entsteht eine märchenhafte Kulisse: das wandelbare Bühnenbild wechselt zwischen Belles Zuhause und dem verzauberten Schloss, das mit den traumhaften Kostümen um die Wette funkelt. Wenn Liebe den Fluch besiegt Seit Jahrhunderten erzählen sich die Menschen schon das Märchen von der Schönen und dem Biest und der Kraft ihrer Liebe, die so stark ist, dass sie sogar einen Fluch brechen kann. Einen Fluch, der den Prinzen in ein furchteinflößendes Biest verwandelt hat. Als sich eines Tages ein armer Kaufmann in den Schlossgarten verirrt und dort eine Rose pflückt, fordert das Biest dafür einen hohen Preis. Fortan muss die jüngste Tochter Belle im verwunschenen Schloss leben. Belles anfängliche Angst weicht jedoch schnell der Neugier, als sie feststellt, dass hinter der harten Schale des Biestes ein weicher Kern steckt und dass sie mit ihm sogar lachen und tanzen kann. Doch Belle ist hin- und hergerissen, denn sie stellt sich viele Fragen: Was hat es mit dem geheimnisvollen Prinzen im Spiegel auf sich? Und warum gibt es diese verzauberten Wesen im Schloss? Belle begibt sich auf die Suche nach Antworten… Alter: ab 4 Jahren Dauer: 2 Stunden inkl. 20 Minuten Pause

Die "SYMPHONIACS - The True Rebels of Classical Music" sind eine bahnbrechende Gruppe von talentierten Musikern, die die Grenzen der klassischen Musik neu definieren. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus klassischen Melodien und modernen Elementen schaffen sie eine faszinierende Klanglandschaft, die sowohl traditionelle als auch zeitgenössische Musikliebhaber gleichermaßen begeistert. Die SYMPHONIACS sind bekannt für ihre energiegeladenen Live-Auftritte auf der ganzen Welt, bei denen sie das Publikum mit ihrer Leidenschaft und Virtuosität in den Bann ziehen. Jedes Mitglied der Band bringt sein individuelles Talent und seine kreative Vision ein, um ein atemberaubendes musikalisches Erlebnis zu schaffen. Mit innovativen Arrangements klassischer Stücke und eigenen Kompositionen zeigen die SYMPHONIACS, wie vielseitig und zeitlos die Welt der klassischen Musik sein kann. Sie sind wahre Rebellen, die mutig neue Wege gehen und dabei die Essenz der klassischen Musik bewahren. Sie remixen Antonio Vivaldi‘s „Vier Jahreszeiten“ live mit synthetischen Sounds und Beats und interpretieren Stücke von „Daft Punk“ mit klassischen Instrumenten neu. Bei Universal Music Deutschland und Warner Music Japan veröffentlichten sie bereits eine Reihe von Titeln. Ihr Album stand mehrere Wochen in den Top Ten der i-Tunes Charts und war 21 Wochen in den offiziellen „Deutschen Album Charts“ vertreten. Die fast überall ausverkauften Hallen - aber auch die über 30 Millionen Views und über 90.000 Abonnenten auf YouTube und die gesamt über 55.0000 Follower in den Social Media Kanälen, zeigen die stetig wachsende Zahl von Fans auf der ganzen Welt. Für Fans von klassischer Musik, die bereit sind, neue Horizonte zu entdecken, sind die SYMPHONIACS ein absolutes Muss. Ihre Musik berührt die Seele, inspiriert die Sinne und hinterlässt einen unvergesslichen Eindruck bei jedem, der ihre magischen Klänge erlebt. Tauchen Sie ein in die Welt der SYMPHONIACS und lassen Sie sich von ihrer musikalischen Exzellenz verzaubern. Von Tokio bis Wien, von Los Angeles bis Berlin und schon bald, im Rahmen ihrer Welttournee, auch in Ihrer Stadt.

Wer ABBA liebt, kennt dieses Gefühl: Die ersten Takte erklingen - und plötzlich ist alles wieder da. THE MAGIC OF ABBA fängt den unverwechselbaren Sound und den Spirit einer Band ein, deren Musik bis heute Generationen miteinander verbindet. Seit über 25 Jahren begeistert diese Concert-Show ihr Publikum in ganz Europa und zählt (mit besonderen Auftritten auch außerhalb des Kontinents) zu den erfolgreichsten ABBA-Tribute-Shows. Eine kraftvolle Live-Band, perfekte Harmonien und ein spektakuläres Lichtdesign verwandeln die Bühne in ein Fest purer Magie. Vom ersten Beat an ist die Energie spürbar. The Magic of ABBA vereint musikalische Präzision, Atmosphäre und Glamour. Was diese Show besonders macht, sind die witzigen und charmanten Moderationen, die das Publikum mitnehmen und zu einem Teil des Abends werden lassen. Es wird gelacht. Erinnerungen werden wach. Es wird mitgesungen, und gemeinsam gefeiert. Mit zeitlosen Hits von "Dancing Queen" bis "Mamma Mia", von "Fernando" bis "Take A Chance On Me" feiern wir die legendäre Musik einer der beliebtesten Bands der Welt - und nehmen Sie mit zurück in den Moment, als diese Songs zum ersten Mal Ihr Leben berührten. Auch jüngere Fans, die ABBA durch das Musical und die Filme für sich entdeckt haben, erkennen die Songs wieder, die sie begeistert haben - und erleben sie live noch einmal ganz neu, von "When I Kissed The Teacher" bis "When All Is Said And Done". Vom ersten bis zum letzten Ton wirst du verzaubert. Alle singen, alle tanzen. Fremde werden zu Freunden. Und für zwei unvergessliche Stunden übernimmt die Musik das Kommando. Für manche ist es ein Abend voller Welthits. Für andere ein Wiedersehen mit einem Gefühl, das nie verschwunden ist.

Das Herz, ein Wolf Ein heißer Münchner Sommer: Während die ganze Welt im Freibad ist, auch ihr Freund und ihr Kind, sitzt Nele Kastner am Sterbebett ihres Vaters und wartet mit ihm auf den Tod. Und obwohl er doch natürlich ist, dieser Tod, wirkt kurz vorm Ende alles wie Theater. In der Hauptrolle: Das fehlende Gespräch. Denn da der Vater nicht mehr sprechen kann, übernimmt Nele es, die gemeinsame Geschichte zu erzählen. Vom Aufwachsen im kleinbürgerlichen Vorstadtmilieu 1980er- und 1990er-Jahre. Vom Psychofasten und von Bröselneurosen, von ersten und von letzten Malen, von Kastenläufen und Familienritualen. Von dem, was einen klein hält, und dem, was einen groß macht. Und keine Angst - man glaubt nicht, wieviel Humor in den letzten Erzählungen liegen kann. Der großartige Debütroman der als FIVA bekannten Musikerin und Moderatorin (FM4, BR2, 3sat, ZDFkultur), zweimal für den Grimme-Preis nominiert In süchtig machendem Sound erzählt Nina Sonnenberg schonungslos, zärtlich und mit bestechendem Witz von einer Vorstadtjugend in den 90ern, von familiären Prägungen, vom Leben und vom Sterben »Eine fein und sensibel erzählte Geschichte, die alle Kinder der 80er zurückführt in eine Kindheit voller Zigarettenrauch und Knorr-Suppen.« Eva Karl Faltermeier Für alle Leser:innen von Joachim Meyerhoff, Giulia Becker und Stefanie Sargnagel

Sein neues Comedy-Programm über den täglichen Kampf mit dem ultimativen Gegner: dem eigenen Leben. Gernot Kulis nimmt das Leben, wie es ist – auf die Schaufel. Ob im chaotischen Familienalltag, auf abenteuerlichen Reisen mit schrägen Begegnungen oder im unausgewogenen Duell gegen die künstlich intelligente Badezimmerwaage – überall lauern Konflikte, die er nur auf eine Weise löst: mit Humor. Er kann nicht anders. Ausgestattet mit der K.I. – der Kulis Intelligenz – nimmt er sich in seinem neuen Programm der großen und kleinen Fragen seines Lebens an – stets bereit, auch im Ernst einen Witz zu finden. Und das wie immer auf seine unverwechselbare Art: energiegeladen, vielstimmig, mit vollem Körpereinsatz und einem Tempo, das einem den Atem raubt. Gernot Kulis kann eben nicht anders. Ein Programm über Freundschaft, Ehe und smarte Haushaltsgeräte, die einfach zu viel wissen.

RINGLSTETTER & BAND - BELLAVISTA TOUR 2027 Der bayerische Entertainer zurück auf großer Bühne Hannes Ringlstetter - bekannt als Entertainer, Musiker, Schauspieler ("Hubert ohne Staller") und Bestsellerautor ("Ein Steinpilz für die Ewigkeit") - geht 2027 mit seiner Band endlich wieder auf große Tournee. Unter dem Motto "Bellavista" - schöne Aussichten - wird es nach einer kreativen Auszeit und intimen Clubkonzerten wieder laut, lebendig und musikalisch facettenreich. Das gleichnamige Album "Bellavista" (erscheint im Dezember 2026) ist natürlich mit im Tourbus - randvoll mit neuen Songs über das Leben in all seinen Höhen und Untiefen. Musikalisch bewegt sich Ringlstetter mit seiner Band gewohnt genreübergreifend: von kraftvollem Rock über entspannten Reggae bis zu poetischen Folkstücken. Alles live, alles handgemacht, ganz ohne KI - mit spürbarer Spielfreude, großer Musikalität und einer ordentlichen Portion Selbstironie. Auf der Bühne stehen wie immer Ringlstetters bewährte musikalische Weggefährten - eingespielt, mitreißend und voller Energie. Natürlich dürfen auch die Lieblingsstücke aus den vergangenen Alben nicht fehlen - "Niederbayern", "Heller Schein", "Heile Welt" oder "Gardasee" sind ebenso Teil des Programms wie der legendäre Überraschungs-Country-Coversong, der bei keiner Tour fehlt. Hannes Ringlstetter ist zurück - mit Lust auf Musik, Geschichten und das echte Leben. Und er will eins: sein Publikum wieder live erleben, mitnehmen und begeistern. Ein Abend mit Ringlstetter & Band ist kein gewöhnliches Konzert. Es ist ein echtes Erlebnis - klug, unterhaltsam, musikalisch vielfältig und zutiefst menschlich. "Es wird höchste Zeit, gemeinsam eine gute Zeit in Konzertsälen zu verbringen. Raus aus der Lethargie. Mit Liebe und Hoffnung, also Lust auf die Zukunft. Das italienische Lebensgefühl könnte dabei helfen - deshalb: Bellavista! Wir sehen uns!" - Hannes Ringlstetter Tourstart: Januar 2027 - Deutschland & Österreich Album: "Bellavista" - VÖ Dezember 2026

OBSCURA, PESTILENCE, CRYPTIC SHIFT, THUS, DVRK

Ab Dezember 2026 nehmen die EHRLICH BROTHERS ihr Publikum mit auf die spektakulärste Reise, die sie je erschaffen haben. In ihrer geheimen Zauberwerkstatt entsteht derzeit eine völlig neue Dimension der Magie – mit einzigartigen Illusionen, atemberaubenden Effekten und Momenten, die man nie wieder vergisst! Ein einmaliges Erlebnis für die ganze Familie! Für WONDERWORLD ist die gewöhnliche Welt zu klein. Die Star-Magier reißen die Grenzen der Vorstellungskraft ein, die Zuschauer werden Schwerelosigkeit hautnah wie auf dem Mond erleben. Auf einer magischen Reise durch Raum und Zeit geht es vom unendlichen Kosmos hinab in unergründliche Tiefen der Ozeane. Andreas und Chris Ehrlich verwandeln die Arenen in eine gewaltige Unterwasserwelt – mit Illusionen aus echtem Wasser und großen Meereswesen. Die Begegnung mit einer geheimnisvollen Meerjungfrau erzeugt Gänsehaut-Momente, wie man sie nur bei den EHRLICH BROTHERS erlebt. Wenn die Weltrekord-Magier die größte Popcorn-Maschine der Welt erscheinen lassen, verwandeln sich die Arenen in duftende Zauberwelten – und plötzlich regnet es für die Zuschauer Popcorn aus dem Nichts. Für ihre einmalige Magie werden die EHRLICH BROTHERS weltweit von einem Millionenpublikum gefeiert, zuletzt auf einer großen USA-Tour. In WONDERWORLD treiben sie mit ihrer gefährlichsten Illusion aller Zeiten den Adrenalinspiegel auf Rekordhöhe. Ein Sportwagen transformiert sich live auf der Bühne zu "Titanium", einen gigantischen KI-gesteuerten Roboter – zehn Meter hoch, acht Tonnen schwer – der die beiden Zauberbrüder zu einem magischen Kampf "Gut gegen Böse" herausfordert. Die Inszenierung dieser Illusion der Welt sprengt jede Vorstellung – ebenso wie die immense Logistik der WONDERWORLD-Tour. Eine Illusionsshow mit 30 Trucks voller High‑Tech‑Equipment, monumentalen Pyroeffekten und einer 150‑köpfigen Crew hat es noch nie gegeben. Damit ist WONDERWORLD die größte Magie‑Show des Planeten. Andreas und Chris Ehrlich versprechen: "Das wird eine Show der Superlative!" WONDERWORLD – ein einmaliges Ereignis für alle Generationen!

Mit ihrem selbst erschaffenen Genre Indie Rave geht es für die Band Kytes auf gleichnamige Tour. Eine Fusion zwischen alten Indie Wurzeln mit neuer Rave-Energie. Zwischen Gitarren, Synths und clubtauglicher Elektronik entstehen Songs über Selbstzweifel und Überforderung. So lässt sich das selbst erschaffene Genre Indie Rave, der Band Kytes zusammenfassen. Das Münchener Trio bietet eine einzigartige Mischung aus Vertrautheit und Freiheit und kann wahrlich von sich behaupten ihren Sound gefunden zu haben. Auf ihrer neuen Single schaffen sie diesen Sound weiter zu festigen. Fast hypnotische Beats treffen auf klassische Indie–Vocals, im Hintergrund erklingen Synths und Gitarren Riffs. Ein sehr vielversprechender Auftakt für das anstehende Album.

Wer AVEC einmal auf der Bühne erlebt hat, weiß: Ihre Konzerte laden zum Weinen und Tanzen ein, zum Nachdenken und Träumen. Die über hundert Millionen Mal gestreamte Künstlerin aus Oberösterreich schafft es, Emotionen freien Lauf zu lassen und mit dem Publikum auf eine einzigartige Weise zu kommunizieren. Anlässlich ihres vierten Albums präsentiert sich AVEC persönlicher denn je: Der Rahmen ist auf der "Theatre Tour" besonders intim – und das Publikum genießt den Konzertabend erstmals im Sitzen. AVEC plaisir: Die Amadeus Award-Gewinnerin ist live einfach ein Vergnügen!

Er steht noch einmal da. Wie so oft. Wie all die Jahre. Mit laufendem Motor, Standlicht und dieser ganz besonderen Unruhe, die vor jeder Abfahrt in der Luft liegt. Man weiß, was kommt – und trotzdem ist diesmal alles anders: Mit "Der letzte Bus" kündigen Die Fantastischen Vier eine ganz besondere Tournee an. Nach über drei Jahrzehnten Bandgeschichte, mehr als tausend Konzerten und zahllosen Nächten im Tourbus geht das Quartett ein letztes Mal auf große Fahrt – mit allem, was dazugehört: mit großer Bühne, mit brandneuer Show und brillanten Musikern. 36 Jahre Hip-Hop-Geschichte: Eine Ära geht zu Ende Diese Tournee ist ein Kapitel, das nochmal alles bündelt, was war – ein Rückblick auf über 36 Jahre zwischen Nightliner, Rampenlicht und Refrains, die ganze Generationen geprägt haben. Es ist die Geschichte einer Band, die deutsche Musikgeschichte geschrieben, ein ganzes Genre mitbegründet, und mit ihrem Mitte der 90er gegründeten Label Four Music und der dazugehörigen Booking Agentur Four Artists, signifikant beeinflusst hat. Die Fantastischen Vier sind heute immer noch die vier selben Pioniere, die dem Hip-Hop in Deutschland zum Durchbruch verhalfen. Im Jahr 1991 veröffentlichten sie mit "Jetzt Geht’s Ab" das erste deutschsprachige Hip Hop Album bevor ihnen im Folgejahr mit "Die da!?!?" ein historischer Coup gelang, sie waren die erste deutschsprachige Rap Formation, die den Sprung in die Top Ten der Charts schaffte und im Radio rauf und runter gespielt wurde. Smudo, Thomas D, Michi Beck und And.Ypsilon bewiesen damit, dass deutschsprachiger Rap authentisch, intelligent, humorvoll und massenkompatibel sein kann. Als eine der wenigen Bands aus Deutschland schafften sie es, über vier Jahrzehnte hinweg Alben zu veröffentlichen, die jeweils die Spitze der Charts erreichten – auch ein Beleg ihrer Relevanz und Kreativität. Mit Hits wie "MFG", "Troy", "Sie ist weg", "Tag am Meer" oder "Zusammen" schufen sie den Soundtrack mehrerer Generationen und füllen Arenen, Stadien und Open-Airs. Und gleichzeitig ist "Der letzte Bus" ein Aufbruch: Noch einmal quer durchs Land. Noch einmal Vollgas durch die Republik. Noch einmal Lichter, Lärm und Liebe. Noch einmal 4 Städte in 4 Tagen - Mammutlogistik, Nachtschichten auf der Autobahn. Und das für mindestens 18 Monate, um möglichst an allen Haltestellen Station zu machen, die die Band schon einmal besucht hat. Für alle, die sagen: "Ich hab sie nie live gesehen." Oder: "Das letzte Mal ist viel zu lange her." Für alle, die wissen wollen, warum das hier immer mehr war als Musik. Für alle, die Teil dieser beispiellosen Geschichte sind – oder es werden wollen. Und für alle, die spüren: Dieser Moment kommt nicht zurück. Abfahrt!

Die Brandstifter sind in der Stadt! Die Feuerwehr rückt aus, man hört die Sirenen. Jede Nacht herrscht Angst: Wann schlagen sie das nächste Mal zu? Biedermann hat natürlich von den Brandanschlägen gehört, auch die Taktik der Täter ist ihm bestens bekannt: Sie tarnen sich als einfache Hausierer, nisten sich auf Dachböden ein und wenn es keiner ahnt, zünden sie die Häuser an. Nicht umsonst trägt das Stück den Untertitel „Ein Lehrstück ohne Lehre“. Denn Biedermann ist gewarnt und doch lässt er den ehemaligen Ringer Schmitz bei sich auf dem Dachboden übernachten. Schmitz beklagt sich, dass er – ein armer Obdachloser, der eine Bleibe sucht – von niemandem mehr aufgenommen wird, weil ihn alle für einen Brandstifter halten. Biedermann kommt das gerade gelegen; er will sich und der Welt beweisen, dass er ein guter Mensch ist. Trotzdem macht sich ein unbehagliches Gefühl in Biedermann breit. Zumal seine „Gäste“ immer mehr werden. Die ganze Nacht hört er Poltern vom Dachboden, am nächsten Tag stehen dort plötzlich Fässer. „Benzin, eindeutig Benzin“, seine Gäste verheimlichen nichts, immer weiter sieht Biedermann weg. Und die Brandstifter reden inzwischen ganz offen über ihr Vorhaben, denn „die beste und sicherste Tarnung ist immer noch die blanke und nackte Wahrheit. Die glaubt niemand.“ Biedermann ist gefangen zwischen Selbstlüge, Gutmenschentum und der wachsenden Gewissheit über die sich anbahnende Katastrophe. Zuletzt kann er nicht anders und reicht seinen neuen Freunden die Streichhölzer. Und wieder hört man die Sirenen, die Feuerwehr rückt aus… MAX FRISCH ist einer der bedeutendsten Schweizer Schriftsteller. Geboren wurde er am 15. Mai 1911 in Zürich. Er studierte Germanistik und Architektur, er arbeitete als Architekt und Journalist bei der Neuen Zürcher Zeitung. Er verfasste zahlreiche Theaterstücke, Romane und Essays. Titel wie „Stiller“, „Andorra“ und „Homo Faber“ wurden Welterfolge und gehören bis heute zum literarischen Kanon.

MiA. feiern ihr achtes Album "Euphorie & Alltag" genau dort, wo für diese Band alles zusammenkommt - die großen lauten Gefühle, die stillen Momente, der Übermut, die Zweifel, das wahre Leben und die ruhelosen Spinnereien. All diese Bausteine verdichten MiA. seit mittlerweile 30 Jahren zu einem Soundtrack mit neuen und alten Lieblingsliedern, der nirgendwo besser aufgehoben ist, als auf der Bühne. Nach einer nahezu ausverkauften Tour im Frühjahr 2026 bleiben MiA. in Live - Laune und sind vom 18. Februar bis zum 20. März 2027 auf Tournee in Deutschland und Österreich, um sich und ihrem Publikum zu vergewissern, dass geteilte Euphorie die schönste und zugleich wertvollste Art der Begeisterung ist.

Dirk Maassen zählt zu den erfolgreichsten deutschen Komponisten der Neoklassik. Für seine bewegenden, sanften und stileigenen Klangwelten wird er international gefeiert. Zudem ist er auch viral einer der weltweit meist gestreamten deutschen Pianisten - über eine Millionen Menschen streamen seine Musik monatlich auf verschiedenen Plattformen. Dirk Maassen begeistert aber auch live sein Publikum jedes Mal aufs Neue. Seine Fans nehmen auch einmal ohne Weiteres Anreisen von über 1.000km auf sich, um ihn live zu erleben. Mit einzigartigem Gefühl und genialem Timing spielt er seine Werke, die auf magische Weise das Unterbewusstseinerreicht und Türen öffnet, die bisher unentdeckt blieben. Erlebe jetzt den vielleicht bewegendsten Pianisten Deutschlands live, der vollerLeidenschaft eine bewegende Auswahl seiner über 200 zählenden Kompositionen spielt. "Die Musik von Dirk Maassen wird getragen von dem Künstler, der nicht nur super Musikstücke komponiert sondern mit seiner ganzen Seele spielt. Absolut empfehlenswert ..." "Nie habe ich gedacht, dass es möglich ist, so in Musik einzutauchen, meine Welt hat einen neuen Raum bekommen und ist ein bisschen bunter geworden. Danke von Herzen" "Die wunderbaren Kompositionen in Verbindung mit dem authentischen, sympathisch-bescheidenen Auftritt des Künstlers geben dem Publikum das Gefühl, Gast bei einem intimen Privatkonzert zu sein. Das sucht nicht nur in der Neoklassik nach seinesgleichen" "Ein durch und durch gelungener Abend, mit gefühlvoll durchdringender Klaviermusik, die einem die Stunden des Abends wie Minuten erscheinen lässt. Herzlichen Dank!"

Seit zehn Jahren ein Triumphzug! "DIE UDO JÜRGENS STORY – Sein Leben, seine Liebe, seine Musik" krönt 2027 ihre fortwährende Erfolgsserie mit einer exklusiven Jubiläumsedition. Be-reits seit einer Dekade und mit bald 600 Konzerten begeistert diese einfühlsame und zugleich mitreißende Hommage an den Grandseigneur der deutschsprachigen Unterhaltungsmusik in den renommiertesten Konzerthäusern in Deutschland und Österreich und erreicht ein generationenübergreifendes Publikum. Die Jubiläumstour 2027 glänzt mit neuen Facetten einer unvergesslichen Karriere sowie mit zusätzlichen Hits, selten gespielten musikalischen Juwelen und neuen, bewegenden wie auch lustigen Geschichten und Anekdoten aus den persönlichen Aufzeichnungen des unvergessenen Stars. DIE "UDO JÜRGENS STORY" nimmt das Publikum mit auf eine emotionale Reise durch das Leben und Werk eines der größten Entertainer Europas. Rund 350.000 Zuschauer:innen haben diese Hommage bereits er-lebt und mit Standing Ovations gefeiert. Damit ist "DIE UDO JÜRGENS STORY" die erfolgreichste und meist-gespielte Tribute-Show über die Musiklegende. 2027 werden erneut Gastspiele in Deutschland und Öster-reich auf dem Spielplan stehen – darunter zahlreiche Städte, in denen die Show zum ersten Mal stattfindet. Dann sorgt das brillante Duo Benesch und Pecoraro unter der Regie von Erich Furrer für einen Abend voller Erinnerungen und Überraschungen und lässt das Herz jedes Udo-Jürgens-Fans höherschlagen. Präsentiert wird eine eindrucksvolle Auswahl seiner unsterblichen Klassiker: "Merci Cherie", "Ein ehrenwer-tes Haus", "Ich war noch niemals in New York", "Griechischer Wein", "Aber bitte mit Sahne", "Mit 66 Jah-ren", "Heute beginnt der Rest Deines Lebens", "Liebe ohne Leiden", "Das ist dein Tag", "Was wichtig ist", "Und immer wieder geht die Sonne auf" – und viele mehr…. Mit Mario Pecoraro konnte man für die Jubiläumsedition einen Künstler der Extraklasse gewinnen. Er stand bereits jahrelang mit musikalischen Größen wie die SEER und Rainhard Fendrich auf der Bühne. Der international tätige Pianist, Sänger, Songwriter und Komponist vermag mit seiner unvergleichlich ge-fühlvollen, warmen und zugleich elektrisierenden Stimme eine neue und nie gehörte Dimension der Leiden-schaft, der Freude und der Poesie in die unvergesslichen Hits von Udo Jürgens zu transportieren. Seine In-terpretation ist echt, sein Gesang authentisch. Sein virtuoses Spiel am Flügel ist von einer unerreichten Dy-namik, Kraft und Leichtigkeit. Ein Künstler, der sich aus seiner Seele heraus in die Herzen der Menschen singt. Er versucht nicht Udo Jürgens zu imitieren, sondern sein Werk respektvoll hochleben zu lassen – ganz nach dem Wunsch von Udo Jürgens: "Ich lass euch alles da!". Ein besonderer dramaturgischer Höhepunkt ist die erzählerische Begleitung durch die vielfach ausgezeich-nete Film- und Theaterschauspielerin Gabriela Benesch. Mit großer Sensibilität und feinem Humor lässt sie Udo Jürgens‘ Persönlichkeit lebendig werden, erzählt bewegende Anekdoten und gewährt anhand per-sönlicher Aufzeichnungen Einblicke in das Leben des Ausnahmekünstlers. Mit charmantem Feingefühl und meisterhaftem Können skizziert sie Situationen und Figuren so wahrhaftig, dass Udo Jürgens’ Leben – von der Jugend bis ins hohe Alter – greifbar nah am Publikum vorbeizieht, als wäre man selbst Teil seiner Ge-schichte. Natürlich dürfen auch ein paar "Schmankerl" und lustige Begebenheiten nicht fehlen, die Gabriela Benesch mit Udo Jürgens selbst erlebt hatte, denn sie ist dem großen Künstler mehrmals und auch in ganz privater Atmosphäre begegnet. Die Idee zur Show "UDO JÜRGENS STORY" entstand 2017 in enger Zusammenarbeit zwischen Gabriela Be-nesch und ihrem Mann, dem renommierten Regisseur, Schauspieler, Autor und Produzenten Erich Furrer. Gemeinsam entwickelten sie ein Bühnenformat, dass das Publikum von den Anfängen Udo Jürgens’ bis zu seinem späten künstlerischen Wirken begleitet und dabei tiefgehende Einblicke in seine Karriere, seine Wer-te und seine musikalische Vision ermöglicht. Erich Furrer, geboren in Wien und aufgewachsen in der Schweiz, studierte an der Hochschule für Musik und Theater in Bern. Er ist seit vielen Jahren international als Schauspieler, Regisseur, Comedian, Autor und Pro-duzent tätig. Neben zahlreichen Theaterproduktionen und preisgekrönten Schauspielarbeiten im In- und Ausland feierte er große Erfolge mit eigenen Musical-Produktionen, preisgekrönten Comedy-Programmen, sowie innovativen Neudichtungen klassischer Werke, unter anderem von William Shakespeare. "DIE UDO JÜRGENS STORY" ist weit mehr als eine Tribute-Show – sie ist eine berührende Hommage an ein Lebenswerk, das Generationen geprägt hat und ein unvergesslicher Abend voller Emotionen, Erinnerungen und musikalischer Höhepunkte! Ein Muss für alle Udo-Fans!

ABBA GOLD – the concert show kehrt 2026-27 zurück – mit einer Show, die unter die Haut geht. Unter dem Titel #emotion rückt die international erfolgreiche Produktion das in den Mittelpunkt, was die Musik von ABBA seit Jahrzehnten so einzigartig macht: ihre emotionale Kraft. Die Tour #emotion ist eine Hommage an die großen Gefühle, die ABBA-Songs in Millionen von Menschen auf der ganzen Welt auslösen. Es geht um Liebe, Sehnsucht, Freude, Hoffnung, Herzschmerz und Erinnerung – Emotionen, die zeitlos sind und Generationen verbinden. ABBA GOLD erzählt diese Gefühlswelt musikalisch und visuell neu und schafft ein Konzerterlebnis, das berührt, mitreißt und nachklingt. Musik, die bewegt Songs wie "The Winner Takes It All", "Chiquitita", "Knowing Me, Knowing You", "Slipping Through My Fingers", "One of Us" oder die unvergessliche "Dancing Queen" sind weit mehr als Welthits – sie sind emotionale Wegbegleiter. In der Tour #emotion werden diese Klassiker mit Feingefühl, Respekt vor dem Original und einer neuen dramaturgischen Tiefe auf die Bühne gebracht. Jeder Titel wird zu einem Kapitel einer gemeinsamen emotionalen Reise. Ein Erlebnis für alle Sinne Mit moderner Licht- und Bühnentechnik, eindrucksvollem visuellem Storytelling und einer Atmosphäre voller Nähe und Nostalgie wird #emotion mehr als ein Konzert. Die Show verbindet musikalische Präzision mit emotionaler Intensität und lässt Raum für Erinnerungen, Gänsehautmomente und gemeinsames Erleben. ABBA GOLD schafft eine besondere Verbindung zwischen Bühne und Publikum – ehrlich, warm und authentisch. Musik als verbindende Kraft Die Musik von ABBA kennt keine Altersgrenzen, keine kulturellen Unterschiede und keine Generationenfragen. #emotion richtet sich an langjährige Fans ebenso wie an jüngere Generationen, die die Magie dieser Songs neu entdecken. Es ist eine Einladung, gemeinsam zu fühlen, mitzusingen, zu tanzen – und sich für einen Abend von der Musik tragen zu lassen. ABBA GOLD – the concert show: #emotion 2026–27 Ein Konzerterlebnis, das zeigt, warum diese Musik bis heute Herzen berührt.

2027 hebt Masters of Dirt alles auf das nächste Level. Die FREESTYLE 100 TOUR steht für 100 % Einsatz, 100 Shows im Jahr und eine Produktion, die größer, lauter und spektakulärer wird als je zuvor. Über 50 internationale Top-Athlet:innen bringen die Halle zum Beben – mit den besten Tricks aus Freestyle Motocross, MTB, BMX, spektakulären Harley-Davidson-Stunts, Snowmobiles, Buggys, Quads, E-Bikes und den legendären Human Cannonballs. Dazu fette Beats, Pyro, Lichtshow und eine Energie, die man nicht erklären kann – man muss sie live erleben. 2027 ist außerdem ein besonderes Jahr: Masters of Dirt feiert Jubiläum – und das bedeutet eine Show mit maximaler Intensität und echtem Ausnahmezustand. Mehr Action. Mehr Adrenalin. Mehr Gänsehaut. Sichere dir jetzt deine Tickets und sei dabei, wenn Masters of Dirt 2027 Geschichte schreibt.

Im Jahr 2026 blickt die stilprägende britische Art-Punk-Band Fischer-Z um Songwriter, Perf-ormer und Multimedia-Künstler John Watts auf 50 Jahre Bandgeschichte zurück – und kündigt zugleich ein neues Studioalbum sowie eine umfangreiche weltweite Tournee an, die im Frühjahr und Herbst 2026 stattfinden wird. "Es ist kaum zu glauben, dass es schon fünfzig Jahre sind", sagt Watts. "Es war eine enorm intensive Reise – voller Höhen und Tiefen –, aber ich kann es kaum erwarten, dieses Jubiläum mit allen zu feiern. Auf viele weitere Jahre mit neuer Musik, Konzerten und Kunst." 2026 markiert einen prägenden Meilenstein – 50 Jahre Fischer-Z. Das neue Album "X-Ray Serenade" vereint kraftvolle neue Songs mit spannenden Neuinterpretationen einiger von Johns Lieblingsstücken aus früheren Jahren. Das Album erscheint am 4. September 2026 bei Cherry Red Records. März – Die erste Single "Strings" erscheint digital inklusive Audio-Release und Musikvideo. Eine limitierte Vinyl-Auflage ist vorgesehen September – Neues Album "X-Ray Serenade" und dritte Single "Labadabadaar": Audio-Release und Musikvideo digital. Das Album erscheint auf CD, Vinyl sowie als limitierte Sonderedition Herbst 2026 – Zusätzlich erscheint ein hochwertiges Jubiläumspaket zur Würdigung der bisherigen außergewöhnlichen Karriere. Dafür wird bislang unveröffentlichtes Archivmaterial zusammengeführt, das in einer sehr speziellen, streng limitierten Edition veröffentlicht wird. Der Fischer-Z-Podcast – John Watts hat 14 Podcast-Folgen mit dem renommierten Podcast-Host Martin Bull aufgenommen, die 2026 im Zwei-Wochen-Rhythmus veröffentlicht werden. Enthalten sind bislang unerzählte Geschichten zu Johns jeweiligem Lieblingssong auf jedem Album, ein spezielles Album-Special sowie Bonus-Episoden mit Gästen.

Das neue Album der »Dichtis« erscheint im Herbst 2026 und sorgt schon jetzt nicht nur für Gesprächsstoff, sondern gar für Empörung. Dort, wo sich die Einen nach Jahren des Wartens vor ausgelassener Freude in die Arme fallen, schlagen die Anderen schockiert die Hände über dem Kopf zusammen. Was ist da los? Nach ihrer Album-Trilogie in Mundart reißen Dutti & Urkwell die fabulöse Büchse der Pandora auf. Ob dieser Schritt unweigerlich im Verlust ihres Kult-Statuses mündet, oder sie sich neue Dimensionen im Dreieck Deutschland, Österreich und der Schweiz erschließen, wird sich zeigen wenn die Scheibe zu rotieren beginnt. Fortan kann somit nicht nurmehr der Nieder- oder Oberbayer, sondern selbst der Ost-Westphale oder der Süd-Nordfriese ein neues zu Hause in der subersiven Dichtis-Ironie finden. »dicht & ergreifend« verkaufen ihre Seele an den Mainstream und verlieren unweigerlich sämtliche Glaubwürdigkeit. So in etwa könnte im Feuilleton eine Schlagzeile lauten, aber auch folgende Interpretation wäre denkbar: Sprachgewaltig wie nie: »dicht & ergreifend« überwinden sprachliche Grenzen und gewinnen dabei sogar noch an Wucht und Wahrhaftigkeit. »Das Zweiländerdreieck« hat es faustdick hinter den Ohren, zumal es sich um das erste Konzeptalbum der »Dichtis« handelt und zugleich mal wieder mit einer inhaltlichen Gnackwatschn, pardon: einer hochdeutschen Genick-Schelle, zu rechnen ist. Die Hälfte der Songs kommt im vertrauten Dialekt, die andere Hälfte in Hochdeutsch. Was wie Identitätsverlust wirkt, entpuppt sich als Generalangriff auf blinde Traditionen und inkludiert endlich auch jene, die bisher nur zustimmend auf die Beats mitgenickt haben. Im Herbst 2026 springen die Dichtis ins eiskalte Wasser und gehen auf große Hallentour in Bayern und Österreich. Im Frühjahr 2027 folgt die intime Clubtour im 3er Set außerhalb der bayerischen Komfortzone durch den Norden Deutschlands. Ob sie dabei baden gehen oder Wellen schlagen, wird sich zeigen. Wenn das »zweisprachige« Konzeptalbum einschlägt, weitet sich das Dichtiversum möglicherweise auch außerhalb des Freistaates aus. Wenn die Scheibe floppt, werden sie wohl gnadenlos aus Bayern abgeschoben. Für die anti-lokalpatriotischen Wahlberliner wäre das so oder so eine runde Sache, oder besser gesagt eine jemähte Wiese, wa! VIVA LA FIELVALT!

The Glenn Miller Orchestra — Stiftung Mozarteum - Großer Saal. Termin: Mar 9 um 7:30 PM. Veranstaltungsort: Stiftung Mozarteum - Großer Saal, Salzburg, Austria.

Mit BORN TO BE CHILD präsentiert Alex Kristan nicht nur ein Kabarettprogramm, sondern ein Lebensgefühl. Und zwar eines, auf das wir im "Erwachsenenmodus" viel zu oft vergessen, weil die Stimme der Vernunft so laut ist. Der perfekte Grund für ihn, seinem Leitsatz "Vernünftig ist wie tot – nur vorher" unbeirrt weiter zu folgen. Alex Kristan weigert sich seit über fünfzig Jahren konsequent, erwachsen zu werden, und zieht es immer öfter vor, altersadäquat zu eskalieren. In Zeiten, in denen Menschen den eigenen Spiegel wegen Bodyshaming verklagen, hält er uns erst recht einen vor – und zeigt uns mit seiner ureigenen "Born-Identität", dass man darin trotz Verantwortung, To-do-Listen und gesellschaftlichen Normen auch mal Grimassen schneiden kann. Mit scharfem Blick und noch schärferem Schmäh seziert er die Absurditäten des modernen Erwachsenseins. Männer mit Frauen-Komplex, Silberfüchse mit Alterungs-Allergie oder der FitnessWahn vs. die Ich-bin-immer-schön-Lüge. Nicht zu vergessen das Nine-Eleven des Pensionssystems, auch "Rentenhausens Nightmare" genannt: der Longevity-Hype und die romantisierte Flucht "zurück zur Natur" in der Hoffnung, dass die dort vermeintlich heile Welt noch eine Weile hält. Erwachsen zu sein bedeutet für ihn nicht, Erwartungen zu erfüllen und im Zeitgeist zu funktionieren, sondern die Versprechen einzulösen, die man sich als Kind gegeben hat. Dieses Kind – und damit den Humor – in uns lebendig zu halten, ist für Alex Kristan das Allzweckmittel gegen den Ernst des Lebens. Alex Kristan und seine innere "Rotzpipn" erinnern als Dreamteam daran, dass das alles hier keine Generalprobe, sondern schon das eigentliche Hauptprogramm ist. Gemeinsam ziehen sie dazu ihrem Publikum wieder gehörig das Zwerchfell über die Ohren - mit Herz, Hirn und kindlicher Freude. BORN TO BE CHILD ist ein Notausgang aus dem Hamsterrad. Ein klassisches Alex-Kristan-Programm. Frech, verspielt, pointiert.

Gerhard Polt bietet einen unterhaltsamen "Bayerischen Abend" der besonderen Art, fernab von weiß-blauer Weißwurstidylle und Bierseligkeit. Der Menschenkenner Polt bespiegelt in seinem Panoptikum Bavaricum die Abgründe des "Bayern an sich", ohne ihn dem unreflektierten Gelächter des homo googleensis preiszugeben. Die drei Brüder Stofferl, Michael und Karl Well besingen Bayern und den Rest der Welt. Sie laden ein zu einem Ausflug in die Absurditäten der Alpenregionen zwischen Skilift, Alpinismo Tropical, Heimatverbrechen, Scheinheiligkeit und Betonisierung. Da trifft ein virtuos bespieltes Feuerwehrhaus auf bairischen Rap, herzergreifender Jodler auf rustikalbrachialen Tanz, alles in bewährter Tradition der Biermösl Blosn mit vertrauten musikalischen Klängen und satirisch- scharfen Texten im heimatlichen Dialekt. Gerhard Polt und die drei Wellbrüder machen sich jeden ihrer mittlerweile raren Auftritte zu einem Mordsgaudium für das Publikum und für sich selbst, weil bis man schaut, ist die Mass ausgetrunken, der Radi gegessen, der Schuhplattler getanzt, die Geschichte erzählt und der Jodler vorbei!

Der WAHNSINN geht auch 2027 weiter! "Wahnsinn – Die Show", die große Wolfgang Petry Geburtstagsparty geht in die Verlängerung. 2026 ist das Jahr, in dem Wolle seinen 75. Geburtstag feiert sowie sein 50. Bühnenjubiläum hätte! Wenngleich er nicht mehr selbst auf der Bühne steht, so haben seine Fans den größten Spaß, all seine Songs und Ohrwürmer zu feiern. "Wahnsinn – Die Show" – bietet nicht nur jede Menge Wolfgang Petry-Hits, sondern ist gleichzeitig eine atemberaubende Zeitreise, die bewegende Momente, unterhaltsame Geschichten und persönliche Anekdoten aus Wolfgang Petrys Karriere noch einmal aufleben lässt. Aufgrund der überwältigenden Nachfrage wird die Tournee "Wahnsinn – Die Show" in ihrer Jubiläumsedition im Frühjahr 2027 fortgesetzt: 15 neue Städte in Deutschland und Österreich stehen auf dem erweiterten Tourplan. Was Fans an dieser Show lieben: Den Stil eines echten Konzerterlebnisses. Zeitlich knüpft die Produktion an das legendäre Abschlusskonzert von Wolfgang Petrys umjubelter "Einfach Geil"-Tournee aus dem Jahr 1999 an und katapultiert den Zuschauer durch Videomaterial aus dieser Zeit mit Lichtgeschwindigkeit in sein Lebensgefühl von vor 20 Jahren zurück: Noch einmal diese Energie spüren, noch einmal all die Hits feiern, als gäbe es kein Morgen. Da die Musiklegende selbst schon lange nicht mehr live auftritt, soll den Fans damit dennoch die Möglichkeit gegeben werden, seine Hits in dieser Show nochmal mitsingen zu können. Das Publikum darf sich auf eine komplett neue Bühnenshow freuen, die eigens für diese Jubiläumstour ganz neue Maßstäbe setzen wird. Eine herausragende Band und großartige Solisten bringen das Petry Feeling authentisch auf die Bühne und werden voller Leidenschaft gemeinsam mit den Fans Wolfgang Petry’s Musik feiern.– mit all seinen Hits wie Verlieben, verloren, vergessen, verzeihen, Der Himmel brennt und natürlich auch Wahnsinn. Über 190.000 Besucher sahen die Show seit der ersten Tour 2022 und sind begeistert. Bekannt ist Wahnsinn – Die Show als größte Petry-Party aller Zeiten auch längst aus dem TV: Ob Florian Silbereisens Schlagerbooom, Das große Schlagerjubiläum oder auch Mega-Events wie Die Schlagernacht des Jahres oder Die große Schlagerstrandparty - in all diesen Formaten heizt die Wahnsinn-Crew mit ihren Solisten, Band und Tänzern den Zuschauern so richtig ein. Ein Muss für jeden Petry-Fan!

"BEAT IT! – Die Erfolgsshow über den King of Pop!" ist ein spektakuläres Live-Show-Erlebnis über den erfolgreichsten Entertainer aller Zeiten, dessen Musik für immer unvergessen bleiben wird. Die etwa zweistündige Hommage zeichnet in spektakulären Bildern Michael Jacksons unvergleichliche Solokarriere nach und präsentiert dabei live 20 seiner größten Hits wie "Billie Jean", "Smooth Criminal", "Thriller", "Man In The Mirror", "Black Or White" und natürlich "Beat It". "Das ist eine der besten Michael-Jackson-Shows, die ich jemals gesehen habe", schwärmte Michaels Bruder Jermaine Jackson direkt nach der Welturaufführung am 29. August 2018 im Theater am Potsdamer Platz in Berlin. Die Berliner Morgenpost titelte nach der Weltpremiere: "Es scheint fast so, als sei der King of Pop wieder auferstanden". Die Folge waren Rekordtourneen in den Jahren 2018 bis 2020 in Deutschland, Österreich und der Schweiz mit mehr als 250 Vorstellungen, die meisten davon restlos ausverkauft, und eine Welle der grenzenlosen Begeisterung bei Publikum und Presse, bevor die Tournee dann leider coronabedingt im März 2020 vorzeitig beendet werden musste. Und nun, sechs Jahre später, im Frühjahr 2026 kehrt der Mythos in einer Neufassung mit neuem Cast noch einmal zurück auf die Bühne. Mehr als 500 Millionen verkaufte Tonträger und über 200 restlos ausverkaufte Stadien auf seinen drei Solo-Welttourneen machten Michael Jackson zum größten und erfolgreichsten Pop-Star in der Musikgeschichte. Schon im Kindesalter, als Mitglied der legendären "Jackson 5", erlangte er Weltruhm – der endgültige Durchbruch gelang ihm spätestens mit der Veröffentlichung des bestverkauften Albums aller Zeiten: "Thriller". Auch 16 Jahre nach seinem Tod lebt Michael Jackson, der "King of Pop", in den Herzen seiner Millionen von Fans bis in alle Ewigkeiten weiter. Und "BEAT IT! – Die Erfolgsshow über den King of Pop!" lässt den Ausnahmekünstler in einer einzigartigen Bühnenshow wieder auferstehen. Mehr als 250.000 begeisterte Zuschauer, reihenweise restlos ausverkaufte Konzerthallen und ein Ritterschlag des Bruders können nicht lügen: Die Erfolgsshow von Musical-Produzent Oliver Forster sorgte Abend für Abend für Gänsehaut, nicht nur bei eingefleischten Michael Jackson-Fans. "BEAT IT!" ist ein perfekt durchchoreographiertes Bühnen-spektakel mit hervorragenden Tänzern, virtuosen Musikern und einem Hauptdarsteller, der so nahe am Original ist, dass den Besuchern regelmäßig der Atem stockt. Vom ersten Ton an springt der Funke über. Bei "BEAT IT!" hält es niemanden mehr auf den Sitzen. Zu groß ist der Bewegungsdrang, sobald sich Hauptdarsteller Garth Field seinen silbernen Glitzerhandschuh überstreift, den Hut zurechtrückt und in typischer Michael Jackson-Manier den Moonwalk zum Besten gibt. Es scheint fast so, als sei der 2009 verstorbene "King of Pop" auferstanden und nochmals für einen Abend auf die Bühne zurückgekehrt. Hauptdarsteller Garth Field: Ein Leben für die Kunst Der Südafrikaner wurde 1993 in Kapstadt geboren. Seine künstlerische Laufbahn begann bescheiden als Mitglied des Grundschulchors. Doch in seinen Teenagerjahren steigerte sich sein Engagement und lernte in seiner Ausbildung viele Facetten der darstellenden Kunst kennen. Er besuchte die Stage Performing Arts School and Theatre, wo er im zweiten Jahr ein Zertifikat in Darstellender Kunst erhielt und Jazz-, Step- und modernen Tanz studierte. Weitere Zertifikate in allen drei Disziplinen erhielt er von der renommierten Imperial Society of Teachers of Dancing in London. 2008 erweiterte er sein Repertoire und studierte Hip-Hop-Stile bei Kumari Singh am Temple of Hip Hop. 2012 erlangte er am New Africa Theatre ein NQF Level 5 in Darstellender Kunst. Garths Karriere nahm 2015 eine entscheidende Wende, als er seinen ersten internationalen Vertrag als Choreograf und Tänzer in der spanischen Produktion "This Is It – A Tribute to Michael Jackson" erhielt. In dieser Rolle blühte er auf – dies führte dazu, dass ihm im folgenden Jahr die Hauptrolle des "Michael Jackson" angeboten wurde. Schließlich wurde er Produktionsleiter und verbrachte seitdem jedes Jahr sechs Monate mit der Show in Spanien. Im Jahr 2023 wurde der renommierte Tribute-Produzent Johnny Van Grinsven auf seine Arbeit im Tribute-Bereich aufmerksam. Er besetzte seine langjährige Produktion "The Michael Jackson HIStory Show" neu und fand in Garth die perfekte Mischung aus Talent, jugendlicher Energie und Tatkraft. Er gab ihm die größte Rolle seines Lebens, erneut als Michael Jackson, diesmal jedoch in einer der größten internationalen Tribute-Shows der Branche. "Garth besitzt die seltene Kombination aus Gesangsgabe, Tanztalent, dem perfekten Aussehen und vor allem dem Antrieb und Ehrgeiz, dieser Rolle gerecht zu werden und stets daran zu arbeiten, der Beste im Geschäft zu sein, wie einst sein Idol. Ich bin daher sehr stolz, dass wir ihn für die Neuauflage von ‚BEAT IT!‘ als Erstbesetzung in der Hauptrolle als Michael gewinnen konnten", so Oliver Forster, der Produzent der Show. Die Zweitbesetzung ist kein geringerer als Dantanio Goodmann, der bereits von 2018 bis 2020 mit "BEAT IT!" auf Tour war und damals weltweit als "der beste Michael Jackson-Darsteller seit Michael Jackson" gehandelt wurde. "BEAT IT!" – Die Erfolgsshow mit Auszeichnung und Weltrekord Den "Ritterschlag" erhielten die Verantwortlichen von "BEAT IT!" im Jahr 2018 von Michael Jacksons Bruder. "Das ist eine der besten Michael Jackson-Shows, die ich jemals gesehen habe", schwärmte Jermaine Jackson direkt nach der Weltpremiere in Berlin am 29. August 2018, an dem Michael Jackson seinen 60. Geburtstag gefeiert hätte, auf der Bühne und war dabei sichtlich zu Tränen gerührt. Er gratulierte den Machern und dem gesamten Ensemble zu dieser Glanzleistung. Bereits am Vortag der gefeierten Premiere gelang dem Ensemble ein denkwürdiger Triumph: Zusammen mit dem bekannten Tänzer und Choreographen Detlef Soost stellte es einen Weltrekord auf – die mit 261 Tänzerinnen und Tänzern besetzte und bis zu diesem Zeitpunkt größte Michael Jackson-Choreographie-Tanzstunde! Für Soost, der seit über 30 Jahren als Juror, Choreograph, Moderator und Fitnessexperte im TV präsent ist, war die Mitwirkung im Kreativ-Team der Show eine Herzensangelegenheit: "Mit zwölf Jahren bin ich Michael Jackson-Fan geworden und durch ihn zum Tanzen und meiner Karriere gekommen. Nun abschließend Teil des künstlerischen Teams zu sein, das sein Vermächtnis auf die Bühne bringt, ist für mich mehr als eine Ehre!"

under the influence oder: die rückkehr der bakchen von NATALIE BAUDY Gewinnerin des Autor:innen-Wettbewerbs der Österreichischen Theaterallianz Uraufführung Koproduktion mit dem Theater KOSMOS Bregenz, den Bregenzer Festspielen und dem klagenfurter ensemble REGIE & BÜHNE Josef Krasanovsky VIDEO Dominika Kalcher Premiere: 3. April 2027, Saal Spieltermine: bis 22. April 2027 Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Eigentlich macht ihnen das Trinken schon lange keine Freude mehr. Sie gehen bis zum Limit, aber fühlen es nicht mehr, oder fühlen zu viel oder fühlen das Falsche, aber schon lang nicht mehr das, wonach sie suchen. Nach und nach decken sie gemeinsam die wahren Gründe für ihr Trinken auf und enthüllen ihren eigenen Alkoholkonsum als Umgangsmechanismus mit patriarchalen Strukturen. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysa die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

REMASSURI ist eine rund 85-minütige Inszenierung, die auf eine Reise durch die Wiener Musik von damals bis heute einlädt. Mit exzellenten Musikanten, Sängerinnen, Pantomimen, Schattenspielern und Lichteffekten. Mit den Neuen Wiener Concert Schrammeln, virtuosen Dudlerinnen und Sängern, Tanzsequenzen, Kasperl und Pezi, Schattenspielen und exzentrischen Beiträgen von MUMMENSCHANZ. Die Show basiert auf Ideen von André Heller, Ursula Strauss und Ernst Molden und blickt nach über 100 erfolgreichen Vorstellungen auf eine außergewöhnliche erste Spielphase zurück. Die Tournee 2026/2027 Nun beginnt ein neues Kapitel: Nach den erfolgreichen Stationen in Wien und München geht REMASSURI auf Tournee durch den deutschsprachigen Raum. Mehrere Gastspiele in österreichischen Bundesländern sowie besondere Aufführungsorte werden in den kommenden Monaten sukzessive bekannt gegeben. Die Produktion bleibt dabei ihrem künstlerischen Kern treu: Im Zentrum stehen die Neuen Wiener Concert Schrammeln, virtuose Dudlerinnen, herausragende Darstellerinnen und Darsteller sowie spektakuläre, poetische und bisweilen exzentrische Bildwelten – unter anderem mit Beiträgen des legendären Masken- und Bewegungstheaters MUMMENSCHANZ. André Heller über REMASSURI "REMASSURI ist für mich ein lebendiges Fest der Wiener Seele – verspielt, übermütig und voller Überraschungen. Alle künstlerisch Mitwirkenden sind eine Klasse für sich. Dass diese ungewöhnliche Karawane durch die Vielfalt unserer Musik nun weiterzieht und an neuen Orten auf Menschen trifft, freut mich ganz besonders. Jede Aufführung ist ein neues Heimspiel – wo immer sie stattfindet", sagt André Heller. REMASSURI setzt somit seine Reise fort – als lebendiges, vielstimmiges Panorama wienerischer Musikkultur, das Tradition und Gegenwart auf unverwechselbare Weise verbindet.

Team Scheisse holt dich aus der Krise – wer auch sonst? Wer sonst kann Diesel pissen und Dukaten kacken? Wer sonst brezelt dir den CDU-Feinstaub aus dem Gesicht? Wer sonst? Eben. Und was soll man sonst noch groß über sie sagen: Team Scheisse und ihr Schaffen sprechen seit Jahren für sich – und zwar lautstark. Nach dem selbstveröffentlichten Debüt „8 Hobbies für den sozialen Abstieg“ (2020) ging es jedenfalls steil bergauf fürs Team Scheisse (das seinem Namen in keinerlei Hinsicht gerecht wird). Mit ihrem unverwechselbaren Mix aus rotzigem Punk, pointierter Gesellschaftskritik und einer ordentlichen Portion Humor hat sich die Band in kürzester Zeit einen festen Platz in der deutschsprachigen Musiklandschaft erspielt. 2021 folgte prompt der Longplayer „Ich habe dir Blumen von der Tankstelle mitgebracht (jetzt wird geküsst)“, der nicht nur die Fanbase wachsen ließ, sondern ihnen 2022 auch den Preis für Popkultur als „Hoffnungsvollste Newcomer“ einbrachte. Dem Veröffentlichungsrhythmus treu bleibend und der eigenen künstlerischen Produktivität quasi verpflichtet, veröffentlichte die Band 2023 ihr drittes Studioalbum mit dem Titel „042124192799“. Im März 2025 folgte schließlich das vierte Album „20 Jahre Drehorgel“ – ein weiteres energiegeladenes Kapitel zwischen Chaos, Charme und klarer Kante. Auch live überzeugt Team Scheisse auf ganzer Linie: Ob als Support von Die Toten Hosen oder bei ihren eigenen Shows – die Band erspielt sich mit schweißtreibenden Auftritten und maximaler Nähe zum Publikum eine stetig wachsende Fangemeinde. Nach einem gefeierten Auftritt beim LIDO SOUNDS 2024, dem restlos ausverkauften Konzert in der Arena Wien (2024) sowie der bis auf den letzten Platz gefüllten Doppel-Show im Flex (2025) steht auch vor dem nächsten Österreich-Besuch eines außer Frage: Diese Band ist gekommen, um zu bleiben – laut, direkt und kompromisslos. Und so schlimm kann die Krise nicht sein, als dass uns Team Scheisse nicht raushelfen würde.

Output und Vielseitigkeit von Mira Lu Kovacs sind jenseitig. Seit 2013 erscheinen ein bis zwei Alben der vielfach preisgekrönten Sängerin, Singersongwriterin und Komponistin pro Jahr, plus x Kooperationen: Als Mastermind des Trios 'Schmieds Puls', als Stimme der avantgardistischen Supergroup '5K HD', an der Gitarre bei den Grunge Pop Senkrechtstarter*innen 'My Ugly Clementine', mit Clemens Wenger im 10köpfigen Ensemble und als Coverduo SAD SONGS TO CRY TO, als klangliche Corporate Designerin für das Wiener Belvedere Museum, Theatermusikerin (zuletzt DIE GRÖßERE HOFFNUNG) und und und. Mira Lu Kovacs wechselt fliegend die Rollen auf dem breiten Spektrum zwischen Pop, Hochkultur, experimenteller und elektronischer Musik. Mit WHAT ELSE CAN BREAK präsentierte die Ausnahmemusikerin 2021 das erste Album explizit unter ihrem Namen. 2024 folgte das zweite mit dem Titel PLEASE, SAVE YOURSELF. Virtuosität und Zauber an Instrument und Stimme, konterkariert von mitunter bis zum Anschlag ausgereizter Direktheit in den Erzählungen; der Mut mit einer gewissen Schrägheit den vorhandenen Pop-Appeal in die Zukunft zu ziehen, gekoppelt mit selbstbewusstem Auftreten und klarer Botschaft: Mira Lu Kovacs hat sich auf ihren Aufnahmen, auf und abseits der Bühne ein üppiges Häuschen mit Garten im Gedächtnis der musikinteressierten Öffentlichkeit eingerichtet.

CHRISTIAN STEIFFEN BRINGT "ICH KOMME! 2027"-TOUR NACH ÖSTERREICH VIER EXKLUSIVE SHOWS IN SALZBURG, GRAZ, WIEN UND LINZ Im April 2027 ist es soweit: Christian Steiffen, selbsternannter "Gott of Schlager" und "Arbeiter der Liebe", kehrt mit seiner gefeierten Live-Show nach Österreich zurück. Im Rahmen seiner "ICH KOMME! 2027"-Tour macht der charismatische Entertainer Halt in Salzburg, Graz, Wien sowie Linz und verspricht seinem Publikum unvergessliche Konzert-abende voller Humor, Energie und musikalischer Extraklasse. Christian Steiffen ist genau der Künstler, den wir in diesen herausfordernden und orientierungslosen Zeiten brauchen. Mit seinem beinahe übermenschlichen Selbstbewusstsein und seinem klaren Blick auf die Welt schenkt er Hoffnung, gibt Orientierung und kann Trost spenden. In seinen Texten nimmt er dabei kein Blatt vor den Mund - oft auch nicht, wenn es um ihn selbst geht. Mit Hymnen wie "Ich hab die ganze Nacht von mir geträumt", "Sexualverkehr" und "Eine Flasche Bier" hat er sich bereits zu Lebzeiten einen Platz in der Unsterblichkeit der Live-Bühnen erspielt. Ob in großen Konzerthallen oder unter freiem Himmel - jede Show von Christian Steiffen wird zum ausgelassenen Ereignis. Gemeinsam mit dem Original Haseland Orchester entfacht er ein musikalisches Feuerwerk aus eingängigen Melodien, pointierten Texten und mitreißender Bühnenpräsenz. Die einzigartige Mischung aus Witz, Entertainment und musikalischer Raffinesse sorgt für eine Atmosphäre, die lange nachhallt. Die stetig wachsende Fangemeinde weiß: Ein Abend mit Christian Steiffen ist weit mehr als ein Konzert. Die Chance, den "Gott of Schlager" live zu erleben, sollte man sich deshalb nicht entgehen lassen - denn eines ist sicher: Wo der Steiffen ist, da ist Party!

Konfliktlöser Körpersprache Menschen lesen Wirkung verstehen Unterhaltung erleben Streit mit dem Partner, Hickhack mit der Kollegin, Eskalation im Straßenverkehr - kaum ein Tag vergeht ohne nervenaufreibende Konflikte. Dabei zeigen Studien: Die meisten Streitereien entstehen aus Nichtigkeiten. Auslöser ist fast immer die Körpersprache - und zugleich das früheste Warnsignal dafür, dass sich ein Konflikt anbahnt. Ein arroganter Blick, das überhebliche Kinn oder aggressives Starren lassen Worte plötzlich nach Krach riechen. Das nimmt Dynamit-Doris natürlich zum Anlass, sofort ihre verbalen Torpedos abzufeuern, während Stuhlkreis-Susanne mit ihrem "Wir müssen reden" jeden Konflikt erst richtig anheizt. Die aalglatte Körpersprache von Durchzug-Dieter wiederum verrät nur eines: "Ich ignoriere dich und deine Gefühle." So wird aus einer Kleinigkeit schnell eine emotionale Verletzung, die lange nachwirkt und sogar Beziehungen zerstören kann. Der Körpersprache-Experte Stefan Verra zeigt mit viel Sprachwitz, schauspielerischem Talent und wissenschaftlichem Know-how, woran Sie einen Konflikt erkennen, bevor er eskaliert. Mit viel Selbstironie demonstriert er außerdem, warum "Lass uns mal sachlich bleiben!" garantiert niemals funktioniert. Am Ende der Show werden Sie kleinste Signale Ihres Gegenübers entschlüsseln können - und wissen, mit welcher Mimik und Gestik sich eine Eskalation gekonnt entschärfen lässt. Familienfeiern, Meetings und Urlaube mit dem Partner werden damit wieder das, was sie sein sollen: harmonisch. Wie immer beim Körpersprecher gilt: Am Ende wissen Sie nicht, ob Sie mehr gelacht oder mehr gelernt haben.

Thommy Ten & Amélie van Tass zählen zu den berühmtesten Magiern der Gegenwart! Zuletzt schrieben sie einmal mehr Geschichte: Als erste Österreicher standen sie für 500 Shows am weltberühmten Strip in Las Vegas auf der Bühne und begeisterten mit ihrer grandiosen Performance ein Millionenpublikum. Diese unglaubliche Erfahrung in der Hauptstadt des Entertainments sowie die Zusammenarbeit mit den besten Köpfen der internationalen Entertainmentbranche haben die beiden Weltmeister der Magie zu einer komplett neuen Show inspiriert: Ladies & Gentlemen, erleben Sie 2024, direkt aus Las Vegas, die neue Show von Thommy Ten & Amélie van Tass „Dreifach zauberhaft – Die Las Vegas Show“. Noch atemberaubender. Noch fantastischer. Noch magischer! Nach dem unglaublichen Erfolg von „Einfach zauberhaft“ und „Zweifach zauberhaft“ feiern die beiden Künstler mit dieser neuen Produktion das Finale ihrer furiosen Trilogie. Die Show verspricht ein komplett neues Programm für die gesamte Familie mit einer Fülle von noch nie zuvor gesehenen, spektakulären Mentalmagie-Highlights sowie schier unglaublichen Illusionen. Die größte Mentalmagie-Show der Welt Die Show, die 2024 Premiere feiert, ist das Ergebnis von über 500 Shows in Las Vegas und einer ausverkauften Tour durch Nordamerika. Die Zuschauer erwartet die größte Mentalmagie-Show der Welt, direkt aus Las Vegas! Das kreative Team der Show, das eng mit den Ausnahme-Künstlern zusammenarbeitet, kann sich sehen lassen: Von der Kostüm-Designerin von Lady Gaga über den Regisseur von America‘s Got Talent bis hin zu Designern des Cirque de Soleil findet man hier die kreativsten Köpfe aus Las Vegas vereint! Die speziell angefertigte Bühne mit einem Laufsteg direkt ins Publikum sowie die neueste Video- und Lichttechnik machen die Show auch visuell zu einem absoluten Highlight und versprechen beste Sicht von allen Plätzen! Neben Thommy Ten und Amélie van Tass wird auch ihr talentierter Hund, Mr. Koni Hundini, wieder auf der Bühne zu sehen sein und viele neue magische Momente zaubern. Unter anderem wird Koni die Gedanken eines Zusehers lesen, seine Outfits im Bruchteil einer Sekunde wechseln und zeigen, welche neuen Kunststücke er in Las Vegas gelernt hat. Die beiden Weltmeister der Mentalmagie zeigen, wie sie es geschafft haben, von Österreich aus zu Stars in Las Vegas zu werden und wie sie auf zauberhafte Weise jede Hürde überwunden haben. Die faszinierende Storyline ist nicht nur magisch, sondern wird auch das gesamte Publikum inspirieren und einbinden. Vor allem Amélie wird zeigen, wie man auf zauberhafte Weise mit viel Feingefühl das Unmögliche möglich macht! Thommy wird ganz besondere magische Momente, direkt im Publikum, präsentieren! „Wir haben Las Vegas über die letzten zwei Jahre lieben gelernt und es ist zu unserem zweiten Zuhause geworden. Wir leben hier während unseren US-Auftritten und haben uns letztes Jahr standesgemäß auch hier das Ja-Wort gegeben. Ein Teil der berühmtesten Unterhaltungsmetropole der Welt zu sein, wo die größten und berühmtesten Künstler jedes Genres auftreten, ist nicht nur eine enorme Ehre, sondern auch eine wahre Inspiration. Hier ist auch unser neues Programm ‚Dreifach zauberhaft – Die Las Vegas-Show‘ entstanden. Wir können es kaum erwarten unsere magische Welt direkt aus Las Vegas nach Österreich zu bringen!“, so Thommy und Amélie. „Dreifach zauberhaft – Die Las Vegas Show“ ist das bisher größte Meisterstück von Thommy Ten und Amélie van Tass. Mit ihrer außergewöhnlichen Mentalmagie, den eigens für die Show kreierten Illusionen sowie der beeindruckenden Inszenierung werden die beiden einmal mehr neue Maßstäbe setzen und beweisen, warum sie zu den berühmtesten und erfolgreichsten Magiern der Welt zählen.

Als Anfang März 2020 im Rockhouse Salzburg die letzten Akkorde des Rock-&-Blues-Power-Konzerts verklangen, ahnte niemand, wie lange Stille über der Bühne liegen würde. Nun aber dürfen sich die Freunde dieses musikalischen Fixsterns auf ein Wiederhören freuen: Am Samstag, dem 24. April 2027, öffnet das Rockhouse erneut seine Türen für ein besonderes Konzert – getragen von über 40 Musikerinnen und Musikern, die sich anlässlich des 60-jährigen Jubiläums von Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band zu einem Charity-Abend zugunsten der „Roten Nasen“ zusammenfinden. Das Line-up liest sich wie ein Who’s who der regionalen Musikszene: Der Gitarrist Cecilio Perera, die Formation Magic Brew, Pianist Mario Balzi, The BlueBeats, Stootsie & Friends, Stimmen des Kinderchors des Landestheaters, Sitar-Spieler Johannes Wieland, Trompeter Peter Freund, die Sängerinnen und Sänger Tanja Mazurek, Mike Fink und Arno Briggmann, Flötist Oliver Kraft, Keyboarder Markus Marageter sowie die Schlagzeuger Peter Angerer und Peter Bachmayer – und viele weitere Künstler, die den Abend zum klingenden Fest machen werden. Auf dem Programm stehen Perlen aus dem Beatles-Jahr 1967, allen voran natürlich sämtliche Titel des legendären Sgt. Pepper-Albums, jenes Meilensteins, der einst die Popwelt neu vermessen hat und nun zu neuem Leben erweckt wird. The Blue Beats (AT) Cecilio Perera Stootsie (AT)

KEINER HAT GESAGT, DASS DU AUSZIEHEN SOLLST von NICK HORNBY, Deutsch von INGO HERZKE REGIE Alexander Kratzer BÜHNE & KOSTÜME Thomas Garvie & Katia Bottegal Premiere: 29. April 2027, Studio Spieltermine: bis 26. Juni 2027 Louise und Tom sind seit vielen Jahren verheiratet, doch nun stehen sie an einem Wendepunkt: Louise ist fremdgegangen und Tom ist ausgezogen. Nach zwei Kindern, zwischen Alltag und unausgesprochenen Erwartungen, ist ihre Beziehung aus dem Gleichgewicht geraten. Aber die beiden wollen ihre Ehe nicht kampflos aufgeben. Also beginnen sie eine Paartherapie – und treffen sich davor Woche für Woche in einem Pub gegenüber. Zehn Mal in zehn Wochen versuchen sie bei einem Drink, sich auf die Sitzungen vorzubereiten – oder ihnen zuvorzukommen. Sie reden über Fortschritte und Rückschritte, verlieren sich in gemeinsamen Erinnerungen, beobachten die anderen Gäste und geraten dabei immer wieder in hitzige, oft überraschend witzige Wortgefechte. Was lange verdrängt wurde, kommt Stück für Stück wieder zum Vorschein: Verletzungen, Kränkungen, kleine Missverständnisse und große Fragen. Doch zwischen Vorwürfen und Ironie blitzt immer wieder etwas auf, das sie verbindet.

Özcan Cosar ist 2026 mit seiner neuen Show auf großer Tour: "VIP" - Comedy, die unterhält und nachhallt. Hier geht er der Frage nach: "Wer ist hier eigentlich wichtig?!" In "VIP" rechnet Özcan humorvoll und gleichsam scharfzüngig mit dem absurden VIP-Kult ab. Der Lieblingsschwabe aller Herzen zeigt, wer in Wahrheit wirklich wichtig ist. Die Menschen, die nie im Rampenlicht stehen. "VIP" steht für ein Leben im Rampenlicht: exklusive Partys, First-Class-Flüge, Bodyguards am Frühstücksbuffet – zumindest in der Vorstellung vieler. Özcan Cosar weiß es besser. Mit "VIP" nimmt Özcan das Konzept von "Very Important Person" humorvoll auseinander. VIP: "Very Irritierende Prominenz". Als Comedian steht er seit Jahren auf den größten Bühnen des Landes, doch in seiner neuen Show zeigt er: Hinter der Fassade von Blitzlicht und Applaus sieht es oft ziemlich normal – oder ziemlich absurd – aus. Wer entscheidet eigentlich, wer wichtig ist? Und warum benehmen sich manche Leute, als wären sie es, obwohl sie es einfach nicht sind? Gleichzeitig lenkt er den Blick auf die wahren Stars des Alltags – Menschen, die nie auf roten Teppichen stehen, aber das Fundament unseres Zusammenlebens bilden: Erzieherinnen, Altenpfleger, Eltern, Paketboten, Notärztinnen – echte Held*innen im Schatten der Selfie-Scheinwerfer. Natürlich bleibt Özcan dabei Özcan: Intelligent, ironisch, charmant und mit seinem unverkennbaren Mix aus Comedy, Schauspiel und Tanz auf der Bühne. "VIP" - Stand-up mit Herz, Witz und Haltung.

Nach drei Jahren Bühnenpause: Hubert von Goisern kündigt Tour 2027 an – ein offenes musikalisches Feld zwischen Ausblicken und Rückblicken. Laut und leise. Ob zu laut oder zu leise, ist eine Frage, die er dem Publikum stellt. "Zu laut? Wirklich? Ich mach mir darüber keine Gedanken. Mich interessiert eher, wo diese Grenze beim Publikum liegt." "Ich geh in jedes Konzert mit einer Neugier hinein, was an dem Abend überhaupt passiert – mindestens so neugierig wie das Publikum." Wenn Hubert von Goisern 2027 wieder auf Tour geht, werden drei Jahre vergangen sein, seit er zuletzt im Konzertformat vor Publikum gestanden ist. Still war er in dieser Zeit allerdings nie. Im Rahmen der Kulturhauptstadt 2024 war Goisern einen ganzen Sommer lang auf der Straße unterwegs – mit spontanen, kurzfristig angekündigten Konzerten, mit wechselnden Gästen und Besetzungen. Musikalische Begegnungen, die sich jeder Planung entzogen. Die Straße schuf Nähe und eröffnete eine neue künstlerische Freiheit. "Ich war nie weg. Ich war draußen, auf der Straße, hab gespielt – mit wem es sich ergeben hat. Ich hab Leute eingeladen, wer Zeit gehabt hat, war dabei. Mit ständig wechselnden Situationen umgehen zu lernen, war Herausforderung und Bereicherung zugleich. Wir haben rund 50 Konzerte gespielt. Das war kein Urlaub – es war besser als Urlaub." Vieles von dem, was 2024 entstanden ist, wird weiterwirken – nicht als Konzept, sondern als Haltung. Hubert von Goisern war immer ein Künstler, der sich dem Erwartbaren entzogen hat. Seine Musik bewegt sich zwischen Tradition und Innovation, zwischen leisen Momenten und radikalen Brüchen. Sein Stil war nie statisch – sondern immer im Fluss. "Eigentlich bin ich schon jemand, der sich auf alles genau vorbereitet. Aber da ging’s ums Experimentieren, ums Sich-Überraschen-Lassen. Der Reiz liegt für mich im Zusammenspiel, darin, Dinge zu verbinden, die vielleicht gar nicht zusammengehören. Ich hab mich nie wiederholt – warum sollte ich jetzt damit anfangen?" Die neue Tour wird genau dort ansetzen: nicht als Reproduktion bestehender Programme, sondern als offenes musikalisches Feld, in dem sich Dinge entwickeln dürfen. Laut und leise – auch als unterschiedliche musikalische Zugänge, die sich durch die Tour ziehen werden. "Ich weiß, dass sich manche freuen würden, wenn ich einfach nur vertraute Lieder spielen würde. Aber ich habe genug damit zu tun, meine eigenen Erwartungen zu erfüllen. Außerdem gibt es auch jene, die enttäuscht wären, fiele mir nichts Neues ein." Die Zeit als leiser Begleiter "Heast as nit, wia die Zeit vergeht …?" Gibt es etwas Vergänglicheres als die Musik? Sie ist so flüchtig wie die Zeit selbst. Ohren auf und hinhören

Max Raabe & Palast Orchester präsentieren 2027 ein neues Konzertprogramm! Max Raabe schreibt bereits mit seinen bewährten Ko-Komponisten an neuen Liedern, die - ähnlich wie "Guten Tag liebes Glück" und "Es wird wieder gut" - Hoffnung geben und "Ans Herz gehen". Zusammen mit dem zeitlosen 20er Jahre Repertoire des Palast Orchesters wird ein fulminant unterhaltsames Programm entstehen, moderiert von Max Raabe mit gewohnt seriös vorgetragenem Unsinn.

SCHMITZMÄN Wir leben in einer Welt, in der die Toaster inzwischen smarter sind als wir, in der wir joggen gehen, um unsere Fitnessarmbänder nicht zu enttäuschen, und in der wir zur KI netter sind als zu unseren Liebsten! Kurz: Ja, wir sind alle herrlich verrückt geworden! Nur: Wie soll man daraus noch Comedy machen, wenn selbst die Realität schon absurder ist als jeder Witz? Um diesen neuen Wahnsinn noch zu toppen, braucht es einen echten Superhelden. Und der kommt jetzt: Wenn sich der Vorhang hebt und der Spot auf ihn fällt, wird aus Ralf Schmitz: SCHMITZMÄN! Der letzte seiner Art. Er rast über die Bühne mit der Geschwindigkeit von Flash. Seine Pointen schlagen ein wie der Hammer von Thor. Mit dem Röntgenblick von Superman schaut er den Menschen in die Seele und weiß sofort, was sie wollen - und er gibt ihnen genau das! Mit seiner ultimativen Superkraft: SCHMITZMÄN bringt Menschen zum Lachen! Und er weiß: Mit großer Macht kommt auch große Verantwortung. Darum macht er weiter, wo andere längst kapituliert hätten - Superhelden kündigen nicht! Spielerisch krümmt er Raum und Zeit. Ein Abend mit SCHMITZMÄN vergeht so rasend schnell, dass man sich hinterher nur fragt: "Was war das? Ist das gerade wirklich passiert? Und warum bin ich so glücklich, obwohl mein Bauch so wehtut?" Die Antwort: SCHMITZMÄN ist passiert! Mit Tempo, Herz und vollem Körpereinsatz nimmt er uns mit auf einen Parabelflug an die Grenze des Wahnsinns. Das Ergebnis: ein Abend voll echter Schwerelosigkeit - mit Ralf Schmitz auf nie dagewesener Flughöhe! In seinem neuen Programm geht er wieder genau dorthin, wo er am stärksten ist: mitten in unseren Alltag, mitten in unsere Leben, mitten in unsere Köpfe. Wie kein Zweiter vereint Ralf Schmitz Stand-Up, Impro-Comedy und Publikumsinteraktion live zu einem Festival der guten Laune, das wirklich nur ein echter SCHMITZMÄN auf die Bühne bringen kann. Liebevoll nimmt er seine Superhelden-Kollegen der Filmgeschichte aufs Korn, zappt durch ihre größten Macken und Missgeschicke und landet damit immer wieder direkt bei uns. Denn Ralf weiß: Die echten Superhelden sitzen genau vor ihm - im Publikum! Ob Krankenschwester, Busfahrer oder hoffnungslos übernächtigte Eltern - er mischt sich unter sie und feiert sie, wie sie es verdient haben. Genau da spielt Ralf seine größte Stärke aus: SCHMITZMÄN ist einer von uns. Er mag unsere Macken, er kennt unsere liebenswürdigen Eigenheiten und wie ein wahrer Superheld verwandelt er unser Chaos in ein echtes Happy End! Und am Ende erkennen wir dank SCHMITZMÄN: Solange wir zusammen lachen können sind wir vielleicht immer noch nicht zu retten - aber noch lange nicht verloren! Danke, SCHMITZMÄN!

Johann König, die depressive Stimmungskanone aus Köln, geht 2027 wieder auf Tournee. Und zwar hoffnungsvoller, heiterer und heißblütiger als je zuvor! Seine neue Live-Show ist ein ungeschminktes Abbild seiner häuslichen Situation -und wir wissen: Johann kommt aus schwierigen Verhältnissen. Kater Hekto-Pascal leidet an Übergewicht, seine Frau an einer Hungerunverträglichkeit - und alle drei Kinder sind noch immer im schulpflichtigen Alter. Doch der König unter den Johanns versteht es meisterlich, den anfallenden familiären Irrsinn umzumünzen. Umzumünzen ins Gegenteil. In weise, wahnwitzige und wundervolle Wortwellen. In leuchtende Lieder und goldige Gedichte. Seine Methode ist dabei kein Geheimnis. Wie der Blitz reibt dieser Glückspilz Witz und Grips aneinander und entfacht so ein donnerndes Synapsenfeuerwerk, das noch Tage später zuckt und Funken schlägt. Dabei kommen ihm seine hingebungsvolle Bescheidenheit und die selbstlose Aufopferung für sein Publikum zugute. Statt selbst auf den Thron hinauf, setzt er dem Spaß die Krone auf. What auch ever. Johann Königs Humor ist wie Sprühsahne auf einem frischgezapften Pils. Irgendwie tückisch, aber immer lustig. Und jeder kann sich wie ein König fühlen - wie genau erfahren Sie in "Heute ein König".

Ein harmloser Kinderwitz hat Lisa Eckhart um Haus und Hof, Familie und Fans gebracht. Sie hat nichts mehr zu verlieren. Nicht einmal den Verstand. Jetzt kann sie mehr denn je tun und sagen, was sie will. Sie muss es sogar. Denn auch ein schlechter Ruf verpflichtet.

Andrea Berg kehrt nach ihrer gefeierten "Party, Hits, Emotionen"-Tour im Herbst 2027 erneut auf die großen Bühnen zurück. Die Ausnahmekünstlerin kündigt eine neue, riesige Arenatour durch 24 Städte in Deutschland, Österreich und der Schweiz an - und verspricht ihren Fans ein spektakuläres, emotionales und unvergessliches Live-Erlebnis. Die Tournee 2025 war für Andrea Berg ein voller Erfolg: Über 21 Städte in Deutschland, Österreich und der Schweiz standen dabei auf dem Tourplan. Die Nähe zu ihrem Publikum, emotionale Höhepunkte und aufwendige Inszenierungen wurden von Medien und Fans gleichermaßen als "mitreißend, persönlich und fulminant" bejubelt. In zahlreichen Artikeln und Beiträgen wurde vor allem die besondere Intensität der Shows hervorgehoben - eine Künstlerin, die nahbar bleibt und gleichzeitig hochmoderne Showelemente auf die Bühne bringt. Ein echtes Highlight der Shows waren eindrucksvolle Kostümwechsel, welche die Inszenierung der einzelnen musikalischen Kapitel stilvoll unterstrichen. Von glamourös bis country-like, von romantisch bis dramatisch - jedes Outfit erzählte dabei seine ganz eigene Geschichte und verlieh dem Abend zusätzliche visuelle Tiefe. Nach dem letzten Konzert zeigte sich Andrea Berg tief bewegt: "Die Verbindung mit meinem Publikum war so intensiv wie nie zuvor. Das hat mich unglaublich berührt." Für die Sängerin war schnell klar, dass sie an diese besondere Energie anknüpfen möchte, und zwar mit einer neuen Tour, die im Herbst 2027 stattfinden wird. Die neue Arenatour soll alle bisherigen Maßstäbe übertreffen. Geplant ist eine spektakuläre Liveshow mit neuem Bühnenkonzept, beeindruckender visueller Inszenierung und der bewährten Mischung aus Emotion, Nähe und musikalischer Kraft. Die Fans dürfen sich dabei auf neue Songs sowie alle Superhits der Ausnahmekünstlerin freuen. Die Produktion bleibt auf höchstem Niveau - mit Liveband, Tänzern, Kostümwechseln und einem Konzept, das sowohl intime Momente als auch große Showbilder ermöglicht. Eines ist sicher: Wenn Andrea Berg 2027 erneut die Arenen betritt, erwartet das Publikum ein hochemotionaler Abend voller Musik, Leidenschaft und unvergesslicher Momente.