Schüler-Projekt der Grundschule Gornja Radgona und BORG Bad Radkersburg. Bedeutung des Natur- und Umweltschutzes literarisch und künstlerisch zum Ausdruck bringen. Ausstellung.

Die Ausstellung zeigt ausgewählte Werke von vier zeitgenössischen Künstlern aus Leibnitz und darüber hinaus. Jonathan de Zwart, Monika Tieber, Claudia Klapsch und Isa Devici.

Schönheitsideale. Ausstellung.

mit Werken von Melina Lublasser. Die Ausstellung erzählt von der inneren Leere des depressiven Menschen und dies in einer radikalen Form des Ausdrucks, der auch eine Herausforderung für den Betrachter ist. Bis 24. 4.

Ausstellung der St. Veiter Künstlerin Stefanie Wrank. Bis 25. 5.

Ausstellung. Bildhauerei, Objektkunst, Malerei und Grafik.

Ausstellung mit Werken von Sabine Krammer-Höffernig. Bis 5. 5. Zusätzlich zu sehen im Stiegenhaus der Gemeinde, montags bis freitags, jeweils von 8 bis 12 Uhr.

Die 8. Lemniskate wird wieder ein besonderes Spannungsfeld erzeugen. Ulrike Asamer thematisiert in ihren Objekten Kreisläufe und Dualität in ewiger Harmonie und Balance, ausgearbeitet in medizinischen Kanülen. Erich Fröschls Passion ist es, mit Druckgrafik die Sinnlichkeit der Handhabung mit der Wandelbarkeit von Funktion, Form und Inhalt in Einklang zu bringen. Die Ausstellung ist bis 24. April in den Gängen des 1. Und 2. OG des Steyrer Rathauses zu sehen. Öffnungszeiten: Mo, Di, Do: 8–16 Uhr Mi, Fr: 8–12 Uhr Nähere Informationen: www.kovid21.art

Mein Name ist Selina Javaid, ich bin Künstlerin und Pädagogin. Meine Mutter ist Österreicherin, sie wurde in Bad Gastein geboren, und meine Großmutter, Linde Egger, lebt noch immer in Bad Bruck. Wir besuchen sie jeden Sommer und Winter. Meine schönsten Erinnerungen sind mit Gastein verbunden. Jetzt bringe ich auch meine eigene Familie jedes Jahr mit. Es ist mein Traum, meine Bilder in Bad Gastein auszustellen, da ich dort viel Inspiration finde. Ich freue mich sehr, dass das Hotel Europäischer Hof diesen Winter zehn große Gemälde von mir ausstellt. Die Serie trägt den Titel „Nostalgic Design” und zeigt eine neue Sammlung von Werken, die die Magie der Wälder und Berge von Gastein einfangen. Die Ausstellung befindet sich in der Hotelhalle und ist kostenlos zu besichtigen. Website: www.selinajavaid.com Instagram: @_studioCELL Telefon: +44 7923000575

Einladung zur Ausstellung BRIGITTE LINDNER Weltenwunder - Wunderwelten 27. Februar bis 22. Mai 2026 Sparkasse Kufstein, Oberer Stadtplatz 1 3. und 4. Obergeschoss Besichtigung während der Öffnungszeiten: Mo. - Fr. 8.00 bis 16.00 Uhr Eintritt frei Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Ausstellung von 03.04.2026 bis 22.05.2026 Eröffnung am 23.04.2026: 17 bis 18:30 Uhr "Im Mittelpunkt meiner Arbeit steht das Zusammenspiel von Farben, Formen und Figuren - ihr Dialog, ihre Spannung und ihre Wirkung im Raum"

Fotoausstellung von Wolfgang Grill.

Georg Weises künstlerisches Schaffen umfasst Malerei, Zeichnung und Skulptur. Er verarbeitet in seiner Malerei Erinnerung an Kindheit und Jugend zu mystischen, teil abstrakten Landschaften mit Bildern von Wachstum und Vergänglichkeit. Seine Werke thematisieren in der Auseinandersetzung mit Natur und Mensch Einsamkeit, Sehnsucht nach Erlösung und Verletzlichkeit, ohne idealisierte Darstellungen zu schaffen. Dabei entsteht eine besondere Bildsprache, die den Betrachtenden zu einer persönlichen Auseinandersetzung mit den dargestellten Stimmungen und im Gespräch mit einem Selbstporträt einlädt. Bischof Christian Stäblein lädt regelmäßig Künstlerinnen und Künstler ein, ihre Arbeiten imRahmen von Kabinettausstellungen auf der Bischofsetage im Konsistorium, dem Evangelischen Zentrum Berlin, zu präsentieren. Die Ausstellungen zeigen künstlerische Positionen der Malerei, Grafik und Fotografie und bereichern damit den Dialog der Kirche mit zeitgenössischer Kunst Ausstellungsdauer: 21. November 2025 bis 17. April 2026 Montag bis Freitag von 9 - 17 Uhr (außer feiertags) Eintritt: frei (Quelle: visitberlin.de)

Der Salonga Nationalpark in der Demokratischen Republik Kongo ist eines der letzten Naturparadiese der Erde. Dort erforschen Teams des Max-Planck-Instituts für Verhaltensbiologie das Leben freilebender Bonobo-Gruppen, um ihr ungewöhnliches Sozialverhalten zu erklären.Als Teil dieses LuiKotale-Bonobo Projekts hat der mehrfach ausgezeichneten Naturfotografen Christian Ziegler Bilder gemacht, die den Persönlichkeiten der Wildtiere aus nächster Nähe nachspüren. Die Verhaltensbiologie nutzt heute auch digitale Methoden, um Langzeitdaten über Menschenaffen zu erheben sowie Tierwanderungen über große Strecken zu verfolgen. Die Ausstellung gibt Einblicke in diese Forschung, die helfen will, die schwindenden Lebensräume von Wildtieren zu bewahren. Montag - Freitag 9.00 – 17.30 h Eintritt frei (Quelle: visitberlin.de)

Unter dem Titel „100 Jahre unterwegs telefonieren“ feiert das Museum für Kommunikation in Berlin dieses Jubiläum mit einer digitalen Präsentation sowie einer analogen Pop-up-Ausstellung.Der digitale Expotizer erzählt die Geschichte des Mobiltelefons seit 1926 in sieben Kapiteln – vom Zug- und Autotelefon bis hin zum Smartphone. Ergänzend zeigt die Pop-up-Ausstellungen ausgewählte historische Mobiltelefone. Pop-up-Ausstellung: 100 Jahre unterwegs telefonieren Am 7. Januar 1926 wurde ein technischer Meilenstein gesetzt: Zum ersten Mal telefonierten Menschen in einem fahrenden Zug auf der Strecke Hamburg–Berlin. Die Funkverbindung zwischen einer entlang der Gleise verlegten Leitung und einer Antenne auf dem Zugdach reichte zwar nur wenige Meter, galt jedoch als Sensation – und markierte den Beginn einer inzwischen 100-jährigen Geschichte des mobilen Telefonierens. Ein weiterer großer Schritt folgte 1958, als die Bundespost mit dem öffentlichen beweglichen Landfunk das erste flächendeckende Mobilfunknetz in der Bundesrepublik etablierte. Ab 1988 machten tragbare Telefone das Telefonieren schließlich unabhängig vom Fahrzeug – das „Handy“ war geboren. Heute ist das Telefonieren nur noch eine von vielen Funktionen des Smartphones, doch der Kern ist derselbe geblieben: unterwegs miteinander in Verbindung zu sein. Die Pop-up-Ausstellung startet am 7. Januar 2026 in Berlin und ist rund fünf Monate zu sehen. Die digitale Präsentation ist ab dem 7. Januar 2026 über die Websites der beteiligten Museen abrufbar. (Quelle: visitberlin.de)

Regelmäßige Bachfeste gibt es jetzt seit 125 Jahren. Das erste fand 1901 in Berlin statt. Zum Jubiläum veranstaltet das Bachhaus Eisenach vom 12. März bis zum 3. Mai 2026 eine Kabinettausstellung im Berliner Dom. 1901 wagte die zu diesem Zweck gegründete „Neue Bachgesellschaft“ etwas völlig neues: die Veranstaltung regelmäßiger Bachfeste, die an unterschiedlichen Orten in Deutschland stattfinden sollten. Feste, die einen bestimmten Musiker ehren, hatte es schon zuvor gegeben: für Beethoven, für Händel und auch für Bach. Doch es blieben einzelne Ereignisse. Ziel der Bachgesellschaft war es, kontinuierlich „Propaganda für Bach“ zu machen, und Räume zu schaffen, wo sich Musiker, Wissenschaftler und Publikum regelmäßig über Bachs Musik austauschen können. Die Ausstellung des Bachhauses Eisenach im Berliner Dom erläutert die Bach-Wiederentdeckung um 1800 in Berlin und die Hintergründe der Bachfest-Idee, die Veranstaltungen zum Berliner Bachfest 1901 und die weiteren Berliner Bachfeste 1926, 1976 und 1991. Ebenso dargestellt werden der Einfluss der Bachfeste auf die Aufführungspraxis sowie die örtlichen Bachbewegungen und deren eigene, unabhängige Bachfeste, die nun zu sprießen begannen, so schon 1907 in Essen und 1908 in Leipzig. Zu allen Themen werden Original-Dokumente gezeigt. Berlin wurde vom 21. bis zum 23. März 1901 zum Ort des ersten Bachfests. „Ohne Berlin hätten wir heute keinen Bach mehr“, sagte der Vorsitzende der Neuen Bachgesellschaft Hermann Kretzschmar zur Eröffnung. Er nahm Bezug auf die lange Bach-Tradition in Berlin, die mit der Bach-begeisterten Prinzessin Anna Amalia von Preußen und ihrer Anlage der weltweit größten Sammlung von Bach-Autographen begonnen hatte, auf die Pflege von Bachs Musik in den Berliner Salons, auf die Bach-Aufführungen in der Berliner Singakademie seit 1791, und auf die dortige erste Aufführung von Bachs Matthäus-Passion nach 100 Jahren am 11. März 1829 durch den gerade 20-jährigen Felix Mendelssohn Bartholdy: Er habe der „erstaunten Welt“ gezeigt, „dass der als Fugenschmied und Rechenmeister gefürchtete Bach ein Tondichter vom größten Maßstab war“, so Kretzschmar. Die Neue Bachgesellschaft e.V. hat ihr Versprechen eingelöst und seit 1901 erst alle zwei Jahre, dann jährlich Bachfeste in ganz Deutschland gefeiert. Sie löste damit eine weltweite Bach-Bewegung aus, die schnell zur Gründung unabhängiger Bachfeste führte: 66 regelmäßige Bachfeste gibt es heute auf der Welt, in Deutschland, der Schweiz, Frankreich, Spanien, England, Russland, Finnland, Estland, der Ukraine, Moldawien, Polen, Ungarn, der Slowakei, Israel, Kanada, den USA, Paraguay und das größte seit 2015 in Malaysia. Die Neue Bachgesellschaft feiert 2026 ihr 100. Bachfest in Leipzig, das 101. folgt 2027 in Eisenach. Die Berliner Kabinettausstellung ist eine Vorschau auf die Sonderausstellung „125 Jahre Bachfeste – 100 Bachfeste“ in Eisenach ab dem 4. Juni 2026. Kabinettausstellung im Berliner Dom:12.03.-03.05.2026 „Ohne Berlin kein Bach“ Berliner Dom Akkreditierung: Eröffnung mit Pressetermin: 12. März 2025, 10.30 Uhr. (Quelle: visitberlin.de)

Das Akkordeon ist in vielen Stilrichtungen ein bekannter Akteur: in folkloristischer und populärer Musik, im Jazz und in Tanzmusik, sowie in zeitgenössischer Musik. Durch Yann Tiersens Soundtrack zum Film Die fabelhafte Welt der Amelie wurde sein Klang einem Millionenpublikum vertraut. Die Töne erklingen durch frei schwingende Metallzungen. Der Balg zum Erzeugen des Luftstromes lässt das Instrument atmen, womit die Musik einen einzigartigen Charakter erhält. Entstanden ist das Akkordeon ab ca. 1820 gleichzeitig in Deutschland und Österreich. Mittlerweile gibt es zahlreiche Varianten. Gemeinsam ist ihnen, dass Einzeltöne über Knöpfe oder Tasten in der rechten Hand gespielt werden. Die Knöpfe in der linken Hand lassen ganze Akkorde erklingen. Die Herstellung in großer Stückzahl erfolgte ab Mitte des 19. Jahrhunderts. Größere Betriebe montierten die Einzelteile, die oft von Gelegenheitsarbeitern zu Hause angefertigt wurden. Händler nahmen fertige Instrumente ab und versandten sie in die ganze Welt. Da sie robust und gut zu transportieren sind, erklangen sie bald in Konzert- und Tanzsälen, bei Volksfesten und zahlreichen weiteren Gelegenheiten. (Quelle: visitberlin.de)

Die 2 a-Klasse der Musikmittelschule Kirchberg begeistert mit Gesang, Band, Tanz und einer aufregenden Geschichte rund um einen Zirkus.

Sonderausstellung 24. Februar bis 26. April 2026 Filigran, prachtvoll, luxuriös: Der opulente Barock brachte kleine Andachtsbilder von bis dato ungesehener Kunstfertigkeit hervor. Höchste Geduld und Präzision waren notwendig, um Kunstwerke zu schaffen, die ihre Besitzerinnen und Besitzer zu ebenso viel Hingabe bei der Betrachtung im Gebet ermuntern sollten. Das Diözesanmuseum Freising zeigt über einhundert, überwiegend aus Privatsammlungen stammende Spitzenbilder, die zum Verweilen und Staunen einladen. Öffnungszeiten: Di-So / Fei 9:00-17:00 Freitag, 27. März 2026 um 15 Uhr Öffentliche Kuratorinnenführung mit Marina Hieble Anmeldung erbeten an [email protected] 5 Euro/Person, zzgl. Eintritt

sehr frei nach Friedrich SchillerObwohl Franz voll Eifer um die Gunst seines Vaters buhlt, ist Karl der notorische Lieblingssohn des Grafen von Moor. Auch das gemeinsame Love Interest Amalia hat nur Augen für den schönen Karl. Franz ́ einzige Chance auf Erbschaft und Anerkennung, ist eine Intrige gegen den Bruder. Der Vater lässt sich täuschen und verbannt Karl ... In ihrer Überschreibung transponieren die Humor-Virtuosen Kaja Dymnicki und Alexander Pschill Schillers Sturm-und-Drang-Drama in die Musikproduktions-Szene der 1970er-Jahre. Karl ist nicht nur Lieblingssohn, sondern auch Posterboy und Hit-Lieferant im Surf-Pop-Imperium des Herrn von Moor. Nach dem Bruch mit dem Vater zieht Karl buchstäblich andere Saiten auf und wechselt ins hotelzimmerzertrümmernde Rock-Genre. Doch die Liebe treibt Karl ein paar Powerchords später in die väterliche Suite zurück, wo Franz inzwischen sein Unwesen treibt ...

In ihrem dokumentarfotografischen Projekt untersucht die deutsch-mexikanische Künstlerin Natalie Garcia, wie sich geschlechtsspezifische Unsicherheiten von Frauen auf ihre Wegwahl im öffentlichen Raum von Mexiko-Stadt auswirken.Fotografie und Interview verbindend, beleuchtet sie die Gedanken, Erinnerungen und Entscheidungen der schwangeren Diana, während diese gemeinsam mit ihrer Tochter Sofía ihren Wohnbezirk durchquert. Die mit dem Genderpreis der FH Potsdam ausgezeichnete Arbeit visualisiert so das Wirkungsgefüge von Raum und Geschlecht, in dem sich Unsicherheiten, gesellschaftliche Strukturen, menschliches Erleben und Fortbewegung gegenseitig bedingen. Vernissage „El Camino de Diana y Sofía” – Natalie Garcia Botschaft von Mexiko – 04.03.2026, 18:00 – 20:00 Uhr R.S.V.P: kimale@sre.gob.mx Ausstellung vom 05.03.2026 bis 27.04.2026 (Quelle: visitberlin.de)

Wanderausstellung. Wimmelbücher aus den letzten 20 Jahren, aus unterschiedlichsten Ländern und Kulturen werden präsentiert.

Ausstellung „Das Leben in Zahlen“ im Gramaphon (Foyer), Gramastetten, Marktstraße 18 Von 14. April bis 17. Mai 2026 ist im Gramaphon Foyer in Gramastetten die Ausstellung „Das Leben in Zahlen“ zu sehen. Veranstaltet wird die Präsentation vom Kulturforum Gramastetten, der Eintritt ist frei. Die Ausstellung ist täglich ab 9 Uhr geöffnet. Die Ausstellung wurde im Auftrag vom Land Oberösterreich von Katharina Leonhartsberger, MSc BA anlässlich des Weltstatistiktages im Oktober 2025 gestaltet und gibt spannende Einblicke in das Leben der Oberösterreicherinnen und Oberösterreicher. Auf insgesamt 25 Ausstellungstafeln werden statistische Daten und Entwicklungen anschaulich präsentiert. Das Jahr 2025 steht dabei im Zeichen mehrerer bedeutender Jubiläen: 80 Jahre Leben in Frieden, 70 Jahre Zweite Republik sowie 30 Jahre Mitgliedschaft Österreichs in der Europäischen Union. Die Ausstellung greift diese historischen Meilensteine auf und zeigt anhand von Zahlen und Grafiken, wie sich Oberösterreich und das Leben seiner Bevölkerung im Laufe der Jahrzehnte verändert haben. Neben den klassischen Informationstafeln bietet die Ausstellung auch interaktive Elemente unter dem Motto „Zahlen zum anfassen“, die Besucherinnen und Besucher dazu einladen, Statistiken auf spielerische Weise zu entdecken. Die Ausstellung richtet sich an alle Interessierten – von Statistik-Neugierigen über Geschichtsinteressierte bis hin zu Familien und Schulklassen – und lädt dazu ein, Oberösterreich einmal aus einer ganz besonderen Perspektive kennenzulernen.

Mit der Ausstellung "Jugendzentrum Kursalon. Selbstverwaltet 1976 - 1978" zeigt Kurator Walter Ulreich ein Stück Sozial­geschichte aus den wilden 1970ern – ein Lehrstück über gelebte, selbst­verwaltete Demokratie und den Mut einer Generation, die ihr Leben in der Stadt verändern wollte. Die Ausstellung zeigt Original-Plakate, Fotos und Dokumente aus dieser wildbewegten Zeit, auch ein Original-Transparent von der Jugendzentrums-Demo am 14. April 1978 in Mödling. Zwischen Anfang 1976 und Mitte 1978 sorgte das selbstverwaltete Jugendzentrum im alten Kur­salon von Mödling für Aufsehen: Politiker, Jour­nalisten, Gastwirte, Burschenschafter, Rocker, Pfarrer und viele Jugendliche waren in diese tur­bulente Geschichte verwickelt. Zunächst unterstützten SPÖ und ÖVP die Ini­tia­tive engagierter Jugendlicher, überließen ihnen den damals verwahrlosten Kursalon und er­mög­lich­ten den selbständigen Umbau nach ei­ge­nen Vorstellungen. Im November 1977 wurde das Jugendzentrum feierlich eröffnet – nur we­ni­ge Monate später, im März 1978 zerstörte schließlich die Wiener Rockergruppe La Santas nahezu alle Räume des Gebäudes. Damit war das Experiment einer selbstverwalteten Jugendkultur in Mödling brutal beendet. Eröffnung: 12. Februar, 18.30 Uhr, Eintritt frei! Die Ausstellung ist zu den Öffnungszeiten des Museums bis 17. Mai zu besichtigen: Montag bis Donnerstag 9 bis 13 Uhr, Samstag 10 bis 14 Uhr sowie Sonn- und Feiertag von 14 bis 18 Uhr.

Die Eltern erhalten eine Still-, Ernährungs-, Pflege-, und Schlafberatung sowie eine regelmäßige Wachstums- und Entwicklungskontrolle ihrer Babys. Für Kinder bis zum Alter von drei Jahren.

Kinder können erste soziale Kontakte knüpfen und Eltern haben die Möglichkeit sich kennenzulernen und auszutauschen.

Sonderausstellung.

„Mutuogenesis“ ist eine lebendige soziale Skulptur als Ausstellung und Prototyp einer neuen Form des Lebens, Lernens, Produzierens und der Gemeinschaft, deren Kern soziale und ökologische Gerechtigkeit bildet.Zwischen dem Neuköllner Co-Lab „Lucky Garage“ im Stadtteilzentrum Falscher Fisch und dem Kunstgewerbemuseum findet die Zusammenarbeit des Künstlers und Designers Jerszy Seymour mit der internationalen, jungen Community der S27 – Kunst und Bildung statt. Durch die Gemeinschaftsarbeit entsteht eine immersive, vielfarbige, mutuogene Umgebung aus wiederverwerteten Materialien, die alle Lebensfunktionen bietet und die Bühne für ein Programm mit Vorträgen, Performances und Interventionen einer Reihe diverser Künstler:innen, Designer:innen und Aktivist:innen schafft. Eine Ausstellung des Kunstgewerbemuseums – Staatliche Museen zu Berlin in Kooperation mit S27 – Kunst und Bildung. Verein zur Förderung der Interkulturellen Jugendarbeit e. V. (Quelle: visitberlin.de)

Was, wenn der Elefant im Porzellanladen die Redewendung auf den Kopf stellt: Und gar nichts kaputtmacht, sondern das feine Geschirr hegt und pflegt und zu stolzen Preisen an Reiche verkauft? Und wenn dann der große Scherbenhaufen dennoch kommt (weil er ja nun einmal kommen muss...), verursacht durch eine kleine Maus – wird die Polizei dem Elefanten Glauben schenken? Eine musikalische Erzählung mit Tanz, nach dem Bilderbuch von Wolfdietrich Schnurre. (Quelle: visitberlin.de)

Im Jahr 2025 hat die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen insgesamt 26 Werke – darunter Gemälde, Skulpturen, Fotografien und Videoarbeiten – von ebenso vielen sächsischen Künstlerinnen und Künstlern erworben. Eine Auswahl dieser Neuzugänge ist in der Ausstellung „Neuzugänge zeitgenössischer Kunst im Kunstfonds 2025 – Förderankäufe der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen“ in der Vertretung des Freistaates Sachsen beim Bund in Berlin zu sehen. (Quelle: visitberlin.de)

Eine archäologische Sonderausstellung zum Mitmachen für Kinder ab 6 Jahren.

Die gläserne Halle der Neuen Nationalgalerie Berlin wird 2026 zur Präsentationsfläche für die erste große Werkschau des Ausnahmekünstlers Constantin Brancusi in Deutschland seit mehr als 50 Jahren.Constantin Brancusi in der Neuen Nationalgalerie auf einen BlickDie Stiftung Preußischer Kulturbesitz zeigt in Kooperation mit dem Pariser Centre Pompidou in Berlin den bislang umfangreichste Überblick über Constantin Brancusis vielseitiges Schaffen. Die Architektur Mies van der Rohes auf dem Areal des Berliner Kulturforums schenkt den über 150 Skulpturen des Bildhauers, sowie Fotografien, Filmen und Archivmaterialien einen optimalen Rahmen, um sein Werk zugänglich zu machen. Ein besonderes Highlight stellt eine Teilrekonstruktion seines berühmten Ateliers dar, die erstmalig seit den 50er Jahren außerhalb von Paris ausgestellt wird. Constantin Brancusi (1876 – 1957) zählt zu den bedeutendsten Bildhauern des 20. Jahrhunderts. Eng vernetzt in der Künstlerszene von Paris, wo er zunächst Kunst studierte und später seinen Schaffensschwerpunkt hatte, erlangte Brancusi mit seiner skulpturalen Abstraktion bereits zu Lebzeiten internationalen Ruhm. (Quelle: visitberlin.de)

Der Kalte Krieg prägte die Jahre von 1945 bis 1990 – eine Zeit, in der die Welt unter dem Schatten atomarer Bedrohung stand, und doch wurde gespielt – auch mit dem Kalten Krieg selbst. Die Ausstellung „ColdWarGames – Alles nur ein Spiel“ beleuchtet Spiele aus und über den Kalten Krieg. Besucher:innen können die faszinierende Brettspielwelt der 1960er- und 1970er-Jahre entdecken, erfahren, warum ein Strategiespiel auf dem Jugendindex landete, einen DDR-Computerclub erkunden und am einzigen DDR-Arcade-Automaten selbst spielen. Auch aktuelle Games zum Thema sind Teil der Schau – und am Ende steht die Frage: Ist wirklich alles nur ein Spiel? (Quelle: visitberlin.de)

Brigitte Meier-Denninghoff (1923 – 2011) gehört zu den wenigen deutschen Bildhauerinnen und Zeichnerinnen, die in den 1950-70er Jahren international Karriere machten. Als einzige Bildhauerin und Frau ist sie Mitbegründerin der Gruppe ZEN 49. Meilensteine ihres Erfolgs sind Einladungen 1959 und 1964 zur documenta in Kassel und 1962 zur Biennale in Venedig. Sie erhält wichtige Kunstpreise und ist in relevanten Publikationen zur Skulptur nach 1945 vertreten. Dennoch wird sie heute oft nur als Teil des erfolgreichen Berliner Duos Matschinsky-Denninghoff wahrgenommen. Ihr Mann Martin Matschinsky (1921–2020), zunächst Fotograf und Schauspieler, unterstützte ab 1955 seine Frau bei der Umsetzung der Skulpturen. Ab 1970 signierten die beiden diese zusammen und legten damit den Grundstein für die Marke Matschinsky-Denninghoff. Auch Skulpturen, mit denen die Künstlerin 1955 bis 1970 international bekannt geworden war, erklärte das Paar rückwirkend zum gemeinsamen Werk. Ihre großformatigen, ikonischen Arbeiten prägen den öffentlichen Raum vieler westdeutscher Städte. Die Ausstellung wertet erstmals umfassend den Nachlass aus. Er umfasst eine Fülle unbekannten Materials, darunter Skulpturen, Zeichnungen und Dokumente zu Brigitte Meier-Denninghoff. Sie legen eine neue Sicht auf das Frühwerk der Künstlerin nahe. Der Nachlass wird von der Stiftung Matschinsky-Denninghoff unter dem Dach der Berlinischen Galerie in Zusammenarbeit mit Van Ham Art Estate betreut. (Quelle: visitberlin.de)

Die Weltstadt Istanbul und ihre Bewohner:innen stehen im Zentrum dieser Ausstellung. Faszinierende Zeichnungen und druckgraphische Werke machen die vielfältigen Verbindungen zwischen Mitteleuropa und der Metropole am Bosporus anschaulich.Der zeitliche Bogen reicht von der Eroberung Konstantinopels durch das Osmanische Reich im Jahr 1453 bis zur Aufnahme diplomatischer Beziehungen zu Preußen durch die erste türkische Gesandtschaft in Berlin 1763. Werke weltberühmter Künstler wie Pollaiuolo, Dürer, Coecke van Aelst, Rembrandt, Liotard oder Chodowiecki zeichnen ein vielschichtiges Bild: Die einen reflektieren die Bedeutung von Kunst und Musik, zeugen von Neugier und Begeisterung. Andere dienen propagandistischen Interessen und verbreiten Vorurteile. Aktuelle künstlerische Positionen ergänzen die Werkauswahl um Reflexionen zu Fragen über Identität und Stereotype. Eine Sonderausstellung des Kupferstichkabinetts – Staatliche Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Die Spandauer Moritzkirche war möglicherweise die älteste Kirche auf dem heutigen Berliner Stadtgebiet. Bereits um 1180 existierte eine Holzkirche mit Kirchhof, die im 13. Jahrhundert durch einen Steinbau ersetzt und später umgebaut wurde. Die französisch-napoleonische Besetzung Spandaus 1806 entweihte das Gebäude und nutzte es als Schlachthof und Magazin. Auch die preußische Armee behielt danach die ehemalige Kirche als Kaserne im militärischen Gebrauch. Im Jahr der Eingemeindung Spandaus nach Großberlin 1920 wurde der ursprünglich mittelalterliche Bau abgerissen, um neuen Wohnhäusern Platz zu machen. Der ungefähre Standort blieb zwar bekannt, aber es war doch eine kleine Sensation, als die mittelalterlichen Grundmauern der Moritzkirche bei Bauarbeiten 2023 wiederentdeckt wurden. Das Stadtgeschichtliche Museum Spandau widmet sich mit dieser Ausstellung erstmals umfassend der Geschichte des in Vergessenheit geratenen Gotteshauses. Im Zentrum stehen dabei die 2023/24 dort durchgeführten archäologischen Grabungen und ihre Forschungsergebnisse. Gezeigt werden ausgewählte Originalobjekte – einige aus Gräbern am Kirchhof – und Archivalien, die zum Teil aus dem Mittelalter stammen und nur selten ausgestellt werden können. Spätere Dokumente, historische Fotografien und digitale Auswertungen der Archäologie geben weitere spannende Einblicke – und werfen die Frage auf, ob auch Spandaus Kirchengeschichte älter ist als die Berlin-Cöllns. (Quelle: visitberlin.de)

Ob mit feinen Linien oder expressivem Strich – die Werke der ukrainischen Künstlerin Iryna Vorona (*1987) halten mit großer emotionaler Intensität die Auswirkungen des russischen Angriffskrieges auf die Zivilbevölkerung von Kyjiw fest. Sie schafft eindrückliche Porträts in Kohle auf Papier, die besonders Kinder, Frauen und alte Menschen in den Blick nehmen und so zu einem visuellen Tagebuch der inhumanen Effekte des Konflikts werden. Ausgehend von persönlichen Erlebnissen und Begegnungen thematisiert die Künstlerin auch erzwungene Migration und die Anpassung an neue Umgebungen. Iryna Voronas Werke zeugen von individuellem Leid, aber auch von Zusammenhalt, Widerstandskraft und der Hoffnung auf Frieden, und geben somit ein Zeichen der Zuversicht. Die Ausstellung findet im Zusammenhang des vierten Jahrestages des völkerrechtswidrigen Angriffskrieges Russlands auf die Ukraine statt. Sie ist in Kooperation mit dem Kunstmuseum Wolfsburg entstanden. (Quelle: visitberlin.de)

Wie kaum ein anderer Schriftsteller ist E.T.A. Hoffmann (*1776, †1822) in seiner Rezeption aufgegangen. Seit über zweihundert Jahren werden seine Werke in zahlreiche Sprachen übersetzt – darunter Englisch, Französisch und Polnisch, aber auch Jiddisch, Japanisch und sogar die Kunstsprache Esperanto. Darüber hinaus werden seine Texte illustriert und in vielfältige künstlerische Formen übertragen. Bis in die Gegenwart hinein inspiriert sein facettenreiches Werk aus Märchen, Horror- und Kriminalerzählungen, Romanen und Musikkritiken Künstler:innen auf der ganzen Welt. Anlässlich seines 250. Geburtstages würdigt „Inventing E.T.A. Hoffmann (1776–2026)“ die inspirierende Energie einer internationalen Buchkultur, die seit fast einem Vierteljahrtausend den Blick auf Hoffmann prägt und immer wieder neu erfindet. Die Ausstellung zeigt herausragende Illustrationen und Künstlerbücher, erzählt von Exil und Verlust und erschließt – mit einem Seitenblick auf den „Kater Murr“ – die Ursprünge des cat contents. (Quelle: visitberlin.de)

Ein Jubiläum, wie das 40-jährige Bestehen des 1985 eröffneten Kunstgewerbemuseums (KGM) im von Rolf Gutbrod entworfenen Neubau am Kulturforum in West-Berlin, ist häufig Anlass für einen feierlichen Rückblick. Das KGM wählt einen anderen Weg und lädt zur aktiven Beschäftigung mit den vielschichtigen Ebenen nicht nur seiner Geschichte, sondern vor allem seiner Zukunft ein.Die Ausstellung „Heimsuchung: 40 Jahre KGM am Kulturforum“ versteht sich als eine Art Séance – ein gemeinsames Hinhören auf die Echos der Vergangenheit, die Potenziale der Gegenwart und die noch ungeschriebenen Zukünfte des Hauses. Anstelle einer fest vorgegebenen Erzählung öffnet sie einen Raum für die komplexen Fragen, die diesen Ort seit vier Jahrzehnten prägen. Visionen und Brüche Die Geschichte des Kunstgewerbemuseums ist von Visionen und Brüchen geprägt, nicht zuletzt durch die ehemalige Teilung in Ost- und West-Berlin, die zwei bis heute existierende Standorte des Museums – das Kulturforum im Westen und Schloss Köpenick im Osten Berlins – zur Folge hatte. Die Ausstellung spürt der Gründungsidee des Hauses als Einrichtung, die der Geschmacksbildung von Handwerkern dienen sollte, seinen ursprünglichen Antriebskräften als Unterrichtsanstalt mit Vorbildersammlung und den Konflikten nach, die mit solch einer tief im 19. Jahrhundert verwurzelten Vorstellung einhergingen. Anstatt jedoch eine abgeschlossene Version der Geschichte des Museums zu präsentieren, werden Teile der Sammlung, der Methodik und der institutionellen Vergangenheit so gezeigt, dass sie die vielschichtige Natur des Museums erlebbar machen. Was ist von diesem Gründungsgedanken übriggeblieben beziehungsweise wie wurde er in das 20. Jahrhundert transferiert? Für die Beantwortung dieser Frage kann das Kulturforum konsultiert werden, das nicht nur Museumsstandort ist, sondern ein Ort vielfältiger Kontroversen und Debatten: Zeugnis einer Zukunftsvision, dessen heutige Realität die zahlreichen Kompromisse und ungelösten Fragen in der Geschichte des Kunstgewerbemuseums widerspiegelt. Heim/suchung Mit der komplexen, über annährend 20 Jahre andauernden Baugeschichte des heutigen Museums am Kulturforum gingen Konflikte und Potenziale einher, die mit neuen Anforderungen an das Museum generell verknüpft waren. Sie betrafen konservatorische und bautechnische Erfordernisse, aber vor allem den vordringlichen Auftrag und gleichermaßen Anspruch des Museums ein demokratischer Bildungsort zu sein. Die Ausstellung widmet sich insbesondere diesen sozialen und museologischen Realitäten, für die Rolf Gutbrod mit dem Einbau einer durch das Haus eingezogenen Vermittlungsgalerie eine wegweisende und viel beachtete Lösung gefunden hatte. Die Ausstellung beleuchtet die Erfolge und das Scheitern einer gebauten Vision, und lüftet zugleich den Vorhang, um Einblicke in die Realität zu geben, die sich in den Restaurierungswerkstätten und Büros abspielt. Die Zukunft als offene FrageDie Ausstellung blickt nach vorn und begreift die Zukunft als einen offenen Prozess mit großem Gestaltungsspielraum. Angesichts notwendiger anstehender Veränderungen, wie Renovierung, Sanierung und inhaltlicher Neuausrichtung, stellt die Ausstellung die Zukunft des KGM zur Diskussion. Sie ist keine finale Antwort, sondern eine offene Frage, die in der Sprache der Institution gestellt wird: als Einladung an die Öffentlichkeit, am nächsten Kapitel mitzuwirken. Team Koordination und Co-Kuration: Ann-Kathrin Illmann, Carina Kitzenmaier, Dr. Claudia Kanowski, Kevin (Finn) Strüder, Dr. Sibylle Hoiman Grafikdesign: Kevin (Finn) Strüder, Carina Kitzenmaier Eine Sonderausstellung des Kunstgewerbemuseums – Staatliche Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Mit dieser Sonderausstellung rückt das Vorderasiatische Museum Kunst und Bildwerke der ersten sesshaften Kulturen in den Blick.Menschen errichteten im heutigen Türkiye vor 12.000 Jahren monumentale Bauwerke aus Stein und bevölkerten diese mit spektakulären Steinskulpturen. Die Ausstellung inszeniert die Bildwerke, die vielfach zum ersten Mal im Ausland zu sehen sind, zusammen mit Architekturrekonstruktionen, Medien und Fotos der spanischen Fotokünstlerin Isabel Muñoz. Bis heute sind Archäolog:innen damit beschäftigt, die faszinierenden Bau- und Kunstwerke aus der Welt der Jäger-Sammler am Übergang zur Sesshaftigkeit zu entschlüsseln. In Zusammenarbeit mit Türkiye werden nun spektakuläre archäologische Funde aus Göbeklitepe und anderen Orten der Umgebung auf die Museumsinsel Berlin geholt. Wer hat die faszinierender Bildwerke und Symbole geschaffen und was bedeuten sie? Lange bevor Stonehenge errichtet oder die ersten Pyramiden erbaut wurden, schufen die ersten sesshaften Gemeinschaften in der Provinz Şanlıurfa im Südosten von Türkiye einmalige monumentale Gebäude mit fantastischen überlebensgroßen Bildwerken. Seit 2018 sind diese UNESCO-Weltkulturerbe. Die gewaltigen Bauten und der künstlerische Ausdruck sind als Werk von Gemeinschaften zu verstehen, die sich mit Beginn der Sesshaftigkeit bildeten. Der Zusammenhalt war ein wichtiger Faktor für das Leben der Gruppen und ihre Resilienz unter sich wandelnden Bedingungen. Seit 2020 zeichnen spektakuläre Entdeckungen des internationalen Forschungsprojekts Taş Tepeler in Orten wie Karahantepe, Sayburç und Çakmaktepe ein umfassendes Bild dieser revolutionären Epoche. Die Ausstellung in der James-Simon-Galerie zeigt Bildwerke, Alltagsgegenstände und Schmuck, die vom Zusammenleben der Menschen während dieses menschheitsgeschichtlichen Umbruchs erzählen. Archäologische Funde und Architekturrekonstruktionen werden von zeitgenössischen fotografischen Interpretationen der spanischen Fotokünstlerin Isabel Muñoz komplementiert und laden ein, in das Leben am Übergang von den Jäger-Sammler-Kulturen zur Sesshaftigkeit einzutauchen. "Gebaute Gemeinschaft. Göbeklitepe, Taş Tepeler und das Leben vor 12.000 Jahren" wurde durch ein Team unter der Leitung von Barbara Helwing, Vorderasiatisches Museum, und Necmi Karul, Universität Istanbul, erarbeitet und ist eine Zusammenarbeit zwischen dem Vorderasiatischen Museum, dem Archäologischen Museum Şanlıurfa und dem Forschungsprojekt “Taş Tepeler“ der Universität Istanbul, unter Mitwirkung des Deutschen Archäologischen Instituts. Die meisten archäologischen Objekte aus dem Museum Şanlıurfa sind erstmals im Ausland zu sehen. Eine Sonderausstellung des Vorderasiatischen Museums der Staatlichen Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit dem Archäologischen Museum Şanlıurfa und der Universität Istanbul Die Ausstellung wird ermöglicht mit Mitteln der Deutschen Stiftung Klassenlotterie, des Kuratoriums der Stiftung Preußischer Kulturbesitz, der Freunde der Antike auf der Museumsinsel e.V. und durch Eigenmittel der SPK. Zur Ausstellung wird ein bebilderter Begleitband in je einer deutschen, türkischen und englischen Ausgabe erhältlich sein. (Quelle: visitberlin.de)

Da hängt ein Porträt einer jungen Frau im Schloss, fast versteckt hinter einer Tür, gemalt von der bekanntesten Künstlerin ihrer Zeit. Ein It-Girl würde man heute vielleicht sagen. Sie schreibt Briefe und Tagebücher, daher wissen wir von ihr. Das Bild zeigt Françoise Éléonore Dejean de Manville, Comtesse de Sabran (1749-1827). Sie entkam den Gefahren der Französischen Revolution. Prinz Heinrich gewährte ihr Asyl – eine Verbindung, die im Kurbad Spa entstand.Die Künstlerin Susanne Krell, mit Atelier in Neuruppin, untersucht in einer Rauminstallation diese Geschichte und fragt auf vielen Ebenen und mit unterschiedlichsten zeitgenössischen künstlerischen Mitteln bis hin zu Videos, die mit KI-Hilfe generiert wurden, inwieweit wir uns der Dargestellten heute nähern können. Wie sicher ist das, was wir wissen? Und sehen?(Quelle: visitberlin.de)

Nach weltweit erfolgreichen Stationen in Las Vegas, Melbourne und Brüssel ist TITANIC – DIE AUSSTELLUNG in Potsdam – und macht eindrucksvoll eines der bekanntesten Schiffsunglücke der Geschichte zugänglich.TITANIC - Die Ausstellung Besucher:innen erwartet eine spektakuläre Zeitreise in das Jahr 1912 mit mehr als 200 originalen Fundstücken, lebensgroßen Nachbildungen der berühmten Freitreppe, Passagierkabinen, Gängen und interaktiven Elementen. Original-Objekte vom Meeresgrund – jetzt in Potsdam Erlebe echte Artefakte aus nächster Nähe! In der Ausstellung werden über 200 Exponate gezeigt, die bei verschiedenen Tiefsee-Expeditionen direkt vom Wrack der Titanic geborgen wurden. Ob persönlicher Gegenstand oder Schiffsinventar – jedes Stück erzählt eine eigene Geschichte und macht die bewegenden Schicksale greifbar. Interaktive Ausstellung mit persönlicher Reise Beim Eintritt in die Ausstellung erhalten alle Besucher:innen eine nachgebildete Bordkarte – mit der Identität eines echten Titanic-Passagiers. Auf diese Weise tauchst du tief ein in das Leben an Bord, erlebst den Prunk der ersten Klasse, den Alltag der dritten Klasse und die dramatischen Ereignisse der letzten Stunden des Schiffes. Highlights der Titanic-Ausstellung in Potsdam: Mehr als 200 Original-Exponate vom Wrack der Titanic Lebensgroße Nachbildungen: ikonische Freitreppe, Kabinen und Gänge Interaktive Erlebnisse: Schlüpfe in die Rolle eines Passagiers Geschichte zum Anfassen: Vom Bau des Schiffs bis zum Untergang Einblicke in moderne Bergung und Forschung Emotionales Storytelling über Heldentum, Liebe und Verlust Ein Muss für Titanic-Fans, Geschichtsliebhaber & FamilienTITANIC – DIE AUSSTELLUNG in Potsdam ist ein emotionales Erlebnis für alle Altersgruppen. Ideal für Familien, Schulklassen, Geschichtsinteressierte und alle, die die Faszination Titanic hautnah erleben möchten. 🎟️ Jetzt Tickets sichern!Der Vorverkauf hat begonnen – und die Nachfrage ist groß! Erleben Sie Geschichte hautnah und sichern Sie sich schon jetzt Ihre Tickets für TITANIC – Die Ausstellung in Potsdam. 👉 Frühbucher profitieren von attraktiven Vorteilen: Garantierter Eintritt an Ihrem Wunschtermin Exklusive Online-Preise Keine Wartezeiten an der Kasse 📍 VeranstaltungsortMetropolis Halle im Filmpark Babelsberg Großbeerenstraße 200, 14482 Potsdam Leicht erreichbar mit öffentlichen Verkehrsmitteln (Quelle: visitberlin.de)

In ihren Werken setzt sich Stephanie Comilang mit Themen wie Arbeit, Technologie und postkolonialen Verflechtungen im Kontext globaler Mobilität auseinander. Dafür verknüpft sie dokumentarische Aufnahmen, fiktionale Elemente und persönliche Erzählungen. Die Arbeiten nennt sie selbst „Science-Fiction-Dokumentationen“.Stephanie Comilang (*1980, Toronto) ist eine philippinisch-kanadische Künstlerin, die in Berlin lebt. Sie studierte am Ontario College of Art & Design und hatte kürzlich Einzelausstellungen u.a. in der Schirn Kunsthalle Frankfurt, der National Gallery of Canada, Ottawa und dem Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. (Quelle: visitberlin.de)

„Und wo saß hier jetzt Rudolf Hess?“, ist eine alltägliche Frage von Besucherinnen und Besuchern der Zitadelle Spandau. Die Antwort lautet: „Nirgends.“ Das berüchtigte Kriegsverbrechergefängnis, in dem Rudolf Hess als letzter Insasse inhaftiert war, befand sich in der Spandauer Wilhelmstadt. Ursprünglich 1877 als „Central-Festungsgefängniß“ geplant, wurde es ab 1881 zur Unterbringung straffällig gewordener Soldaten und Kriegsgefangener genutzt. Nach einer spektakulären Befreiung während der Novemberrevolution 1918 wandelte sich das Gebäude in ein Zivilgefängnis, das bis 1933 in Betrieb war. Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten wurde es umgehend zum Ort sogenannter „Schutzhaft“ – vor allem für politische Gefangene, von denen viele zum Tode verurteilt wurden. Erstmals waren darunter auch Frauen, etwa aus dem polnischen Widerstand. International bekannt wurde das Gefängnis als „Spandau Prison“, in dem ab 1947 sieben in Nürnberg verurteilte Kriegsverbrecher ihre Strafen verbüßten. Obwohl es direkt nach dem Suizid von Rudolf Hess 1987 abgerissen wurde, prägt dieses Kapitel bis heute das öffentliche Bild. Die Ausstellung im Zeughaus der Zitadelle zeichnet anlässlich des 80. Jahrestags des Kriegsendes die komplette Geschichte des Gefängnisses nach. Seltene Objekte und bisher unveröffentlichte Fotos werden durch Zeitzeugeninterviews ergänzt. Ein besonderer Akzent liegt auf der grafischen Umsetzung einzelner Ereignisse im Stil von Comics – ein Ansatz, der neue Zugänge eröffnet und zur Diskussion einlädt. Die Geschichte des Gefängnisses stößt zudem Diskussionen über Themen der Gegenwart an: Was sollte das Ziel von Haftstrafen in einer demokratischen Gesellschaft sein? Welche Konsequenzen haben internationale Haftbefehle gegen Staatsführer heute? Wie kommt es zu Verschwörungserzählungen? Ist der Abriss von Gebäuden aus der NS-Zeit wirksam, um zum Beispiel rechtsextreme Aufmärsche vor Ort zu verhindern? Das Publikum ist eingeladen, sich in der Ausstellung sowie im Begleitprogramm zu informieren und an der Diskussion zu beteiligen. (Quelle: visitberlin.de)

Petrit Halilaj (geboren 1986) zeigt seine erste große institutionelle Einzelausstellung in Berlin. Im Mittelpunkt steht das erste Opernwerk des Künstlers, das Möglichkeiten des kollektiven Träumens erkundet, um offene und emanzipatorische Welten hervorzubringen. Neben diesem neuen, ortsspezifischen Werk zeigt die Ausstellung Skulpturen, Installationen und Videoarbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen. Diese zweite Ausstellung in den 2024 wiedereröffneten Rieckhallen findet anlässlich der Berlin Art Week statt. Für seine Ausstellung im Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart entwickelt Petrit Halilaj eine Oper in Zusammenarbeit mit der Kosovo-Philharmonie. Gegründet im Jahr 2000 nach dem Ende des Kosovokriegs, feiert sie dieses Jahr ihr 25-jähriges Jubiläum. Ausgangspunkt der Oper ist der sagenumwobene Ort Syrigana, ein dreitausend Jahre altes Dorf in der Nähe von Halilajs Heimatstadt Runik. Seit 2016 steht Syrigana als archäologische Stätte der Frühgeschichte, der Spätantike und des Mittelalters unter Denkmalschutz. Die Elemente der Oper werden in einer ortsspezifischen Installation neu konfiguriert. Zusätzlich zeigt die Ausstellung fünf großformatige Installationen aus verschiedenen Schaffensphasen des Künstlers und gibt so einen Einblick in sein Werk. Der in Berlin lebende Künstler Petrit Halilaj (geboren 1986) erschafft komplexe Welten, die Raum für Freiheit, Sehnsucht, Intimität und Identität bieten. Seine Kunst ist eng mit der Geschichte seines Heimatlandes Kosovo und den Folgen kultureller und politischer Spannungen in der Region verbunden. Seine Werke wurden international ausgestellt, u.a. im Metropolitan Museum of Art, New York, auf der Biennale von Venedig und in der Tate St Ives. Die Ausstellung wird kuratiert von Catherine Nichols, Kuratorin im Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. Assistenzkuratorin: Emily Finkelstein, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart Bildung und Vermittlung: Claudia Ehgartner mit Assistenz Sonja Azizaj, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu BerlinNeben Zeichnungen, Skulpturen und Installationen werden neue, ortsspezifische Arbeiten ausgestellt. (Quelle: visitberlin.de)

Eine durch den Kaiser Friedrich Museumsverein erworbene Büste der Maria lactans bildet das Herzstück einer neuen Kabinettsausstellung im Bode-Museum. Das Werk, das einst Teil der berühmten Berliner Sammlung von Benoit Oppenheim war, kehrt nach einer langen Reise zurück.Im Zentrum der Kabinettausstellung "Zurück in Berlin. Eine Marienbüste und die Sammlung Benoit Oppenheim" steht eine neu erworbene Büste der Maria lactans aus dem frühen 16. Jahrhundert. Das Werk zählt zu den feinsten oberschwäbischen Skulpturen des ausgehenden Mittelalters und gehörte einst zur bedeutenden Sammlung des Berliner Bankiers Benoit Oppenheim, deren Meisterwerke heute größtenteils im Bode-Museum bewahrt werden. Oppenheim (1842–1931) hatte zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine außergewöhnlich qualitätsvolle Sammlung mittelalterlicher Skulpturen aufgebaut, die er in seiner Villa im Tiergarten präsentierte und in zwei prächtigen Katalogen dokumentierte. Ab 1920 jedoch begann er, die Werke wieder zu veräußern – sehr zum Bedauern Wilhelm von Bodes, der auf Schenkungen an die Berliner Museen gehofft hatte. Die Ausstellung würdigt erstmals diese besondere Sammlerpersönlichkeit. Die Maria lactans selbst blickt auf eine bewegte Provenienz zurück. 1907 noch bei Oppenheim nachweisbar, gelangte sie 1928 in die Sammlung des jüdischen Bankiers Jakob Goldschmidt, dessen Kunstbesitz 1936 aufgrund nationalsozialistischer Verfolgung versteigert wurde. Die Büste wurde damals vom Kunsthändler Johannes Hinrichsen erworben und im selben Jahr von den Staatlichen Museen zu Berlin angekauft. Nach der 2023 erfolgten Restitution an die Erben Goldschmidts konnte der Kaiser Friedrich Museumsverein das Werk – unterstützt von der Friede Springer Stiftung und der Kulturstiftung der Länder – 2025 zurückerwerben. Als Reliquiar konzipiert, birgt die von Maria präsentierte Kugel ein Fach, das einst mit Bergkristall verschlossen war. Vermutlich enthielt es, im Kontext der innigen Darstellung des stillenden Jesuskindes, eine Marienmilchreliquie – eine im späten Mittelalter viel verehrte Pilgergabe aus der Milchgrotte von Bethlehem. Die Büste wird nun zusammen mit weiteren aus der Sammlung Oppenheim stammenden Spitzenwerken des nördlichen Spätmittelalters im Bode-Museum gezeigt und nach Abschluss der Sonderausstellung in dessen Dauerausstellung übergehen. (Quelle: visitberlin.de)

Der urbane Raum ist voll von Zeichen– manche sind absolut eindeutig und unmissverständlich, andere eher kryptisch. Diese Ausstellung richtet den Blick auf Graffiti und Street Art in Neukölln und versteht sich als Einladung, diese Ausdrucksformen im Stadtraum bewusster wahrzunehmen und zugleich besser zu verstehen.Statt einer kunsthistorischen Einordnung wählte das Museum einen eher ethnografischen Ansatz: Wie kommuniziert die Stadt mit sich selbst? Wer schreibt hier für wen? Graffiti und Street Art sind visuell allgegenwärtig – die Bedeutung der Zeichen und Bilder erschließt sich aber oft nur Eingeweihten. Diese Ausstellung bietet in diesem Sinne eine Hilfe zur Entschlüsselung der visuellen Codes. Im Zentrum steht ein dokumentarischer Zugang: Hunderte Fotos aus dem Neuköllner Stadtraum bilden die visuelle Basis dieser Ausstellung. Mit Hilfe von drei großflächigen Projektionen holt das Museum ein Stück weit den Stadtraum ins Museum; erklärende Kommentare ergänzen die Präsentation. Darüber hinaus bieten sieben Interviews mit Akteur:innen und Crews sehr persönliche Einblicke in Motivationen, Techniken und Haltungen hinter den Bildern – unterstützt durch sehr persönliche Objekte aus ihrem Alltag. Die Schwelle zwischen der erforderlichen Anonymität und Intimität berühren sehr sensible Porträtaufnahmen. Gerahmt wird die Ausstellung durch eine umlaufende Galerie-Hängung mit Arbeiten der drei Fotokünstler:innen Jürgen Hohmuth, Maximilian Meisse und Tanja Schnitzler. Das Format MUSEUM im DIALOG bietet kuratierte Spaziergänge durch Neukölln, Führungen durch das Kurator:innenteam und Diskussionsveranstaltungen auch inhaltlich. ZEICHEN.SPRACHEN.STADTRAUM ist keine Ausstellung für oder gegen Graffiti, sondern ein Versuch, das oft Übersehene sichtbar und lesbar zu machen. Denn auf den Hauswänden, Stromkästen und Brückenpfeilern spiegelt sich mehr von urbaner Gegenwart, als auf den ersten Blick vermutet wird. (Quelle: visitberlin.de)

Die Frage „Was lesen?“ klingt nach Wahlfreiheit angesichts eines riesigen Angebots. Wer bei der Entscheidung Orientierung und Hilfe sucht, verlässt sich aber häufig auf die Einschätzung anderer. Die zugrundeliegenden Auswahlprozesse sind dabei nicht immer transparent und nachvollziehbar. Denn was wir lesen, wird mitbestimmt durch Praktiken, an denen Akteur:innen im Buchmarkt, in Bibliotheken und Archiven, an Schulen und Universitäten beteiligt sind. Auch Lesende beeinflussen diese Vorgänge. Die Ausstellung zeigt exemplarisch, wie das funktioniert. Hinterfragt wird, was in den Schulen und Universitäten gelesen, was gesammelt und wie es sortiert wird, welche Werke bereits publiziert wurden und welche (noch) vergriffen bleiben. Die Listen ‚wichtiger‘ Bücher, die in den letzten Jahrhunderten entstanden sind, bilden nicht die Vielfalt ab, die die Welt und auch die Literatur ausmachen. Im Zentrum der Ausstellung stehen deshalb Texte, die vergessen oder aus dem Kanon verdrängt wurden; Stimmen, die (wieder) gehört werden müssen; Literatur, deren Entdeckung sich lohnt. „Was lesen?“ lädt dazu ein, Literatur zu begegnen, die nicht auf den üblichen Listen steht und die nur in wenigen Regalen zu finden ist. Sichtbar werden etwa wenig beachtete Schätze, die zwar in der Staatsbibliothek liegen, aber in der Literaturgeschichte nicht miterzählt werden. Dazu zählen Texte von schreibenden Frauen im Mittelalter, Werke von Romantikerinnen, die unter falschem Namen publiziert wurden, oder Schwarze deutsche Literatur, die noch wenig Aufmerksamkeit bekam. Weitere Anregungen bietet die kollaborativ erstellte Lückenliste des Netzwerks #breiterkanon, die in der Ausstellung vorgestellt wird. Am Projekt Beteiligte begründen in kurzen Videos ihre Literatur-Empfehlungen und sprechen darüber, warum diese wiederentdeckt werden sollten. (Quelle: visitberlin.de)

Die Gruppenausstellung IDEE + RAUM vereint Künstler:innen verschiedener Generationen, deren Arbeiten der Konkreten Kunst zuzuordnen sind oder eine konkrete Anmutung besitzen. Allen Werken liegt eine klare, dem Sichtbarwerden vorausgehende Idee zugrunde, die sich im Raum materialisiert. Die Skulpturen, Objekte, Installationen, Zeichnungen und Wandarbeiten eröffnen aktuelle Perspektiven auf Raum, Struktur, Wissenschaft, Architektur oder Design. Zeitgenössische Berliner Positionen werden dabei gemeinsam mit Arbeiten aus dem Kunstarchiv Beeskow, dem „Sammlungs- und Dokumentationszentrum Kunst der DDR“ gezeigt, ergänzt durch weitere Arbeiten aus dem späten 20. Jahrhundert. Künstler:innen: Anni Albers, Kirstin Arndt, Horst Bartnig, Max Bill, Antje Blumenstein, Katrin Bremermann, Klaus Dennhardt, Cécile Dupaquier, Anne Gathmann, Kiki Gebauer, Hermann Glöckner, Monika Goetz, Pablo Griss, Carla Guagliardi, Erwin Heerich, Zora Janković, Peter K. Koch, Karsten Konrad, Franz Küsters, Axel Lieber, Thomas Lenk, Doris Marten, François Morellet, María Muñoz, Lilian Nachtigall, Susanne Piotter, Esther Rosenboom, Fiene Scharp, Thomas Scheibitz, Maik Teriete, Klaus Martin Treder, Sinta Werner, Renate Wolff Kuratiert von Rüdiger Lange (loop – raum für aktuelle kunst) Eröffnung Sonntag 15.03.2026, 18:00 Uhr Die Ausstellung ist unterstützt durch den Ausstellungsfonds Kommunale Galerien und den Fonds Ausstellungsvergütung der Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt. Eintritt frei Öffnungszeiten: täglich 10 - 18 Uhr freitags 12 - 21 Uhr dienstags geschlossen (Quelle: visitberlin.de)

Während der Zeit des Nationalsozialismus waren freundschaftliche und intime Kontakte zwischen Deutschen und Kriegsgefangenen oder Zwangsarbeiter:innen unerwünscht. Zum Teil waren sie streng verboten. Doch sie sind »trotzdem da«: Kinder, die aus solchen Beziehungen hervorgegangen sind.Ihre Geschichten wurden lange tabuisiert. Sie sind wissenschaftlich wenig erforscht und in der Erinnerungskultur kaum präsent. Diese Ausstellung ist ihren Lebensgeschichten gewidmet. Verbotene Beziehungen Im Verlauf des Zweiten Weltkrieges mussten rund 13 Millionen Kriegsgefangene und Zwangsarbeiter:innen im Deutschen Reich arbeiten. Bei freundschaftlichen oder intimen Kontakten mit Deutschen drohten beiden Seiten hohe Strafen. Sie reichten von Gefängnisstrafen über die Einweisung in ein Konzentrationslager bis zur Todesstrafe. Dennoch wurden Kinder aus solchen Beziehungen geboren. Die Kinder Viele Kinder aus verbotenen Beziehungen wussten lange nicht, dass ein Elternteil Kriegsgefangener oder Zwangsarbeiter:in gewesen war. Häufig wurden sie dennoch als uneheliches Kind und nicht der gesellschaftlichen Norm entsprechend stigmatisiert. Immer wieder wurden sie rassistisch beleidigt und diskriminiert. Viele suchten Jahrzehnte nach einem unbekannten Elternteil – in manchen Fällen mit Erfolg. (Quelle: visitberlin.de)

Code Love, für Kinder ab 12 Jahren

Das oskar | galerie-Team der oskar | freiwilligenagentur lichtenberg lädt herzlich zur Vernissage der Ausstellung „Botschaften einer Frauenseele“ der Lichtenberger Künstlerin Anna Maria Michalska ein. Die Eröffnung findet am Freitag, den 13. März 2026, um 18 Uhr in den Räumen der oskar | freiwilligenagentur (Weitlingstraße 89, 10317 Berlin) statt. Diese Ausstellung öffnet Türen zu den verborgenen Landschaften einer weiblichen Seele.Die Lichtenberger Künstlerin Anna Maria Michalska begleitet den Blick der Betrachtenden, ohne Antworten vorzugeben und lädt ein, Licht und Schatten, Stille und Bewegung im Inneren selbst zu erkunden. Anna Maria Michalska ermutigt dazu, Fragen zu stellen, Vertrautes in Frage zu stellen und der eigenen Wahrnehmung aufmerksam zu folgen. Jedes Werk ist eine Botschaft – ein Hinweis auf Wege, die nur von den Betrachtenden selbst entdeckt werden können. Eine Inspiration für alle Besucher:innen. Die Ausstellung wird vom Galerie-Team der oskar-Freiwilligenagentur kuratiert und kann bis zum 30.04.2026 besichtigt werden. Der Eintritt ist frei. (Quelle: visitberlin.de)

Machen Sie eine Zeitreise durch die Kameralinse und erleben Sie den Friedhof der Märzgefallenen neu. In fünf Schlaglichtern werden Fotos aus Archiven, Museen und Privatbesitz gezeigt, die so noch nicht in einer Ausstellung zu sehen waren. Entdecken Sie 1897 die mystische „Freiheitslinde“ oder das vor 100 Jahren errichtete Portal, das heute spurlos verschwunden ist. Auch auf dem Friedhof selbst warten mit einer künstlerischen Installation und Markierungen zahlreiche Zeitfenster in die wechselvolle Vergangenheit des Ortes, seiner Schichten und seiner Besucher:innen. Wiedereröffnung der Sonderausstellung „Vergessenes Erinnern“ (18.3.-25.5.2026) zum #TagderDemokratiegeschichte (Quelle: visitberlin.de)

Max Liebermann hat mit seiner impressionistischen Malerei die erste Avantgardebewegung in Deutschland angestoßen. Als Sammler und Vermittler französischer Impressionisten und als Präsident der Berliner Sezession hat er der Kunstwelt im national geprägten Kaiserreich Internationalität gegeben. Die Ausstellung widmet sich der Vielfalt an Themen und Stilen zwischen 1870 und 1930. Sie stellt neben den im Kanon verankerten Malern wie Lovis Corinth, Max Liebermann und Max Slevogt auch weniger bekannte Künstlerinnen und Künstler wie Maria Slavona und Lesser Ury vor. Den Ausgangspunkt für die groß angelegte Sonderausstellung zur Malerei des deutschen Impressionismus bildet eine Privatsammlung, die neben neun Gemälden von Max Liebermann u. a. bedeutende Werke von Max Slevogt und Lesser Ury umfasst. Bereichert wird dieser umfangreiche Grundstock an Arbeiten durch mehr als 100 Leihgaben aus etwa 50 internationalen Museums- und Privatsammlungen. Die Ausstellung soll die Vielfalt und Diversität des deutschen Impressionismus anhand dieser künstlerischen Positionen reflektieren. Dabei spannt sie einen chronologischen Bogen von den 1870er bis zu den 1930er Jahren. Neben Schlüsselwerken von seit Langem fest im Kanon verankerten Malern wie Lovis Corinth, Max Liebermann, Max Slevogt oder Fritz von Uhde werden auch Arbeiten weniger bekannter Künstler miteinbezogen, darunter Philipp Franck, Theodor Hagen, Friedrich Kallmorgen, Gotthardt Kuehl, Christian Landenberger, Heinrich Eduard Linde-Walther, Ernst Oppler, Franz Skarbina, Lesser Ury, Max Uth und Heinrich von Zügel. Darüber hinaus wirft die Ausstellung ein Schlaglicht auf den immer noch vernachlässigten Beitrag, den Frauen zur Entwicklung des deutschen Impressionismus geleistet haben, so etwa Charlotte Berend-Corinth, Dora Hitz, Sabine Lepsius und Maria Slavona. Zu den Leihgebern gehören u. a. die Alte Nationalgalerie in Berlin, die Galerie Neue Meister in Dresden, das Folkwang Museum in Essen, das Städel Museum in Frankfurt am Main, die Hamburger Kunsthalle, die Neue Pinakothek in München, das Musée d’Orsay in Paris und das Belvedere in Wien. Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit dem Museum Frieder Burda, Baden Baden. (Quelle: visitberlin.de)

Ikonen sind Galionsfiguren für kulturelle und technische Errungenschaften, die darüber hinaus Werte und Normen in der heutigen Zeit maßgeblich mitgestaltet haben. Dazu zählt ebenso der T1 wie der Lamborghini Countach und der Porsche 911 - diese im DRIVE ausgestellten Exponate sind Symbole ihrer Zeit, die bis heute auf die Mobilitätslandschaft nachhaltig wirken. Zugleich eröffnen auch ausgestellte Werke von Künstlern wie Andy Warhol und berühmte Designobjekte wie der Egg-Chair des Designers und Architekten Arne Jacobsen neue Perspektiven auf Kultur und Gesellschaft. Besonders beeindruckend ist der interaktive immersive Raum „Icon’s World“. Nach einer visuellen Zeitreise eröffnet die immersive Landschaft den Betrachterinnen und Betrachtern einen Blick in die Zukunft. Die multimedialen Projektionen machen die Visionen der Mobilität, Architekturwelten und Technologien erlebbar, die Ikonen von Morgen hervorbringen. Sie animieren mit berührungssensitiven Schaltflächen und laden dazu ein, mit „IDA“, einem auf künstlicher Intelligenz basierten empathischen Assistenten zu kommunizieren. (Quelle: visitberlin.de)

Die in Berlin lebende Künstlerin Annika Kahrs (geboren 1984) zeigt die bislang umfangreichste Auswahl ihrer Arbeiten. In ihren Videos, Sound-Installationen und Performances erforscht sie die Grenzbereiche von Musik. Annika Kahrs geht den kulturellen und sozialen Funktionen von Musik sowie ihren kommunikativen Dimensionen und formalen Strukturen nach. Die Ausstellung gliedert sich in drei künstlerische Komponenten: Live-Performance, Film/Video, Sound/Musik. Die Arbeit mit Musik als Material sowie die Zusammenarbeit mit Menschen aus verschiedenen Bereichen und Disziplinen sind feste Bestandteile ihrer Kunst. Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Wer sorgt dafür, dass KI funktioniert – und welche Spuren hinterlässt diese Arbeit bei den Betroffenen? Anna Ehrenstein geht in ihrer Ausstellung dieser Frage nach.Das Projekt entstand in enger Zusammenarbeit mit der Forscherin Ariana Dongus sowie den Aktivist*innen und Worker-Researcher*innen Richard Mathenge, Mophat Okinyi und Fasica Berhane, die selbst als digitale Plattformarbeiter*innen tätig waren und Ehrenstein mit weiteren Arbeiter*innen und Beteiligten vor Ort verknüpften. Im Zentrum stehen Menschen, die in Nairobi Large Language Models trainieren oder als Texter*innen in Kairo für OnlyFans arbeiten. Soil, also die Erde, steht in Ehrensteins Arbeit für den Ursprung und die Spuren von Arbeit, die oft unsichtbar bleiben. Sie verkörpert die materiellen Grundlagen, auf denen digitale Ökonomien aufbauen. Zugleich verweist sie auf die Beständigkeit historischer Hierarchien und Ausbeutungsverhältnisse, die in heutigen globalen Arbeits- und Datenökonomien fortwirken. Der Boden fungiert als Symbol für die Verwobenheit von Mensch, Natur und Technologie und bildet den Ausgangspunkt künstlerischer Reflexion sowie kollektiver Fiktion. (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung zeigt, wie fünf junge Designer:innen traditionelle Handwerkskunst in zeitgenössische Mode überführen. Präsentiert werden aufwendige Modeentwürfe, ergänzt durch Einblicke in ihre Entstehungsprozesse. Zugleich lädt die Schau dazu ein, Handwerk als einen generationsübergreifenden Dialog zu verstehen – und diesen aktiv weiterzuführen.Analoge Künste in digitalen ZeitenKann Handwerkskunst als Austausch von Erfahrungen über Generationen hinweg gelesen werden? Ist es möglich, einen Dialog über ein zutiefst analoges Gut auch im digitalen Zeitalter fortzusetzen? Und wie werden sich zukünftige Generationen an traditionelle Techniken erinnern – lassen sie sich bewahren und weiterentwickeln? Mit diesen Fragen setzten sich fünf junge Modedesigner:innen über mehrere Monate intensiv auseinander. „Dabei haben wir uns ein Universum vorgestellt, in dem diese Erinnerung als Nostalgie Gestalt annimmt – wie eine Reminiszenz, bei der es unmöglich ist zu unterscheiden, was real und was imaginiert ist“, so Aleksander Kudrischow, Laura De Sousa, Lennart Bohle, Jon Liesenfeld und Melanie Parzenczewki vom V-Collective. „In dieser Welt taucht das Handwerk in neuen Formen wieder auf: Manche Details bleiben lebhaft, andere verschwimmen, lösen sich auf und verschmelzen zu einer hybriden, futuristischen Vision von Handwerkskunst“. Auf Grundlage dieser gedanklichen und handwerklichen Auseinandersetzung entstand die Kollektion „Echoes of Tomorrow“, die in den Räumen der Gemäldegalerie präsentiert wird. Die Ausstellung lädt Besucher*innen dazu ein, traditionelle Techniken neu zu entdecken, ihre zeitgenössischen Interpretationen kennenzulernen und über die Mode von morgen nachzudenken. Ein Jahr des Experimentierens und ErschaffensDas V-Collective besteht aus Teilnehmerinnen der Initiative Fashion x Craft. Das Förderprogramm des Fashion Council Germany, realisiert in Kooperation mit eBay Deutschland und The King’s Foundation, richtet sich an junge Mode- und Textildesignerinnen und vereint die Schwerpunkte Nachhaltigkeit, Handwerkskunst und Innovation. Im Rahmen von Residency-Aufenthalten beim Good Garment Collective in Berlin sowie an einem Stiftungssitz der King’s Foundation im englischen Highgrove nahmen die Teilnehmer:innen an umfassenden Workshops und intensiven Mentoringprogrammen teil. Dabei wurden sie an handwerkliche Prozesse herangeführt, die weit über klassische Mode- und Textilproduktion hinausgehen. Aus der diesjährigen Programmrunde ging das V-Collective mit einer 24-teiligen Modekollektion hervor. Die Entwürfe basieren auf vielfältigen Handwerkskünsten, die im Laufe des Projektjahres vermittelt wurden – darunter natürliche Färbetechniken, Weben und Klöppeln, ebenso wie fachfremde Verfahren wie Korbflechten sowie Metall- und Holzarbeiten. Gefertigt wurden alle Stücke aus sogenannten Deadstock-Materialien, also ungenutzten Stoffen und Fasern aus Beständen größerer Unternehmen. Rohe Atelierwand im institutionellen RaumDie Kleidungsstücke der Kollektion werden in Form einer Bühneninstallation ausgestellt. Dabei spielen die Räumlichkeiten der Gemäldegalerie eine wichtige Rolle für das Inszenierungskonzept: Der musealen Perfektion des Ausstellungsortes – den der Kreativdirektor des Traditionshauses Dior, Jonathan Anderson, unlängst als einen der schönsten Museumsräume der Welt beschrieb – setzt die Schau des V-Collective im hinteren Teil der Wandelhalle eine zum Teil herbe, rohbauliche Wandgestaltung mit Gips- und Farbresten entgegen. Ergänzt durch Stoffhängungen, Collagen und Skizzen entsteht der Eindruck einer Atelierwand, die den Erarbeitungsprozess der Kollektion atmosphärisch in den institutionellen Raum der Gemäldegalerie überträgt und dort nachvollziehbar macht. Eröffnung im Rahmen der Fashion WeekDie Ausstellung wird im Rahmen der Berlin Fashion Week feierlich eröffnet. Parallel dazu ist im vorderen Teil der Wandelhalle die Ausstellung „Gallery Looks. Modeinszenierungen in der Gemäldegalerie“ zu sehen. Sie bringt Kunst der Vergangenheit in einen spannungsvollen Dialog mit zeitgenössischer Mode – in Entwurf, Fotografie, Film und Haute Couture. Eine Sonderausstellung der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Father, zu sehen vom 21. November 2025 bis zum 19. April 2026 im Fotografiska Berlin, ist eine sehr persönliche und autobiografische Ausstellung der Künstlerin Diana Markosian. Sie beschäftigt sich mit Themen wie Abwesenheit, Erinnerung und Versöhnung und reflektiert darüber, wie Entscheidungen unser Leben prägen.Markosian wurde in Moskau geboren und verließ Russland im Alter von sieben Jahren mit ihrer Mutter und ihrem älteren Bruder, um schließlich nach Kalifornien zu ziehen. Dieser Umzug ans andere Ende der Welt festigte und besiegelte scheinbar endgültig den Bruch ihrer Familie, der bereits zuvor stattgefunden hatte. Markosians Eltern hatten sich vor ihrer Geburt getrennt, und als sie nach Amerika zogen, war ihr Vater in vielerlei Hinsicht bereits aus ihrem Leben verschwunden. In Kalifornien angekommen, versuchte ihre Mutter, sogar sein Bild aus ihrem Leben zu entfernen, indem sie sein Foto aus den Familienfotos herausschnitt. Fünfzehn Jahre, nachdem sie ihn zum letzten Mal gesehen hatte, und ohne ein Foto, das sie an ihn erinnerte, oder eine Adresse, an die sie sich wenden konnte, machte sich Markosian auf die Suche nach ihrem Vater in Armenien. Father fängt Markosians Versuch ein, über ein Jahrzehnt hinweg eine Beziehung zu ihm aufzubauen, wobei jeder Besuch neue Komplexitäten über den Elternteil, den sie verloren hatte, und darüber, wie dieser Verlust ursprünglich und im Laufe der Zeit die Person geprägt hatte, die Markosian geworden war, offenbarte. 21 Nov 2025 - 19 Apr 2026 mage credit: © Diana Markosian (Quelle: visitberlin.de)

Die Berlinische Galerie zeigt mit „Hero“ eine Einzelausstellung der international renommierten Künstlerin Monira Al Qadiri. Im Zentrum steht ihre intensive Auseinandersetzung mit den sozialen, ökologischen und politischen Auswirkungen der globalen Ölindustrie. In einer multimedialen Inszenierung aus Skulptur, Klang, Video und Malerei beleuchtet Al Qadiri die ambivalente Rolle von Erdöl – als Motor wirtschaftlichen Aufschwungs ebenso wie als Symbol für Ausbeutung, Abhängigkeit und geopolitische Machtkämpfe. Ein zentrales Motiv der Ausstellung ist der Öltanker, der als Sinnbild einer kollabierenden Industrie erscheint. In Al Qadiris Werk wird er zum ikonischen Protagonisten einer kraftvollen Erzählung über Ressourcen, Macht und ökologische Krisen. Die Ausstellung „Hero“ verknüpft kritische Reflexion mit poetischer Bildsprache – und macht spürbar, wie tief das fossile Erbe in Landschaften, Gesellschaften und Körpern verwurzelt ist. Ein starker Impuls für alle, die sich für zeitgenössische Kunst, Nachhaltigkeit und postkoloniale Perspektiven interessieren. (Quelle: visitberlin.de)

Peuker war nicht nur ein bedeutender Akteur der Kunstszene der DDR, sondern prägte als Professor an der weißensee kunsthochschule berlin auch die nachfolgenden Künstlergenerationen.Die Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank zeigt späte Werke des virtuosen Malers, der in seinen Bildern das Zeitgeschehen stets kritisch kommentierte, und stellt mit Stefanie Hillich, Sibylle Prange, Philipp Schack und Christian Thoelke zugleich vier seiner bekanntesten Schüler:innen vor. Die Ausstellung findet in Zusammenarbeit zwischen der Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank und der weißensee kunsthochschule berlin, die 2026 ihr 80-jähriges Jubiläum feiert, statt. (Quelle: visitberlin.de)

Was heißt es, Zeugin oder Zeuge der schlimmsten Grausamkeiten zu werden, die Menschen einander zufügen können – und dennoch den Glauben an Mitgefühl nicht zu verlieren? Die Ausstellung Memoria, zu sehen vom 31. Januar bis 3. Mai 2026 bei Fotografiska Berlin, widmet sich dem Werk von James Nachtwey, einem der einflussreichsten Fotojournalisten unserer Gegenwart.JAMES NACHTWEY ‘Memoria’ Seit über vier Jahrzehnten hält Nachtwey Kriege, humanitäre Katastrophen und soziale Ungerechtigkeiten fest. Dabei richtet sich sein Blick konsequent auf die Menschen hinter den Ereignissen. Nicht militärische Abläufe stehen im Zentrum, sondern die menschlichen Folgen von Gewalt, die Auswirkungen globaler Krisen und die Frage, wie Würde und Menschlichkeit selbst unter extremen Bedingungen bewahrt werden können. Memoria begreift Fotografie zugleich als Akt des Erinnerns und als Widerstand gegen das Vergessen. Nachtweys Bilder dokumentieren Geschichte, entfalten ihre Wirkung jedoch vor allem im Jetzt: Sie schärfen das Bewusstsein für Leid, Ungleichheit und Verantwortung – und eröffnen damit Räume für gesellschaftliche Veränderung. „Memoria eröffnet einen Raum für Reflexion – über Momente, die unsere jüngste Geschichte geprägt haben, und über jene Kräfte, die unsere Welt auch heute noch formen. James Nachtweys Fotografien bleiben uns im Gedächtnis, weil sie menschliches Leid mit außergewöhnlicher Klarheit, Mitgefühl und Respekt zeigen. Seine Bilder erinnern uns daran, warum es wichtig ist, genau hinzuschauen. Sie fordern uns auf, unsere eigene Rolle innerhalb unserer gemeinsamen Geschichte zu überdenken, und laden uns ein, uns mit den Themen auseinanderzusetzen, die uns nachhalting prägen.” Thomas Schäfer, Associate Director of Exhibitions, Fotografiska Berlin Nachtweys Interesse an der Fotografie entstand früh: Bilder aus dem Vietnamkrieg und der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung prägten sein Verantwortungsgefühl lange, bevor er selbst zur Kamera griff. Auch als er in den 1980er-Jahren von lokalen Reportagen zur internationalen Konfliktberichterstattung wechselte, blieb sein Ansatz unverändert – Empathie als Grundlage, verbunden mit Instinkt, Präzision und einem tiefen Vertrauen in menschliche Verbundenheit. Viele seiner Fotografien wirken beinahe wie bewusst arrangierte Kompositionen. Tatsächlich entstanden sie oft in Sekundenbruchteilen, in Situationen höchster Gefahr. Nachtwey dokumentierte nahezu alle großen Konflikte der Moderne: von den Kriegen im ehemaligen Jugoslawien, in Tschetschenien und im Nahen Osten über den Völkermord in Ruanda und Hungersnöte in Somalia und im Sudan bis hin zum langjährigen Krieg in Afghanistan. Doch sein Werk geht weit über das Abbilden von Schlachtfeldern hinaus. Es zeigt auch die leisen Konsequenzen von Gewalt: Vertreibung, Hunger, Verfolgung, Krankheit – und den täglichen Mut derjenigen, die das Unvorstellbare überleben. Dabei folgt Nachtwey einem klaren ethischen Prinzip: Zeugnis abzulegen, ohne zu instrumentalisieren; Leid sichtbar zu machen, ohne Würde zu rauben; und festzuhalten, dass selbst im Moment größter Zerstörung der Mensch im Mittelpunkt steht. Memoria lädt dazu ein, innezuhalten und die Welt aus Nachtweys Perspektive zu betrachten – nicht als bloße Abfolge von Katastrophen, sondern als fragile Kette menschlicher Erfahrungen. Seine Fotografien erzählen weniger vom Krieg als von der Sehnsucht nach Frieden an Orten, an denen dieser längst zerbrochen ist. Sie machen strukturelle Gewalt und globale Ungerechtigkeiten sichtbar – und erinnern eindringlich daran, warum genaues Hinsehen, Mitgefühl und Verantwortung heute wichtiger sind denn je. (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung „Gallery Looks“ beleuchtet die Begegnung von Kunst der Vergangenheit mit Mode der Gegenwart – in Entwurf, Fotografie, Film und Haute Couture.Die aktuellen Modeinszenierungen reflektieren die von den Alten Meistern verwendeten Stilmittel, Kompositionen und Posen und interpretieren sie neu. Unterschiedliche künstlerische Ansätze machen sichtbar, wie sich Farben, Materialien und Geschichten in den verschiedenen Medien spiegeln und zu zeitgenössischen Erzählungen verweben. Zu sehen sind neben Modefotografien und Videoarbeiten auch Entwürfe von Designer:innen, die mit ausgewählten Werken der Berliner Gemäldegalerie in Dialog treten und Bezüge zwischen künstlerischer Tradition und aktuellem Design schaffen. Eine Sonderausstellung der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

für persönliche Räume und Bilder von Irene Petz.

Seit über 100 Jahren prägen Roboter unsere Vorstellungen von zukünftigen und parallelen Welten. In den letzten Jahren sind sie fester Bestandteil unseres Alltags geworden. Expert*innen zufolge werden ihre Einsatzgebiete in den kommenden Jahren rasant zunehmen. An diesem historischen Wendepunkt richtet die Ausstellung den Blick auf die menschliche Vorstellung von Robotern sowie ihre reale Form und Funktion. Präsentiert werden herausragende Roboter und Roboter-Spielfiguren von ca. 1960 bis heute. Sie zeigen sowohl, welche menschlichen Fantasien und utopischen Welten mit Robotern verbunden sind, als auch die verschiedenen Umsetzungen und Gestaltungen funktionaler Roboter. Die Neue Sammlung – The Design Museum verfügt über wichtige Roboter, die als Pioniere für die Einführung der Robotik in Haushalten, aber auch im medizinischen Bereich gelten. Technik und Design verbinden sich hier auf symbiotische Weise. Auch Gaming- und Spiele-Roboter sind im Bestand des Hauses. Sie werden ergänzt von einer großen Sammlung mit rund 400 Spielzeugrobotern aus den 1970er bis 1990er Jahren. Durch spektakuläre Leihgaben wie lebensgroße Roboter der TU München im Bereich Robotik und Machine Intelligence kann das Museum aktuelle und visionäre Entwicklungen zeigen. Die Präsentation entsteht anlässlich des 100-jährigen Jubiläums der Neuen Sammlung, die in ihrer ständigen Sammlung neue thematische Schwerpunkte setzt. Dafür entwickelt das Münchener Designbüro OHA Office (Office Heinzelmann Ayadi) die Ausstellungsarchitektur. Eine Kooperation mit dem Lehrstuhl für Cognitive Systeme, Prof. Gordon Cheng, TU München. Eröffnung am Mi 27.11. um 19:00 Ausstellung ab 28.11. dauerhaft BEGLEITPROGRAMM 15.01.2026 I 18 UHR I KI – IM NETZ DES SCHICKSALS I MYSTIC IN MUSIC Das MODERN STRING QUARTET präsentiert ein außergewöhnliches Konzertprojekt an der Schnittstelle von Musik, Technologie und Mythos. Unter dem Titel „KI – im Netz des Schicksals“ entfaltet sich ein dramaturgischer Dreiklang aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft – inspiriert von den Nornen der nordischen Mythologie, die die Schicksalsfäden weben, und den heutigen neuronalen Netzen, die Muster und Bedeutungen erzeugen. Im Zentrum steht die künstlerische Auseinandersetzung mit Künstlicher Intelligenz als Mitautorin musikalischer Werke. Kompositionen des Quartetts werden durch KI transformiert, neu kombiniert und live in einen Dialog mit ihren Ursprüngen gesetzt – musikalisch wie performativ. Zwischen menschlicher Intuition und algorithmischer Variation entsteht ein Netz aus Klängen, das Schicksal nicht nur erzählt, sondern erfahrbar macht.

Die Fotoserie von Roni Horn besteht aus 100 Aufnahmen einer jungen Frau in leichter Überlebensgröße. Die Fotografien sind allesamt in isländischen Quellen entstanden. Das den Betrachtenden unbekannte Gesicht der Badenden spiegelt dabei – über ihre Augen, die Mimik und die Lichtreflexionen auf der Haut – das Wetter (und innere Gemütsregungen). Zugleich wirft der Blick der Porträtierten die Betrachtenden auf sich selbst zurück, worauf der Titel anspielen mag. Die Künstlerin sagte über die Dargestellte, dass ihr „emotionaler Ausdruck – sie sieht gereizt aus, ärgerlich – faktisch vom Wetter verursacht wurde. Die Sonne blendet, es schneit, es ist windig. Wenn du mit ihr in einem Raum bist, kommt es dir vor, als hättest du diese Reaktionen provoziert: Du wirst das Wetter.“ Die Arbeit spricht über Intimität, Zuneigung und Begehren, über die Unmöglichkeit, ein Gesicht je vollständig zu erfassen, und die Machtdynamiken einer Porträtsituation. Die Fotoserie besteht aus 36 Silbergelatineabzügen und 64 chromogenen Farbabzügen und gehört zu den bekanntesten Arbeiten von Roni Horn (*1955 New York). Sie ist im Juli/August 1994 auf einer gemeinsamen Reise mit Margrét H. Blöndal entstanden und wurde 1997 als Artist’s Book publiziert. Seit 1975 bereist die Künstlerin die Insel regelmäßig – sie bezeichnet sich als „chronische Touristin“. Viele ihrer Arbeiten kreisen um das dortige Leben. Der Topos des Wassers durchzieht ihr Werk, so hat sie beispielsweise auch eine Werkreihe zur Themse geschaffen. (Obergeschoss, verlängert bis 26.4.2026) Führung am Do 11.12. / 15.1. um 17:00

Internationale Mitmachausstellung zum Thema Gladiatoren und Römische Arenen (Kolosseum) Auch heute noch faszinieren die Helden der Arena. In der Ausstellung begegnen die Besuchenden lebensgroßen Gladiatoren in originalgetreuer Kampfmontur und können die Ausrüstung selbst anprobieren. Originale Fundstücke, wissenschaftliche Rekonstruktionen und interaktive Medienstationen erzählen nicht nur die Geschichte des Kolosseums, sondern lassen das Leben der Gladiatoren zu einer eindrucksvollen Erfahrung werden. Hintergrundinformationen zum römischen Reich und seiner Armee runden die Ausstellung ab. Die internationale Wanderausstellung wurde in Zusammenarbeit mit Expona GmbH in Bozen und Contemporanea Progetti in Florenz realisiert. Der Gladiator ist die populärste Figur der römischen Welt. Er verkörpert den Kampf auf Leben und Tod, extremste Unterhaltung in größtmöglicher Öffentlichkeit, größten Ruhm und maximales Risiko. Ihren Namen erhielten die Gladiatoren vom Schwert der Legionäre, dem „Gladius“ – sie waren Männer des Schwertes, ihr Kampf ein Spektakel. Das Kolosseum in Rom bot als Symbol des römischen Imperiums die passende Bühne für das Schauspiel. Highlights der Ausstellung sind originale römische Ausrüstungen von Gladiatoren aus der Gladiatorenschule von Pompeji. Ausgrabungen und Funde vom Limes in Bayern und Hessen zeigen, dass der Gladiatorenkampf jedoch auch die Bevölkerung an den fernen Grenzen des Imperiums in seinen Bann zog. Lebensechte Rekonstruktionen und Modelle, mediale sowie immersive Vermittlungsebenen entführen in die Welt der römischen Gladiatoren. Aktionstage und spannende Begleitprogramme ergänzen das Programm. Konservatorenführung am Di 7.4. und Mi 22.4., jeweils um 15:00, [email protected] Öffnungszeiten: Di/Mi/Fr/Sa 10:00-17:00, Do/So 10:00-19:00 NEU ab 1.5.2026: Di-Sa 10:00-17:00, So 10:00-19:00 geschlossen: 1.5. Ausstellung bis 3.5.2026 * Wenn du über diesen Link Tickets kaufst, erhalten wir ggf. eine kleine Provision. Für dich entstehen keine Mehrkosten.

Die interaktive Ausstellung erzählt Geschichten rund um Natur, Forstwirtschaft und regionale Kultur.

Fotografien von Olaf Hoffmann, Conny Jürgens, Lutz Liebe und Gerhard Metzschker. Ausstellungszeitraum: 29. März bis 26. April 2026. Fotografien in der Galerie des Kulturhauses Karlshorst. Eingang TreskowalleeAusstellung im Foyer 1. OG Jazz im Bild Fotografien von Peter Heibel, Jan Joshi Gießmann; Egon Höcker; Dr. Gundolf Senkel Ausstellungszeitraum: 29. März bis 26. April 2026 Öffnungszeiten Montag - Freitag, 10.00 Uhr bis 18.00 Uhr Samstag 14.00 - 18.00 Uhr (Quelle: visitberlin.de)

Bereits zum 19. Mal wurde der IBB-Preis für Photographie in Kooperation mit dem Freundeskreis der UdK Berlin | Karl Hofer Gesellschaft e.V. vergeben. Die diesjährigen Preisträger sind Jana Pressler (Hauptpreis) und Moritz Haase (Anerkennungspreis). Die Ausstellung führt zwei künstlerische Positionen zusammen, die Fotografie als Mittel zur Untersuchung von Zeitlichkeit und physikalischer Wirklichkeit nutzen. Beide Arbeitsweisen befassen sich mit Formen der Aufzeichnung und der Sichtbarmachung bildgebender Prozesse. Jana Pressler arbeitet mit Installation, Skulptur und analoger Fotografie. Ihre Werke setzen der flüchtigen Bestätigungskultur Sozialer Medien eine Beschäftigung mit Wahrnehmungsstrukturen entgegen. Im Zentrum ihrer Arbeit stehen das Prozesshafte und Indexikale sowie das Verhältnis von Fläche und Raum. Moritz Haase arbeitet mit Fotografie und Installation, Lichtphänomenen und Erinnerungsräumen. Seine Arbeiten beruhen auf einer Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit, die sich an physikalischen Prozessen orientiert. Aufnahmen aus unterschiedlichen Zeiten und Räumen werden neu geordnet und zueinander in Beziehung gesetzt. Eröffnung der Ausstellung am Donnerstag, den 19. Februar 2026 um 18 Uhr in der Kommunalen Galerie Berlin, Hohenzollerndamm 176, 10713 Berlin Begrüßung Dr. Hinrich Holm | Vorstand Investitionsbank Berlin Christian Bracht | Vorstandsvorsitzender Karl Hofer Gesellschaft Norbert Wiesneth | Kommunale Galerie Berlin Ausstellungsdauer: 20. Februar bis 10. Mai 2026 Kommunale Galerie Berlin, Hohenzollerndamm 176, 10713 Berlin Eintritt frei (Quelle: visitberlin.de)

Das Berliner Kunstgewerbemuseum (KGM) präsentiert 30 preisgekrönte Projekte, die mit dem Bundespreis Ecodesign, der höchsten staatlichen Auszeichnung für ökologisches Design in Deutschland, geehrt wurden.Die Ausstellung zeigt die Vielfalt nachhaltiger Designlösungen, die von einer interdisziplinären Jury aus Design- und Umweltexpert*innen ausgewählt wurden. Die im Dezember 2025 prämierten Beiträge demonstrieren eindrucksvoll, wie Gestaltung zu Ressourcenschonung, Kreislaufwirtschaft, digitaler Transformation und gesellschaftlicher Innovation beitragen kann. Design prägt und beeinflusst langfristig unterschiedlichste Bereiche unseres Alltags. Die Ausstellung macht erlebbar, in welch breitem Spektrum nachhaltiges Design heute wirkt – von Autoblech und Beton über Over-Ear-Kopfhörer bis hin zu T-Shirts. So demonstriert zum Beispiel das Projekt „Felt the Future“ mit einem Monomaterial-Schuh aus 100 % Wolle das Potenzial biobasierter Werkstoffe, während das Konzept des „SHIFTphones“ die grundsätzliche Möglichkeit, ein Smartphone zu reparieren, gewährleistet. Das vollständig recycelte Aluminium-Autoblech von „Novelis“ wiederum zeigt, dass selbst in energieintensiven Industrien nachhaltige Materialkreisläufe möglich sind. Von Materialien und Produkten über digitale Dienstleistungen bis hin zu neuartigen Systemlösungen zeigt die Ausstellung das immense Potenzial nachhaltiger Gestaltung auf – ein zentrales Thema, dem sich das KGM in hohem Maße verpflichtet fühlt. Die Roadshow des Bundespreises Ecodesign richtet sich an ein breites Publikum aus Designinteressierten, Fachleuten und allen, die sich von zukunftsorientiertem Design begeistern lassen. Über den Bundespreis EcodesignSeit 2012 würdigt der Bundespreis Ecodesign innovative Produkt-, Konzept-, Service- und Nachwuchsarbeiten, die ökologische Qualität mit gestalterischer Exzellenz verbinden. Der Preis wird jährlich vom Bundesministerium für Umwelt, Klimaschutz, Naturschutz und nukleare Sicherheit und dem Umweltbundesamt in Kooperation mit dem Internationalen Design Zentrum Berlin vergeben. Ziel ist es, ökologische Innovationen mit hoher Gestaltungsqualität sichtbar zu machen und Impulse für eine nachhaltige Gestaltungspraxis zu setzen. Noch bis zum 2. April 2026 können Projekte für den Bundespreis Ecodesign eingereicht werden. Eine Sonderpräsentation des Kunstgewerbemuseums – Staatliche Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit dem Internationalem Design Zentrum Berlin. (Quelle: visitberlin.de)

Weitere Informationen finden Sie HIER.

" WAS SIEHT DER NACHBAR " Vernissage: Montag, 13. April, 18:30 Uhr Kunstraum HKK, Lebzelterhaus, 4840 Vöcklabruck

Ausstellung. Sonntags geöffnet nach Vereinbarung.

Im Mittelpunkt des Literatur-Frühstücks steht jeweils ein bestimmtes Buch, das sich mit den Themen Mensch, Werte und Religion befasst. Bei einem Brezenfrühstück stellt Ihnen Martin Meyer sein literarisches Werk vor, gibt den Inhalt zusammengefasst wieder und liest zur Veranschaulichung ausgewählte Textpassagen vor. Hintergrundinformationen zu Werk und Autor runden die Buchvorstellung ab. Im Anschluss diskutieren die Teilnehmenden über das Buch. Zu besprechendes Buch: Martin Meyer: Der falsche Karl Valentin: Roman Martin Meyer, Autor

Eine Ikone der altbayerischen Kartographie Ein Spitzenstück. Zwei Tage. Ganz nah. Unter dem Motto „StabiLiebling“ öffnet die Bayerische Staatsbibliothek ihre Tresore und präsentiert in ihrer Schatzkammer jeden Monat an zwei Tagen ein Spitzenstück aus den Sammlungen. Die Bibliothek bewahrt neben erlesenen Handschriften, seltenen Landkarten, Notensammlungen und Millionen historischer Fotos, spektakuläre Künstlerbücher, Asiatika, Hebraica und Orientalia von Weltrang und vieles mehr ... Am 15. und 16. April ist ein besonders schön und aufwändig koloriertes Exemplar der Bairischen Landtafeln von Philipp Apian in der Schatzkammer der Bibliothek zu sehen. Grundlage für die 24 kleinformatigen Karten von Bayern war die imposante so genannte „Große Karte“. Gedruckt 1568 in Ingolstadt, stellen die Landtafeln die kraftvollen Wurzeln der altbayerischen Kartographie bis Ende des 18. Jh. dar. BSB-Signatur: Hbks/F 15 b Lassen Sie sich begeistern von jahrhundertealten Kulturschätzen im Original – hinter Glas, aber doch ganz nah: Es erwartet Sie ein besonderer Kunstgenuss und Wissenswertes rund um den „StabiLiebling“. Kostenlose Einführungen an beiden Tagen jeweils um 11, 13 und 17 Uhr (ohne Anmeldung) [email protected] 089 28638-2115 Mehr Infos zur Präsentationsreihe „StabiLiebling“ unter bsb-muenchen.de/stabiliebling (Text: Veranstaltende) Eintritt frei

Intervention mit Objekten und ihren Geschichten Ein Hut, eine Marionette, ein Tablettenröhrchen, ein Bierkrug. Welche Erinnerungen haften diesen Dingen an, welche Geschichten können sie erzählen? Was wollen wir mit und von ihnen erfahren? Für ein Jahr werden ausgewählte Objekte die Ausstellung »München und der Nationalsozialismus« des NS-Dokumentationszentrums ergänzen und durch neue Geschichten weitererzählen. Große und kleine, alltägliche und ungewöhnliche Dinge schaffen sinnliche Zugänge und ermöglichen einen anderen Blick auf die Vergangenheit. Konkrete Gegenstände und individuelle Perspektiven machen übergeordnete Themen greifbar. Anlässlich des zehnjährigen Bestehens des NS-Dokumentationszentrums lädt »Erinnerung ist...« Besucher*innen zu einem gemeinsamen Nachdenken darüber ein, wie schwierige und schmerzhafte Erfahrungen dargestellt, vermittelt, rezipiert und gedeutet werden können. Kuration: Karolina Kühn und Ulla-Britta Vollhardt. © NS-Dokumentationszentrum München, Foto: Connolly Weber Photography Rundgang: Erinnerung ist... 1.03,15.03., 05.04., 19.04. und 03.05.2026, 15.00 Uhr (Treff: Foyer) Kurator*innen-Rundgang: 07.04. und 05.05.2026, 17.30 Uhr Gespräch: Der koloniale Blick. Aus wessen Perspektive erinnern wir? Mit Hamado Dipama, Noa K. Ha, Susann Lewerenz, Bebero Lehmann und René Aguigah 21. März 2026, 19.00 Uhr (Saal) Der Eintritt ist für alle Besucher*innen kostenfrei. (bis 10.5.2026)

ATTACK DECAY SUSTAIN ist eine neue mehrkanalige Audioinstallation des Musikers und Komponisten Beni Brachtel, die für das TUNE-Sound-Programm im Terrassensaal in Auftrag gegeben wurde. Sie wird ab dem 12.12.25 für sechs Monate installiert sein. Am 12. & 13.9.25 präsentierte der Künstler im Rahmen von TUNE eine Live-Adaption der Klanginstallation an zwei aufeinanderfolgenden Abenden, deren Performances einander ergänzen. Das Werk wird von der Cellogruppe der Münchner Symphoniker interpretiert und setzt Brachtels Zusammenarbeit mit diesem Ensemble fort. Sie begann 2024, als er für Ersan Mondtags Beitrag zum Deutschen Pavillon auf der Biennale di Venezia 2024 seine Orchestersuite Monument eines unbekannten Menschen komponierte und mit dem Ensemble aufnahm. (12.12.2025 bis 12.5.2026)

Die chilenische Künstlerin Sandra Vásquez de la Horra (geb. 1967, Viña del Mar, Chile) vereint in ihrer multidisziplinären künstlerischen Praxis transnationale und indigene Perspektiven. Ihr vor allem zeichnerisches und malerisches, aber auch filmisches und performatives Lebenswerk umfasst komplexe Ereignisse, Geschichten, Riten und Glaubensvorstellungen, die sowohl in ihrem Aufwachsen in Chile als auch in den vielen Jahren ihres Lebens in Deutschland wurzeln. „Soy Energía“, ihre erste institutionelle Überblicksausstellung in Europa, ist ihrer experimentellen Praxis gewidmet, wobei ihr räumliches, energetisches und weltumfassendes Denken im Mittelpunkt steht. Ausgehend von der Multiperspektivität ihres Werks lädt die Ausstellung zu einer Begegnung mit dem spirituellen, Mensch und Natur versöhnenden Kosmos der Künstlerin ein und würdigt ihr Engagement für Selbstbestimmung, Frauen- und Menschenrechte. Erfahrungen von Verfolgung, Unterdrückung und Migration spielen dabei eine wesentliche Rolle. Sandra Vásquez de la Horra entwickelt eigens eine Ausstellungspraxis, die sich vom Arbeiten mit organischen Materialien ableitet wie auch szenografische Ansätze in den Raum erweitert und berührende existentielle Erlebnisse vermittelt. Bild 2: Sandra Vásquez de la Horra, La máscara, 2023 / Foto: © Gunter Lepkowski Vásquez de la Horras frühe Werkserien entstanden während der Herrschaft des Pinochet-Regimes in Chile von Mitte der 1980er bis in die 1990er Jahre, wobei sie sich mit dem Körper und dessen weltlicher Einbettung mittels Zeichen, Fragmenten und Sprache befasste. Sie schafft Zeichnungen von fabelhaften Mischwesen mit menschlichen, tierischen und pflanzlichen Zügen, die auf die Unvereinbarkeit von Geschichte und Moral anspielen. Die in Bienenwachs getränkten Arbeiten – eine Technik, die sie seit 1997 anwendet – präsentiert sie in experimentellen Hängungen, um multiperspektivische Geschichten und Raumkonstellationen zu gestalten. In ihren ersten Jahren in Europa schuf Vásquez de la Horra Video-Performances, die nun erstmals gezeigt werden. Darin verarbeitet sie biografisch genauso wie historisch bedeutsame Ereignisse und Themen wie Einsamkeit, Trennung und Rassismus. Die Ausstellung verbindet die historische Dimension des Werks mit seiner Entwicklung in die Gegenwart. Kuratiert von Jana Baumann mit Marlene Mützel. Führungen u.a. unter https://www.hausderkunst.de/kalender (14.11.2025 bis 17.5.2026) Bild 1: Sandra Vásquez de la Horra, You my Angel, Vorderseite, 2024 / Foto: © Gunter Lepkowski.

Nach dem Gottesdienst zog es Søren Wendt – eigentlich Musiker – mit seiner Kamera immer wieder in den Gemeindegarten: an den Rand der Beete, ins Gebüsch, über die Wiese oder auf die warmen Gehwegsteine. Seine stillen Entdeckungen sind nun in einer kleinen Ausstellung zu sehen – und können auch erworben werden.Ausstellung vom 5. April - 24. Mai Ausstellungseröffnung: Ostersonntag, 5. April, nach dem Gottesdienst Besichtigung: dienstags 13 - 16 Uhr mittwochs 10 - 15 Uhr donnerstags 10 - 15 Uhr sonntags nach dem Gottesdienst sowie nach telefonischer Absprache Der Eintritt ist frei. (Quelle: visitberlin.de)

Die Fotoausstellung von Anne Grosse-Leege, die für ihre hier gezeigten Arbeiten die dokumentarische Form gewählt hat, widersteht der Verlockung, ein Pflaster zu sein.Die Darstellung des Unberührten kann nicht unmittelbar heilen, aber sie kann mit ihrer – in der Erinnerung verorteten – Kraft wirken, nachwirken, wappnen und eine Wolldecke, ein Licht und ein Geländer sein.Melden Sie sich bis zum 10.4.26 unter: c-ncanelos@cancilleria.gob.ec an. (Quelle: visitberlin.de)

Im Frühjahr werden Karø Goldt und Irina Novarese die Galerie mit ihrer äußerst subjektiven Version der Geschichte bespielen. Hier wird die Stadt Bernau sehr aktiv einbezogen, es sind Recherchen im Archiv und Interviews mit Bewohner:innen in der Vorbereitung geplant, verarbeitet werden diese in einer ästhetisch innovativen Foto-Installation und einer Wort-Installation mit LED-Schriften, die im Ausstellungszeitraum veränderbar sind. Das ausgefeilte Konzept überzeugte durch den Blick auf persönliche Umbrüche und neue Auseinandersetzungen mit Zeit, Geschichte und dem Ort Bernau. GALERIE BERNAU Die Galerie Bernau ist eine kommunale Galerie für zeitgenössische Kunst, zentral im historischen Stadtkern von Bernau bei Berlin gelegen. Die Aufgabe der Galerie besteht darin, zeitgenössische Kunst in Ausstellungen und Begleitveranstaltungen einem breiten Publikum zu präsentieren und zu vermitteln. Gleichzeitig sollen regionale Künstler*innen gefördert werden. In der Galerie werden jährlich fünf Ausstellungen zu einem Jahresthema gezeigt. Die Galerie Bernau befindet sich in Trägerschaft der BeSt – Bernauer Stadtmarketing GmbH und wird gefördert durch die Stadt Bernau bei Berlin. (Quelle: visitberlin.de)