Mature Audiences Recommended. By purchasing tickets to this event, you agree to abide by the health and safety measures in effect at the time of the event. Government mandates, venue protocols, and event requirements are subject to change. For more information, please search your event on www.radiocity.com. This event may have immersive elements, which may include flashing or strobe lights, intense lighting, visual effects, loud noises, smoke and/or fog. Such a elements may aggravate certain medical or physical conditions, and guests should take this into consideration if they have a history of discomfort or physical symptoms when experiencing these elements.

A Dream (Role) Come True Hosted By Julie Biancheri $20.00 cover charge and a $20 Minimum (must include 2 drinks) per person CASH ONLY Food Menu Available Seating from 7:15pm Approximate running time: 65 minutes

Be part of history, celebrating 50 years of Comedy at the World Comic Strip! Comedians from, HBO, The Tonight Show, SNL & More ~

Nothing says downtown NYC like a microphone, a stool, a brick wall and a comedian. Stand up comedy has been a staple of Village nightlife for decades! The newly expanded New York Comedy Club is proud to join the thriving arts and entertainment scene in the East Village, building on our strong presence at our flagship location in Gramercy.

Saturday Prime Time Comedy!FEATURING SPECIAL GUEST COMEDIANS...(Lineup coming soon) Saturday Prime Time Comedy!FEATURING SPECIAL GUEST COMEDIANS...(Lineup coming soon)

A professional Showcase featuring comics from Netflix, Showtime, HBO, The Daily Show, The Tonight Show, Late Night, The Late Show, The Late Late Show & various TV shows and films. IMPORTANT SEATING NOTE: All tables are shared. If you prefer not to be seated with another party, you will need to purchase all of the seats at that table. Doors open 30 Minutes prior to showtime There is a 2 beverage minimum per person All sales are final Lineups are subject to change

Saturday Night Comedy in Brooklyn featuring a rotating series of NYC's best comics. Arrive 30 mins before showtime as seating is on a first-come basis. Those arriving late are not guaranteed seats; as we begin seating standby customers. If reservations are missed; tickets may be used another time without penalty. There is a 2-drink minimum for all shows. LINE-UPS SUBJECT TO CHANGE. If you're coming to see a specific performer; please note they might not be in the lineup. Rosters are current at time of posting, but may get switched around as comics sometimes cancel last minute. Therefore, tickets are for a comedy show, not for any specific performer. All ages welcome. Shows may contain adult content but there are no age restrictions for admission.

DOORS: 8:15 SHOW: 8:30 BCC PIG PEN What do you do when the world feels crazy? Turn to clown! The Clown Revue is a monthly showcase featuring pieces by seasoned New York clowns (and beloved BCC clown teachers) Chris Manley, Jeff Seal and Tallie Medel alongside turns from BCC’s highly talented clown students. New to Clown Revue, an audience member will be chosen to present their own clown piece! Line-Up: Chris Manley @chrismanley Jeff Seal @jeffoseal Tallie Medel Tickets: $10 in Advance / $15 Day-of Show Fine Print: Must be 18+ to attend. No alcohol is allowed in the space. There are 35 seats - first come, first serve - and then standing room up to capacity. All ticket sales are final - no refunds. If you must miss your show, email us at info@brooklyncc.com with at least 24 hours notice and we can transfer your tickets to any upcoming show at the BCC. Answers to most other questions can be found here. If show is sold out, limited tickets will be available at the door. Lineup is subject to change.

Waddle down to one of the funniest stand-up comedy showcases this side of the pond! Enjoy comedy, characters, music, and more! And stay till the end to win a free raffle for a duck-themed gift basket!

Follow us into the seductive world of Lust Caution, a captivating erotic cabaret that beckons you to chase thrills at every tantalizing turn. As the lights dim, find yourself among the whispered tales and sordid characters of a neo-noir fantasy, featuring a rotating cast of nightlife luminaries performing live burlesque, aerial, cirque, sideshow and ritual theater. Never see the same show twice - each show features a new lineup! 8:30pm Doors / 9:00pm Show 2 Drink Minimum per person at tables. 21+ ID Required. All Sales Final.

The weekend peaks late Saturday — and so do the laughs. Our 8:30 PM show is where the comics go all out, the crowd is loose, and the night takes on that anything-can-happen vibe. End your Saturday with a bang and plenty of laughs.

THE OFFICIAL SPRING KICK OFF!

Get the authentic NYC stand up comedy experience at New York Comedy Club! Enjoy a nightly showcase of the best comedians in the city, hot up-and-comers, plus hotshot celebrity drop ins, national and international touring comics and more surprises!

Fera is the latest album from Egyptian composer and multi-instrumentalist Maurice Louca.

Jacqueline Novak is a touring comedian/writer. Her solo show Get On Your Knees sold out major NY runs, toured the US & beyond, & is now streaming on Netflix. Directed by Natasha Lyonne & praised by critics, the special was Emmy nominated. Her podcast w/ Kate Berlant, Poog, was meanwhile named 1 of TIME's Top 10 Podcasts of the Year & Best of 2025 by NYT. Her memoir How to Weep in Public: Feeble Offerings on Depression from One Who Knows celebrates its 10th anniversary this year. IG: @jacnov.Door Time: 6:00pm (front bar opens @ 5pm).Show Time: 7:00pm.21 & over w/ valid, government-issued photo ID. *This event is General Admission standing & seating. Seating is 1st come 1st served & not guaranteed. Arrive early for best selection. *If you have an accessibility request, please email thebellhouse@livenation.com prior. *No outside food/drink.$.25 per each ticket sold for a majority of events at The Bell House benefits Comedy Gives Back. IG: @comedy

Prime Time Comedy!FEATURING SPECIAL GUEST COMEDIANS...(Lineup coming soon) Prime Time Comedy!FEATURING SPECIAL GUEST COMEDIANS...(Lineup coming soon)

Under 16 must be accompanied by a parent or legal guardian. Comedians from Netflix, HBO, Tonight Show, SNL & More!

An improv comedy show for anyone who's ever been ghosted! Did that last situationship leave you feeling like an April Fool? Honestly, same. Good thing there’s a comedy show literally made for this: **Ghost Stories: April Fools Special** at UCB. First, a stand-up shares a hilarious tale of getting ghosted - this month it's Meredith Dietz (The Onion, Reductress). Then a team of the city's best improvisers performs an on-the-spot séance to commune with the ghoster and reval where they went — and why. The best part: audience members can share their OWN ghost stories and get closure via improv magic. It’s cheaper than therapy and way more fun.

The weekend peaks late Saturday — and so do the laughs. Our 10:30 PM show is where the comics go all out, the crowd is loose, and the night takes on that anything-can-happen vibe. End your Saturday with a bang and plenty of laughs. Featured Comedians TBD

Nothing says downtown NYC like a microphone, a stool, a brick wall and a comedian. Stand up comedy has been a staple of Village nightlife for decades! The newly expanded New York Comedy Club is proud to join the thriving arts and entertainment scene in the East Village, building on our strong presence at our flagship location in Gramercy. Every show is packed with comics you know or should! Your favorite podcast stars (Guys We Fucked, Legion of Skanks, Tuesdays With Stories), SiriusXM personalities (Jay Oakerson, Dan Soder, Andy Fiori, Shuli Egar), TV stars (Judah Friedlander, Rell Battle, Andrew Schulz, Carly Aquilino), Late Night personalities (Rory Albanese, Mike Yard, Ricky Velez, Jena Friedman, Josh Gondelman), plus hot young talent about to burst onto the scene.

A professional Showcase featuring comics from Netflix, Showtime, HBO, The Daily Show, The Tonight Show, Late Night, The Late Show, The Late Late Show & various TV shows and films. IMPORTANT SEATING NOTE: All tables are shared. If you prefer not to be seated with another party, you will need to purchase all of the seats at that table. Doors open 30 Minutes prior to showtime There is a 2 beverage minimum per person All sales are final Lineups are subject to change

Shibuya After Dark invites you into a glittering Tokyo fever dream of neon streets, late-night melodies, and electric pop nostalgia. For one night, The Red Pavilion becomes an after-hours fantasia of anime themes, city pop classics, and J-pop anthems, performed live by Akari Village. Ranging from Japanese city pop tunes like "Stay With Me" and "Plastic Love", to top J-POP anime hits like "TANK!" (Cowboy Bebop), "Blue Bird" (Naruto) and "Evangelion Theme" (Neon Genesis), you can hear the most popular songs in Japanese music history - dreamy, stylish, playful, wistful, and alive. Think glowing signs, youth in motion, melodies you half-remember from another life, and the feeling of missing the last train on purpose. Follow the band on instagram and check out their Youtube channel @Akari__Village! Doors 10:45pm / Show 11:00pm-12:30am. Walk-ins welcome. 2 Drink Minimum per person for table service. 21+ ID Required. All Sales Final.

Der Brauchtumsverein Tallach lädt zum traditionellen Osterschießen ein.

We bring the best undiscovered and established talent to the stage for this popualr open mic! These tickets are to watch the open mic (not to perform). We bring the best undiscovered and established talent to the stage for this popualr open mic! These tickets are to watch the open mic (not to perform).

Get the authentic NYC stand up comedy experience at New York Comedy Club! Enjoy a nightly showcase of the best comedians in the city, hot up-and-comers, plus hotshot celebrity drop ins, national and international touring comics and more surprises!

Brauchtum und Tradition.

Der MV Mitterbach wünscht Frohe Ostern.

Mein Name ist Selina Javaid, ich bin Künstlerin und Pädagogin. Meine Mutter ist Österreicherin, sie wurde in Bad Gastein geboren, und meine Großmutter, Linde Egger, lebt noch immer in Bad Bruck. Wir besuchen sie jeden Sommer und Winter. Meine schönsten Erinnerungen sind mit Gastein verbunden. Jetzt bringe ich auch meine eigene Familie jedes Jahr mit. Es ist mein Traum, meine Bilder in Bad Gastein auszustellen, da ich dort viel Inspiration finde. Ich freue mich sehr, dass das Hotel Europäischer Hof diesen Winter zehn große Gemälde von mir ausstellt. Die Serie trägt den Titel „Nostalgic Design” und zeigt eine neue Sammlung von Werken, die die Magie der Wälder und Berge von Gastein einfangen. Die Ausstellung befindet sich in der Hotelhalle und ist kostenlos zu besichtigen. Website: www.selinajavaid.com Instagram: @_studioCELL Telefon: +44 7923000575

Sonderausstellung: „Kampfzone St. Veit - Lebenswege in Republik, Ständestaat und Nationalsozialismus 1930 - 1945".

Sonderausstellung 24. Februar bis 26. April 2026 Filigran, prachtvoll, luxuriös: Der opulente Barock brachte kleine Andachtsbilder von bis dato ungesehener Kunstfertigkeit hervor. Höchste Geduld und Präzision waren notwendig, um Kunstwerke zu schaffen, die ihre Besitzerinnen und Besitzer zu ebenso viel Hingabe bei der Betrachtung im Gebet ermuntern sollten. Das Diözesanmuseum Freising zeigt über einhundert, überwiegend aus Privatsammlungen stammende Spitzenbilder, die zum Verweilen und Staunen einladen. Öffnungszeiten: Di-So / Fei 9:00-17:00 Freitag, 27. März 2026 um 15 Uhr Öffentliche Kuratorinnenführung mit Marina Hieble Anmeldung erbeten an [email protected] 5 Euro/Person, zzgl. Eintritt

Ausstellung mit Michael Hartinger.

Eröffnung: Karsamstag, 10 Uhr in der Stockhalle Siezenheim - Nähe Kirche und Fußballplatz (Zugang über Kirchenstraße 3, Siezenheim) Örtliche Wegweiser sind vorhanden Mit der Buslinie 28 (Albus) Haltestelle Gartenstraße u. Dr.-Hans-Lechnerstraße erreichbar. Auf Ihr Kommen freut sich die Vereinsleitung des Kleintierzuchtvereins S1!

Rinde und Haut sind eine besondere Schnittstelle zwischen Innen und Aussen. Sie spiegelt Befindlichkeiten von beiden Seiten wider. Rinde erscheint uns oft als statisch, solange ihrem Baum Gesundheit und Unversehrtheit gegönnt wird. Bei Störung oder Zerstörung wird die Rinde sehr bald zum Widerhall des dramatischen Schicksales eines Baumes. Von solchen Ereignissen erzählen meine Rindenbilder, originale Rindenstücke, die von Akrylmalerei ergänzt wird. Dabei dient Rinde als Ausdrucksmittel und Metapher für Disruptionen unseres Lebens als Mensch und Menschheit. Als Naturobjekt stellt sie gleichzeitig die Frage nach unserer Schöpfungsverantwortung. Von bedrohlichen und gar tödlichen Momenten, bis zu friedlichen und dekorativen Charakter spannt sich der Bogen der Deutung und Bedeutung... Seit frühester Kindheit habe ich große Leidenschaft fürs Zeichnen und Malen, nun zu meinem 70. Geburtstag gibt es diese Vernissage, sie ist Höhepunkt meiner bisherigen Karriere als Künstler. Ausstellungsdauer: 15.3. - 24.5.2026 Sonntags 9 - 12 Uhr oder nach tel. Vereinbarung 0664 4159 495

Vier Tage lang wird das Olympiastadion Berlin zum vermutlich größten Ostereiersuchgebiet der Stadt. Von Karfreitag bis Ostermontag werden täglich je 50 Ostereier im Stadion und auf dem Gelände versteckt. Die Ostereier stehen für tolle Gewinne, darunter Tickets für den Konzertsommer im Olympiastadion Berlin, Hertha-Eintrittskarten und Gutscheine für Touren. Neben vergünstigtem Eintritt ist auch ein Sprint auf der blauen Laufbahn möglich. So feiert das Fünf-Sterne-Stadion seine große Saisoneröffnung am Osterwochenende täglich zwischen 09:00 und 19:00 Uhr. Auf der Wiese zwischen Süd- und Osttor gibt es eine Torwand, Mini-Fußballfelder und das Stadion-Restaurant bietet ein Ostergericht. Auch Herthinho, das Maskottchen von Hertha BSC, ist am Karfreitag und an beiden Ostertagen zwischen 11:00 und 13:00 Uhr vor Ort und steht für Erinnerungsfotos im Stadioninnenraum zur Verfügung. Das Olympiastadion Berlin, das über das gesamte Jahr hinweg besichtigt werden kann, öffnet über das Osterwochenende (3. bis 6. April) exklusiv die blaue Laufbahn für alle Besuchenden. Die 400 Meter lange Bahn, auf der Usain Bolt bei den Leichtathletik-Weltmeisterschaften 2009 zwei Weltrekorde lief, darf normalerweise nicht betreten werden. Alle Besuchenden zahlen von Karfreitag bis Ostermontag nur 8,00 Euro Eintritt pro Person (6,00 Euro/ermäßigt), um das Stadion auf eigene Faust zu erkunden (regulär 11,00 Euro/Erwachsene, 8,00 Euro/ermäßigt). Für Kinder unter 6 Jahren ist der Eintritt frei. Besuchende mit Family Card Ticket zahlen 22,00 statt 24,00 Euro. Das Olympiastadion Berlin ist im April täglich von 9:00 bis 19:00 Uhr geöffnet. Tickets für Führungen oder Besichtigungen können unter www.olympiastadion.tickets gebucht werden. Die reduzierten Oster- Tickets sind nicht vorab online verfügbar, sie können nur ab Karfreitag bis Ostermontag an der Tageskasse gekauft werden. Jährlich nutzen mehr als 170.000 Besuchende aus aller Welt die Gelegenheit, das Olympiastadion Berlin zu besichtigen. (Quelle: visitberlin.de)

Winterpause: Aufgrund von Sanierungsarbeiten ist das Stadtmuseum geschlossen im Zeitraum 15.12.2025 bis 17.1. 2026 (Stand: 25.11.2025) Die aktuelle Sonderausstellung zeigt die Entwicklung der Werft Korneuburg unter dem politischen Einfluss der Ersten Republik, des Ständestaates und dem Anschluss an Deutschland 1938 mit allen Auswirkungen auf die Mitarbeiter:innen. Die Befreiung und Besetzung 1945 durch die Russische Armee, die anschließende Eingliederung in die USIA bis zum Staatsvertrag mit der Rückgabe der Werft an die DDSG und Österreich. Der Wiederaufbau in der Zweiten Republik, die Stabilisierung Österreichs und der Arbeitsplätze in der Werft wird ebenso gezeigt wie die Entwicklung bis zur Privatisierung und der Stilllegung der Werft 1993. Die Nachgeschichte des Werftgeländes mit dem Abbruch vieler Gebäude und Anlagen, den Besitzerwechseln der Werftgrundstücke, der verschiedenen Planungen für eine Nutzung des früheren Werftgeländes werden bis zum heutigen Zeitpunkt vermittelt.

Es wird höflich gebeten, die Plätze bis 9.00 Uhr einzunehmen.

Ausstellung von Janine Pölzl.

Machen Sie eine Zeitreise durch die Kameralinse und erleben Sie den Friedhof der Märzgefallenen neu. In fünf Schlaglichtern werden Fotos aus Archiven, Museen und Privatbesitz gezeigt, die so noch nicht in einer Ausstellung zu sehen waren. Entdecken Sie 1897 die mystische „Freiheitslinde“ oder das vor 100 Jahren errichtete Portal, das heute spurlos verschwunden ist. Auch auf dem Friedhof selbst warten mit einer künstlerischen Installation und Markierungen zahlreiche Zeitfenster in die wechselvolle Vergangenheit des Ortes, seiner Schichten und seiner Besucher:innen. Wiedereröffnung der Sonderausstellung „Vergessenes Erinnern“ (18.3.-25.5.2026) zum #TagderDemokratiegeschichte (Quelle: visitberlin.de)

Mit der Ausstellung, deren Titel auf einen Song aus dem 2020er-Album „Hermitage“ des kanadischen Singer-Songwriters Ron Sexsmith zurückgeht, soll subtil, aber vernehmlich manifestiert werden, dass es lohnt, in jeder Lebenssituation, jeder gesellschaftlichen oder politischen Herausforderung, in die der Mensch gestellt ist, die eigene Perspektive weiterzuverfolgen. Das heißt, der Welt erwartungsvoll gegenüberzutreten, nicht aufzugeben – in welcher momentanen seelischen Verfassung man sich auch immer befindet. Die Liedzeile unterstreicht die Vielschichtigkeit, in der sich menschliches Sein in der Welt behauptet, aber damit auch die Unterschiedlichkeit künstlerischer Ansichten und ästhetischer Orientierungen.Die Ausstellung zeigt Werke von in Berlin lebenden Künstler*innen aus den Bereichen Malerei, Skulptur, Video und Klang, die Themen von Widerstand gegen Tyrannei über Wut und Abwehr von Gesten der Macht bis hin zu poetischen Strategien der Deeskalation behandeln. Sie offeriert eine breite Palette von Haltungen, die von hoher Aufmerksamkeit gegenüber den aktuellen politischen Zeitläufen geprägt sind. Eine Ausstellung mit Arbeiten von: Aline Alagem \ Dorit Bearach \ Emmanuel Bornstein \ Ofi r Dor \ Arnold Dreyblatt \ Valérie Favre \ Yishay Garbasz \ Itamar Gov \ Hans-Hendrik Grimmling \ Simone Haack \ Alona Harpaz \ Victoria Heifetz \ Erez Israeli \ Michelle Jezierski \ Yury Kharchenko \ Rachel Kohn \ Olaf Kühnemann \ Atalya Laufer \ Shira Orion \ Miguel Rothschild \ Yehudit Sasportas\ Dikla Stern \ Christian Thoelke \ Paul Wesenberg \ Sahar Zukerman Eine Kooperation vom Verein der Freunde des Rohkunstbau e. V. mit dem Zentrum für Aktuelle Kunst, Zitadelle Spandau (Quelle: visitberlin.de)

Ausstellung von Michael Goldgruber.

Herzlich willkommen im Museum Mauerbach bei der Ausstellung “Marten Berger: ZUhause” (Acryl- und Rötelbilder, Aquarelle und Zeichnungen). Bilder, die uns fragen: Wo sind wir wirklich zuhause? Wo ist unser Zuhause, wenn wir alles verlieren? Bilder der Hoffnung und Bilder der Bedrohung, Bilder, die uns betreffen und die uns betroffen machen. Öffnungszeiten des Museums: sonntags 10:00 bis 12:00 Uhr. Die Ausstellung kann vom 14. September 2025 bis zum 29. März 2026 besichtigt werden. Am 29. März ist der letzte Ausstellungstag für die Ausstellung “Marten Berger: ZUhause”; am 19. April wird um 11:30 Uhr die Ausstellung “100 Jahre FF Steinbach” eröffnet. Wir ersuchen um Verständnis, dass in der Zeit zwischen den Ausstellungen (Sonntag, 5.4. und 12.5.2026) umgebaut wird. Besichtigt werden können die ständigen Ausstellungen: „Die Römer in Mauerbach“ (im Museum), die „Historischen Grenzsteine“ (vor dem Museum) und das „Lohner Sissy- Moped“ im Entree des Gemeindeamts.

Für die ganze Familie: ein spielerischer und kreativer Frühlingsvor- oder -nachmittag auf der Kleinen Stadtfarm mit Erkundung des „Hühnerschungels“ und selbstgemachten Erinnerungen zum Mitnehmen. Es gibt Geschichten über die Vorfahren der Hühner beim Füttern der Hennen, eine Ostereiersuche im Gewächshaus mit dem goldenen Ei und gemeinsames Ostereier-Malen.

Was heißt es, Zeugin oder Zeuge der schlimmsten Grausamkeiten zu werden, die Menschen einander zufügen können – und dennoch den Glauben an Mitgefühl nicht zu verlieren? Die Ausstellung Memoria, zu sehen vom 31. Januar bis 3. Mai 2026 bei Fotografiska Berlin, widmet sich dem Werk von James Nachtwey, einem der einflussreichsten Fotojournalisten unserer Gegenwart.JAMES NACHTWEY ‘Memoria’ Seit über vier Jahrzehnten hält Nachtwey Kriege, humanitäre Katastrophen und soziale Ungerechtigkeiten fest. Dabei richtet sich sein Blick konsequent auf die Menschen hinter den Ereignissen. Nicht militärische Abläufe stehen im Zentrum, sondern die menschlichen Folgen von Gewalt, die Auswirkungen globaler Krisen und die Frage, wie Würde und Menschlichkeit selbst unter extremen Bedingungen bewahrt werden können. Memoria begreift Fotografie zugleich als Akt des Erinnerns und als Widerstand gegen das Vergessen. Nachtweys Bilder dokumentieren Geschichte, entfalten ihre Wirkung jedoch vor allem im Jetzt: Sie schärfen das Bewusstsein für Leid, Ungleichheit und Verantwortung – und eröffnen damit Räume für gesellschaftliche Veränderung. „Memoria eröffnet einen Raum für Reflexion – über Momente, die unsere jüngste Geschichte geprägt haben, und über jene Kräfte, die unsere Welt auch heute noch formen. James Nachtweys Fotografien bleiben uns im Gedächtnis, weil sie menschliches Leid mit außergewöhnlicher Klarheit, Mitgefühl und Respekt zeigen. Seine Bilder erinnern uns daran, warum es wichtig ist, genau hinzuschauen. Sie fordern uns auf, unsere eigene Rolle innerhalb unserer gemeinsamen Geschichte zu überdenken, und laden uns ein, uns mit den Themen auseinanderzusetzen, die uns nachhalting prägen.” Thomas Schäfer, Associate Director of Exhibitions, Fotografiska Berlin Nachtweys Interesse an der Fotografie entstand früh: Bilder aus dem Vietnamkrieg und der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung prägten sein Verantwortungsgefühl lange, bevor er selbst zur Kamera griff. Auch als er in den 1980er-Jahren von lokalen Reportagen zur internationalen Konfliktberichterstattung wechselte, blieb sein Ansatz unverändert – Empathie als Grundlage, verbunden mit Instinkt, Präzision und einem tiefen Vertrauen in menschliche Verbundenheit. Viele seiner Fotografien wirken beinahe wie bewusst arrangierte Kompositionen. Tatsächlich entstanden sie oft in Sekundenbruchteilen, in Situationen höchster Gefahr. Nachtwey dokumentierte nahezu alle großen Konflikte der Moderne: von den Kriegen im ehemaligen Jugoslawien, in Tschetschenien und im Nahen Osten über den Völkermord in Ruanda und Hungersnöte in Somalia und im Sudan bis hin zum langjährigen Krieg in Afghanistan. Doch sein Werk geht weit über das Abbilden von Schlachtfeldern hinaus. Es zeigt auch die leisen Konsequenzen von Gewalt: Vertreibung, Hunger, Verfolgung, Krankheit – und den täglichen Mut derjenigen, die das Unvorstellbare überleben. Dabei folgt Nachtwey einem klaren ethischen Prinzip: Zeugnis abzulegen, ohne zu instrumentalisieren; Leid sichtbar zu machen, ohne Würde zu rauben; und festzuhalten, dass selbst im Moment größter Zerstörung der Mensch im Mittelpunkt steht. Memoria lädt dazu ein, innezuhalten und die Welt aus Nachtweys Perspektive zu betrachten – nicht als bloße Abfolge von Katastrophen, sondern als fragile Kette menschlicher Erfahrungen. Seine Fotografien erzählen weniger vom Krieg als von der Sehnsucht nach Frieden an Orten, an denen dieser längst zerbrochen ist. Sie machen strukturelle Gewalt und globale Ungerechtigkeiten sichtbar – und erinnern eindringlich daran, warum genaues Hinsehen, Mitgefühl und Verantwortung heute wichtiger sind denn je. (Quelle: visitberlin.de)

Die „Grabbereitung Christi“ ist eines von zwei großformatigen Meisterwerken von Vittore Carpaccio (um 1465–1525/26), mit denen der venezianische Künstler in der Gemäldegalerie hervorragend repräsentiert ist.In den letzten Jahren wurde die „Grabbereitung“ sorgfältig restauriert, wodurch die Farben des Gemäldes wieder in ihrer ganzen Pracht erstrahlen. 500 Jahre nach Carpaccios Tod steht das Werk im Mittelpunkt einer Sonderpräsentation, die auch andere venezianische Gemälde aus eigenem Bestand, grafische Werke aus dem Kupferstichkabinett sowie die Reproduktion einer Tafel aus Aby Warburgs „Bilderatlas Mnemosyne“ umfasst. Die Ausstellung stellt die „Grabbereitung“ in ihren inhaltlichen und künstlerischen Kontext, indem sie den Vergleich mit Werken von Giovanni Bellini, Cima da Conegliano, Palma il Vecchio, Francesco Bissolo und Carpaccio selbst ermöglicht. Darüber hinaus werden zwei wertvolle Leihgaben aus dem Kupferstichkabinett gezeigt: eine Vorzeichnung von Carpaccio, die den toten Christus wiedergibt, und ein Stich von Andrea Mantegna, der dem venezianischen Maler als Inspiration diente. Carpaccios „Grabbereitung Christi“ Die „Grabbereitung Christi“ ist ein ebenso bemerkenswertes wie geheimnisvolles Werk. Anstelle der üblicheren Beweinung wählte der Maler den Moment zwischen dem Tod Christi am Kreuz und seiner Auferstehung. Im Bildzentrum ist der Leichnam Christi aufgebahrt, dahinter wird das Grab geöffnet und Joseph von Arimathia bereitet die Waschung des Leichnams vor. An einen Baum gelehnt sitzt ein meditierender Greis, vermutlich Hiob als alttestamentlicher Vorläufer Christi. Viele in eine Ideallandschaft gesetzte erzählerische Details betonen den Gegensatz zwischen Leben und Tod: Schädel und Teile von Skeletten im Vordergrund, musizierende Hirten in der Bildmitte. Für den Hamburger Kunsthistoriker Aby Warburg war die „Grabbereitung Christi“ so bedeutend, dass er sie 1929 neben Werken von Donatello und Raffael in seinen „Bilderatlas Mnemosyne“ aufnahm. Die Originaltafel aus dem Bilderatlas wurde für diese Sonderpräsentation reproduziert. Intensiv untersucht und umfassend restauriert Der schlechte Zustand des Gemäldes führte zu einer umfassenden Restaurierung, die von der ehemaligen Chefrestauratorin der Gemäldegalerie, Babette Hartwieg, durchgeführt wurde. Firnisschichten und frühere Retuschen hatten sich verfärbt und mussten entfernt werden. Die zusammen mit dem Rathgen-Forschungslabor durchgeführten Untersuchungen hatten gravierende Veränderungen bestimmter Farbpartien ergeben, die bei der Wahl der Restaurierungsverfahren zu berücksichtigen waren. Den Besucher*innen werden Informationen in unterschiedlicher Tiefe zu den Untersuchungsergebnissen wie auch zu den durchgeführten Restaurierungsmaßnahmen an die Hand gegeben. Kuratorisches Team Die Ausstellung wird von Babette Hartwieg und Neville Rowley kuratiert. Die Restaurierung wurde mithilfe der Unterstützung von Culturespaces, Paris, ermöglicht. Eine Sonderpräsentation in Raum 37 der Gemäldegalerie – Staatliche Museen zu Berlin Öffnungszeiten Di 10:00 - 18:00 Mi 10:00 - 18:00 Do 10:00 - 18:00 Fr 10:00 - 18:00 Sa 10:00 - 18:00 So 10:00 - 18:00 Mo geschlossen (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung „Gallery Looks“ beleuchtet die Begegnung von Kunst der Vergangenheit mit Mode der Gegenwart – in Entwurf, Fotografie, Film und Haute Couture.Die aktuellen Modeinszenierungen reflektieren die von den Alten Meistern verwendeten Stilmittel, Kompositionen und Posen und interpretieren sie neu. Unterschiedliche künstlerische Ansätze machen sichtbar, wie sich Farben, Materialien und Geschichten in den verschiedenen Medien spiegeln und zu zeitgenössischen Erzählungen verweben. Zu sehen sind neben Modefotografien und Videoarbeiten auch Entwürfe von Designer:innen, die mit ausgewählten Werken der Berliner Gemäldegalerie in Dialog treten und Bezüge zwischen künstlerischer Tradition und aktuellem Design schaffen. Eine Sonderausstellung der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Sie gehen der Frage nach, wie Menschen zu ihrer Heimat stehen, wo Spuren der DDR sichtbar bleiben und sich Orte verändern.Was bewegt die Menschen in Ostdeutschland?35 Jahre nach der Wiedervereinigung zeigt die Ausstellung zwei Fotoserien, die aus ostdeutscher Perspektive auf Ostdeutschland blicken. Sie gehen der Frage nach, wie Menschen zu ihrer Heimat stehen, wo Spuren der DDR sichtbar bleiben und sich Orte verändern. Die Berliner Fotografin Sophie Kirchner porträtiert in ihrer Serie “Bleiben” seit 2021 junge Männer in den ostdeutschen Bundesländern und lässt sie zu Wort kommen: Sie erzählen vom Gehen, Bleiben und Zurückkommen, von politischen Entwicklungen und ihrem Engagement in Vereinen und Subkulturen. Philipp Baumgarten dokumentiert in seinem Foto-Archiv “mitteldeutsch” zwischen 2005 und 2022 Alltagssituationen und Momentaufnahmen vornehmlich in seiner Heimat Zeitz. Dabei beobachtet er, was beständig bleibt und wie sich Orte im ländlichen Raum zugleich verändern. Die Fotografien werden erstmals gemeinsam gezeigt. Im Wechselspiel entsteht eine Bestandsaufnahme Ostdeutschlands. (Quelle: visitberlin.de)

Peuker war nicht nur ein bedeutender Akteur der Kunstszene der DDR, sondern prägte als Professor an der weißensee kunsthochschule berlin auch die nachfolgenden Künstlergenerationen.Die Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank zeigt späte Werke des virtuosen Malers, der in seinen Bildern das Zeitgeschehen stets kritisch kommentierte, und stellt mit Stefanie Hillich, Sibylle Prange, Philipp Schack und Christian Thoelke zugleich vier seiner bekanntesten Schüler:innen vor. Die Ausstellung findet in Zusammenarbeit zwischen der Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank und der weißensee kunsthochschule berlin, die 2026 ihr 80-jähriges Jubiläum feiert, statt. (Quelle: visitberlin.de)

»Selected works: 2005-2025«. Die erste Einzelausstellung des renommierten Künstlers Alexandre Farto alias Vhils in Deutschland mit einer umfassenden Auswahl der Werke des Portugiesen bietet Besuchenden die Möglichkeit, die Entwicklung seines unverwechselbaren künstlerischen Stils anhand einer breiten Palette von Materialien, Techniken und konzeptionellen Ansätzen zu erleben. Im Zentrum von Vhils‘ Arbeit steht eine tiefgründige Untersuchung der vielschichtigen Natur von Städten sowie den Menschen, die sie bewohnen. Seine Technik – oft subtraktiv, indem er Oberflächen abträgt, um verborgene Geschichten zu enthüllen – spiegelt die Art und Weise wider, wie Zeit, Globalisierung und Gentrifizierung urbane Umgebungen prägen. Neben seinen bedeutenden Werken von filigranen Wandschnitzereien der Serie »Scratching the Surfaces« bis hin zu explosiven Reliefskulpturen, großformatigen Installationen und Mixed-Media-Kompositionen zeigt der Künstler im MUCA auch bislang ungesehenes Archivmaterial aus seiner persönlichen Sammlung. „Glance Series #01“ lautet der Titel des spektakulären, neuen Werks des portugiesischen Künstlers Vhils. Es spiegelt seine langjährige Auseinandersetzung mit dem menschlichen Blick als Symbol für Wahrnehmung, Erinnerung und Gegenwart wider. Die aus Zeitungsblättern und Acryl bestehende Skulptur in Form eines monumentalen Auges ist aktuell im MUCA zu sehen. In langer und aufwendiger Produktionszeit entstand dieses monumentale, einmalige Werk, montiert auf einem Betonsockel. Die massive und große Dimension dieser Skulptur bringt ganze 1,5 Tonnen auf die Waage. Wie in früheren Werken entstand das Bild des Auges durch den subtraktiven Prozess des Künstlers, bei dem Schichten von Massenmedien in eine skulpturale Oberfläche verwandelt werden, die von Erosion und Zeit geprägt ist. Durch die Verwendung von alten SZ-Ausgaben als Ausgangsmaterial, stellt Vhils bei „Glance“ bewusst einen spezifischen geografischen und kulturellen Kontext her. After-Work-Führungen am Do 26.3. / 9.4. 18:30-19:30 Reguläe MUCA-Öffnungszeiten: Mi/Fr-So 10:00-18:00, Do 10:00-20:00 Am 16. April 2026 ist das MUCA auf Grund eines Events ganztags geschlossen. Vhils Special mit dem Werk „Glance Series #01“ als zentrales Element am Fr 17.4. Ausstellung noch einmal verlängert bis 19.4.2026 (Haupthaus und MUCA Bunker) Vhils hat außerdem eine spektakuläre Installation aus seiner »Latency Serie« am KUNSTLABOR 2 (Dachauer Str. 90) angebracht: Die Antenne symbolisiert eine antiquierte Form der Kommunikation, die Massenansammlung der Satellitenschüsseln dient als Metapher für die Komplexität der Hyperkonnektivität, die mit dem globalisierten Zeitalter einhergeht.

„Lass uns spielen“ Die Wechselwirkung zwischen Objekten und ihrer Umgebung steht im Zentrum der Arbeit von Iman Issa. Nach dem Studium der Philosophie, die Issas in Hypothesen und Beweise strukturiertes Werk sichtbar prägt, arbeitete die 1979 in Kairo geborene Künstlerin vor allem im Medium der Fotografie. Heute nehmen ihre Studien meist skulpturale Form an, wobei die Fotografie sowie Video und das geschriebene Wort weitere Konstanten bilden. Issa beschäftigt sich mit der Frage, inwiefern die Wahrnehmung von Objekten durch ihre geografischen, historischen und gesellschaftlichen Gegebenheiten geprägt ist: Ist ein Objekt oder ist ein Bild den Interpretationen seiner Betrachter*innen ausgeliefert, sodass sich seine Bedeutung ständig ändert? Inwiefern formt umgekehrt ein Objekt — etwa ein Denkmal oder ein historisches Gebäude — Erinnerung? Daran schließt sich die Frage an, ob es Formen gibt, die ein so grundlegendes Verhältnis zu ihrer Bedeutung haben, dass sie gegen beliebige Interpretationen immun sind. Diesen Überlegungen geht Issa mit unterschiedlichen Methoden nach: In ihrer Werkserie „Heritage Studies“ (seit 2015) greift sie auf existierende historische Artefakte zurück. Obwohl ihre eigenen Objekte, oder „Displays“, wie Issa sie nennt, den Vorbildern weder in Größe, Farbe noch Material ähneln, betrachtet die Künstlerin sie als prinzipiell übereinstimmend. Ihre „Proxies“spielen mit dem Genre des Selbstporträts: Die mit Namen wie William S. Burroughs, Georges Henein, oder Hannah Arendt versehenen abstrakten Skulpturen begleiten kurze Aphorismen, die als Verdichtung des jeweiligen Denkwerks gelesen werden können. Wie sähe ein Monument für einen Gedanken aus, scheinen diese Skulpturen zu fragen, losgelöst von Darstellungskonventionen, die stets physiognomisch, motivisch, oder metaphorisch verfahren. Am Lenbachhaus sind Werke Iman Issas der vergangenen zehn Jahre zu sehen. Zur Ausstellung erscheint eine Publikation. Kuratiert von Stephanie Weber Eröffnung am Mo 24.11. 19:00-23:00, es wird simultan in Deutsche Gebärdensprache übersetzt (25.11.2025 bis 12.4.2026) Bild. Iman Issa, Self-Portrait (Self as Alenka Zupančič), 2020, Courtesy Sylvia Kouvali © Iman Issa 2025

Die sensationelle Ausstellung LUFTBALLONWELTEN feiert im Februar ihre Deutschland-Premiere in München. Auf rund 3.500 m2 erwartet Euch im Pineapple Park eine gigantische, interaktive Fantasiewelt aus über 500.000 vollständig kompostierbaren Luftballons. Internationale Künstler*innen aus vier Kontinenten haben, unter der Leitung von Art Director und international renommierten Luftballon-Künstler Guido Verhoef, beeindruckende Erlebnisräume erschaffen – bis zu acht Meter hoch. Natur, Tiere und weltberühmte Sehenswürdigkeiten aus aller Welt werden dabei auf fantasievolle Weise neu interpretiert. Die Ausstellung ist als spielerische Weltreise durch fünf Kontinente konzipiert: Mit einem persönlichen Reisepass begeben sich Entdecker:innen auf eine Expedition voller Staunen, Kreativität und Überraschungen – inklusive interaktiver Stationen und einer Workshop Area zum Mitmachen. Öffnungszeiten: Di-Fr 14:00-19:00, Sa/So 10:00-19:00 16.2.-22.2. und Osterferien (30.3.-10.4.) täglich 10:00-19:00 letzter Einlass um 18:00 Ausstellung vom 14.2. bis 12.4. https://www.luftballonwelten.com/

Die Fotoserie von Roni Horn besteht aus 100 Aufnahmen einer jungen Frau in leichter Überlebensgröße. Die Fotografien sind allesamt in isländischen Quellen entstanden. Das den Betrachtenden unbekannte Gesicht der Badenden spiegelt dabei – über ihre Augen, die Mimik und die Lichtreflexionen auf der Haut – das Wetter (und innere Gemütsregungen). Zugleich wirft der Blick der Porträtierten die Betrachtenden auf sich selbst zurück, worauf der Titel anspielen mag. Die Künstlerin sagte über die Dargestellte, dass ihr „emotionaler Ausdruck – sie sieht gereizt aus, ärgerlich – faktisch vom Wetter verursacht wurde. Die Sonne blendet, es schneit, es ist windig. Wenn du mit ihr in einem Raum bist, kommt es dir vor, als hättest du diese Reaktionen provoziert: Du wirst das Wetter.“ Die Arbeit spricht über Intimität, Zuneigung und Begehren, über die Unmöglichkeit, ein Gesicht je vollständig zu erfassen, und die Machtdynamiken einer Porträtsituation. Die Fotoserie besteht aus 36 Silbergelatineabzügen und 64 chromogenen Farbabzügen und gehört zu den bekanntesten Arbeiten von Roni Horn (*1955 New York). Sie ist im Juli/August 1994 auf einer gemeinsamen Reise mit Margrét H. Blöndal entstanden und wurde 1997 als Artist’s Book publiziert. Seit 1975 bereist die Künstlerin die Insel regelmäßig – sie bezeichnet sich als „chronische Touristin“. Viele ihrer Arbeiten kreisen um das dortige Leben. Der Topos des Wassers durchzieht ihr Werk, so hat sie beispielsweise auch eine Werkreihe zur Themse geschaffen. (Obergeschoss, verlängert bis 26.4.2026) Führung am Do 11.12. / 15.1. um 17:00

Internationale Mitmachausstellung zum Thema Gladiatoren und Römische Arenen (Kolosseum) Auch heute noch faszinieren die Helden der Arena. In der Ausstellung begegnen die Besuchenden lebensgroßen Gladiatoren in originalgetreuer Kampfmontur und können die Ausrüstung selbst anprobieren. Originale Fundstücke, wissenschaftliche Rekonstruktionen und interaktive Medienstationen erzählen nicht nur die Geschichte des Kolosseums, sondern lassen das Leben der Gladiatoren zu einer eindrucksvollen Erfahrung werden. Hintergrundinformationen zum römischen Reich und seiner Armee runden die Ausstellung ab. Die internationale Wanderausstellung wurde in Zusammenarbeit mit Expona GmbH in Bozen und Contemporanea Progetti in Florenz realisiert. Der Gladiator ist die populärste Figur der römischen Welt. Er verkörpert den Kampf auf Leben und Tod, extremste Unterhaltung in größtmöglicher Öffentlichkeit, größten Ruhm und maximales Risiko. Ihren Namen erhielten die Gladiatoren vom Schwert der Legionäre, dem „Gladius“ – sie waren Männer des Schwertes, ihr Kampf ein Spektakel. Das Kolosseum in Rom bot als Symbol des römischen Imperiums die passende Bühne für das Schauspiel. Highlights der Ausstellung sind originale römische Ausrüstungen von Gladiatoren aus der Gladiatorenschule von Pompeji. Ausgrabungen und Funde vom Limes in Bayern und Hessen zeigen, dass der Gladiatorenkampf jedoch auch die Bevölkerung an den fernen Grenzen des Imperiums in seinen Bann zog. Lebensechte Rekonstruktionen und Modelle, mediale sowie immersive Vermittlungsebenen entführen in die Welt der römischen Gladiatoren. Aktionstage und spannende Begleitprogramme ergänzen das Programm. Konservatorenführung am Di 3.3. / 7.4. und Mi 18.3. / 22.4., jeweils um 15:00, [email protected] Öffnungszeiten: Di/Mi/Fr/Sa 10:00-17:00, Do/So 10:00-19:00 und zusätzlich Ostermontag (6.4.) geschlossen: Faschingsdienstag (17.2.), Karfreitag (3.4.), 1.5. Ausstellung bis 3.5.2026 * Wenn du über diesen Link Tickets kaufst, erhalten wir ggf. eine kleine Provision. Für dich entstehen keine Mehrkosten.

Seit über 100 Jahren prägen Roboter unsere Vorstellungen von zukünftigen und parallelen Welten. In den letzten Jahren sind sie fester Bestandteil unseres Alltags geworden. Expert*innen zufolge werden ihre Einsatzgebiete in den kommenden Jahren rasant zunehmen. An diesem historischen Wendepunkt richtet die Ausstellung den Blick auf die menschliche Vorstellung von Robotern sowie ihre reale Form und Funktion. Präsentiert werden herausragende Roboter und Roboter-Spielfiguren von ca. 1960 bis heute. Sie zeigen sowohl, welche menschlichen Fantasien und utopischen Welten mit Robotern verbunden sind, als auch die verschiedenen Umsetzungen und Gestaltungen funktionaler Roboter. Die Neue Sammlung – The Design Museum verfügt über wichtige Roboter, die als Pioniere für die Einführung der Robotik in Haushalten, aber auch im medizinischen Bereich gelten. Technik und Design verbinden sich hier auf symbiotische Weise. Auch Gaming- und Spiele-Roboter sind im Bestand des Hauses. Sie werden ergänzt von einer großen Sammlung mit rund 400 Spielzeugrobotern aus den 1970er bis 1990er Jahren. Durch spektakuläre Leihgaben wie lebensgroße Roboter der TU München im Bereich Robotik und Machine Intelligence kann das Museum aktuelle und visionäre Entwicklungen zeigen. Die Präsentation entsteht anlässlich des 100-jährigen Jubiläums der Neuen Sammlung, die in ihrer ständigen Sammlung neue thematische Schwerpunkte setzt. Dafür entwickelt das Münchener Designbüro OHA Office (Office Heinzelmann Ayadi) die Ausstellungsarchitektur. Eine Kooperation mit dem Lehrstuhl für Cognitive Systeme, Prof. Gordon Cheng, TU München. Eröffnung am Mi 27.11. um 19:00 Ausstellung ab 28.11. dauerhaft BEGLEITPROGRAMM 15.01.2026 I 18 UHR I KI – IM NETZ DES SCHICKSALS I MYSTIC IN MUSIC Das MODERN STRING QUARTET präsentiert ein außergewöhnliches Konzertprojekt an der Schnittstelle von Musik, Technologie und Mythos. Unter dem Titel „KI – im Netz des Schicksals“ entfaltet sich ein dramaturgischer Dreiklang aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft – inspiriert von den Nornen der nordischen Mythologie, die die Schicksalsfäden weben, und den heutigen neuronalen Netzen, die Muster und Bedeutungen erzeugen. Im Zentrum steht die künstlerische Auseinandersetzung mit Künstlicher Intelligenz als Mitautorin musikalischer Werke. Kompositionen des Quartetts werden durch KI transformiert, neu kombiniert und live in einen Dialog mit ihren Ursprüngen gesetzt – musikalisch wie performativ. Zwischen menschlicher Intuition und algorithmischer Variation entsteht ein Netz aus Klängen, das Schicksal nicht nur erzählt, sondern erfahrbar macht.

»Type is Image«. Die begehbare Werkschau ist die erste Einzelausstellung der amerikanischen Grafikdesignerin (*1948) in Deutschland. Seit den 1970er Jahren steht Scher für innovatives und kompromissloses Design, das Generationen geprägt hat und in deren Zentrum immer die Typografie steht. Sie entwickelt Zeichen und Buchstaben, die wie Bilder kommunizieren. (Die Neue Sammlung – The Design Museum, Paternosterhalle, bis 12.4.2026) Langen Nacht der Münchner Museen am Sa 18.10. 18:00-1:00 Als Vorbereitung schließt die Pinakothek der Moderne bereits um 16 Uhr, das Museum öffnet wieder um 18:00 Vorzeitige Schließung PIN-Fest wegen der internen Veranstaltung schlißet die Pinakothek der Moderne am Sa 15.11. bereits um 13:00 * Wenn du über diesen Link Tickets kaufst, erhalten wir ggf. eine kleine Provision. Für dich entstehen keine Mehrkosten.

Die Sonderausstellung geht den Spuren dieses geheimnisumwitterten Kapitels in der Endphase der nationalsozialistischen Herrschaft nach.

Beim Aktivwochenende am Osterwochenende steht alles im Zeichen der Sonderausstellung „Die Sprache der Göttinnen“, die aufgrund des großen Publikumsinteresses bis 29. November 2026 verlängert wurde. An drei Tagen erwartet Besucher:innen ein abwechslungsreiches Programm, das persönliche Begegnungen ermöglicht und vertiefende Einblicke in die Ausstellung bietet. Im archäologischen Freigelände des MAMUZ Schloss Asparn/Zaya sind Besucher:innen täglich eingeladen, unter dem Motto „Modelliere deine eigene Göttinnen-Figur“ eigene Figurinen aus Lehm zu gestalten. Ergänzend dazu bieten Sonderführungen (Sa, So: 11, 13, 15 Uhr, Mo: 11 Uhr, € 5,-/Person) spannende Einblicke in die Ausstellung, die urgeschichtliche Frauendarstellungen als Impuls für die Kunst der Gegenwart thematisiert. Am Samstag, 4. April, ab 14 Uhr stellt Francesca Aldegani mit ihrem Workshop FUOCHI FATUI AND HOLY BODIES #3 einen zentralen Aspekt ihrer künstlerischen Praxis vor: ihre Faszination für Kupfer sowie die Beschäftigung mit dessen symbolischer und historischer Bedeutung. Am Sonntag, 5. April, ab 14 Uhr gibt Ida Marie Corell Einblick in ihre künstlerische Forschungsreihe Veni Vidi Venus. Am Montag, 6 April, um 13:30 Uhr geben die beiden Kuratorinnen, Künstlerin und Philosophin Elisabeth von Samsonow und Archäologin Katharina Rebay Salisbury, bei einer Kuratorinnenführung vertiefende Einblicke in ihre Überlegungen und die Gestaltung der Ausstellung (€ 5,-/Person). Um 15:00 Uhr folgt die Präsentation der druckfrischen Begleitbroschüre zur Sonderausstellung. Ein weiteres Highlight folgt um 15:30 Uhr: Autorin Gertraud Klemm liest aus ihrem vielbeachteten Werk „Abschied von Phallozän“, eine Reise durch den Feminismus der letzten Jahrzehnte.

27.3. um 19 Uhr im HAUS DER KUNST, Eintritt frei! BILDSTÖRUNG - eine NÖDOK I ON TOUR Ausstellung Mit Arbeiten von Natascha Auenhammer, Christian Bazant-Hegemark, Peter Baldinger, Be$na Beranek, Robert Davis, Walter Ebenhofer, Wolfgang Grinschgl, Caroline Heider, Harding Meyer, Gabi Mitterer, Georg Pummer, Fritz Simak, Jürgen Wagner, Robert Zahornicky Konzept und Kuratierung: Hartwig Knack Wenn wir durch eine geriffelte Glasscheibe schauen oder unter einer bewegten Wasseroberfläche Dinge optisch erfassen wollen, so verhalten sie sich in ihrer äußeren Erscheinung bizarr, seltsam gestört und verformt. Im Bereich der visuellen Medien versteht man unter „Bildstörung“ versehentlich mitkommunizierte Informationen, die unerwünschte Veränderungen im übertragenen Signal verursachen. Wir alle kennen das Phänomen, wenn Störungen des Satellitenempfangs oder mangelhafter digitaler Datentransfer Verzerrungen des Fernsehbildes oder gestreamten Films hervorrufen. Die ausstellenden Künstler:innen greifen solche und andere spannende bildliche Deformationen, Irrungen und Trugbilder gezielt auf und entwickeln sie in ihren Arbeiten weiter, denn in einer zufälligen Bildstörung oder einer Sinnestäuschung ist das zu beobachten, was sonst unsichtbar bleibt. Aus dieser Perspektive heraus wächst der Störung selbst ein inhaltlicher, wie auch ästhetischer Informationswert zu. Digitale Auflösung, Realismen, Unschärfen und Anomalien treffen auf analoges Schaffen. Verfremdete Gesichter, Landschaften, Natur oder imaginäre fantastische Architekturen entstehen. Sie erzählen von visueller Wahrnehmung, psychischer Verfasstheit, vorgetäuschter Wirklichkeit und der Zertrümmerung optischer Zusammenhänge. Ausstellungsdauer bis 12.4.2026 Öffnungszeiten Haus der Kunst: Di-Do 15-18 Uhr, Fr-So 10-12 und 15-18 Uhr

Festlicher Oster-Brunch am Ostersonntag 2026 – Das Frühlingserwachen auf dem Krongut Bornstedt am Schloss Sanssouci. Freuen Sie sich auf 5 Stunden Schlemmen vom festlichen Brunch-Buffet mit zahlreichen kalten & warmen Frühstücksspeisen und warmen österlichen Frühlings-Gerichten sowie auf eine inkludierte Getränke-Auswahl (Filterkaffee aus der hauseigenen Rösterei, Teespezialitäten, Kinderkakao, Orangensaft, Apfelsaft und Mineralwasser). Erleben und Genießen Sie einen entspannten Tag mit der ganzen Familie und feiern Sie das Osterfest umgeben von historischer Kulisse im historischen Ambiente von Krongut Bornstedt – dem einstigen Sommersitz des preußischen Kronprinzenpaares Friedrich Wilhelm III. und seiner englischen Gemahlin Victoria. Herzlich Willkommen! (Quelle: prinz.de)

Die Ausstellung "Claude Lanzmann. Die Aufzeichnungen" würdigt das Werk des bedeutenden Dokumentarfilmers Claude Lanzmann und gewährt Einblicke in das erstmals präsentierte Audio-Archiv seines Films Shoah – ein einzigartiges Zeitdokument, das seit 2023 zum UNESCO-Weltkulturerbe gehört.Anlässlich des 100. Geburtstags von Claude Lanzmann (1925–2018) zeigt das Jüdische Museum Berlin vom 27. November 2025 bis zum 12. April 2026 eine Sonderausstellung zu seinem Werk. Im Zentrum steht das erstmals zugängliche Audio-Archiv seines epochalen Films Shoah (1985), der vor 40 Jahren Geschichte schrieb. Die Sammlung, die seit 2023 Teil des UNESCO-Weltkulturerbes ist, umfasst 152 bisher unveröffentlichte Magnettonkassetten. Diese dokumentieren die Gespräche, die Lanzmann und sein Team während der intensiven Recherche in den 1970er und frühen 1980er Jahren mit Überlebenden, Tätern und anderen Beteiligten führten. Ergänzt durch originale Objekte, Dokumente und Filmaufnahmen, ermöglicht die Ausstellung einen einzigartigen Blick auf Lanzmanns Arbeitsprozess und die Entstehung eines der bedeutendsten Dokumentarfilme der Geschichte. (Quelle: visitberlin.de)

Am 26. April 1478 wurden Lorenzo und Giuliano de' Medici im Chor der Kathedrale von Florenz überfallen. Giuliano verlor sein Leben, Lorenzo überlebte und bestrafte anschließend die Drahtzieher dieser Verschwörung, allen voran die Familie Pazzi. Die Ausstellung möchte diese Geschichte anhand der Sammlungen der Staatlichen Museen zu Berlin nachzeichnen. Das Münzkabinett besitzt Medaillen, die alle Protagonisten der Affäre darstellen, während viele dieser Figuren auch durch Porträts dargestellt werden, die sich jetzt in der Skulpturensammlung und in der Gemäldegalerie befinden – angefangen mit Giuliano, dessen Züge Sandro Botticelli nach seinem Tod mit gesenktem Blick malte. Die „Pazzi-Verschwörung“ ist eine tragische und entscheidende Geschichte des florentinischen Quattrocento, die allein die Bedeutung der italienischen Renaissance zusammenfasst: eine Epoche, in der gewalttätige politische und religiöse Konflikte in unvergessliche künstlerische Kreationen umgewandelt wurden. Eine Sonderausstellung des Münzkabinetts und der Skulpturensammlung – Staatliche Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Die Installation im Projektraum des ZAK ist der zweite Teil des Projekts Denkmal Streicheln – Denkmal Hören von Justin Time und Sabine Ercklentz, das sich mit Denkmälern im öffentlichen Raum beschäftigt und unübliche Wege der Annäherungen wählt. Auf drei partizipativen Stadtspaziergängen im Sommer 2025 wurden Bronzeplastiken und Steinskulpturen im öffentlichen Raum verschiedener Spandauer Stadtteile ertastet und „erfühlt“. Tonaufnahmen dieser Begegnungen werden in der Ausstellung zu einer klingenden begehbaren Skulptur verarbeitet. Ein multisensorischer Erfahrungsraum, eine „Anti-Bronze“ entsteht. Sabine Ercklentz ist eine deutsche Trompeterin und Komponistin, deren Arbeiten sich häufig in musikalischen Grenzbereichen und über feste Genregrenzen hinwegbewegen. Sie ist Teil des elektroakustischen Duos ercklentz**neumann und des Splitter Orchesters. Justin Time ist Multimediakünstler, Filmemacher und Kurator. Nach seiner Steinmetz*inausbildung begab er sich für drei Jahre auf die Walz quer durch Europa. Er studierte Bildende Kunst und Bildhauerei an der Kunstschule Berlin Weißensee und Urban Studies am San Francisco Art Institute. Gefördert aus Mitteln des Fonds Dezentrale Kulturarbeit Spandau. Mit freundlicher Unterstützung der bezirklichen Förderfonds der Senatsverwaltung Kultur und Europa. (Quelle: visitberlin.de)

Das Akkordeon ist in vielen Stilrichtungen ein bekannter Akteur: in folkloristischer und populärer Musik, im Jazz und in Tanzmusik, sowie in zeitgenössischer Musik. Durch Yann Tiersens Soundtrack zum Film Die fabelhafte Welt der Amelie wurde sein Klang einem Millionenpublikum vertraut. Die Töne erklingen durch frei schwingende Metallzungen. Der Balg zum Erzeugen des Luftstromes lässt das Instrument atmen, womit die Musik einen einzigartigen Charakter erhält. Entstanden ist das Akkordeon ab ca. 1820 gleichzeitig in Deutschland und Österreich. Mittlerweile gibt es zahlreiche Varianten. Gemeinsam ist ihnen, dass Einzeltöne über Knöpfe oder Tasten in der rechten Hand gespielt werden. Die Knöpfe in der linken Hand lassen ganze Akkorde erklingen. Die Herstellung in großer Stückzahl erfolgte ab Mitte des 19. Jahrhunderts. Größere Betriebe montierten die Einzelteile, die oft von Gelegenheitsarbeitern zu Hause angefertigt wurden. Händler nahmen fertige Instrumente ab und versandten sie in die ganze Welt. Da sie robust und gut zu transportieren sind, erklangen sie bald in Konzert- und Tanzsälen, bei Volksfesten und zahlreichen weiteren Gelegenheiten. (Quelle: visitberlin.de)

Father, zu sehen vom 21. November 2025 bis zum 19. April 2026 im Fotografiska Berlin, ist eine sehr persönliche und autobiografische Ausstellung der Künstlerin Diana Markosian. Sie beschäftigt sich mit Themen wie Abwesenheit, Erinnerung und Versöhnung und reflektiert darüber, wie Entscheidungen unser Leben prägen.Markosian wurde in Moskau geboren und verließ Russland im Alter von sieben Jahren mit ihrer Mutter und ihrem älteren Bruder, um schließlich nach Kalifornien zu ziehen. Dieser Umzug ans andere Ende der Welt festigte und besiegelte scheinbar endgültig den Bruch ihrer Familie, der bereits zuvor stattgefunden hatte. Markosians Eltern hatten sich vor ihrer Geburt getrennt, und als sie nach Amerika zogen, war ihr Vater in vielerlei Hinsicht bereits aus ihrem Leben verschwunden. In Kalifornien angekommen, versuchte ihre Mutter, sogar sein Bild aus ihrem Leben zu entfernen, indem sie sein Foto aus den Familienfotos herausschnitt. Fünfzehn Jahre, nachdem sie ihn zum letzten Mal gesehen hatte, und ohne ein Foto, das sie an ihn erinnerte, oder eine Adresse, an die sie sich wenden konnte, machte sich Markosian auf die Suche nach ihrem Vater in Armenien. Father fängt Markosians Versuch ein, über ein Jahrzehnt hinweg eine Beziehung zu ihm aufzubauen, wobei jeder Besuch neue Komplexitäten über den Elternteil, den sie verloren hatte, und darüber, wie dieser Verlust ursprünglich und im Laufe der Zeit die Person geprägt hatte, die Markosian geworden war, offenbarte. 21 Nov 2025 - 19 Apr 2026 mage credit: © Diana Markosian (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung zeigt, wie fünf junge Designer:innen traditionelle Handwerkskunst in zeitgenössische Mode überführen. Präsentiert werden aufwendige Modeentwürfe, ergänzt durch Einblicke in ihre Entstehungsprozesse. Zugleich lädt die Schau dazu ein, Handwerk als einen generationsübergreifenden Dialog zu verstehen – und diesen aktiv weiterzuführen.Analoge Künste in digitalen ZeitenKann Handwerkskunst als Austausch von Erfahrungen über Generationen hinweg gelesen werden? Ist es möglich, einen Dialog über ein zutiefst analoges Gut auch im digitalen Zeitalter fortzusetzen? Und wie werden sich zukünftige Generationen an traditionelle Techniken erinnern – lassen sie sich bewahren und weiterentwickeln? Mit diesen Fragen setzten sich fünf junge Modedesigner:innen über mehrere Monate intensiv auseinander. „Dabei haben wir uns ein Universum vorgestellt, in dem diese Erinnerung als Nostalgie Gestalt annimmt – wie eine Reminiszenz, bei der es unmöglich ist zu unterscheiden, was real und was imaginiert ist“, so Aleksander Kudrischow, Laura De Sousa, Lennart Bohle, Jon Liesenfeld und Melanie Parzenczewki vom V-Collective. „In dieser Welt taucht das Handwerk in neuen Formen wieder auf: Manche Details bleiben lebhaft, andere verschwimmen, lösen sich auf und verschmelzen zu einer hybriden, futuristischen Vision von Handwerkskunst“. Auf Grundlage dieser gedanklichen und handwerklichen Auseinandersetzung entstand die Kollektion „Echoes of Tomorrow“, die in den Räumen der Gemäldegalerie präsentiert wird. Die Ausstellung lädt Besucher*innen dazu ein, traditionelle Techniken neu zu entdecken, ihre zeitgenössischen Interpretationen kennenzulernen und über die Mode von morgen nachzudenken. Ein Jahr des Experimentierens und ErschaffensDas V-Collective besteht aus Teilnehmerinnen der Initiative Fashion x Craft. Das Förderprogramm des Fashion Council Germany, realisiert in Kooperation mit eBay Deutschland und The King’s Foundation, richtet sich an junge Mode- und Textildesignerinnen und vereint die Schwerpunkte Nachhaltigkeit, Handwerkskunst und Innovation. Im Rahmen von Residency-Aufenthalten beim Good Garment Collective in Berlin sowie an einem Stiftungssitz der King’s Foundation im englischen Highgrove nahmen die Teilnehmer:innen an umfassenden Workshops und intensiven Mentoringprogrammen teil. Dabei wurden sie an handwerkliche Prozesse herangeführt, die weit über klassische Mode- und Textilproduktion hinausgehen. Aus der diesjährigen Programmrunde ging das V-Collective mit einer 24-teiligen Modekollektion hervor. Die Entwürfe basieren auf vielfältigen Handwerkskünsten, die im Laufe des Projektjahres vermittelt wurden – darunter natürliche Färbetechniken, Weben und Klöppeln, ebenso wie fachfremde Verfahren wie Korbflechten sowie Metall- und Holzarbeiten. Gefertigt wurden alle Stücke aus sogenannten Deadstock-Materialien, also ungenutzten Stoffen und Fasern aus Beständen größerer Unternehmen. Rohe Atelierwand im institutionellen RaumDie Kleidungsstücke der Kollektion werden in Form einer Bühneninstallation ausgestellt. Dabei spielen die Räumlichkeiten der Gemäldegalerie eine wichtige Rolle für das Inszenierungskonzept: Der musealen Perfektion des Ausstellungsortes – den der Kreativdirektor des Traditionshauses Dior, Jonathan Anderson, unlängst als einen der schönsten Museumsräume der Welt beschrieb – setzt die Schau des V-Collective im hinteren Teil der Wandelhalle eine zum Teil herbe, rohbauliche Wandgestaltung mit Gips- und Farbresten entgegen. Ergänzt durch Stoffhängungen, Collagen und Skizzen entsteht der Eindruck einer Atelierwand, die den Erarbeitungsprozess der Kollektion atmosphärisch in den institutionellen Raum der Gemäldegalerie überträgt und dort nachvollziehbar macht. Eröffnung im Rahmen der Fashion WeekDie Ausstellung wird im Rahmen der Berlin Fashion Week feierlich eröffnet. Parallel dazu ist im vorderen Teil der Wandelhalle die Ausstellung „Gallery Looks. Modeinszenierungen in der Gemäldegalerie“ zu sehen. Sie bringt Kunst der Vergangenheit in einen spannungsvollen Dialog mit zeitgenössischer Mode – in Entwurf, Fotografie, Film und Haute Couture. Eine Sonderausstellung der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Der traditionelle Ostermarkt auf Schloss Hof öffnet an vier Wochenenden seine Tore und lädt damit zum stimmungsvollen Auftakt in eine neue Saison voll abwechslungsreicher Barockerlebnisse ein. Flanieren Sie durch den Gutshof und die aufblühenden Gärten, genießen Sie die vorösterliche Stimmung und lassen Sie sich aus dem kunsthandwerklichen Angebot des Ostermarktes zu zauberhaften Geschenkideen inspirieren. Termine: 7. & 8. März | 14. & 15. März | 21. & 22. März | 28. & 29. März | 2.-6. April 2026 EINTRITT: Ostermarkt: Erwachsene € 12,00 | Kinder (6-18 J.) € 6,00 | Kinder unter 6 Jahren kostenlos Schlossticket & Ostermarkt: Erwachsene € 24,00 | Kinder (6-18 J.) € 13,50 Alle Informationen zum Programm unter www.schlosshof.at

Max Liebermann hat mit seiner impressionistischen Malerei die erste Avantgardebewegung in Deutschland angestoßen. Als Sammler und Vermittler französischer Impressionisten und als Präsident der Berliner Sezession hat er der Kunstwelt im national geprägten Kaiserreich Internationalität gegeben. Die Ausstellung widmet sich der Vielfalt an Themen und Stilen zwischen 1870 und 1930. Sie stellt neben den im Kanon verankerten Malern wie Lovis Corinth, Max Liebermann und Max Slevogt auch weniger bekannte Künstlerinnen und Künstler wie Maria Slavona und Lesser Ury vor. Den Ausgangspunkt für die groß angelegte Sonderausstellung zur Malerei des deutschen Impressionismus bildet eine Privatsammlung, die neben neun Gemälden von Max Liebermann u. a. bedeutende Werke von Max Slevogt und Lesser Ury umfasst. Bereichert wird dieser umfangreiche Grundstock an Arbeiten durch mehr als 100 Leihgaben aus etwa 50 internationalen Museums- und Privatsammlungen. Die Ausstellung soll die Vielfalt und Diversität des deutschen Impressionismus anhand dieser künstlerischen Positionen reflektieren. Dabei spannt sie einen chronologischen Bogen von den 1870er bis zu den 1930er Jahren. Neben Schlüsselwerken von seit Langem fest im Kanon verankerten Malern wie Lovis Corinth, Max Liebermann, Max Slevogt oder Fritz von Uhde werden auch Arbeiten weniger bekannter Künstler miteinbezogen, darunter Philipp Franck, Theodor Hagen, Friedrich Kallmorgen, Gotthardt Kuehl, Christian Landenberger, Heinrich Eduard Linde-Walther, Ernst Oppler, Franz Skarbina, Lesser Ury, Max Uth und Heinrich von Zügel. Darüber hinaus wirft die Ausstellung ein Schlaglicht auf den immer noch vernachlässigten Beitrag, den Frauen zur Entwicklung des deutschen Impressionismus geleistet haben, so etwa Charlotte Berend-Corinth, Dora Hitz, Sabine Lepsius und Maria Slavona. Zu den Leihgebern gehören u. a. die Alte Nationalgalerie in Berlin, die Galerie Neue Meister in Dresden, das Folkwang Museum in Essen, das Städel Museum in Frankfurt am Main, die Hamburger Kunsthalle, die Neue Pinakothek in München, das Musée d’Orsay in Paris und das Belvedere in Wien. Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit dem Museum Frieder Burda, Baden Baden. (Quelle: visitberlin.de)

Die in Berlin lebende Künstlerin Annika Kahrs (geboren 1984) zeigt die bislang umfangreichste Auswahl ihrer Arbeiten. In ihren Videos, Sound-Installationen und Performances erforscht sie die Grenzbereiche von Musik. Annika Kahrs geht den kulturellen und sozialen Funktionen von Musik sowie ihren kommunikativen Dimensionen und formalen Strukturen nach. Die Ausstellung gliedert sich in drei künstlerische Komponenten: Live-Performance, Film/Video, Sound/Musik. Die Arbeit mit Musik als Material sowie die Zusammenarbeit mit Menschen aus verschiedenen Bereichen und Disziplinen sind feste Bestandteile ihrer Kunst. Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Wer sorgt dafür, dass KI funktioniert – und welche Spuren hinterlässt diese Arbeit bei den Betroffenen? Anna Ehrenstein geht in ihrer Ausstellung dieser Frage nach.Das Projekt entstand in enger Zusammenarbeit mit der Forscherin Ariana Dongus sowie den Aktivist*innen und Worker-Researcher*innen Richard Mathenge, Mophat Okinyi und Fasica Berhane, die selbst als digitale Plattformarbeiter*innen tätig waren und Ehrenstein mit weiteren Arbeiter*innen und Beteiligten vor Ort verknüpften. Im Zentrum stehen Menschen, die in Nairobi Large Language Models trainieren oder als Texter*innen in Kairo für OnlyFans arbeiten. Soil, also die Erde, steht in Ehrensteins Arbeit für den Ursprung und die Spuren von Arbeit, die oft unsichtbar bleiben. Sie verkörpert die materiellen Grundlagen, auf denen digitale Ökonomien aufbauen. Zugleich verweist sie auf die Beständigkeit historischer Hierarchien und Ausbeutungsverhältnisse, die in heutigen globalen Arbeits- und Datenökonomien fortwirken. Der Boden fungiert als Symbol für die Verwobenheit von Mensch, Natur und Technologie und bildet den Ausgangspunkt künstlerischer Reflexion sowie kollektiver Fiktion. (Quelle: visitberlin.de)

Von Legenden, Sagen und anderen mystischen Erzählungen in und um Klosterneuburg Tiefblaue Unterwasserwelten mit versunkenen Städten und Schätzen – Felsen, die das Geheimnis eines Marienheiligtums in sich tragen – Eine verlorene Wette, die bis heute in einem Brauch weiterlebt ... Mit viel Freude und Phantasie haben Schülerinnen und Schüler der Volksschulen Hermannstraße, Kierling und Kritzendorf, der Allgemeinen Sonderschule Klosterneuburg und der Privatschule Kritzendorf neben einigen anderen Geschichten auch die Sage von der versunkenen Stadt Höflein, die Gründungsgeschichte der Lourdesgrotte in Maria Gugging und die Erzählung vom Pantoffelhelden von Klosterneuburg in farbenfrohen Bildern und als „Sagen im Schuhkarton“ zum Leben erweckt. Neben den Zeichnungen und „Schachteln“ der jungen Künstlerinnen und Künstler, bilden historische Hintergrundinformationen und passende Objekte aus den Sammlungen des Stadtmuseums und des Stadtarchivs einen abwechslungsreichen Rahmen für die Geschichtensammlung. Die großartigen Werke der Kinder sind für die Sonderausstellung „Sagenhaft!“ – Mystische Erzählungen aus Klosterneuburg und Umgebung entstanden, die ab 8. November im Stadtmuseum Klosterneuburg zu sehen ist und bis 31. Mai 2026 läuft.

Restaurierung ist ein faszinierendes, aber oft verborgenes Berufsfeld im Museum. Was wird wie erhalten und wer entscheidet darüber? Diese Ausstellung beleuchtet die verschiedenen Aspekte dieser bedeutenden Arbeit. Vor der Eröffnung des Humboldt Forums in Berlin wurden tausende Exponate aus verschiedenen Regionen der Welt, darunter viele „Cultural Belongings“ – mit den Menschen verbundene kulturelle Dinge – von Restaurator*innen für die Ausstellungen vorbereitet. Solche Arbeiten finden vornehmlich hinter den Kulissen statt und sind für die Besucher:innen kaum sichtbar. Vorgestellt werden zwei Wappenpfähle von der Nordwestküste Kanadas, ein kunstvolles Lackschränkchen aus der Qing-Dynastie, ein mongolischer Schrein aus dem 20. Jahrhundert und eine Zeremonialpfeife der Umonhon aus Nebraska. Diese fünf Exponate und eine Broschüre mit vertiefenden Informationen eröffnen spannende Einblicke in Fragen und Methoden der Restaurierung. Im Mittelpunkt stehen die komplexen Entscheidungsprozesse, die den Erhalt und die Präsentation von Kulturgut beeinflussen. Dabei liegt ein Fokus auf dem Dialog und der Kooperation zwischen internationalen Partner*innen, Restaurator:innen und Kurator:innen. Wie beeinflussen diese Diskussionen den Umgang mit Sammlungen, die Restaurierung und die Präsentation? Einsichten – Aussichten Begleitend zur Ausstellung bietet das Vermittlungsprojekt Einsichten – Aussichten eine besondere Perspektive: Schüler:innen des Carl-Friedrich-von-Siemens-Gymnasiums in Berlin-Spandau haben vier Hörtexte entwickelt, die die gezeigten Exponate auf ganz neue Weise erlebbar machen. Eine temporäre Ausstellung der Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss in Zusammenarbeit mit dem Ethnologischen Museum und dem Museum für Asiatische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz. - kostenfrei - New ticket prices from 3 October 2025, further information underVisit > Admission & Tickets - Museum für Asiatische Kunst, 3. OG, Wechselausstellungsfläche 47, Raum 301 - Sprache: Deutsch, Englisch - Öffnungszeiten: Mo, Mi, Do, Fr, Sa, So: 10:30 – 18:30 Uhr, Di: geschlossen (Quelle: visitberlin.de)

Willkommen im Wohnzimmer. Ein Treffpunkt der Generationen. Dieser Raum lädt zum Lesen, Entspannen, Weben, Stricken, Anschauen und Zuhören ein. Als Teil des Programms Beziehungsweise Familie bietet er die Möglichkeit, zur Ruhe zu kommen, neugierig zu werden und aktiv zu erkunden. Das Wohnzimmer eröffnet Zugänge zu vielfältigen Formen von Familie. Es stellt Fragen danach, wie familiäre Hintergründe Lebenswege prägen und wie die eigene Lebensgeschichte mitgestaltet oder „verwebt“ wird. Kollektive Wandcollage und Web- und Strick Workshopreihe Eine partizipative Wandcollage und Workshop-Reihe erkundet die matriarchalen Linien der Wayuu-Gemeinschaft durch Textilkunst und Storytelling. Dem Faden der Geschichte von Waleker folgend, sind die Besucher*innen eingeladen, mitzuweben. Besuchen Sie die Workshopreihe Geschenk der Spinne! Das Projekt erkundet die reiche Kosmologie und weibliche Linie der Wayuu-Gemeinschaft im Norden Kolumbiens und Venezuelas. Das Aliwaa-Kollektiv – Sindri Gonzales Ipuana (Wayuu-Weberin), Stefannia Doria (Kuratorin aus Kolumbien) und Raquel van Haver (Künstlerin aus Kolumbien und den Niederlanden) – hat die Grundlage für ein gemeinschaftliches Kunstwerk geschaffen. Die gewebten oder gestrickten Beiträge von Besucher*innen des Humboldt Forums sowie Werke der Wayuu-Webcommunity werden hinzugefügt und bilden gemeinsam eine Collage, die von allen Beteiligten ko-kreiert wird. Bis in den Frühling wird sie stetig wachsen. Auch das Diorama Erinnerung, Identität, Weitergabe ist ein kollaboratives Werk. In einem zehntägigen Workshop entstand aus persönlichen Erinnerungen, familiären Überlieferungen und alltäglichen Handlungen diese kollektive, transgenerationelle Familiengeschichte. Da die familiäre Linie ein zentrales Thema im Wohnzimmer ist, präsentieren wir außerdem den neuen Kurzfilm What Difference Would It Make If I Told You? von ŞOKOPOP (Ekim Acun) über vererbte Familiengeheimnisse. Acun gibt einen Einblick in seine Familiengeschichte, deren kurdisch-zazaische und türkisch-armenische Wurzeln ihm lange verborgen blieben. Er offenbart Fragmente von Überleben, Aktivismus und geerbtem Schweigen – bis ein persönliches Geheimnis das Muster des Verschweigens durchbricht. Entdecken Sie schließlich in der Familien-Bibliothek für Alle Geschichten über Verwandschaft, Fürsorge und besondere Beziehungen. Die von Black Dads Germany kuratierte Auswahl bietet vielfältige Bücher (ab 3 Jahren) mit lokalen und globalen Perspektiven. Black Dads Germany schafft sichere Räume für diverse Väter und Kinder, stärkt Familien und vernetzt Gemeinschaften deutschlandweit. Beteiligte Ekim Acun (Tunceli, 1988) studierte Film und Fernsehen an der Universität Roma Tre und am UAL: London College of Communication. Er nahm als bildender Künstler an verschiedenen Ausstellungen in London und Istanbul teil. 2018 gründete er ŞOKOPOP, das sich mit den Themen Erinnerung, Geschlecht und Identität anhand der Geschichte der türkischen Populärkultur beschäftigt. Mit seinen Dokumentarfilmen, Performances, Collagen und Videoarbeiten, die aus intensiven Forschungsprozessen hervorgehen, untersucht er weiterhin Sexualität und Zensur durch eine queere Linse. Die Gruppe Erinnerung, Identität, Weitergabe ist ein zeitlich begrenztes kollaboratives Projekt zum transgenerationalen Erinnern mit Florian Hermes, Honorata Nawrocki, Marisol Ozomatli Malinalli, Leila, Franziska Pierwoss, Diana Krämer und Alia Rayyan. Aliwaa Collective: Die Wandcollage The Story of Waleka wurde vom Aliwaa Collective geschaffen. Das Aliwaa Collective besteht aus Sindri Gonzales Ipuana (Wayuu-Weberin aus Kolumbien), Stefannia Doria (Kuratorin aus Kolumbien) und Raquel van Haver (Künstlerin aus Kolumbien und den Niederlanden). Alain Missala leitet eine Basisbewegung für Schwarze Männer in Deutschland, mit einem besonderen Schwerpunkt auf ihrer Identität als Väter. Mit dieser Initiative prägt er das öffentliche Bild der Schwarzen Vaterschaft in der deutschen Gesellschaft neu und rückt Schwarze Narrative in den Mittelpunkt kultureller Repräsentation. Seine Arbeit richtet sich insbesondere an kommende Generationen und nutzt Kinderliteratur als Instrument, um positive Darstellungen Schwarzer Familien zu fördern. Alain ermutigt Schwarze Väter, zu Veränderungsakteuren in ihren Gemeinschaften zu werden und langfristige gesellschaftliche Transformation voranzutreiben. - Eintritt frei - Ort: Sonderausstellungs-Foyer, EG - ab 3 Jahre - Sprachen: Deutsch, Englisch - Öffnungszeiten: Mo, Mi, Do, Fr, Sa, So: 10:30 – 18:30 Uhr; Di: geschlossen - Laufzeit: 24.01.2026 bis 03.08.2026 (Quelle: visitberlin.de)

Das Gebiet des heutigen Tansanias ist geprägt von einer wechselhaften Geschichte. Aufgrund seiner Lage am Indischen Ozean waren die dortigen Gesellschaften schon früh Teil transregionaler Handelsnetzwerke. Während der deutschen Kolonialherrschaft war Tansania Teil der Kolonie „Deutsch-Ostafrika“ (1884/85-1918/19), darauffolgend britische Kolonie „Tanganyika“ (bis 1961). Die Folgen von Unterdrückung, Ausbeutung und Gewalt wirken bis in die Gegenwart. Während des Kolonialismus wurden Tausende von cultural belongings nach Deutschland gebracht. Im Ethnologischen Museum in Berlin befinden sich mehr als 10.000 ‚Objekte‘ aus dem heutigen Tansania. Zur Sonderausstellung Welche Geschichten erzählen diese cultural belongings? Anhand von diversen Erzählungen, Perspektiven und cultural belongings werden die jahrhundertelangen Verflechtungen des heutigen Tansanias gezeigt. Ein besonderer Fokus liegt auf dem Zeitraum der kolonialen Unterdrückung und Ausbeutung. Koloniale Erzählungen werden kritisch reflektiert und rassistische Zuschreibungen hinterfragt. Die Ausstellung wurde kollaborativ entwickelt und zeichnet sich durch vielseitige Erzählungen und Perspektiven aus. Die Kurator:innen aus Dar es Salaam, Songea und Berlin sowie die Repräsentant*innen von Communities in Tansania kommen in Texten und filmischen Interviews in der Ausstellung zu Wort. Werke von ostafrikanischen Künstler:innen setzen sich kritisch mit dem kolonialen Blick auseinander. Die cultural belongings und die verschiedenen Perspektiven werden präsentiert in einer Architektur aus Teakholz und Bambus, die die ‚Objekte‘ zugleich schützt und eine ästhetisch-sinnliche Erfahrung bietet. Kurzfilmprojekt City Research Integraler Bestandteil der Ausstellung ist das internationale Schüler:innenprojekt City Research. Zwei Gruppen von Schüler:innen – eine in Berlin, eine in Dar es Salaam – begaben sich auf Stadtuntersuchungen und befassten sich mit heute erkennbaren Spuren des Kolonialismus. Es entstanden Kurzfilme die sich z.B. mit Gebäuden, Straßennamen und Plätzen beschäftigen und die in der Ausstellung gezeigt werden. Die Ausstellung ist eine Kollaboration des National Museum of Tanzania, des Ethnologischen Museum und des Zentralarchivs, Staatliche Museen Berlin – Stiftung Preußischer Kulturbesitz und der Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss. Veranstaltungen Ergänzt wird die Ausstellung „Geschichte(n) Tansanias“ durch ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm, das aktuelle, künstlerische Positionen aus Tansania und der tansanischen Diaspora präsentiert, die nicht nur den langen Schatten der Kolonialzeit auf künstlerisch-kritische Art und Weise reflektieren, sondern auch Zukunftsvisionen jenseits kolonialer Narrative formulieren. Tansanische Künstler:innen aus den Bereichen Film, Tanz, Fotografie, Medien-Kunst und Musik geben Einblick in aktuelle Debatten, Ästhetiken und Strategien der kulturellen (Wieder-)Aneignung. - 14 € / 7 € Humboldt Forum Ticket - Sprachen: Deutsch/Englisch - Wechselausstellungsfläche, 2. OG im Humboldt Forum - Öffnungszeiten: Ausstellungen: mittwochs bis montags von 10:30 – 18:30 Uhr. Dienstag ist regulärer Schließtag. (Quelle: visitberlin.de)

Bezüge zum Thema „Familie“ verdeutlichen zwei ausgestellte Seidenmalereien: Zum einen die Darstellung der stillenden Göttin Hariti, die als Beschützerin der Kinder verehrt wird. Zum anderen eine außergewöhnlich seltene und frisch restaurierte Seidenmalerei, die weibliche manichäische Geistliche (Electae) zeigt, die ihre Familien verließen, um sich ganz der Religion zu widmen. Kuratorin Die Wechselpräsentation ist kuratiert von Lilla Russell-Smith, Kuratorin für Zentralasiatische Kunst, Museum für Asiatische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin. „Familie und Religion“ ist die Wechselpräsentationen in der Dauerausstellung „Kunst von der nördlichen Seidenstraße“ des Museums für Asiatische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin. - Ort: Kuppelraum, Raum 317 - Sprachen: Deutsch und Englisch - Rollstuhlgerecht - Preis: Es wird ein Humboldt Forum Ticket benötigt: 14,00 EUR / 7,00 EUR ermäßigt - Laufzeit der Ausstellung/Wechselpräsentation: 01.08.2025 - 01.07.2026 - Öffnungszeiten: mittwochs bis montags von 10:30 – 18:30 Uhr. Dienstag ist regulärer Schließtag (Quelle: visitberlin.de)

Wie tief greift der Staat in das private Leben ein? Im Fokus der Ausstellung steht das Spannungsverhältnis von Familie und Staat im 20. Jahrhundert in China und Korea – zwischen Ideologie, Fürsorge und Kontrolle. Gezeigt werden Fotografien des chinesischen Künstlers He Chongyue, die historische Propagandaparolen zur Ein-Kind-Politik in ländlichen Regionen sichtbar machen, neben eindrücklichen Positionen zur Adoptions- und Geschlechterpolitik in Süd- und Nordkorea aus der eigenen Sammlung. Ein zentrales Werk ist Family von Mao Tongqiang. Die fotografische Serie veranschaulicht paradigmatisch den Wandel chinesischer Familienstrukturen: von der Produktionsgemeinschaft vergangener Zeiten hin zu konsumorientierten, mobilen und oft kleineren Haushalten. Jane Jin Kaisens poetisch-politische Videoarbeit The Woman, The Orphan, and The Tiger thematisiert transgenerationale Traumata koreanischer Frauen zwischen Kolonialherrschaft, Militärgewalt und transnationaler Adoption. Ein verwandtes Thema verhandelt Mirae kate-hers Rhee in der eigens für die Ausstellung entwickelten Arbeit K-Orphan Style, in der sie autoethnografisch ihre eigene Adoption aus Südkorea in die USA reflektiert. Drucke von Siren Eun Young Jung hinterfragen tradierte Geschlechterrollen und eröffnen queere Perspektiven auf Erinnerung, Zugehörigkeit und Identität. Eine Ausstellung im Museum für Asiatische Kunst im Humboldt Forum Kuratorin Maria Sobotka, Co-Kuratorin Lu Tian. - Sprache: Deutsch, Englisch - Ort: 3. OG, Raum 318, Raum 319 - Laufzeit: 28.11.2025 bis 25.06.2026 - Öffnungszeiten: mittwochs bis montags von 10:30 – 18:30 Uhr. Dienstag ist ein regulärer Schließtag. (Quelle: visitberlin.de)

Erleben Sie die Original-Skulpturen der historischen Schlossfassade aus nächster Nähe: Der Skulpturensaal, ein Raumentwurf des italienischen Architekten Franco Stella, entspricht in seinen Maßen dem barocken Großen Treppenhaus des Berliner Schlosses, das sich einst an dieser Stelle befand. Gezeigt werden hier Fragmente des Schlosses aus mehreren Jahrhunderten. Viele davon waren Teile des barocken Fassadenschmucks, den der aus Danzig (heute Gdańsk in Polen) stammende Schlossbaumeister Andreas Schlüter (1634–1714) entworfen hat. Zu den ausgestellten Objekten gehörten auch sechs kolossale Figuren, die einst das Hauptportal des Innenhofs bekrönten. In ihrer Pracht und Symbolik verdeutlichen die barocken Kolossalskulpturen den gewachsenen Herrschaftsanspruch der Hohenzollern innerhalb Europas um 1700. Die Ausstellung bietet Einblicke in die faszinierende Entstehungsgeschichte der historischen Skulpturen wie auch der neu geschaffenen Kopien. - Eintritt frei, kein Zeitfenster-Ticket erforderlich - Deutsch, Englisch - rollstuhlgerecht Wer mehr Informationen zur Geschichte des Ortes finden möchte, für den empfiehlt sich der Shop im Humboldt Forum oder er besucht den Online-Shop mit einer Auswahl von Titeln und Katalogen. Wer mehr Informationen zum Programm erhalten möchte, dem empfehlen wir den Newsletter.(Quelle: visitberlin.de)

Begeben Sie sich im Humboldt Forum in Berlin auf eine visuelle Zeitreise durch acht Jahrhunderte. Eine Collage aus Bildern und Filmen zeigt die Gebäude, die einst hier standen, ihre Nutzungen und wichtige Ereignisse, die hier stattfanden. Sie macht deutlich, dass der Ort über Jahrhunderte repräsentatives Machtzentrum war, symbolisch aufgeladen und oft umstritten. Hier haben Fürsten und Politiker abgerissen, umgebaut oder neu gebaut, um ihren politischen Anspruch und ihre Visionen auszudrücken. Auch die Gestaltung des Ausstellungsraums mit seinen rohen Betonwänden spielt darauf an, dass dieser Ort immer eine „Baustelle der Macht“ war. Mit dem Video Panorama bietet das Humboldt Forum einen Einstieg in die Geschichte des Ortes. Der Skulpturensaal, der Schlosskeller und die Ausstellung Spuren, dezentral auf das Gebäude verteilt, ergänzen diesen Zugang. Wer noch mehr in die Geschichte eintauchen möchte, dem bietet die Berlin-Ausstellung "Berlin Global" und die Ausstellung "Einblicke. Die Brüder Humboldt" weitere spannende Eindrücke. - Eintritt frei - Öffnungszeiten: Ausstellungen: mittwochs bis montags von 10:30 – 18:30 Uhr. Dienstag ist regulärer Schließtag. (Quelle: visitberlin.de)

Mit diversen Sonderausstellungen, dem Kunsthistorischen Museum, dem Museum für Gegenwartskunst und der Klosterbibliothek.

The Fans Strike Back – Eine Hommage an die Macht der Fans verlängert bis 12. April

Erlebe ein einzigartiges Museumerlebnis in Berlin-Mitte. Im Aster 3D TrickArt Museum wirst du nicht nur Zuschauer, sondern selbst Teil der Kunst! In unserer interaktiven 3D-Ausstellung kannst du in beeindruckende TrickArt-Szenen eintauchen, optische Illusionen erleben und kreative Perspektiven entdecken. Ob allein, als Paar, mit Freunden oder mit der ganzen Familie, dich erwartet ein Erlebnis voller Spaß, Staunen und einzigartiger Fotomomente. Highlights: Interaktive 3D Trick / Art & Illusionswelten / Ideal für Familien, Paare, Gruppen und TouristenIndoor-Erlebnis, perfekt bei Kälte oder Regen / Snacks & Getränke im Museum erhältlich /Garderobe vorhanden / Stative/Tripods zur Miete verfügbar (für perfekte Fotos). Bring deine eigene Kamera oder Smartphone mit. Plane ca. 60-90 Minuten ein. Die Ausstellung ist für alle Altersgruppen geeignet. Jetzt Tickets sichern und Berlin kreativ erleben! (Quelle: prinz.de)

Reflexion des Vaterseins in der Kunst

Nach dem Gottesdienst zog es Søren Wendt – eigentlich Musiker – mit seiner Kamera immer wieder in den Gemeindegarten: an den Rand der Beete, ins Gebüsch, über die Wiese oder auf die warmen Gehwegsteine. Seine stillen Entdeckungen sind nun in einer kleinen Ausstellung zu sehen – und können auch erworben werden.Ausstellung vom 5. April - 24. Mai Ausstellungseröffnung: Ostersonntag, 5. April, nach dem Gottesdienst Besichtigung: dienstags 13 - 16 Uhr mittwochs 10 - 15 Uhr donnerstags 10 - 15 Uhr sonntags nach dem Gottesdienst sowie nach telefonischer Absprache Der Eintritt ist frei. (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung präsentiert über 60 Werke aus verschiedenen Schaffensphasen und gibt einen eindrucksvollen Einblick in Deussers künstlerische Entwicklung zwischen Impressionismus und früher Moderne. Im Mittelpunkt stehen Landschaften, Porträts und stimmungsvolle Farbkompositionen, die Deussers besonderes Gespür für Licht, Bewegung und Atmosphäre widerspiegeln.August Deusser gilt als wichtiger Vertreter der deutschen Moderne und als Wegbereiter künstlerischer Avantgarde im Rheinland. Er war eines der bedeutendsten Mitglieder des Sonderbundes, in dem Max Liebermann Ehrenmitglied war. Diese persönliche Verbindung von Deusser und Liebermann wird durch die geografische Nähe der beiden Ausstellungsorte in Berlin unterstrichen. Dadurch bietet sich die Gelegenheit, die Ausstellungen von August Deusser und die Liebermann-Villa an einem Tag zu besuchen und die Kunst beider bedeutenden Maler auf einzigartige Weise zu erleben. Verbunden werden diese beiden Standorte durch die Havel, die durch Spandau – den Standort der Villa Schützenhof – fließt und schließlich in den Wannsee mündet. Diese Verbindung schafft eine subtile Brücke zum Ausstellungsthema „Panta rhei – alles fließt“ und lädt dazu ein, die künstlerische Welt in ihrem steten Wandel zu entdecken. Sie blicken mit Freude und Dankbarkeit auf den regen Andrang und das positive Feedback zu den letzten Ausstellungen zurück und sehen in Berlin eine wunderbare Möglichkeit, noch mehr Menschen die Kunst August Deussers näherzubringen. Mit dieser Ausstellung werden die Werke von August Deusser erstmals in Berlin präsentiert – ein weiterer Meilenstein für die Vermittlung seines künstlerischen Schaffens. Der Eintritt ist frei (Quelle: visitberlin.de)

Eintritt und Führung sind frei.

OnView ist eine kuratierte Filmreihe des PalaisPopulaire: Jeweils im Frühjahr und Herbst präsentiert das Haus über einen Zeitraum von bis zu acht Wochen Filme internationaler Künstler:innen zu einem Themenbereich.Unter dem Titel Power vereint die dritte Ausgabe Arbeiten unter anderem von Karimah Ashadu, Korpys/Löffler, Erkan Özgen und Ulay / Marina Abramović. Wie in den vorhergehenden Präsentationen sind für OnView – Power Werke ausgewählt worden, welche die unterschiedlichen Bedeutungen und Deutungen des Begriffs reflektieren. Verortet in sozialen oder politischen Kontexten, beschäftigen sich die Filme mit Macht, Kraft, Stärke, Kontrolle oder deren entgegengesetzten Entsprechungen. Power hat viele Facetten! kuratiert von Sara Bernshausen, Stellvertretende Direktorin PalaisPopulaire (Quelle: visitberlin.de)

Die neue Einzelausstellung „Arctic Heroes – Verborgene Geschichten“ in den Nordischen Botschaften führt das Publikum direkt in die arktischen Eiswelten. Der renommierte Fotograf Ragnar Axelsson zeigt in Berlin noch bis zum 12. April 2026 achtzehn seiner beeindruckenden Schwarz-Weiß-Fotografien aus Grönland.Das Publikum begleitet Ragnar Axelsson auf seiner Reise durch den Alltag der Inuit-Jäger und Schlittenhunde durch die grönländische Arktis und erlebt dabei die außergewöhnlichen Beziehungen, die die Menschen der Arktis mit ihrer extremen Umgebung entwickelt haben. Seit über 40 Jahren fotografiert Ragnar Axelsson (* 1958), auch bekannt als Rax, Menschen, Tiere und Landschaften in den entlegensten Regionen der Arktis, etwa in Island, Sibirien und Grönland. Seine Fotografien wurden in Zeitschriften wie LIFE, Newsweek, Stern, GEO, National Geographic, TIME und Polka abgedruckt und weltweit ausgestellt. Ein Dokumentarfilm über die Fotoreise begleitet die Ausstellung und lässt die eiskalten Momente lebendig werden. Ausstellung Montag bis Freitag 11.00 bis 19.00 Uhr Wochenende und Feiertage 11.00 bis 16.00 Uhr Eintritt frei (Quelle: visitberlin.de)

„Vessel & Voyager“ ist das neue Ausstellungsprojekt der JUNGEN AKADEMIE, des internationalen und interdisziplinären Stipendienprogramms der Akademie der Künste. 25 Künstler:innen präsentieren im Akademie-Gebäude am Hanseatenweg neue Arbeiten, die sie im Rahmen ihrer Residenzen entwickelt haben. Sie erkunden Spielräume für künstlerisches Schaffen und Handeln in Zeiten vielfältiger und eskalierender Krisen und setzen sich mit den Themen Verlust und Erinnerung, Körper und Heilung, Schutz und Gemeinschaft auseinander. In der Ausstellung sind Fotografien, Drucke, Collagen, Videoarbeiten, Raum- und Klanginstallationen, Skulpturen, Zeichnungen und Assemblagen zu sehen. Ein Symposium am 17. April diskutiert Fragen zu Kunst, Ökologie und Gender und nimmt Bezug auf die ausgestellten Exponate Am 25. April stehen Performances, Konzerte und Lesungen auf dem Programm Der Titel „Vessel & Voyager“ verweist auf die in künstlerisch-kulturellen und spirituellen Kontexten prominenten Sujets Gefäße (Vessel) und Reisende (Voyager). Die Ausstellung nutzt ‚Vessel‘ in seiner Bedeutung als Behältnis, das verschiedene Erzählungen, Botschaften und Stimmen aufbewahrt, übermittelt und beständig transformiert. ‚Voyager‘ wiederum steht für Reisende, die Verbindungen zwischen Orten, Generationen und Zeiten schaffen. In Bezug auf diese Motive verbinden sich die Arbeiten zu einer Schau der Gegenwart, die Fragen zu Überlieferung, Verantwortung und Verletzlichkeit neu verhandelt. Beteiligte Künstler:innen: Ilit Azoulay, Patrizia Bach, Fanny Brandauer, Eva Dessecker, Anna Dobrova / MetaLab, Sarah Doerfel, Marie-Clémentine Dusabejambo, Nina Emge, Solomon Garçon, gruppe-aja, Thembinkosi Hlatshwayo, Dominique Hurth, Mehdi Jahan, Khensani Jurczok-de Klerk, René Kemp, Josephine Macken, Marina Naprushkina, Thuy-Han Nguyen-Chi, Hrishikesh Pawar, Sophie Seita, Sara Stevanović, Diána Vonnák, Franziska Wenning, Hana Yoo, Saikal Zhunush (Deutsch, Englisch) (Quelle: visitberlin.de)

"Der geteilte Raum". Ausstellung mit Werken von Titus Lerner (Skulpturen) und Franz Politzer (Ölbilder). Zu sehen bis 2. 5.

Ausstellung.

Eine archäologische Sonderausstellung zum Mitmachen für Kinder ab 6 Jahren.

Bei diesem abwechslungsreichen Rundgang durch die Aachener Altstadt lernen die Teilnehmer Aachen mit allen Facetten kennen: als moderne Stadt mit schönen historischen Bürgerhäusern, vielen alten und neuen Brunnen sowie unzähligen Erzählungen rund um Dom und Rathaus. Eine Führung, bei der die 2000 Jahre alte Aachener Geschichte lebendig wird. Eine vorherige Buchung wird empfohlen. Kosten: Erwachsene 12,00 Euro, Jugendliche bis 17 Jahre 5,50 Euro

Die zweite Ausstellung der Bergson Gallery, lädt zu einer interdisziplinären Reise durch die Naturwissenschaften ein und beleuchtet das fragile Zusammenspiel von Mensch, Natur und Technologie. Mit künstlerischen Mitteln – mal analytisch, mal poetisch – ruft sie zu einem bewussten Umgang mit der Erde als lebendigem Wesen auf. Gezeigt werden Werke von fünf Künstler*innen, deren Ansätze unsere Sinne auf vielfältige Weise ansprechen und aktivieren. Sie widmen sich zentralen Fragen unserer Zeit: den Folgen der Industrialisierung, dem menschlichen Optimierungsstreben sowie den unvorhersehbaren Konsequenzen technologischer Entwicklungen. Im Mittelpunkt stehen dabei ökologische Systeme, technische Artefakte und verborgene biologische Lebensformen von ungeahnter Schönheit – und ihr Potenzial, unabhängig vom Menschen oder gemeinsam mit ihm, positive Veränderungen zu erzeugen und globalen Einfluss zu nehmen. Anhand von Bildern, Skulpturen, fotografischen Arbeiten, Videos und Rauminstallationen untersucht und reflektiert Earth Matters in immersiven und eindrucksvollen Werken das, was sowohl die Natur als auch unsere Zivilisation auf der Erde hervorgebracht haben Die Ausstellung möchte im Dialog mit den Besuchenden unter anderem folgende Fragen verhandeln: Wo stehen wir heute – und wohin wollen wir uns entwickeln? Wie können wir verantwortungsvoll mit unserem Planeten umgehen? Und letztlich: Wie groß sind Einfluss und Freiheit des Menschen in einer Welt, die zunehmend von autonomen technologischen Kräften geprägt wird? Führungen: Sa 16:00-17:00, So 14:00-15:00 Termine unter https://bergson.com/production/bergson-gallery-fuehrung Öffnungszeiten Bergson Gallery Do/Fr 14:00-19:00, Sa/So 11:00-19:00 Die Öffnungszeiten der Galerie können aufgrund von Veranstaltungen oder an Feiertagen abweichen. Ausstellung bis 26.4. © Kathrin Linkersdorf Titelbild: Olaf Otto Becker, Primary forest Eintritt frei

Die weltberühmten Vorführungen der Lipizzaner – das „Ballett der Weißen Hengste“ – finden in der von 1729 bis 1735 unter Karl VI. erbauten, prachtvollen barocken Winterreitschule in der Hofburg statt: im schönsten Reitsaal der Welt! Die Vorführungen sind das Ergebnis langjähriger Ausbildung und intensiver Arbeit der Bereiterinnen und Bereiter und ihrer Lipizzaner. Die stürmischen Junghengste bezaubern das Publikum ebenso wie die bereits voll ausgebildeten Schulhengste, die sich in der Schulquadrille, bei den Schulen auf und über der Erde, beim Pas de Deux und am Langen Zügel zeigen. Genießen Sie in dieser Atmosphäre die wunderbare Darbietung der Bereiterinnen und Bereiter und ihrer Lipizzaner begleitet von klassischer Wiener Musik! Kinder Für Kinder im Alter von 3 bis 6 Jahren ist der Eintritt frei (Schoßplatz). Kinder im Alter von 6 bis 12 Jahren erhalten ermäßigten Eintritt. Wir bitten um Ihr Verständnis, dass Kinder bis zum Alter von 3 Jahren nicht in die Vorführung mitgenommen werden dürfen. (Quelle: srs.at)

Die Terrakotta-Armee Ausstellung BERLIN direkt an der S-Bahn Station Johannisthal Vor über 2000 Jahren befahl der erste Kaiser von China – Shi Haun Di – ein einzigartiges Denkmal zu errichten. Er ließ sich ein Mausoleum von göttlichen Außmaßen bauen. Erleben Sie den Zauber der Terrakottakrieger, eine Ausstellung, die Millionen fasziniert. Tauchen Sie ein in die Welt des ersten chinesischen Kaisers, Qin Shi Huang Di, und lassen Sie sich von der beeindruckenden Terrakottaarmee, die vor mehr als 2200 Jahren erschaffen wurde, mitreißen. Mit 170 Exponaten, einschließlich 150 kunstvoll detaillierten und originalgetreuen Terrakottafiguren, erwartet Sie eine eindrucksvolle Darstellung einer antiken Armee. Entdecken Sie Infanteristen, Kavalleristen, Bogenschützen, Offiziere, Generäle sowie Pferde und Wagen. Informative Grafiken und Filmausschnitte bieten Einblicke in die Ära des ersten Kaisers und seine monumentale Grabstätte, umgeben von der Terrakottaarmee. Zusätzlich verdeutlichen verschiedene Modelle und Texte die Einzigartigkeit von Standort, Formation und Entdeckungsgeschichte dieser historischen Schätze. Beim Besuch der Ausstellung werden Sie durch eine Multimedia-Vorführung in die Geschichte eingestimmt und im Nachgang die Ausstellung in einem völlig neuen Blickwinkel erleben. (Quelle: prinz.de)

Bei Pausify bieten wir einzigartige Spaces, in denen Menschen zusammenkommen, sich fokussieren, lesen oder kreativ werden können – und regelmäßig inspirierende Gespräche führen. Egal, ob du eine Pause von den Ablenkungen des Alltags brauchst, dein soziales und berufliches Netzwerk erweitern möchtest oder einfach gute Bücher, Kreativität und inspirierende Diskussionen bei einem Kaffee schätzt – schließe dich uns bei Pausify an. So laufen unsere Events ab:Bring dein aktuelles Buch zum Lesen mit (oder ein kreatives Projekt, an dem du arbeiten möchtest) und sei dabei bei dieser Mischung aus gemeinsamer Fokuszeit und anregenden Gesprächen. (Getränke & Snacks inklusive) 11:00–11:30 – Meet & Greet 11:30–12:30 – Stille Fokuszeit 12:30–13:30 – Austausch über Bücher/Projekte bei Kaffee Bilder und Videos von unseren Events findest du auf Instagram: Pausify Instagram (Quelle: prinz.de)

(Quelle: prinz.de)

Das Berliner Kunstgewerbemuseum (KGM) präsentiert 30 preisgekrönte Projekte, die mit dem Bundespreis Ecodesign, der höchsten staatlichen Auszeichnung für ökologisches Design in Deutschland, geehrt wurden.Die Ausstellung zeigt die Vielfalt nachhaltiger Designlösungen, die von einer interdisziplinären Jury aus Design- und Umweltexpert*innen ausgewählt wurden. Die im Dezember 2025 prämierten Beiträge demonstrieren eindrucksvoll, wie Gestaltung zu Ressourcenschonung, Kreislaufwirtschaft, digitaler Transformation und gesellschaftlicher Innovation beitragen kann. Design prägt und beeinflusst langfristig unterschiedlichste Bereiche unseres Alltags. Die Ausstellung macht erlebbar, in welch breitem Spektrum nachhaltiges Design heute wirkt – von Autoblech und Beton über Over-Ear-Kopfhörer bis hin zu T-Shirts. So demonstriert zum Beispiel das Projekt „Felt the Future“ mit einem Monomaterial-Schuh aus 100 % Wolle das Potenzial biobasierter Werkstoffe, während das Konzept des „SHIFTphones“ die grundsätzliche Möglichkeit, ein Smartphone zu reparieren, gewährleistet. Das vollständig recycelte Aluminium-Autoblech von „Novelis“ wiederum zeigt, dass selbst in energieintensiven Industrien nachhaltige Materialkreisläufe möglich sind. Von Materialien und Produkten über digitale Dienstleistungen bis hin zu neuartigen Systemlösungen zeigt die Ausstellung das immense Potenzial nachhaltiger Gestaltung auf – ein zentrales Thema, dem sich das KGM in hohem Maße verpflichtet fühlt. Die Roadshow des Bundespreises Ecodesign richtet sich an ein breites Publikum aus Designinteressierten, Fachleuten und allen, die sich von zukunftsorientiertem Design begeistern lassen. Über den Bundespreis EcodesignSeit 2012 würdigt der Bundespreis Ecodesign innovative Produkt-, Konzept-, Service- und Nachwuchsarbeiten, die ökologische Qualität mit gestalterischer Exzellenz verbinden. Der Preis wird jährlich vom Bundesministerium für Umwelt, Klimaschutz, Naturschutz und nukleare Sicherheit und dem Umweltbundesamt in Kooperation mit dem Internationalen Design Zentrum Berlin vergeben. Ziel ist es, ökologische Innovationen mit hoher Gestaltungsqualität sichtbar zu machen und Impulse für eine nachhaltige Gestaltungspraxis zu setzen. Noch bis zum 2. April 2026 können Projekte für den Bundespreis Ecodesign eingereicht werden. Eine Sonderpräsentation des Kunstgewerbemuseums – Staatliche Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit dem Internationalem Design Zentrum Berlin. (Quelle: visitberlin.de)

Bereits zum 19. Mal wurde der IBB-Preis für Photographie in Kooperation mit dem Freundeskreis der UdK Berlin | Karl Hofer Gesellschaft e.V. vergeben. Die diesjährigen Preisträger sind Jana Pressler (Hauptpreis) und Moritz Haase (Anerkennungspreis). Die Ausstellung führt zwei künstlerische Positionen zusammen, die Fotografie als Mittel zur Untersuchung von Zeitlichkeit und physikalischer Wirklichkeit nutzen. Beide Arbeitsweisen befassen sich mit Formen der Aufzeichnung und der Sichtbarmachung bildgebender Prozesse. Jana Pressler arbeitet mit Installation, Skulptur und analoger Fotografie. Ihre Werke setzen der flüchtigen Bestätigungskultur Sozialer Medien eine Beschäftigung mit Wahrnehmungsstrukturen entgegen. Im Zentrum ihrer Arbeit stehen das Prozesshafte und Indexikale sowie das Verhältnis von Fläche und Raum. Moritz Haase arbeitet mit Fotografie und Installation, Lichtphänomenen und Erinnerungsräumen. Seine Arbeiten beruhen auf einer Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit, die sich an physikalischen Prozessen orientiert. Aufnahmen aus unterschiedlichen Zeiten und Räumen werden neu geordnet und zueinander in Beziehung gesetzt. Eröffnung der Ausstellung am Donnerstag, den 19. Februar 2026 um 18 Uhr in der Kommunalen Galerie Berlin, Hohenzollerndamm 176, 10713 Berlin Begrüßung Dr. Hinrich Holm | Vorstand Investitionsbank Berlin Christian Bracht | Vorstandsvorsitzender Karl Hofer Gesellschaft Norbert Wiesneth | Kommunale Galerie Berlin Ausstellungsdauer: 20. Februar bis 10. Mai 2026 Kommunale Galerie Berlin, Hohenzollerndamm 176, 10713 Berlin Eintritt frei (Quelle: visitberlin.de)

Boss, Bitch, Baby ist eine Gruppenausstellung, die sich der Vielfalt von FLINTA-Erfahrungen innerhalb zeitgenössischer Hegemonien widmet.BOSS BITCH BABY Eröffnung: 14.02.2026, 18 Uhr Ausstellung: 17.02. - 18.04. 2026 Events: 14.02 um 19 Uhr I said hey, what’s going on? Anti-sexist Empowerment-Karaoke Mit Fenek Selavy Gossip Sitzungen (nur FLINTA): 08.03. 22.03. 29.03. und 12.04. 13-18 Uhr In der Zeit, die von der Wiederkehr des Faschismus und rechter Ideologien geprägt ist, welche die öffentliche Meinung mithilfe von Propaganda dazu benutzen um marginalisierte Gruppen zu stigmatisieren, stehen feministische und queere Bewegungen an vorderster Front des Widerstands. Sie stellen sich nicht nur Sexismus und heteronormativen Geschlechterstereotypen entgegen, sondern auch sich überschneidenden Unterdrückungssystemen wie Rassismus, Ableismus, Ageismus und religiöser Diskriminierung. Innerhalb dieser Schnittstellen spielen FLINTA-Gemeinschaften (Frauen sowie lesbische, intersexuelle, nicht-binäre, trans und agender Personen) eine entscheidende Rolle dabei, offenzulegen, wie bestehende soziale, kulturelle und institutionelle Strukturen weiterhin unzugänglich und ausschließend bleiben. Boss, Bitch, Baby ist eine Gruppenausstellung, die sich der Vielfalt von FLINTA-Erfahrungen innerhalb zeitgenössischer Hegemonien widmet. Sie beleuchtet die kreativen und politischen Werkzeuge, mit denen Identität ausgedrückt, Solidarität aufgebaut und alltägliche Kämpfe widerstanden werden. Durch Kunst, Dialog und performative Gesten betont die Ausstellung sowohl Verletzlichkeit als auch Resilienz: unsere Fähigkeit, zugleich stark, weich, wütend und verspielt zu sein. Im Zentrum dieser Ausstellung steht die Praxis von Care (Fürsorge) – ein wesentliches FLINTA-Prinzip, das über persönliche Beziehungen hinaus in künstlerisches, soziales und politisches Handeln hinein wirkt. Indem Boss, Bitch, Baby Care als radikale Methode in den Vordergrund stellt, stellt die Ausstellung dominante Narrative in Frage und entwirft neue kollektive Formen des Seins, des Gestaltens und des gemeinsamen Aufblühens. Als eine der Care-Methoden von FLINTA Communities haben wir Gossiping als künstlerisch-kuratorische Strategie benutzt, um diese Ausstellung zusammenzustellen. Mit Arbeiten von: Zara Alexandrova, Saskia Sirowatka, Geng Jia Hui, Ju Lee, Helena Her, Jenny Reißmann, Jana Kiesser, Luna De Rosa, Donya Ghanavatie Zadeh, Hara Shin, Henriette Hufgard, Carolin Pflüger, Alex Norton (she/her), Hunter Storm (he/him), Marie Berlovitz, Ines Anders, Huss Weise, Einhorn Sonstnix, Ria Siegert, Jun Zhang, Ines Bartel, Kerstin Fuhrmann, Birgit Ruhmland, Kerstin Hettwer-Bube, Sabine Binseil, Melanie Metzlaff, Ingrid Gorr, Susanne Danowski, Jana Rauscheid, Sopiko Scharabidze, Gerlinde Fanselow, Stela Leon, Diana Achtzig, Renate Bause-Bitterlich, Armgard Röhl und Boss, Bitch, Baby Team: Elena Kaludova Mozh Dinani Judith Herrmann Regina Reimar Magdalena Gabrys (Quelle: visitberlin.de)

Der Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.) und das Künstlerhaus Bethanien präsentieren gemeinsam Arbeiten von Künstler:innen, die 2025 mit dem Arbeitsstipendium Bildende Kunst des Berliner Senats ausgezeichnet wurden. Die Ausstellung wird parallel in beiden Häusern realisiert und versammelt jeweils internationale künstlerische Positionen von in Berlin lebenden und arbeitenden Künstler:innen. Sie macht einmal mehr deutlich, welche zentrale Rolle verlässliche Förderstrukturen für die Produktion und Vermittlung zeitgenössischer Kunst einnehmen. Die gezeigten Positionen verbindet eine Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen, politischen und historischen Fragestellungen sowie die kritische Reflexion von Machtverhältnissen, Normen und Ideologien. Gleichzeitig umspannen sie ein breites Spektrum an ästhetischen Ausdrucksformen. Künstler:innen: Ipek Burçak, Nadja Buttendorf, Markus Draper, Martin Eberle, Noi Fuhrer, Olga Monina, Shaun Motsi, Leonie Nagel, Ania Nowak, Niclas Riepshoff, Max Schaffer, Alina Schmuch, Antje Taubert, Sergio Zevallos Kuratorinnen: Lidiya Anastasova, Antje Weitzel Ausstellungen Neuer Berliner Kunstverein, Chausseestraße 128/129, 10115 Berlin Eröffnung: 13. März 2026, 19 Uhr Laufzeit: 14. März – 3. Mai 2026 Kuratorin: Lidiya Anastasova Künstlerhaus Bethanien, Kottbusser Str. 10/d, 10999 Berlin Eröffnung: 19. März 2026, 19 Uhr Laufzeit: 20. März – 17. Mai 2026 Kuratorin: Antje Weitzel (Quelle: visitberlin.de)

Öffentliche Führungen / Dauerausstellung im Centre Charlemagne.

Öffentliche Themenführungen / Dauerausstellung Die Teilnehmer*innenzahl ist begrenzt, Reservierungen sind nicht möglich. Teilnahmetickets sind ab 30 Minuten vor Beginn der Führung an der Kasse erhältlich. Treffpunkt Museumskasse Museumseintritt zzgl. Führung 3,00 Euro Für alle bis einschl. 21 J. innerhalb Stadt Aachen und Städteregion Eintritt und Führung frei.

Egal ob Du glaubst oder nicht, die Magie baut Dein Leben auf. Wir laden Dich ein, dieses Thema zusammen mit Lion Badree zu untersuchen. Setz Dich einfach in Deinen Sessel, öffne Deine Augen und sei aufmerksam. (Quelle: prinz.de)

Die P61 Gallery Berlin lädt ab Dezember 2025 mit DIGITAL DIMENSIONS zu einem Erlebnis ein, das gängige Vorstellungen von digitaler Kunst sprengt. Technologie, Video-Art und reale Wahrnehmung verschmelzen hier zu einer Welt, die pulsieren, atmen und überraschen darf. Wer eintritt, findet sich mitten in einem visuellen Sog aus Animationen, Formen und alternativen Realitäten. Besucher:innen können sieben intensiv inszenierte Räume und rund 300 Arbeiten entdecken, von raumgreifenden Installationen über verspielte digitale Experimente bis zu vier beeindruckenden Video-Shows. Entstanden ist ein Panorama digitaler Kreativität, das Vielfalt nicht nur behauptet, sondern spürbar macht.P61 bietet eine Bühne für Künstler:innen wie BALLZS7, MARTERIUM, Philipp Tur, Vincent Schwenk, Kristian Ozer Kettner, Junanjo McLittle, Escape Routine, Finn Moeller und viele weitere. DIGITAL DIMENSIONS richtet sich bewusst breit an neugierige Einsteiger:innen, erfahrene Kunstliebhaber:innen, Schulklassen und Familien, und lädt alle ein, sich auf neue Perspektiven, starke Bilder und ungewohnte Denkanstöße einzulassen. (Quelle: prinz.de)

Regelmäßige Bachfeste gibt es jetzt seit 125 Jahren. Das erste fand 1901 in Berlin statt. Zum Jubiläum veranstaltet das Bachhaus Eisenach vom 12. März bis zum 3. Mai 2026 eine Kabinettausstellung im Berliner Dom. 1901 wagte die zu diesem Zweck gegründete „Neue Bachgesellschaft“ etwas völlig neues: die Veranstaltung regelmäßiger Bachfeste, die an unterschiedlichen Orten in Deutschland stattfinden sollten. Feste, die einen bestimmten Musiker ehren, hatte es schon zuvor gegeben: für Beethoven, für Händel und auch für Bach. Doch es blieben einzelne Ereignisse. Ziel der Bachgesellschaft war es, kontinuierlich „Propaganda für Bach“ zu machen, und Räume zu schaffen, wo sich Musiker, Wissenschaftler und Publikum regelmäßig über Bachs Musik austauschen können. Die Ausstellung des Bachhauses Eisenach im Berliner Dom erläutert die Bach-Wiederentdeckung um 1800 in Berlin und die Hintergründe der Bachfest-Idee, die Veranstaltungen zum Berliner Bachfest 1901 und die weiteren Berliner Bachfeste 1926, 1976 und 1991. Ebenso dargestellt werden der Einfluss der Bachfeste auf die Aufführungspraxis sowie die örtlichen Bachbewegungen und deren eigene, unabhängige Bachfeste, die nun zu sprießen begannen, so schon 1907 in Essen und 1908 in Leipzig. Zu allen Themen werden Original-Dokumente gezeigt. Berlin wurde vom 21. bis zum 23. März 1901 zum Ort des ersten Bachfests. „Ohne Berlin hätten wir heute keinen Bach mehr“, sagte der Vorsitzende der Neuen Bachgesellschaft Hermann Kretzschmar zur Eröffnung. Er nahm Bezug auf die lange Bach-Tradition in Berlin, die mit der Bach-begeisterten Prinzessin Anna Amalia von Preußen und ihrer Anlage der weltweit größten Sammlung von Bach-Autographen begonnen hatte, auf die Pflege von Bachs Musik in den Berliner Salons, auf die Bach-Aufführungen in der Berliner Singakademie seit 1791, und auf die dortige erste Aufführung von Bachs Matthäus-Passion nach 100 Jahren am 11. März 1829 durch den gerade 20-jährigen Felix Mendelssohn Bartholdy: Er habe der „erstaunten Welt“ gezeigt, „dass der als Fugenschmied und Rechenmeister gefürchtete Bach ein Tondichter vom größten Maßstab war“, so Kretzschmar. Die Neue Bachgesellschaft e.V. hat ihr Versprechen eingelöst und seit 1901 erst alle zwei Jahre, dann jährlich Bachfeste in ganz Deutschland gefeiert. Sie löste damit eine weltweite Bach-Bewegung aus, die schnell zur Gründung unabhängiger Bachfeste führte: 66 regelmäßige Bachfeste gibt es heute auf der Welt, in Deutschland, der Schweiz, Frankreich, Spanien, England, Russland, Finnland, Estland, der Ukraine, Moldawien, Polen, Ungarn, der Slowakei, Israel, Kanada, den USA, Paraguay und das größte seit 2015 in Malaysia. Die Neue Bachgesellschaft feiert 2026 ihr 100. Bachfest in Leipzig, das 101. folgt 2027 in Eisenach. Die Berliner Kabinettausstellung ist eine Vorschau auf die Sonderausstellung „125 Jahre Bachfeste – 100 Bachfeste“ in Eisenach ab dem 4. Juni 2026. Kabinettausstellung im Berliner Dom:12.03.-03.05.2026 „Ohne Berlin kein Bach“ Berliner Dom Akkreditierung: Eröffnung mit Pressetermin: 12. März 2025, 10.30 Uhr. (Quelle: visitberlin.de)

Die P61 Gallery Berlin lädt ab Dezember 2025 mit DIGITAL DIMENSIONS zu einem Erlebnis ein, das gängige Vorstellungen von digitaler Kunst sprengt. Technologie, Video-Art und reale Wahrnehmung verschmelzen hier zu einer Welt, die pulsieren, atmen und überraschen darf. Wer eintritt, findet sich mitten in einem visuellen Sog aus Animationen, Formen und alternativen Realitäten. Besucher:innen können sieben intensiv inszenierte Räume und rund 300 Arbeiten entdecken, von raumgreifenden Installationen über verspielte digitale Experimente bis zu vier beeindruckenden Video-Shows. Entstanden ist ein Panorama digitaler Kreativität, das Vielfalt nicht nur behauptet, sondern spürbar macht.P61 bietet eine Bühne für Künstler:innen wie BALLZS7, MARTERIUM, Philipp Tur, Vincent Schwenk, Kristian Ozer Kettner, Junanjo McLittle, Escape Routine, Finn Moeller und viele weitere. DIGITAL DIMENSIONS richtet sich bewusst breit an neugierige Einsteiger:innen, erfahrene Kunstliebhaber:innen, Schulklassen und Familien, und lädt alle ein, sich auf neue Perspektiven, starke Bilder und ungewohnte Denkanstöße einzulassen. (Quelle: prinz.de)

Fünf Kostproben in verschiedenen Restaurants Beginne die Führung auf einer der bekanntesten Straßen der Stadt, der Schönhauser Allee wo Du nach der Begrüßung einen Einblick in die vielfältige Geschichte des ehemaligen Arbeiterbezirks bekommst. Du schlenderst durch zwei der angesagtesten Kieze der Stadt, vorbei an einer der wichtigsten Stätten der DDR Friedensbewegung und erlebe Plätze voller Leben und Kultur. Du probierst 5 verschiedene Köstlichkeiten welche deinem Gaumen in Erinnerung bleiben werden. Du lernst die facettenreiche Gastronomie des internationalen Stadtteils kennen. Auf dieser, nie langweilig werdenden Tour erfährst du wie aus einem einfachen Stadtteil für Arbeiter einer der der angesagtesten Szeneviertel der Republik wurde. Erfahre vom dramatischen Schicksal einer Künstlerin von Weltruf sowie von Menschen die für die Freiheit kämpften und wo heutzutage ein Schmelzpunkt für kreative Vielfalt liegt. Vorbei an wunderbar erhaltenen Fassaden in einem der am besten erhaltenden Altbaugebiete Deutschlands erhaschst Du an jeder Ecke neue Eindrücke die Dir noch lange in Erinnerung bleiben. Vielleicht erkennst Du den einen oder anderen Promi beim Kaffee trinken oder beim Spaziergang mit seiner Familie. Was ist enthalten? Geführter Rundgang zu Fuß Ein von uns ausgebildeter Guide mit Insiderwissen 5 kulinarische Stopps Was ist nicht enthalten? Getränke (Quelle: prinz.de)

Täufergeschichten in Österreich. Bis 10. 4.

Wanderausstellung. Wimmelbücher aus den letzten 20 Jahren, aus unterschiedlichsten Ländern und Kulturen werden präsentiert.

„Ismaning – so schön und friedlich. Die Geschichte der Ismaninger Schlossanlage.“: Die Sonderausstellung des Schlossmuseums Ismaning beleuchtet die bewegte Geschichte der Schlossanlage, die das Ortsbild bis heute prägt. Modelle, Pläne, Bildmaterial und erstmals gezeigte Gemälde veranschaulichen eindrucksvoll den Wandel von Bauwerken und Besitz – von den Anfängen unter den Freisinger Fürstbischöfen bis zur heutigen Gestalt. Öffnungszeiten: Di bis Sa 14.30 bis 17.00 Uhr; So 13.00 bis 17.00 Uhr; Eintritt frei! (Veranstaltertext) Begleitend zur Ausstellung finden zahlreiche Veranstaltungen statt Eröffnung am So 14.9. um 11:00 Dauer der Ausstellung: 16. September 2025 bis 12. April 2026 (22.12.25 bis 6.1.26 geschlossen)

Der Impressionismus ging viele Wege – einige führten über München und Dachau bis nach Slowenien. Um 1900 fanden junge slowenische Künstlerinnen und Künstler in der pulsierenden Kunst-Stadt München sowie in der Dachauer Künstlerkolonie neue Inspiration. Hier, wo Licht und Landschaft im Mittelpunkt standen, entdeckten sie eine Malerei, die den Realismus hinter sich ließ und zu eindrucksvollen, farbenfrohen Bildwelten führte. Die Ausstellung zeigt erstmals in Deutschland hochkarätige Werke der Slowenischen Moderne – von impressionistischen Landschaften über eindringliche Porträts bis hin zu Gemälden, die persönliche wie gesellschaftliche Umbrüche sichtbar machen. Eine Ausstellung der Gemäldegalerie Dachau und der Nationalgalerie Sloweniens in Kooperation mit dem Slowenischen Kulturzentrum SKICA Berlin. Zu sehen vom 28. November 2025 bis 12. April 2026. Bilder: Matej Sternen (1870–1949), Am Waldrand, 1906 (Titel) Matija Jama (1872–1947), Reigen, um 1935 © Nationalgalerie Sloweniens, Ljubljana (Fotos: Janko Dermastja) (Text: Veranstaltende) Führungen So, 07.12.2025 14:00-15:00 Fr, 26.12.2025 14:00-15:00 Di, 06.01.2026 14:00-15:00 So, 08.02.2026 14:00-15:00 So, 15.03.2026 14:00-15:00 So, 12.04.2026 14:00-15:00 Kurator*innenführung Do, 05.03.2026 19:00-20:30

Swing * Dinner * Acrobatics (Quelle: prinz.de)

Weltpremiere der neuen Cirque du Soleil Show in Ber-lin ALIZÉ ab November 2025 im Theater am Potsdamer Platz Erste permanente europäische Cirque du Soleil Show Cirque du Soleil kündigt die Weltpremiere seiner ersten permanenten europäischen Show ALIZÉ an, die im November 2025 im Theater am Potsdamer Platz in Berlin startet. Die neue Show schildert eine Reise in das Unsichtbare mit einer Mischung aus bahnbrechender Artistik und atemberaubender Magie, eingebettet in ein Abenteuer, das die Grenzen des Vorstellbaren überschreitet. ALIZÉ ist die 54. Original-Produktion und die erste Residenz des Cirque du Soleil in Europa, der vor 30 Jahren erstmals seine Zelte in Deutschland aufschlug. Seit 1995 mit Saltimbanco eine neue Ära begann, gastierten 16 Produktionen im Grand Chapiteau oder Arenen in 16 deutschen Städten. Berlin wird wegen seiner Weltoffenheit und sei-ner internationalen Ausstrahlung als idealer Standort für die erste permanente Cirque du Soleil-Show in einer europäischen Metropole angesehen. Cirque du Soleil will damit auch seine besondere Verbindung zu Berlin zum Ausdruck bringen. In dieser neuen, innovativen Kreation, in der Artistik und Magie miteinander ver-schmelzen, begeben sich die Protagonisten auf die Reise in eine surreale Welt. Sie ver-suchen, das Unsichtbare zu enthüllen und damit den verborgenen Zauber zu entde-cken, der sich hinter der Realität verbirgt. Die poetische Tour ist erfüllt von Wundern, Rätseln und Zauber. Die Zuschauer werden in eine Welt entführt, wo das Unmögliche möglich wird und das Verborgene seine Geheimnisse offenbart. Fesselnde akrobatische Darbietungen und magische Visualisierungen lösen die Gren-zen zwischen Realität und Imagination auf. ALIZÉ feiert den Zauber der Menschlichkeit mit dem Eintauchen in einen Kosmos voller Fantasie und Wunder. Das Theater am Potsdamer Platz wird so umgestaltet, dass es den einzigartigen techni-schen Anforderungen dieser permanenten Produktion genügt. (Quelle: prinz.de)

Haben Sie schon mal gesehen wie die Realität auf den Kopf gestellt wird? Nein? Dann wird es Zeit für einen Besuch in Ben Blu’s Illusionstheater! Kommen Sie mit Ihrer Familie vorbei und lassen Sie sich in die Welt der Magie entführen. Kinder ab 4 Jahren beobachten mit staunenden Augen und offenen Mündern wie sich Gegenstände verwandeln oder schweben. Auch die Erwachsenen staunen und lachen, wenn Ben das Publikum verzaubert. Ben Blu’s einzigartiges Illusionstheatater hat sich auf die Zauberkunst spezialisiert. In einem intimen Rahmen erleben Sie und Ihre Familie eine interaktive und unterhaltsame Show. Teilweise entstehen Effekte mitten im Publikum. Egal, ob Sie in Berlin wohnen oder zu Besuch in der Stadt sind: Diese Show wird sie begeistern! Einige Kunststücke gibt es weltweit nur hier zu sehen. Der Sympathische Zauberkünstler Ben Blu führt Sie und die anderen Gäste ca. 60 Minuten lang ohne Pause durchs Programm. Dieses passt er dem jeweiligen Publikum leicht an, zum Beispiel in Bezug auf die Altersgruppen. (Quelle: prinz.de)

Ein bunter Nachmittag mit Tiroler & regionalen Bräuchen erwartet euch in der Innenstadt und im Stadtpark: :: Musik- und Tanzaufführung der Kinder-Volkstanzgruppe Kirchber :: Boogie-Woogie-Einlage des Osterhasen :: Fahnenschwingen der Landjugend Aurach :: Ponyreiten mit dem Henntalhof (EUR 5,00 pro Kind) :: Ostereiersuche der Naturfreunde Kitzbühel (EUR 5,00 pro Kind, zugunsten des Vereins) :: 15:00 Uhr Osterhasen-Einzug und Kitzbüheler Stadtmeisterschaft im Eierpecken (EUR 5,00 Teilnahmegebühr, Einnahmen werden gespendet :: Backen mit Michael im Stadtpark für Kinder :: 14:00 – 16:00 Uhr Kinderschminken mit dem Osterhasen Ab ca. 16:30 Uhr sorgt „Isi Schaesberg“ mit Live-Gesang und Musik für einen stimmungsvollen Ausklang im Stadtpark.

Volta indietro il tempo e scopri le 7 meraviglie del mondo!

auf Deutsch und Englisch verfügbar - bitte geben Sie die Sprache in "Ihre Nachricht an uns" an Eine geschichtliche Zeitreise durch die Spanische Hofreitschule Erleben Sie 460 Jahre bewegte Geschichte: Folgen Sie im Zuge dieser Spezialführung den eleganten Hufspuren der Lipizzaner durch die historische Entwicklung der Spanischen Hofreitschule. Unsere Kulturvermittler:innen führen Sie durch fünf Jahrhunderte – und mit Wissen und Witz durch unser Haus. Dabei begegnen Sie auch unseren Lipizzanerhengsten, die Sie in der Stallburg erwarten. Im Mittelpunkt stehen neben den weltberühmten weißen Pferden auch die faszinierenden Ereignisse, Persönlichkeiten und Traditionen, die unsere Institution geprägt haben. Tauchen Sie ein in die „Legende Lipizzaner“ – von den kaiserlichen Anfängen bis zur heutigen internationalen Strahlkraft! Dauer: ca. 70 Minuten Treffpunkt für die Führung: direkt im Besucherzentrum, 5 Minuten vor Führungsbeginn. Für Kinder im Alter von 3 bis 6 Jahren ist der Eintritt frei. Kinder im Alter von 6 bis 18 Jahren erhalten ermäßigten Eintritt. Wir bitten um Ihr Verständnis, dass Kinder bis zum Alter von 3 Jahren nicht zum geführten Rundgang mitgenommen werden dürfen. Audio, Video- und Fotoaufnahmen sind untersagt. (Quelle: srs.at)

Sonderausstellung mit Bildern der Mölltaler Malerin Alla Knappe. Bis 6.4.

Multimedialer Streifzug durch über acht Jahrzehnte österreichischer Musikgeschichte.

DIE CHER SHOW feiert das 60-jährige Bühnenjubiläum der Pop-Ikone mit einer Europapremiere in Deutschland und Österreich. Glamourös, kraftvoll und voller Energie bringt die Broadway-Erfolgsshow CHERS Lebensgeschichte, legendäre Looks und unvergessliche Hits auf die Bühne.Erlebe 35 weltbekannte Songs – darunter Believe, If I Could Turn Back Time und Strong Enough – inszeniert von Grammy-Preisträger Rick Elice. Die Musical-Stars Sophie Berner, Hannah Leser & Pamina Lenn sind Cher. Drei CHERS verkörpern jeweils eine Lebensphase voller Träume, Zweifel und Triumphe. Originalkostüme von Emmy-Gewinner Bob Mackie, unverwechselbarer Disco-Sound und atemberaubende Showelemente machen das Spektakel zu einem wahren Feuerwerk aus Musik, Tanz und Mode. CHER Glamour, Hits und Legendenpower live erleben – die CHER SHOW darf man nicht verpassen! (Quelle: visitberlin.de)

In diesem aus England stammenden Märchen geht es um drei Schweinchen: Ein faules, ein gefräßiges und ein fleißiges. Ein böser Wolf bedroht die drei und scheint leichtes Spiel zu haben. Doch er hat nicht mit der Kraft der Freundschaft gerechnet.(Quelle: visitberlin.de)

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die „Hammond" Orgel. Bis 15. 9.

Unter dem Titel »Die Vermessung des Augenblicks« zeigt die Krankenhauskirche im Wuhlgarten Arbeiten des Berliner Malers Friedrich Porsdorf. Der Ausstellungstitel verweist auf das zentrale Anliegen seines künstlerischen Schaffens, das flüchtige Zusammenspiel von Licht, Farbe und Atmosphäre im Bild festzuhalten – nicht als Abbild, sondern als lebendigen malerischen Prozess. Friedrich Porsdorf, 1938 in Radebeul geboren, studierte von 1957 bis 1962 Malerei an der Kunsthochschule Berlin bei den Professoren Kurt Robbel, Walter Womacka und Arno Mohr. Nach freischaffender Tätigkeit und einer Aspirantur begann er 1970 seine Lehrtätigkeit in der künstlerischen Grundlehre. Die Dozentur erhielt er 1980. 1993 wurde er für Künstlerische Grundlagen – Zeichnen, Naturstudium, Malerei, Farbtheorie und Maltechnik – berufen, 2003 erhielt er eine Honorarprofessur. Bis zu seiner Emeritierung prägte er Generationen von Studierenden; seit 2004 arbeitet er freiberuflich in Berlin. »Die Vermessung des Augenblicks« beschreibt bei Porsdorf kein analytisches Erfassen, sondern ein sinnliches Durchdringen. Seine Malerei entsteht aus unmittelbarer Naturerfahrung – häufig plein air – auf Reisen durch Deutschland, Europa und Afrika. Stets setzt er die Tektonik der Landschaft und die Strukturen des Gebauten in eigenständige Bildfindungen um und bewahrt das Licht eines bestimmten Moments. Charakteristisch sind gebrochene Töne statt unvermischter Farben, ein offener, riskanter Duktus und die atmosphärische Schichtung von Flecken und Formen. Himmel und Erde gehen in seinen Landschaften ein bewegtes Bündnis ein. Klare Horizontlinien lösen sich zugunsten eines malerischen Flirrens auf. Porsdorf treibt die Abstraktion weit, ohne den Bezug zur Realität aufzugeben. Nicht das abstrakte Ziel interessiert ihn, sondern der Weg dorthin – der Prozess, in dem aus Farbflecken Gegenstände werden und aus Landschaft Bild wird. Seine Arbeiten aus Radebeul oder Meißen, von Hiddensee, dem Mittelmeer oder dem Atlantik zeugen von dieser Haltung ebenso wie seine zahlreichen Atelierbilder. Ein besonderer Schwerpunkt liegt zudem auf der Portraitmalerei: Auch hier entscheidet letztlich die Farbe darüber, welche Geschichte ein Bild erzählt. Seit 1965 ist Friedrich Porsdorf in zahlreichen Personal- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland vertreten. Seine Werke befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen. Mit der Ausstellung »Die Vermessung des Augenblicks« würdigt die Krankenhauskirche im Wuhlgarten einen Künstler, der unbeirrt an die Kraft der Farbe glaubt – und in ihr das Flüchtige bewahrt. Vernissage: Samstag, 14. März 2026, 17 Uhr Laudatio: Prof. Dr. Dr. h.c. Hans V. Behrbohm Konzert: Yehudi Menuhin Live Music Now Berlin e.V. Frühlingskonzert mit Werken von Antonio Vivaldi, Joseph Haydn und Johann Sebastian Bach gespielt von den erstklassigen Streichern des DSO QUARTETTs – Veronika Miecznikowski und Jisoo, Hong (Geige), Sara Umansky (Viola), Milan Drake (Cello) (Quelle: visitberlin.de)

Bei diesem abwechslungsreichen Rundgang durch die Aachener Altstadt lernen die Teilnehmer Aachen mit allen Facetten kennen: Als moderne Stadt mit schönen historischen Bürgerhäusern, vielen alten und neuen Brunnen sowie unzähligen Erzählungen rund um Dom und Rathaus. Eine Führung, bei der die 2000 Jahre alte Aachener Geschichte lebendig wird. Eine vorherige Buchung wird empfohlen. Kosten: Erwachsene 12,00 Euro, Schüler bis 17 Jahre 5,50 Euro

Michail Pirgelis zeigt seine neueste Werkserie »Lines of Apollo« als ortsspezifische Rauminstallation über beide Stockwerke hinweg. Es handelt sich um Arbeiten aus originalen Flugzeugteilen mit rot-weißen Streifen – abstrahierte Flaggenfragmente. Durch den Ausschnitt und die Behandlung der Oberflächen greift der Künstler je unterschiedlich stark in die Gestaltung des vorgefundenen Materials ein. Die konzeptuell und seriell angelegten Arbeiten erinnern mit ihren roten Streifen auf weißem Grund und dem gleichbleibenden Format an abstrakte Bilder der Minimal Art. (Text: Veranstaltende) Eröffnung am Mi 25.2. um 19:00 Ausstellung Mi-So 14:00-19:00 (26.2. bis 19.4.) Eintritt frei

Intrige, Kriege, Machtspiele: die erste weibliche Herrscherin der Habsburgermonarchie In einer von Männern dominierten Welt erhebt sich eine junge Frau, die nicht bereit ist, im Schatten zu bleiben. Maria Theresia, die sich von Kindesbeinen an brennend für das politische Geschehen interessiert und ihrer Zeit in vielem voraus ist, trotzt dem patriarchalen Kaiserhaus und entfaltet eine beeindruckende Stärke und große Visionen. Sie kämpft gegen alle Widerstände an und gelangt schließlich als erste Frau an die Spitze des Staates. Mit unerschütterlichem Mut führt sie das Land durch turbulente Zeiten. Herrscherin, Strategin, Mutter Als Mutter von sechzehn Kindern vereint Maria Theresia familiäre Fürsorge mit politischem Scharfsinn und strategischem Weitblick. Unbeugsam und mutig stellt sie sich den Herausforderungen ihrer Zeit, konfrontiert Friedrich den Großen von Preußen und trotzt den Intrigen am Hof. Während Kriege Europa erschüttern, modernisiert sie Verwaltung und Militär, revolutioniert Bildung und Sozialpolitik und bleibt selbst in Krisenzeiten unerschütterlich – eine wahre Wegbereiterin mit visionärem Geist. Kreativ und leading team Musik, Orchestrierung, Arrangements: Dieter Falk Musik: Paul Falk Liedtexte: Jonathan Zelter Buch: Thomas Kahry Kreative Entwicklung: Christian Struppeck Regie: Alex Balga Choreografie: Jonathan Huor Bühnenbild & Videodesign: Morgan Large Kostümdesign: Aleksandra Kica Lichtdesign: Ben Cracknell Sounddesign: Carsten Kümmel Es spielt das Orchester der Vereinigten Bühnen Wien in großer Besetzung, unter der musikalischen Leitung von Carsten Paap. (Quelle: musicalvienna.at)

Ein Phänomen kehrt zurück: Neuproduktion von Andrew Lloyd Webbers DAS PHANTOM DER OPER Nach dem großen Erfolg von CATS bringen die Vereinigten Bühnen Wien eines der berühmtesten Musicals aller Zeiten - Andrew Lloyd Webbers DAS PHANTOM DER OPER - zurück nach Wien. Intendant Christian Struppeck holt Cameron Mackintoshs spektakuläre Neuproduktion von Andrew Lloyd Webbers DAS PHANTOM DER OPER, die noch nie im deutschsprachigen Raum zu sehen war, ab Frühjahr 2024 ans Raimund Theater. Die brandneue Inszenierung des weltberühmten Meisterwerks war bereits in Großbritannien, den USA und Australien, wo sie erst kürzlich im bedeutenden Sydney Opera House zu sehen war, restlos ausverkauft. Die Österreich-Premiere findet am 15. März 2024 statt. Der legendäre Kronleuchter, packende Leidenschaft und weltbekannte Melodien Internationale Kritiker*innen schwärmen, die Neuproduktion von Cameron Mackintosh sei "größer und besser als je zuvor". Die Inszenierung beeindruckt mit vielen spektakulären Spezialeffekten - darunter der legendäre Kronleuchter -, der beliebten Geschichte und der atemberaubend romantischen Musik von Andrew Lloyd Webber, mit allen weltbekannten Songs wie u.a. „Die Musik der Nacht", „Denk an mich“, „Das Phantom der Oper“, "Mehr will ich nicht von dir" oder "Maskenball" – mit einem großen Ensemble, selbstverständlich begleitet vom VBW-Orchester ebenfalls in großer Besetzung. Die VBW präsentieren im Raimund Theater einen aufwändig inszenierten und in jeder Hinsicht außergewöhnlichen Musical-Abend voll großer Emotionen, unsterblicher Liebe und packender Leidenschaft, den man keinesfalls verpassen sollte. In deutscher Sprache mit englischen Übertiteln. (Quelle: musicalvienna.at)

„Dienstboten G’schichten“ Spezialführung Dauer: ca. 1-1,5 Stunden Das Leben des Thronfolgers und seiner Familie ist bestens dokumentiert und wird im Erzherzog Franz Ferdinand-Museum mit seinen faszinierenden Schlüsselloch-Geschichten erzählt. Ein Blick „hinter die Kulissen“ ist besonders spannend: Wie sahen die Geschichten der Dienstboten aus? Ehemaliger Hausdiener Emanuel „Emane“ Rak berichtet während der Führung mit lebhaftem Charme von seinem ereignisreichen Alltag. Mit humorvollen Anekdoten lässt er die kleinen und großen Geschichten wiederaufleben. Unser Hausdiener gewährt einen warmherzigen Blick hinter die Kulissen. Wer ihm lauscht, erkennt schnell: Sein Dienst war oft anstrengend – aber nie langweilig. Eines ist sicher: Dienstboten plaudern gern – und so bekommen sie während der rund einstündigen Spezialführung Einblicke in ihr bewegtes Leben. Treffpunkt: Museums-Innenhof Führungsaufpreis: € 12,00 pro Person (ab 6 Jahren) Empfohlene Anmeldung: telefonisch unter 07413-8006 (begrenzte Teilnehmerzahl)

Ich bin Babel – Die Sünderin…, so beschreibt Thomas Mann sein Berlin der 20er Jahre. Begeben Sie sich auf eine unglaubliche Stadtführung durch das Berlin der 1920er Jahre. Ein Erlebnis, welches Ihnen noch lange in Erinnerung bleiben wird. (Quelle: prinz.de)

Entdecke das Dunkle Berlin: Eine Reise in die Kriminalgeschichte der 1920er Jahre. Tauche ein in das mysteriöse und düstere Berlin der 1920er Jahre – eine Stadt, in der Verbrechen und Gesetzlosigkeit allgegenwärtig waren. Auf dieser außergewöhnlichen Stadtführung entführen wir dich in das Berlin, das die meisten nur aus Krimis kennen. Begleite uns auf einer spannenden Reise durch die Schattenseiten der Hauptstadt, als der “Goldene Käfig” die Straßen prägte und die Berliner Unterwelt von Kriminalität und Intrigen durchzogen war. Ein besonderes Highlight der Führung ist die Geschichte von Ernst Gennat, einem der bekanntesten Kriminalbeamten der Berliner Polizei. Mit seinem unerschütterlichen Instinkt und seinem legendären Scharfsinn wurde er zu einer Schlüsselfigur im Kampf gegen die Kriminalität dieser turbulenten Zeit. Wie war es für Gennat, mit den dunklen Machenschaften der Stadt konfrontiert zu werden? Und was bedeuteten seine Ermittlungen für den modernen Kriminalismus? Lass dich von der Vergangenheit packen: Mit authentischen Erzählungen, historischen Details und beeindruckenden Schauplätzen wird diese Stadtführung zu einem einzigartigen Erlebnis. Erlebe Berlin nicht nur als Hauptstadt der Kultur und des Lebens, sondern auch als eine Stadt, in der Kriminalität und Gesetzesbrecher das Geschehen dominierten. (Quelle: prinz.de)

(Quelle: prinz.de)

Heidi Naumann und Natascha Walker, Malerei

Burg Obernberg - Kunsthaus

Die im Innviertel lebende Künstlerin AGNES MARIA ist seit langem in vielen Feldern künstlerisch aktiv. In ihrer teils großformatigen Malerei ist sie technisch sehr experimentell. Aus ihrer starken Intention zur universellen Motivwelt entwickelt sie vielschichtige, transzendentale Bildwelten. Abstrahierend, mit dennoch vielseitigen Figurationen wie aus FERNEN WELTEN, sprechen die Werke auch die Lebensfreude und Vorstellungswelt des Betrachters an. Lebensfreude und ein energetischer Blick auf die Welt, das passt doch bestens zum Innviertler Biermärz.

Die Ausstellung in Kooperation mit NÖDOK ǀ ON TOUR geht anhand von Skulpturen, Objektkunst, Fotografie und Zeichnung der Frage nach, ob der/die Ausstellungsbesucher/in eines Titels bedarf, um den Inhalt oder die Botschaft eines Kunstwerkes zu erfassen. Manchmal kann der Titel den entscheidenden Impuls geben, um die optimale Stimmung für die Wahrnehmung der Werke zu schaffen. Vor allem in der Reduktion, Abstraktion und Minimalkunst bedarf es oftmals eines zündenden Titels, um das Werk zu verstehen. Jedoch können Titel ein unmittelbares Erleben von Kunst auch einengen oder manipulieren. So werden in der vorliegenden Ausstellung „UNTITLED | OHNE TITEL“ die Arbeiten nicht benannt. Dadurch wird Raum für die eigene Interpretation und Wahrnehmung geschaffen. Wer möchte, kann aber die Werktitel in einem Informationsblatt nachlesen und einen persönlichen „Abgleich“ vornehmen. Konzept und Kuratierung: Judith P. Fischer Eröffnung: Mittwoch, 11. März 2026, 19:00 Uhr Die Ausstellung ist bis 19. April 2026 zu besichtigen.

Das Ausstellungsjahr in der wunderbaren Schärdinger Schlossgalerie beginnt heuer mit der Ausstellung "Fügungen" der Innviertler Künstlergilde. Vernissage 20. März 19:00 Uhr zur Ausstellung spricht Mag.a Elisabeth Peterlik Öffnungszeiten der Ausstellung: 20. 3. – 19. 4. 2026 Fr/Sa/So 14:00 – 17:00 Uhr Eine Künstlerführung am 19. April 15:00 Uhr bietet bei freiem Eintritt einen Rundgang mit den Künstlerinnen und Künstlern durch die Ausstellung. Die biennal stattfindende Ausstellungsreihe „Fügungen“ bringt jeweils zwei Künstlerinnen und Künstler mit der Intention zusammen, sich innerhalb der Innviertler Künstlergilde persönlich und künstlerisch besser kennenzulernen. Heuer laufen alle Ausstellungen der IKG unter dem Jahresthema „Zwanzigsexundzwanzig“. In Anlehnung an dieses Thema wurden zwei Künstlerinnen ausgewählt, in deren Werken auch der Mensch in seiner Körperlichkeit eine große Rolle spielt. Die beiden Künstlerinnen wurden eingeladen für die Ausstellung „Fügungen“ in der Schlossgalerie je einen männlichen Ausstellungspartner zu wählen. Die teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler sind Heide-Maria Has und Alexander Flotzinger, Simone Thurner und Stefan Esterbauer. In Heide-Maria Has ́ künstlerischem Schaffen finden sich Beobachtungen des menschlichen Daseins in all seinen Ausprägungen ebenso wie Naturdarstellungen, die sie auf ihren Reisen sammelt. Dabei verarbeitet sie oft das Verhältnis zwischen Individuum und Gesellschaft. In Techniken wie Kohlezeichnung und Radierung zeigt sie sowohl Zartheit als auch Ausdruckskraft ihrer Strichführung. Alexander Flotzingers Arbeit basiert auf der Auseinandersetzung mit Holz als Material, Formträger und Bedeutungsebene. Oftmals in traditioneller Schnitztechnik entstehen Reliefs und Skulpturen, in denen organische und technische Formprinzipien miteinander verschränkt werden. Ein besonderer Fokus liegt auf filigranen Strukturen, die in Spannung zur Massivität und Körperlichkeit des Holzes stehen. In Simone Thurners Bildern ziehen sich Bewegung und permanente Veränderung als das einzig Währende durch. Entsprechend vermitteln die in Ölgemälden meist lebensgroß dargestellten Figuren Lebendigkeit. Die Bewegungsunschärfe löst Grenzen teilweise auf und zeigt den Menschen in seinem Wirken, Suchen und Streben. Stefan Esterbauers Werktitel seiner für die Ausstellung produzierten Serie ist "ganz Schärding auf den Beinen". Gebäude und markante architektonische Elemente bekommen dabei Beine und die jeweilige Funktion und der Standort des Gebäudes werden durch ihr Schuhwerk unterstrichen. So bekommt zum Beispiel das Wassertor Gummistiefel und der Kirchturm violettes Beinkleid...Mit seinen auf Beinen stehenden Häusern kreiert er eine einzigartige und humorvolle Hommage an Schärding. Kuratiert von Pamela Ecker, Anita Selinger und Andreas Sagmeister für die Innviertler Künstlergilde.

Über Emotionen im postfaktischen Zeitalter kuratiert von alien productions Martin Breindl, Granular Synthesis, Sylvia K. Kummer, LeMoon & Ethereal Gwirl, Christiane Spatt, Isa Stein 28. 2. 2026, 18:00 Opening – Ausstellungseröffnung 1.3. – 6.4.2026 Exhibition – Ausstellung Schloss Wolkersdorf, Galerie 2 Öffnungszeiten Samstag, Sonntag und Feiertag 14:00 – 18:00 und nach persönlicher Vereinbarung „Herzensangelegenheiten“ werden in unserer virtualisierten Welt immer wieder neu definiert. So ist die allgemein schnelle Verfügbarkeit von potentiellen Partner:innen über Dating Apps zu hinterfragen – emotionale Partner:innen werden schnell gedated und umso schneller wieder deleted. Dieses Konsumangebot weckt wieder den Wunsch nach tiefen Beziehungen, sei es im Wiederaufleben von traditionellen Mustern als auch in der Suche nach neuen, polyamoren oder patchworkartigen Beziehungen. Auch sind Maschinen längst emotionale Partner:innen von Menschen geworden, z.B. in der Pflege von dementen Personen. Und so stellt sich die Frage, ob Menschen und Maschinen Gefühle zueinander entwickeln können und wie sich solche gestalten würden. Der virtuelle Aspekt des HERZENS weist darauf hin, dass Gefühle und Intimität vor allem auch sozial erlernte Strukturen sind. „In Theoretical China there’s no word for Love“ sagt Wiston Tong, von dem auch der Titel der Ausstellung stammt: „Pain and pleasure, twist and bind / Contradicting body and mind / Passion′s play should end in bullet‘s bite / But love is war with no end in sight / Reports from the heart give me the news“.

WIR SIND AM LEBEN ist ein rasantes, komisches und zutiefst bewegendes Musical über Aufbruch, Zusammenhalt und Lebenslust. Ein Abend, an dem man lacht, innehält – und gleich wieder lacht. Berlin, 1990. Die DDR ist Geschichte. Der Friseursalon von Rosi auch Was bleibt, ist ein Koffer, viele Fragen – und die Suche nach ihren Kindern, die sich in Berlin ein neues Leben aufgebaut haben. Nina ist schon vor dem Mauerfall nach West-Berlin geflohen – voller Träume, Zweifel und großer Pläne. Mario folgt ihr. Auf der Suche nach Freiheit, Liebe und einem anderen Leben. Gemeinsam landen sie im besetzten Altbau „Konsum Hoffnung“ – einer wilden, warmherzigen Gemeinschaft mitten in einer Stadt, in der jeden Tag ein neuer Club öffnet, eine neue Band entsteht und alles möglich scheint. Hier entsteht ein improvisiertes Sorgentelefon – für Menschen, die jemanden brauchen, der zuhört. Für Sorgen, Sehnsüchte, Abstürze, kleine Siege und große Gefühle. Während Rosi (gespielt von dem Musical-Star Deutschlands, Steffi Irmen) alles daransetzt, ihre Familie wieder zusammenzuführen, stolpern die Jüngeren durch Nächte voller Musik, Chaos, Nähe und Neuanfang. Nach den großen Erfolgen von Plate & Sommer kehrt das Autorenduo mit einem neuen Berlin-Musical zurück – kraftvoll, zeitnah und voller Musik, die bleibt. Ein Musical, das man in Berlin sehen muss – weil diese Stadt hier ihre Stimme wiederfindet. Buch: Lukas Nimscheck & Franziska Kuropka Nach einer Idee von: Peter Plate & Ulf Leo Sommer Musik: Peter Plate, Ulf Leo Sommer & Joshua Lange Mit einem Darsteller-Ensemble der Extraklasse und exzellenten Live-Musikern in einer spektakulären Inszenierung. Mit herausragenden Choreografien vom international gefeierten Jonathan Huor, einer beeindruckenden Lichtshow von Tim Deiling und einem aufwendigen und innovativen Bühnenbild. (Quelle: prinz.de)

Waschmaschinenschoner, Zimmerbrunnen und Käseigel sind für Sie keine Begrifflichkeiten des alltäglichen Lebens? Gut - für das Moderationsduo auch nicht. Und genau deshalb laden Jacky-Oh Weinhaus und Diskojutta ins BKA-Theater ein: lassen Sie sich mitnehmen auf eine Entdeckungsreise durch den Unrat und die Ressourcenverschwendung der ersten Welt, getarnt als die Must-haves der vertrockneten Mittelstandsgattin. Die Moderne Hausfrau zeigt auch Ihnen, wie Sie Ihr, von Inflation und Krieg geschrumpftes Erspartes sinnlos investieren können. Die Gastgeberinnen Jacky-Oh Weinhaus und Diskojutta haben extra für Sie eine besonders abwechslungsreiche Auslage an hochwertigen Haushalts- und Dekoartikeln zusammengestellt, welche Sie live auf der Bühne präsentieren und dann an die Höchstbietende verscherbeln. Entertainment, Geld ausgeben und was Neues fürs Zuhause - ein Abend, der Freude schafft. (Quelle: visitberlin.de)

Einmal monatlich versammeln sich alle Tanzfreudigen im Großen Saal am Weißen See und erleben neben ausgesuchten DJs künftig auch Livemusik, Motto-Partys und vieles mehr.Termine: Sonntag, 01.03.2026, 15:00 Uhr Sonntag, 05.04.2026, 15:00 Uhr Sonntag, 03.05.2026, 15:00 Uhr Sonntag, 07.06.2026, 15:00 Uhr Ort: Bildungs- und Kulturzentrum Peter Edel Berliner Allee 125 13088 Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Die in der RealismusGalerie des Künstlersonderbundes gezeigten Ausstellung SehenSüchte von Michail Schnittmann präsentiert der in der Ukraine geborene Künstler seine neuen und früheren Arbeiten, in denen er das Spannungsfeld zwischen genauer Wahrnehmung und malerischer Transformation auslotet. Durch den Einsatz strukturierender Stoffe gewinnen seine Ölmalereien eine ausgeprägte haptische Qualität. Schnittmann choreografiert Gegensätze wie Unschärfe und Klarheit, raue Materialität und glatte Oberfläche, warmes Licht und tiefe Dunkelheit. Oberflächen wirken mitunter wie von Tropfen überzogen, während sich Porträts und Figuren dahinter auflösen – ein Spiel aus Nähe und Distanz, Präsenz und Entzug. Neben auf Reisen entstandenen Pastellen zeigt die Ausstellung auch Stillleben an der Schwelle zum Verfall. Sie vermitteln – neben der Lust des Sehens – die Sehnsucht, Schönheit, Licht und Atmosphäre festzuhalten. Michail Schnittmanns meisterlich gemalte Bildwelten eröffnen Raum für Erinnerung, Projektion und emotionale Resonanz. Über den Künstlersonderbund in Deutschland 1990 - Realismus der Gegenwart e.V. »Est modus in rebus - es ist ein Maß in den Dingen«: Unter diesem Motto arbeitet der »Künstlersonderbund in Deutschland 1990 - Realismus der Gegenwart e.V.« seit über 35 Jahren daran, realistische Kunst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Der Künstlersonderbund ist eine deutschlandweite Vereinigung von rund 90 professionellen Künstlern und Künstlerinnen. In ihrem Schaffen vertreten sie in individueller Ausprägung die Kunstrichtung eines gegenständlichen-figurativen Realismus. In Ausstellungen und Publikationen wird diese Position gemeinsam öffentlich sichtbar gemacht. Seit 2019 zeigt die RealismusGalerie in Berlin-Kreuzberg jährlich drei bis vier Ausstellungen. Umfangreiche Themenausstellungen wurden in Stuttgart, Templin, Wetzlar, Groß-Umstadt, Königshain und Essenheim organisiert. Ca.100 Fördermitglieder unterstützen den Verein. (Quelle: visitberlin.de)