K.O.vid21 #16: female positions Seit 5 Jahren engagiert sich der Verein für gesellschaftspolitische Positionen, kurz POSITIONEN, für die Förderung und Sichtbarmachung von Frauen* aus den Bereichen Kunst, Kultur, Medien und Wissenschaft in Form von Publikationen und Diskussionsformaten wie die fe:male positions Salon - Reihe. Im Mittelpunkt stehen Austausch, Vernetzung und die Verbindung von künstlerischer Praxis, gesellschaftlichem Engagement und wissenschaftlicher Arbeit. Dieses Jubiläum möchten wir feiern und laden herzlich zum Besuch der Ausstellung Künstlerische Positionen in die Rathausgalerie Steyr ein. Künstlerische Positionen von Astrid Esslinger, ElkePunktFleisch, Inga Hehn, Judy Mardnli, Melanie Ludwig, Marion Reisinger, Hiroko Ueba und Hannah Winkelbauer. Dauer der Ausstellung: 4.9.-14.11.2026 Die Ausstellung ist in den Gängen des 1. und 2. Stockes des Steyrer Rathauses montags, dienstags und donnerstags von 8 bis 16 Uhr sowie mittwochs und freitags von 8 bis 12 Uhr zu sehen.

Zusätzlich zu Shopping & Genuss bei 40 Shop-Partnern und Gastronomiebetrieben lädt der Inntalcenter Telfs jeden Donnerstag und Samstag zum kleinen Bauernmarkt am Inntalcenter Vorplatz. Dort gibt's ganz spezielle Produkte von einheimischen, aber auch von überregionalen ErzeugerInnen. Auch Handwerker wie der Messerschleifer sind an diesem Tag vor Ort. Jeden Donnerstag und Samstag / ganzjährig / 08:00 – 12:00 Uhr

Bei einer geführten Kräuterführung durch unseren Heil- und Kräutergarten tauchen Sie ein in die Welt der heimischen Heil- und Küchenkräuter. Sie erfahren Wissenswertes über deren Wirkung, Verwendung und Anbau und lernen den naturnahen Umgang mit Pflanzen kennen. Ergänzend erhalten Sie – je nach Möglichkeit – Einblicke in weitere Bereiche unseres Hofes, wie den Gemüseanbau, die Pilzzucht oder das traditionelle Brotbacken. Dabei gewinnen Sie ein besseres Verständnis für natürliche Kreisläufe und das Leben im Einklang mit der Natur. Termine: auf Anfrage Treffpunkt: Embach 124, 6320 Angerberg Anmeldung: in den Infobüros der Region Hohe Salve oder direkt unter +43 660 1475799 Ausrüstung: bequeme Alltagskleidung Kosten mit/ohne Kitzbüheler Alpen Gästekarte: € 20,00 (inkl. Verpflegung) Dauer: ca. 3-5 Stunden Teilnehmer: mind. 4 bis max. 15 Anbieter und Durchführung: Sonnseite Hof, Angerberg, www.sonnseite.com

Eine Strecke mit dem Bus und die andere mit Radgenuss! Starten Sie Ihren Radausflug am Steyrtal Radweg & Nationalpark Kalkalpen Radweg bequem mit dem Rad Shuttle Bus ab Steyr oder Spital am Pyhrn/Hinterstoder! So lassen sich beim anschließenden Radeln die Sehenswürdigkeiten entlang der Strecke ganz gemütlich genießen - und auch für den einen oder anderen kulturellen bzw. kulinarischen Abstecher bleibt genügend Zeit. Dieser bedarfsorientierter Rad Shuttle fährt nur nach Voranmeldung: online oder telefonisch bis am Vortag! Die Haltestellen, Abfahrtszeiten und Preise entnehmen Sie bitte dem Fahrplan auf www.radshuttle.at. Tarife 2026: Die Strecke wird in zwei Zonen aufgeteilt: Zone Hinterstoder/Spital bis Klaus sowie Klaus bis SteyrKosten: eine Zone € 24,-; zwei Zonen € 45,- (mit Ermäßigung* eine Zone € 19,- und zwei Zonen € 36,-)Kinder (6-15 Jahre) bezahlen € 7,- für beide Zonen (mit Ermäßigung fahren Kinder kostenlos)Mindestteilnehmerzahl: 2 vollzahlende Personen pro Fahrtrichtung * Ermäßigung gilt für: Alle Besitzer einer gültigen Pyhrn-Priel Aktiv- und SaisonCard, OÖ Familienkarte sowie die SteyrCard

Öffentliche Bibliothek mit Fokus auf Kinder- und Jugendliteratur sowie christliche Medien. Öffnungszeiten: Di 14.30 bis 19 Uhr, Do 8.30 bis 11.30 Uhr und 14.30 bis 19 Uhr, So 11.30 bis 13 Uhr. Nähere Informationen unter 0664/5644253 und www.efgm.bvoe.at.

Gärten stecken voller Leben - wilder und vielfältiger als man vermutet! Die Ausstellung "Wilde Vielfalt im Garten" wird zeigen, wie lebendig Gärten sind - und zwar über die ausgepflanzte Vielfalt hinaus. Pilze, Moose, Kleinstlebewesen, Insekten und Wirbeltiere können in Botanischen Gärten und Privatgärten leben. Anhand spannender Beispiele werden verschiedene Organismengruppen vorgestellt und ökologische Beziehungen in unseren Gärten sichtbar gemacht, die oft übersehen werden. Ergänzend stellen Steckbriefe einzelne Lebensräume genauer vor und bieten Tipps für zuhause. Erfahren Sie, wie Sie Artenvielfalt im eigenen Garten oder auf dem Balkon fördern können. Eintritt: Der Besuch der Ausstellung ist im Eintrittspreis inbegriffen. Laufzeit: Die Ausstellung läuft vom 13. Juni bis zum 1. November 2026. (Quelle: visitberlin.de)

Mit dem Ende der DDR verloren auch deren Symbole ihre Gültigkeit. Bereits in den Wochen und Monaten vor dem 3. Oktober 1990 hatte sich der öffentliche Raum sichtbar verändert. Zeichen der SED-Herrschaft wurden entfernt, vieles landete im Sperrmüllcontainer oder auf Flohmärkten – und gelangte später über Umwege in Museumssammlungen.Doch nicht alles verschwand spurlos. Nach 1990 entbrannten intensive Debatten um Straßennamen, Denkmäler und Bauwerke. Heute sind Relikte der DDR als Identitätsanker wieder präsent – vor Ort ebenso wie im Museum. Was verrät der Umgang mit den Symbolen des vergangenen Staates über unsere Erinnerungskultur? (Quelle: visitberlin.de)

Auf Einladung der Galerie Parterre installiert die in Berlin lebende Künstlerin Tiziana Krüger an den Fahnenmasten in der Danziger Straße 101 die textile Arbeit "intervention, chapter I". Krüger beschäftigt sich mit den Kontinuitäten rechter Symbolik: Hierfür druckt die Künstlerin Fotografien blauer Kornblumen auf einen aus gebrauchten Feuerwehrschläuchen genähten Untergrund. Seit etwa 1900 wird die Kornblume als Erkennungszeichen großdeutscher Nationalist:innen und später von NSDAP-Sympathisant:innen in Österreich vereinnahmt. Seit den 1990er Jahren findet man ihr Abbild zunehmend an den Revers von Politiker:innen der FPÖ und später der AFD. Tiziana Krüger lenkt den Blick auf die massive Bedrohung für die demokratische und solidarische Gesellschaft und betont mit ihrer Arbeit die Notwendigkeit von Protest und Widerstand: Weder der öffentliche Raum noch die Kornblume dürfen einer wiedererstarkenden rechten Ideologie einfach überlassen werden. Ausstellungszeitraum: 07.09. bis 18.10.2026 Ort: Galerie Parterre - Außenraum Danziger Straße 101 10405 Berlin (Quelle: visitberlin.de)

„Verloren – Versteckt – Wiederentdeckt". Geld ist eine der faszinierendsten Erfindungen der Menschheitsgeschichte. Als Zahlungsmittel begleitet es uns im Alltag. Gleichzeitig transportieren Münzen und Geldscheine vielfältige Botschaften in Bild und Text. Dem facettenreichen Thema Geld widmet das Museum Mödling seine neue Sonderausstellung. Anhand von Fundobjekten aus dem gesamten Bezirk wird die Geldgeschichte der Region von der römischen Zeit bis in das 20. Jahrhundert erzählt. Die Sonderausstellung wurde von Studierenden des Instituts für Numismatik und Geldgeschichte der Universität Wien gestaltet. Die Ausstellung ist zu den Öffnungszeiten des Museums bis 10. Oktober zu besichtigen: Montag bis Donnerstag 9 bis 13 Uhr, Samstag 10 bis 14 Uhr sowie Sonn- und Feiertag von 14 bis 18 Uhr.

Retreat "Hej Babes – Mamas & Kleinkinder" ist ein 5-tägiger Rückzug in Kitzbühel, der speziell für Mütter und ihre Kinder (0-9 Jahre) konzipiert ist. Er findet im Hof Vordererb statt und richtet sich an eine kleine Gruppe von maximal 10 Teilnehmern. Der Fokus liegt auf dem Wohlbefinden, der Qualitätszeit mit Ihrem Kleinen und dem Treffen anderer Mütter und Kinder. Mütter werden organisierte Yoga-, Bewegungs- und Workshopangebote haben, während die Kinder sich auf ein liebevoll gestaltetes Programm mit Musik, kreativem Spiel, Yoga und Naturerlebnissen freuen können. Ab 1700,00 EUR. Hier geht's zur Anmeldung.

Kommt mit auf eine spannende, interaktive Abenteuerreise durch unser Sonnensystem! Gemeinsam entdeckt ihr die acht faszinierenden Planeten – vom kleinen, flinken Merkur bis zur glühend heißen Venus. Ihr lernt den geheimnisvollen Mars kennen und erfahrt, warum er als »roter Planet« berühmt ist. Weiter geht es zu den beeindruckenden Riesen: zum mächtigen Jupiter mit seinen zahlreichen Monden und zum Saturn mit seinen spektakulären Ringen. Doch damit nicht genug – wir wagen uns noch weiter hinaus, bis in die eisigen, fernen Regionen unseres Sonnensystems, wo die Sonne nur noch wie ein kleiner, heller Punkt am Himmel erscheint. Während dieser Reise mit »Mit Raketen zu Planeten« seid ihr ganz nah dran! Durch spannende Fragen, anschauliche Vergleiche aus dem Alltag und viele Mitmachmomente werden Kinder aktiv einbezogen. So wird Wissen spielerisch vermittelt – unterhaltsam, einprägsam und voller Staunen. Macht euch bereit für ein unvergessliches Weltraumabenteuer! (Quelle: visitberlin.de)

Zeitreise durch die Welt der Dinosaurier – und von T. rex Tristan Otto.Die Sonderausstellung zeigt Originalfossilien, aktuelle Forschung und neue Perspektiven auf Dinosaurier. Die “Riesenechsen” im Saal machen deutlich, wie sich unser Verständnis durch wissenschaftliche Erkenntnisse stetig verändert. (Quelle: visitberlin.de)

Krishna – übersetzt »der Dunkle« oder »der Schwarze« – ist eine der beliebtesten und vielgestaltigsten Gottheiten des Hinduismus. Erkennbar an seiner dunkelblauen Hautfarbe und häufig eine Flöte spielend, inspiriert er seit Jahrhunderten Menschen weltweit: als göttlicher Held, als spiritueller Liebhaber und als weiser Lehrer. Anhand von über 100 Objekten aus dem Sammlungsbestand des Museums – darunter historische Skulpturen, Malereien und Ritualgegenstände – beschäftigt sich die Sonderausstellung mit der ikonografischen, regionalen und medialen Vielfalt der Darstellungen Krishnas. Ausgangspunkt der Ausstellung ist die Lebensgeschichte Krishnas, deren wichtigste Episoden anschaulich erzählt werden. Daran anschließend richtet sich der Blick auf die religiöse Praxis – von der alltäglichen Verehrung im häuslichen Umfeld bis hin zu großen Festen wie Janmashtami (Geburt Krishnas) oder dem Farbenfest Holi. Den Abschluss bildet die Auseinandersetzung mit Krishna in der globalen Popkultur. Die Exponate stammen aus verschiedenen Epochen, Regionen und Kontexten und reichen von historischen Gegenständen bis zu zeitgenössischen Ausdrucksformen. Zu sehen sind unter anderem eine prächtige Schaukel und ein tragbarer Klappaltar ebenso wie populäre Posterdrucke und zeitgenössische Figuren. Ein besonderes Highlight sind fünf kostbare, großformatige religiöse Wandbehänge (Pichwais). Durch die gezielte Gegenüberstellung von Objekten werden sowohl Kontinuitäten als auch Veränderungen und Bedeutungsverschiebungen im religiösen und kulturellen Verständnis sichtbar. Einige Werke werden erstmals der Öffentlichkeit präsentiert. Die Ausstellung entstand in Kooperation mit dem Centrum für Religionswissenschaftliche Studien (CERES) der Ruhr-Universität Bochum. Führungen um 14:00 mit Kuratorin Anne Hartig, Ph.D./J.N. Univ. Neu-Delhi, am So 3.5. / 14.6. / 2.8. / 11.10. / 8.11. mit Kurator Dr. Patrick Felix Krüger am So 10.5. Begrenzte Plätze. Anmeldung unter [email protected]. Shyāma Krishna – indischer Tanz mit Sarah Sangreetha am Sa 2.5. um 18:00 (Vortragssaal) Vortrag „Religion(en) ausstellen im Spannungsfeld von Kult, Kunst und Museum“ von Dr. Patrick Felix Krüger im Rahmen der Lucian Scherman Lecture am Di 12.5. um 18:00 Krishna at home: Dialogführung – Ein Rundgang mit Shweta Dixit und Kuratorin Anne Hartig Ph.D./J.N. Univ. Neu-Delhi am So 17.5. 11:00 Begrenzte Plätze. Anmeldung unter [email protected]. Weitere Veranstaltungen: https://www.museum-fuenf-kontinente.de/veranstaltungen/programm%C3%BCberblick/ Öffnungszeiten: Di-So/Fei (auch Pfingstmontag 25.5.) 9:30-17:30, am 1. Wiesn-Sonntag (20.9.) 11:00-19:00, geschlossen: 1.5. / Fronleichnam (4.6.) / 1.11. Ausstellung 24.4. bis 8.11.

Unter dem Titel „Starke Frauen“ präsentiert Christa Hempen eindrucksvolle Werke, die Frauen aus Vergangenheit und Gegenwart in kraftvollen Bildkompositionen portraitieren, wie z.B. Hildegard Knef. Die Ausstellung im AROMIS ist nicht nur eine Bereicherung für Kunstinteressierte, sondern auch ein Erlebnis für alle, die Atmosphäre, Kultur und Genuss miteinander verbinden möchten. Christa Hempen verbindet in ihren Bildern gekonnt Acryltechnik mit weiteren Verfahren, wodurch lebendige ausdrucksstarke Kunstwerke entstehen. Als Mitglied des Altöttinger Kunstvereins e.V. ist sie Teil einer engagierten Künstlergemeinschaft, die mit ihrem Wirken einen besonderen Raum für Kunst schafft. Das Café AROMIS stellt alle zwei/drei Monate wechselnde Künstler*innen vor und lädt damit regelmäßig zu inspirierenden Kunsterlebnissen ein. Alle Interessenten sind herzlich eingeladen am 22.08. um 14:00 Uhr zur Vernissage; 19.09. um 14:00 Uhr zum Künstlergespräch mit der Künstlerin und 31.10. um 14:00 Uhr zur Finissage. Das Café AROMIS mit Inhaberin Gerburg Barbarino freut sich auf zahlreiche Besucher. Eintritt frei Die Ausstellung ist bis 31. Oktober 2026 im Café AROMIS (Kapuzinerberg 6) zu sehen, Dienstag bis Sonntag von 09:30 bis 18:00 Uhr. Veranstalter: Kunstverein Altötting e.V.

Der Kulturzug feiert 2026 die deutsch-polnische Nachbarschaft mit acht Fahrten zwischen Berlin, Poznań und Warszawa. In einem zusätzlichen Waggon finden über 32 Veranstaltungen wie Lesungen, Konzerte, Filme, Workshops und Diskussionen statt. So bringt der Kulturzug Menschen aus Deutschland und Polen zusammen und macht den Austausch zwischen Städten, Regionen und Kulturen erlebbar.Nachbarschaft bewegt!In diesem Jahr feiern wir das 35. Jubiläum der Städtepartnerschaft Berlin-Warszawa und das 35. Jubiläum des Deutsch-Polnischen Nachbarschaftsvertrages. Seit zehn Jahren verbindet der Kulturzug mit seinem wechselnden, mehrsprachigen und preisgekrönten Programm Regionen, Kulturen und Generationen zwischen Berlin und Wrocław. Nun geht der Kulturzug im Fernverkehr in eine neue Runde. An den Eurocity Berlin-Warszawa wird in Kooperation mit der PKP-Intercity und DB-Fernverkehr ein zusätzlicher Waggon angehängt, in dem Lesungen, Filmvorführungen, Konzerte, Performances, Installationen, Workshops, Clubnächte und Diskussionsrunden stattfinden. Programmübersicht Das Programm an Bord wird in Zusammenarbeit mit verschiedenen Partnern umgesetzt, das sind das Deutschen Polen-Institut, das Polnische Institut Berlin, das Pilecki-Institut Berlin, das Deutsch-Polnisches Haus, das Goethe-Institut Warszawa und viele weitere Akteure aus Kunst, Kultur, Bildung, Politik und der Zivilgesellschaft in Berlin, Poznań und Warszawa. Der Kulturzug wird zur Schnittstelle grenzübergreifender Praktiken und Herausforderungen und trägt sie mittels Kunst und Kultur in die breite Gesellschaft. Er setzt dabei die Inhalte und Zielsetzungen des Deutsch-Polnischen Nachbarschaftsvertrages konkret um und füllt sie mit Leben. Der Eintritt zu den Veranstaltungen ist frei. Ein gültiges Zugticket mit Reservierung für die jeweilige Fahrt ist notwendig. Das in über 35 Jahren entstandene Netzwerk deutscher und polnischer Akteure aus den einbezogenen Städten wird sichtbar und lädt die Reisenden ein, sich gedanklich und praktisch am Dialog der Städte und Regionen über aktuelle Themen zu beteiligen. Gleichzeitig ist der Kulturzug auch ein Beleg für die erfolgreiche Oder-Partnerschaft, die im Jahr 2026 ebenfalls ein Jubiläum feiert. Seit zwanzig Jahren bemühen sich die Akteure in der Region um engere Zusammenarbeit, Austausch und Dialog auf Augenhöhe. Gefördert wird das Kulturprogramm durch die Lotto-Stiftung Berlin, das Land Berlin sowie die beteiligten Städte. (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung „ICONIC – A Timeless Journey of Culture, Society and Mobility“ hat bereits mehr als eine Million Besucher:innen begeistert.Aktuell richtet sie den Blick zusätzlich auf das Thema ikonisches Reisen und zeigt mit ausgewählten Exponaten, warum Reisen Menschen bis heute fasziniert – und wie besonders die automobile Mobilität diese Erlebnisse für viele überhaupt erst möglich gemacht hat. Ikonen im DRIVEIkonen sind Galionsfiguren für kulturelle und technische Errungenschaften, die darüber hinaus Werte und Normen in der heutigen Zeit maßgeblich mitgestaltet haben. Dazu zählt ebenso der T1 wie der Lamborghini Countach und der Porsche 911 - diese im DRIVE ausgestellten Exponate sind Symbole ihrer Zeit, die bis heute auf die Mobilitätslandschaft nachhaltig wirken. Zugleich eröffnen ausgestellte Werke von Künstlern wie Andy Warhol und berühmte Designobjekte wie der Egg-Chair des Designers und Architekten Arne Jacobsen neue Perspektiven auf Kultur und Gesellschaft. Besonders beeindruckend ist der interaktive immersive Raum „Icon’s World“. Nach einer visuellen Zeitreise eröffnet die immersive Landschaft den Betrachterinnen und Betrachtern einen Blick in die nahe Zukunft. Die multimedialen Projektionen machen die Visionen der Mobilität, Architekturwelten und Technologien erlebbar, die Ikonen von Morgen hervorbringen. Sie animieren mit berührungssensitiven Schaltflächen und laden dazu ein, mit „IDA“, einem auf künstlicher Intelligenz basierten empathischen Assistenten zu kommunizieren. (Quelle: visitberlin.de)

Für Mai 2026 plant das DHM im Erdgeschoss des Pei-Bau eine Ausstellung zur Sammlungsgeschichte des Hauses.Menschen sind gewohnt, Geschichte als Wahrnehmung in der Zeit und lineare Abfolge zu denken. Sie ist aber ebenso an Orte, Räume und Schauplätze gebunden. Geschichte erzählt nicht nur vom Wandel der Zeiten, sondern auch vom Wandel in Räumen. Die geplante Ausstellung nimmt diese Idee zum Ausgangspunkt. Dazu will sie ausgewählte Objekte/Konvolute nach ihrer Herkunft und ihren Wanderungen befragen und damit Geschichte und Wandel politscher, sozialer sowie kultureller Räume erschließen und anschaulich erzählen. Im Zentrum der Ausstellung steht die historisch gewachsene Sammlung des Museums, das als ein ebenfalls konstantem Wandel unterliegender historischer Erinnerungsort zugleich die jeweils spezifische Sammelpraxis der Vorgängerinstitutionen des DHM spiegelt: die Ruhmeshalle der preußisch-brandenburgischen Armee (ab 1883), das Heeresmuseum des NS-Regimes (ab 1933), das Museum für deutsche Geschichte der DDR (ab 1952) und die Zusammenführung mit dem 1987 in West-Berlin gegründeten DHM (ab 1990). Um diesen zentralen Bereich herum gruppieren sich fünf Themenschwerpunkte, die an ausgewählten Objekten unterschiedlichster Epochen das Thema der Verortung im historischen Raum erfahrbar machen. Orte des Sammelns und des Diskurses, wie etwa die frühneuzeitlichen Kunst- und Naturalienkabinette, territorial oder konfessionell definierte Herrschaftsräume, Wirtschaftsräume, die für Handel und Ressourcenerschließung stehen, verschwundene Orte sowie Orte der Zugehörigkeit und der (regionalen oder nationalen) Identität. In Form von „Fallstudien“ werden signifikante, bewusst zueinander in Spannung gesetzte Stücke der DHM-Sammlung, darunter viel Unbekanntes und noch nie in einer Sonderausstellung Gezeigtes, aus unterschiedlichen Perspektiven beleuchtet. Zeitzeugen-Interviews, eine mediale Aufbereitung der Narrative sowie inklusive Stationen ergänzen die Ausstellung. Die Ausstellung wird von Dr. Wolfgang Cortjaens, Sammlungsleiter Angewandte Kunst und Grafik, kuratiert. (Quelle: visitberlin.de)

Das Kunstgewerbemuseum beherbergt weltberühmte Zeugnisse des europäischen Kunsthandwerks und Designs vom Mittelalter bis zur Gegenwart. Es sammelt, erforscht und vermittelt die Prozesse des Entwurfs, der Produktion und der Anwendung bzw. Aneignung dieser künstlerisch gestalteten Objekte und widmet sich darüber hinaus dem Verhältnis des Menschen zu seiner gestalteten Umwelt aus unterschiedlichen Perspektiven.Der 1966 im Geist der Nachkriegsmoderne entworfene Bau von Rolf Gutbrod wurde vom Architekturbüro Kuehn Malvezzi in weiten Teilen umgestaltet. Durch weiße Einbauten erscheinen Foyer und Treppenhaus nun klar gegliedert. Kasse, Information und Garderobe sind als kubische Einbauten angeordnet und treten durch ihre reduzierte Formensprache im Raum zurück. Das Treppenhaus wird durch die großzügige Ummantelung der waagerechten Treppenelemente vereinheitlicht und zugleich in seiner Skulpturalität betont. Ein einprägsames Wegeleitsystem mit roten Superzeichen verdeutlicht die räumliche Struktur des Gebäudes und führt die Besuchenden durch das Haus. Ebenfalls neu gestaltet wurden die Ausstellungsräume für die Sammlungsbereiche Mode, Design und Jugendstil bis Art déco. Ein Haus für Kunst, Mode und Design. Als Haus mit einer Vielzahl von Exponaten, Stilen und Materialien bietet das Kunstgewerbemuseum verschiedene thematische Rundgänge an. Gleich im Eingangsbereich lockt die neue Modegalerie: In abgedunkelten Räumen mit eingebauten Großvitrinen werden rund 130 Kostüme und ebenso viele Accessoires wie in einer Schaufensterpassage inszeniert. Der Besuch gleicht einem Spaziergang durch 150 Jahre Modegeschichte, vorbei an den Schöpfungen berühmter Couturiers wie Paul Poiret, Elsa Schiaparelli und Christian Dior. Berlin erhält damit zum ersten Mal eine thematisch umfassende Dauerausstellung zum Thema Mode. Grundlage der Präsentation bildet die 2009 angekaufte internationale Sammlung von Martin Kamer und Wolfgang Ruf. Ein weiteres Highlight ist die neu aufgestellte Designsammlung im Untergeschoss. In der hochkarätigen Auswahl sind die Bauhausklassiker ebenso vertreten wie Entwürfe der zeitgenössischen Stardesigner Ettore Sottsass, Philippe Starck oder Konstantin Grcic. Eine Stuhlgalerie ergänzt diesen Rundgang und zeigt eine Auswahl innovativer Entwürfe vom 19. Jahrhundert bis heute. Wie kaum ein anderer Gegenstand ermöglicht der Typus Stuhl eine Auseinandersetzung mit den unterschiedlichen Positionen des Designs. Die Palette reicht von einfachen und zweckdienlichen über luxuriösen bis hin zu phantastischen, von der Funktion losgelösten Gestaltungen. Im Erdgeschoss und im Obergeschoss gibt das Kunstgewerbemuseum einen systematischen Überblick über die Meisterleistungen europäischer Entwurfs- und Objektkunst vom Mittelalter zum Art déco. So werden im Erdgeschoss die mittelalterliche Schatzkunst mit dem berühmten Welfenschatz und glanzvolle Renaissanceobjekte wie das Lüneburger Ratssilber gezeigt. Im Obergeschoss führen verzierte Kabinettschränke und Kunstkammerobjekte die Sammelleidenschaft des Barock vor Augen. Den beginnenden Klassizismus markiert David Roentgens legendärer großer Kabinettschrank. Die Abteilung Jugendstil bis Art déco wird in vier neu eingebauten Kabinetten präsentiert. Die als "Raum im Raum" eingebauten Kabinette bieten im Inneren Bühnen für Möbelstücke und herausragende Exponate, während in den Außenwänden Vitrinen für weitere Objekte eingelassen sind. Die thematisch gegliederten Ausstellungsbereiche zeigen künstlerische Tendenzen zwischen der Pariser Weltausstellung im Jahr 1900 und dem Ende der 1920er Jahre. Für die Schmuckstücke von René Lalique, Möbel von Henry van de Velde oder Glasfenster von César Klein bieten die intimen Kabinette eine ideale Bühne. (Quelle: visitberlin.de)

Die Gemäldegalerie besitzt eine der weltweit bedeutendsten Sammlungen europäischer Malerei vom 13. bis zum 18. Jahrhundert, die seit dem Gründungsjahr 1830 systematisch aufgebaut und vervollständigt wurde. Meisterwerke aus allen kunsthistorischen Epochen, darunter Gemälde von van Eyck, Bruegel, Dürer, Raffael, Tizian, Caravaggio, Rubens, Rembrandt und Vermeer sind hier ausgestellt. Der Neubau am Kulturforum bietet eine Ausstellungsfläche von rund 7.000 Quadratmetern. Ein fast 2 km langer Rundgang mit 72 Sälen und Kabinetten führt durch einzelne Kunstlandschaften und Epochen. Sammlungsschwerpunkte bilden die deutsche und italienische Malerei des 13. bis 16. Jahrhunderts und die niederländische Malerei des 15. bis 16. Jahrhunderts. Die altdeutsche Malerei der Spätgotik und Renaissance ist durch namhafte Künstler wie Konrad Witz, Albrecht Dürer, Baldung Grien, Cranach und Holbein vertreten. Der Saal mit Rembrandt-Gemälden ist durch seine zentrale Lage im Museum hervorgehoben. Die Sammlung gehört mit 16 Werken des Künstlers zu den größten und qualitätsvollsten der Welt. Sie wird flankiert von weiteren Gemälden der holländischen und flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts. Bildnisse, Genrebilder, Interieurs, Landschaften und Stillleben zeugen von der Spezialisierung der Künstler auf bestimmte Themen. In sechs Räumen wird die italienische, französische, deutsche und englische Malerei des 18. Jahrhunderts präsentiert. Die reiche Bildersammlung enthält Werke von Canaletto, Watteau, Pesne und Gainsborough. In der Hauptgalerie sind rund 1.000 Meisterwerke ausgestellt. Als Informationsangebot stehen den Besucher:innen akustische Führungen in Deutsch, Englisch, Französisch und Italienisch zur Verfügung. Eine Dauerausstellung der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Kaum eine Ära stand so unter dem Zeichen von Teilung, Zerrissenheit und Aufbruch wie die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. So stellt die Neue Nationalgalerie ihre nächste Sammlungspräsentation zur Kunst nach 1945 ganz bewusst unter den Titel „Zerreißprobe“.Ausgehend von der radikalen Performance von Günter Brus mit ebendiesem Titel zeigt die Neue Nationalgalerie, wie sehr die Kunst nach 1945 vom Spannungsfeld zwischen Politik und Gesellschaft geprägt war. Die Präsentation umfasst zentrale Werke aus der Bundesrepublik Deutschland und der DDR, Westeuropa und den USA, und greift thematisch zentrale künstlerische wie gesellschaftliche Themen des 20. Jahrhunderts auf, etwa die Frage nach Realismus und Abstraktion, Politik und Gesellschaft, Alltag und Pop, Feminismus oder Natur und Ökologie. Konkret zu sehen sind Arbeiten des Informell und der amerikanischen Farbfeldmalerei, der Pop- und Minimal Art ebenso wie der Konzeptkunst von Künstler:innen wie Josef Albers, Joseph Beuys, Francis Bacon, Lee Bontecou, Rebecca Horn, Valie Export, Bruce Naumann, Wolfgang Mattheuer, Louise Nevelson, Gerhard Richter, Bridget Riley oder Willi Sitte. Ergänzt wird die Präsentation schlaglichtartig um Positionen, die bisher nicht in der Sammlung vertreten sind. kuratiert von Joachim Jäger, Marta Smolińska und Maike Steinkamp Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Aus Anlass des 85. Jahrestages des deutschen Überfalls auf die Sowjetunion am 22. Juni 1941 präsentiert das Museum erneut die Ausstellung 1941. Juni-Briefe. Ungelesene Feldpost aus Kamjanez-Podilskyj, die 2016 gemeinsam mit dem Nationalmuseum der Geschichte der Ukraine im Zweiten Weltkrieg in Kyjiw erarbeitet wurde. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die letzte Leerung des Briefkastens des Postamts von Kamjanez-Podilskyj. Die Briefe wurden infolge des Kriegsausbruchs nie zugestellt. Von der deutschen Besatzungsverwaltung beschlagnahmt, gelangten sie als Beutegut in das Postmuseum nach Wien. Nach ihrer Rückgabe an die Ukraine wird die einzigartige Sammlung heute im Nationalmuseum der Geschichte der Ukraine im Zweiten Weltkrieg in Kyjiw verwahrt. Ausgewählte Briefe vermitteln eindrückliche Einblicke in die Gefühlswelten von Soldaten der Roten Armee sowie von Einwohnerinnen und Einwohnern der Stadt Kamjanez-Podilskyj während der ersten Tage des deutschen Überfalls im Südwesten der Ukraine. Für die Neupräsentation wurde die Ausstellung in enger Zusammenarbeit mit dem Staatlichen Historischen Museum Kamjanez-Podilskyj um neue Erkenntnisse zur Geschichte der Stadt im Kontext des deutschen Vernichtungskrieges erweitert. (Quelle: visitberlin.de)

Mit „Das Nichts ist voller Körper“ zeigt das Gotische Haus eine Ausstellung, die den Körper begreift als wandelbares Gefüge zwischen Natur und Kultur, Materialität und Technologie. Die Verbindung von mittelalterlicher Architektur und zeitgenössischer Skulptur macht anschaulich, wie unterschiedlich Epochen den menschlichen Körper gedacht haben – und wie offen die Frage heute wieder geworden ist, was ein Körper überhaupt sein kann.Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen amorphe Skulpturen, deren schimmernde Oberflächen zwischen organischer Materie und künstlicher Hülle changieren. Die Körper erscheinen vertraut und zugleich fremd, menschlich und nicht-menschlich. Sie verweigern anatomische Eindeutigkeit und lösen feste Kategorien auf. Statt eines klassischen Porträts entwirft Witte einen offenen Begriff von Identität – als etwas Wandelbares, Prozesshaftes und gesellschaftlich Geprägtes. Die Ausstellung stellt Fragen, die angesichts neuer biotechnologischer Entwicklungen zunehmend an Bedeutung gewinnen: Wie entstehen Identitäten? Welche Auswirkungen haben Biotechnologien und die Life Sciences auf unser Verständnis vom Körper? Und was geschieht mit dem sozialen Körper, wenn seine Erscheinung und seine Grenzen veränderbar werden? Im Gotischen Haus, dem ältesten Bürgerhaus im gesamten Berliner Raum, begegnen diese zeitgenössischen Körperbilder einer Architektur, die wie kaum eine andere für Ordnung, Vertikalität und Transzendenz steht. Die fließenden, amorphen und technoiden Skulpturen bilden einen bewussten Kontrast zur klar gegliederten gotischen Formensprache. Ein dreiteiliges Soundpiece erweitert den Raum um eine akustische Ebene. Künstlich erzeugte Stimmen lesen Fragmente eines endlosen genetischen Codes – jener biologischen Grundlage, die alle Menschen verbindet und zugleich nichts über ihre individuelle Identität preisgibt. Zusammen mit den Skulpturen und Videoarbeiten entsteht eine raumgreifende Installation, die den historischen Ausstellungsort in einen Resonanzraum für Fragen nach Körperlichkeit, Identität und Zukunft transformiert. Mit der Ausstellung „Das Nichts ist voller Körper“ zeigt das Gotische Haus Spandau erstmals die Werkgruppen „Liquid Identities“ und „Ghosted Bodies“ der Berliner Künstlerin. Die Einzelausstellung versammelt Skulpturen, Video- und Soundinstallationen, die sich mit den gesellschaftlichen, biologischen und kulturellen Vorstellungen vom menschlichen Körper auseinandersetzen. Im historischen Ambiente des Gotischen Hauses entfalten die Arbeiten einen vielschichtigen Dialog zwischen mittelalterlicher Architektur und zeitgenössischer Kunst. Eröffnung 30.7.2026, 19 Uhr Gotisches Haus, Breite Straße 32, 13597 Berlin Veronika Witte (*1962) Veronika Witte zählt zu den Künstlerinnen, die den klassischen Begriff der Bildhauerei konsequent erweitert haben. Ausgehend von der Skulptur verbindet sie Installation, Video, Performance und Methoden sozialwissenschaftlicher Feldforschung zu einem interdisziplinären Werk. Über das von ihr entwickelte fiktive Institut für sozio-ästhetische Feldforschung (ISF) sammelt sie in Interviews und Umfragen Vorstellungen von Körper, Identität und Selbstbild. Diese Recherchen bilden die Grundlage ihrer künstlerischen Arbeiten. Laufzeit: 31.7.2026–11.10.2026 https://www.gotischeshaus.de/ (Quelle: visitberlin.de)

Forms of Alignment, kuratiert von Daniel Laufer und Constanze Murfitt, ist als künstlerisch-zeitgenössische Diskursausstellung konzipiert. Im Zentrum steht nicht die Darstellung festgeschriebener Identitäten, sondern die Frage, wie Beziehungen entstehen: zwischen Menschen und Räumen, Institutionen und Öffentlichkeit sowie zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Fünf künstlerische Positionen arbeiten mit Raum, Sprache, Bildlichkeit, Material und sozialen Strukturen. Ihre Arbeiten untersuchen Relationen nicht nur als harmonische Verbindungen, sondern ebenso als fragile, mitunter widersprüchliche Aushandlungen. Beziehung erscheint als etwas, das nicht einfach gegeben ist, sondern hergestellt, getragen, geschützt, begrenzt und immer wieder neu verhandelt werden muss. Gerade in diesen Prozessen treten Ambivalenzen hervor: Nähe kann Schutz bedeuten, aber auch Ausschluss erzeugen; Ausrichtung kann Orientierung geben und zugleich Hierarchien und Abhängigkeiten sichtbar machen. Der denkmalgeschützte Ausstellungsort ist dabei nicht bloß Kulisse, sondern aktiver Teil der Ausstellung. Seine räumlichen, historischen und institutionellen Bedingungen – Denkmal, Öffentlichkeit, Schutz, Schwelle, Fragment und Rekonstruktion – werden als Material ernst genommen. Die Arbeiten treten mit diesen Voraussetzungen in Beziehung, reagieren auf sie, widersprechen ihnen oder verschieben ihre Bedeutung. Auf diese Weise entsteht ein Gefüge, in dem Gegenwart und Geschichte nicht voneinander getrennt erscheinen, sondern sich gegenseitig überlagern. Zugehörigkeiten werden an diesem Ort zwangsläufig mitgelesen. Sie bilden jedoch nicht das kuratorische Ordnungsprinzip. Entscheidend ist vielmehr, welche Fragen die einzelnen Arbeiten öffnen, welche Beziehungen sie herstellen und welche Spannungen sie sichtbar machen und aushalten. Forms of Alignment versteht Ausstellung daher nicht als abgeschlossenen Raum eindeutiger Aussagen, sondern als Ort der Begegnung, der Reibung und der Neuordnung. Der Titel verweist auf unterschiedliche Formen des Sich-Ausrichtens: auf körperliche, soziale, politische, räumliche und institutionelle Konstellationen. „Alignment“ meint dabei weder vollständige Übereinstimmung noch harmonische Einheit. Gemeint ist vielmehr ein vorläufiges Verhältnis, das sich aus Annäherung, Verschiebung, Widerstand und wechselseitiger Abhängigkeit bildet. (Quelle: visitberlin.de)

Woher weiß eine KI, wie Juden aussehen? Woher wissen Sie es? Und kann es das überhaupt geben: ein Bild von Jüdinnen und Juden, das der Vielzahl jüdischer Lebenswirklichkeiten, ihrer widersprüchlichen Geschichte und Gegenwart gerecht wird? Versuche, dieses Bild zu kreieren hat es immer gegeben – in der Kunstgeschichte, in Hollywood und neuerdings auf Social-Media-Plattformen wie TikTok. Auch der Filmemacher Nico Beyer hat diesen Versuch unternommen. Seine hier gezeigten Kurzfilme sind Porträts, Miniaturen jüdischer Gegenwart in Europa, die als skizzenhafte Einblicke keinen Anspruch auf Gesamtdarstellung erheben. Trotzdem wollen sie zeigen, mit welchem Stolz, welchem Zweifel, welcher Normalität, sich ihre jüdischen Protagonisten vor der Kamera inszenieren. Das Credo der Filme: viele Bilder, statt des einen Bildes von Jüdinnen und Juden. Nur sind auch diese vielen Bilder umkämpft. Sie müssen sich vor dem Blick von außen, den Zuschreibungen einer nichtjüdischen Mehrheit, ebenso behaupten wie im innerjüdischen Ringen um Repräsentationsansprüche. Wer zeigt hier also wen und wie? Hörbar werden diese Behauptungskämpfe in der Audioinstallation, die die Filme von Nico Beyer umgibt. Dort finden sich alle Schwierigkeiten, die der heutige Blick auf Jüdinnen und Juden sowie ihre (Selbst-)Darstellung in Bildern mit sich bringt: verzerrende Stereotype, Hasskommentare in den sozialen Medien, KI-Fakes, antiisraelische Bildpropaganda infolge der Hamas-Massaker vom 7. Oktober 2023 und die grundsätzliche Frage, ob es unabhängig von dieser antisemitischen Bilderflut ein selbstbestimmtes, wahrhaftiges Bild von Juden geben kann. (Quelle: visitberlin.de)

Im Oktober wird es prickelnd! Denn in der Steininger Loisium Weinwelt feiern wir nicht nur den Tag des österreichischen Sektes, bei uns prickelt es den ganzen Monat. Los geht’s am Donnerstag, 1. Oktober 2026, mit „Neu entkorkt“: Jeden Donnerstag im Oktober warten neue Sekte darauf, entdeckt zu werden. Zur Auswahl stehen abwechslungsreiche 3er- oder 5er-Sektflights. Vor der Weinwelt sorgt unsere Riesensektflasche für den perfekten Fotomoment – inklusive Mitmach-Gewinnspiel. Außerdem können Sie herausfinden, welcher Sekttyp Sie sind. Wählen Sie Ihre persönliche Typ-Etikette, kleben Sie diese auf unser Rüttelpult und werden Sie Teil unserer Sektfamilie. Am 22. Oktober 2026, dem Tag des österreichischen Sektes, legen wir noch einmal nach: Freuen Sie sich auf die längste Sektbar von Langenlois. Auch zu Hause darf es prickeln – mit unserer Prickelbox Langenlois sowie die Prickelbox Steininger – jeweils gefüllt mit 3 ausgewählten Sekten zum Mitnehmen. Zum Abschluss des prickelnden Monats lädt das Weingut Steininger am 23. und 24. Oktober 2026 zum „Prickelnden Weinschaun“ in die Walterstraße 2 in Langenlois ein. Ein ganzer Monat voller Sekt, Genuss und prickelnder Momente – wir freuen uns auf Ihren Besuch!

STIMMEN ist eine multimediale Ausstellung zu Demokratiegeschichte, Gegenwart und Mitbestimmung. Sie versammelt persönliche Perspektiven auf die Geschichte des Friedhofs und der Revolutionen von 1848 und 1918. Diese Sichtweisen stammen von verschiedenen Menschen, die sich ehrenamtlich mit dem Thema beschäftigt haben.Entsprechend unterschiedlich sind die Beiträge: von Zitaten aus historischen Romanen und revolutionären Forderungen über die Verbindung des Friedhofs zur Geschichte der Frauenbewegung bis hin zur Geschichte von Schwarz-Rot-Gold. Andere Beiträge beschäftigen sich mit dem Zugang zu Demokratie, persönlichen Erfahrungen oder geben als Ökofiktion einer Eiche eine Stimme. Die Beiträge verbinden historische Quellen mit persönlichen Sichtweisen. Entstanden ist die Ausstellung im Rahmen des Beteiligungsprojekts „Demokratiegeschichte(n)“, gefördert von der Siftung Orte der deutschen Demokratiegeschichte. Über mehrere Monate haben Ehrenamtliche mit Unterstützung von Historiker:innen des forum 1848 diskutiert, recherchiert und eigene Beiträge entwickelt. So ist eine Ausstellung entstanden, die bewusst keine einheitliche Geschichte erzählt, sondern unterschiedliche Stimmen zusammenbringt. Der Friedhof der Märzgefallenen ist dabei nicht nur Schauplatz, sondern Teil der Ausstellung. Seit 1848 erinnert er an Menschen, die für politische Rechte und Freiheit kämpften. STIMMEN lädt ein zum Zuhören, Entdecken und Mitmachen. (Quelle: visitberlin.de)

Im ausgehenden 18. Jahrhundert war Daniel Nikolaus Chodowiecki der Superstar unter den Berliner Künstlern. Zu seinem 300. Geburtstag widmet ihm das Kupferstichkabinett in Kooperation mit der Akademie der Künste, Berlin und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin eine Kabinettausstellung, die über zwanzig seiner bedeutendsten Werke aus allen Schaffensperioden präsentiert. Chodowieckis Bilder begeistern bis heute durch ihren feinsinnigen Humor, regen aber auch zum Nachdenken an. Die in ihnen anklingenden und verhandelten gesellschaftspolitischen Themen der Aufklärung haben bis heute nicht an Relevanz verloren. Der Abschied des Jean Calas Zum ersten Mal sind die wichtigsten Werke zu Chodowieckis um 1767 entstandener Bildschöpfung zum „Abschied des Jean Calas von seiner Familie“ aus drei Sammlungen an einem Ort zu sehen. Die Grundlage für Chodowieckis Komposition war das tragische Schicksal des Toulouser Kaufmanns Jean Calas und damit einer der bekanntesten Justizskandale der Aufklärung. Calas gehörte als lutherisch-reformierter Christ einer im damaligen Frankreich starken Repressionen ausgesetzten religiösen Minderheit an. Als sich einer seiner Söhne 1761 das Leben nahm, versuchte die Familie zunächst den Selbstmord als Mord darzustellen, um dem Sohn ein christliches Begräbnis zu ermöglichen. So geriet schließlich Jean Calas selbst in Verdacht, seinen Sohn aufgrund dessen angeblicher Absicht, zum Katholizismus überzutreten, erwürgt zu haben. Obwohl es keine Beweise für diesen Vorwurf gab, führte der religiöse Fanatismus gegen den Protestantismus dazu, dass Jean Calas zum Tode verurteilt und am 10. März 1762 öffentlich hingerichtet wurde. Entsetzt über diesen Justizmord verfasste der Philosoph Voltaire (1694–1778) die Schrift „Über die Toleranz“ (1763) und erreichte 1765 die posthume Rehabilitierung von Jean Calas und seiner Familie. Chodowieckis dramatische und hochemotionale Darstellung des Moments, in dem der zum Tode verurteilte Calas von seiner Familie Abschied nimmt, zählt zu den zentralen Bildern der Aufklärung. Die Komposition sollte Rührung und Empathie auslösen und somit zur moralischen Entwicklung des Publikums beitragen. Themen der Aufklärung Neben Chodowieckis malerischem Hauptwerk aus der Gemäldegalerie und sämtlichen zeichnerischen und druckgraphischen Werken, die in diesem Zusammenhang entstanden sind, zeigt die Ausstellung Rötelzeichnungen Chodowieckis, die ein Berliner Netzwerk der Aufklärung vorstellen, darunter den Schriftsteller und Verleger Friedrich Nicolai und den Religionsphilosophen Moses Mendelssohn. Sie stehen stellvertretend für die vielen Intellektuellen ihrer Zeit, die für eine neue Debatten- und Diskurskultur eintraten und gegen Verschwörungstheorien und Esoterik ankämpften. Chodowiecki befasste sich in seinem umfangreichen druckgraphischen und zeichnerischen Werk, aus dem die Ausstellung eine Auswahl zeigt, mit den Themen der Aufklärung wie Bildung, Familie, Gesellschaftsordnung und trug zur Verbreitung der neuen Diskurse bei. Chodowiecki 300 Die Kabinettausstellung wurde kuratiert von Mailena Mallach (Kupferstichkabinett), Anna Schultz (Akademie der Künste) und Sarah Salomon (Gemäldegalerie) und ist Teil des Netzwerks „Chodowiecki 300“, das den vielseitigen Berliner Künstler zum 300. Geburtstag im Jahr 2026 an verschiedenen Orten feiert. Eine Kabinettausstellung des Kupferstichkabinetts im Rahmen von „Chodowiecki 300“ in Kooperation mit der Akademie der Künste, Berlin und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin(Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung „Natur und deutsche Geschichte. Glaube, Biologie, Macht“ verhandelt auf 1.000 Quadratmetern 900 Jahre Geschichte.Der Bogen reicht von Hildegard von Bingens Begriff der „viriditas“, der grünen Schöpferkraft, im 12. Jahrhundert bis zur frühen Anti-Atomkraft-Bewegung in Wyhl und den unterschiedlichen Naturkonzepten in beiden Deutschlands im späten 20. Jahrhundert. Die Vereinnahmung des angeblich Natürlichen war zudem eine der ideologischen Grundlagen für die NS-Diktatur, die sowohl die „äußere“ als auch die „innere Natur“ mit einer Unzahl von Gesetzen in ihre Definitionsmacht und Gewalt bringen wollte. Die „Nürnberger Gesetze“ und das „Reichsnaturschutzgesetz“ wurden im gleichen Jahr erlassen: 1935. Die Ausstellung stellt anhand von 10-12 Stationen Ereignisse oder Entwicklungen vor, in denen der Naturbegriff auf markante Weise verändert oder geprägt wird. Mit dem Projekt wird großräumig die sich wandelnde Bedeutung und Begrifflichkeit von „Natur“ in den Blick genommen und als politischer Faktor in der deutschen Geschichte herausgearbeitet. Die historischen Etappen dieses Wandels werden nachgezeichnet, wie auch die Politisierung und Instrumentalisierung des Naturbegriffs in der deutschen Geschichte. Wer definiert, was als Natur gilt?Wer hat Zugriff darauf?Wie verändert sich, was als innere und äußere Natur verstanden wird?Und was passiert, wenn unvorhergesehene Ereignisse eintreten, auf die politische Handlungen erfolgen müssen?Die Ausstellung wird von Prof. Dr. Julia Voss kuratiert. (Quelle: visitberlin.de)

(Quelle: visitberlin.de)

Sofie Dawo (1926-2010) war eine Ausnahmekünstlerin: Ihre unkonventionelle künstlerische Strategie bestand in der Veredelung des Gewebes durch Zerstörung. Mit dieser radikalen Bearbeitung wurde der Herstellungsprozess geradezu in das Objekt eingeschrieben und das Unvorhersehbare, die „auftauchenden Überraschungen“ (Dawo) bewusst einkalkuliert. Dawos textile Experimente sind frei von jeder Funktion oder Anwendung und entziehen sich einer eindeutigen Zuordnung in die Kategorien Kunst oder Handwerk – sie stehen für sich. Die im Saarland geborene Sofie Dawo studierte von 1948 bis 1952 an der Staatlichen Schule für Kunst und Handwerk in Saarbrücken, zunächst freie Kunst, anschließend Weberei. Sie war Schülerin von Boris Kleint, der in Berlin Malerei bei Johannes Itten studiert hatte und dessen Assistent war. In dieser Funktion war Kleint nach Saarbrücken berufen worden, um dort die am Bauhaus orientierte Grundlehre einzuführen, die Dawo sehr geprägt haben dürfte. Nach ihrer Tätigkeit als Entwerferin überwiegend für Ausstattungen von öffentlichen Räumen kehrte Dawo 1958 als Leiterin der Klasse für Weben und Stoffdruck an die Staatliche Schule für Kunst und Handwerk Saarbrücken, der heutigen Fachhochschule des Saarlandes, zurück, der sie bis an ihr Lebensende eng verbunden blieb. Sofie Dawo gehört zu den lange kaum wahrgenommenen Textilkünstlerinnen, obwohl sie seit den 1960er-Jahren einen bedeutenden Beitrag zur Befreiung der Webkunst aus dem Dienst der Transformation einer Bildvorlage in das textile Medium geleistet hat. Sie verzichtete auf die Wiedergabe eines Motivs – sei es figürlich oder abstrakt – oder auf die Darstellung einer Erzählung zugunsten einer völlig freien, rein aus dem Material und seinen technischen Möglichkeiten heraus argumentierenden Arbeit. Damit verhalf sie der Webkunst zu ihrem Recht als autonome Kunstgattung. Konsequenterweise legte Dawo Wert darauf, als Textilkünstlerin, nicht als Kunsthandwerkerin wahrgenommen zu werden. Ihre experimentell-künstlerische Arbeitsweise zeichnete sich dadurch aus, dass sie sich ganz auf das Material, seine spezifischen Eigenschaften und Wirkungen einstellte und es unter ihren Händen arbeiten ließ – Überraschungen und Zufälle inbegriffen. Das dem Material inhärente Potenzial schöpfte Dawo auf vielfältige Weise aus und trieb es mit ihrer Bearbeitung zuweilen bis an seine materiellen Grenzen, indem sie etwa Fäden beschnitt, miteinander verknotete oder mit weiterem Material – Metall, Nylon, Polyester etc. – anreicherte. Auch bearbeitete sie die textilen Oberflächen massiv, indem sie diese aufritzte oder intaktes Gewebe bewusst beschädigte. Die avantgardistische Künstlerin verstieß mit Absicht „gegen alle Regeln“ und durchbrach damit die traditionellen Webtechniken. Ihre Arbeiten sind nicht an die Fläche gebunden, sondern greifen häufig in den Raum hinein: Sie sind textile Skulpturen. Die 22 Werke von Sofie Dawo sowie ausgewählte Arbeiten auf Papier, die im Kunstgewerbemuseum präsentiert werden, sind aufgrund ihres künstlerischen Wertes von besonderem Interesse und stellen einen repräsentativen Querschnitt von Dawos Schaffen dar. Sie sprechen aber auch Kernfragen des Kunstgewerbemuseums an: Wo liegen die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk? Und wer legt diese wann und aus welchen Gründen fest? Eine Sonderausstellung des Kunstgewerbemuseums – Staatliche Museen zu Berlin17. Juli 2026 – 17. Januar 2027Eröffnung: Donnerstag, 16. Juli 2026, 19 Uhr (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung präsentiert Werke, die Sprache, Grenzen und Machtstrukturen befragen in direktem Dialog mit Joseph Beuys und der Sammlung Marx. Damit hebt Shilpa Gupta ein zentrales Thema des Hamburger Bahnhofs hervor: der künstlerische Austausch als Fundament seit der Museumsgründung. Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Quelle: visitberlin.de)

Berlin pulsiert – gestern wie heute. Seit mehr als hundert Jahren spiegelt die Presse den Rhythmus der Metropole: ihre Dynamik, ihre Widersprüche, ihren unstillbaren Hunger nach Geschichten und – mehr denn je – nach Bildern. Die Fotografie verändert dabei den Journalismus grundlegend. Mitten in dieses Wechselspiel von urbanem Leben, Fotografie und Berichterstattung führt die Ausstellung „Im Rhythmus der Großstadt – 100 Jahre Fotografie und Presse in Berlin“.Sie zeigt, wie Fotografien von den bewegten 1920er Jahren bis in die Gegenwart die Presselandschaft geprägt und die Wahrnehmung Berlins verändert haben – und wie stark sie den Takt der Nachrichten bestimmen. In den Hochzeiten des historischen Zeitungsviertels erscheinen bis zu 147 Tageszeitungen, einige davon sogar zweimal täglich. Handliche Kameras und verbesserte Druckverfahren revolutionieren die Arbeit der Redaktionen und markieren den Beginn des illustrierten Journalismus. Damit entsteht ein neuer Beruf: der der Pressefotograf:innen. Wer waren diese Menschen hinter der Kamera, und welche Verantwortung brachte das Fotografieren im Auftrag einer Redaktion mit sich? Die Ausstellung macht sichtbar, wie eng Bericht und Bild über ein Jahrhundert miteinander verflochten sind – vom Grundrecht auf freie Meinungsäußerung in der Weimarer Republik über Zensur und Propaganda im Nationalsozialismus bis hin zur geteilten Stadt mit den unterschiedlichen Presselandschaften Ost- und West-Berlins. Themen wie Politik, Sport, Stadtleben oder Kriminalität spiegeln dabei nicht nur journalistische Interessen, sondern auch die gesellschaftlichen Werte und Konflikte ihrer Zeit. Historische Aufnahmen aus dem bpk-Fotoarchiv, Zeitungen aus der Sammlung der Staatsbibliothek zu Berlin und aktuelle Arbeiten der Fotograf:innen der Agentur OSTKREUZ zeigen, wie sich die Bildsprache der Pressefotografie ständig wandelt und dennoch stets Ausdruck urbanen Lebens bleibt. (Quelle: visitberlin.de)

Die Fotogruppen „Fokus“ und „GroßeKlasse“ der Jugendkunstschule Neuruppin präsentieren ihre Ausstellung „Zeitsprünge“ zum Thema „Prinz Heinrich und Rheinsberg“. 17 Teilnehmer:innen zwischen 13 und 69 Jahren zeigen vielseitige fotografische Interpretationen und verbinden historische mit modernen Motiven.(Quelle: visitberlin.de)

Herbst ist die Zeit, in der sichtbar wird, was gewachsen ist. In einem open Cal wurden Berliner Künstler:Innen aufgerufen, sich mit ihren Arbeiten für eine Ausstellung im Kulturhaus zu bewerben. Und das haben sie getan! Freut euch auf Arbeiten die funkeln, locken, verführen, schenken, glänzen oder sich jedem Glanz verweigern; die sich verwandeln oder vergehen. Sinnlich, widersprüchlich, opulent oder leise. Falsche Schätze, Glücksbringer, Götzen und Geister. Lasst uns feiern! Nicht das Metall der Könige und Sieger. Nicht das Gold in Tresoren, Kronen oder Vitrinen. Sondern einen Reichtum, der zirkuliert, geteilt wird und sich der vollständigen Verwertung entzieht. Goldenes Herbstlicht, goldene Gemüter. (Quelle: visitberlin.de)

16 Jahre lang prägte Angela Merkel als Bundeskanzlerin die deutsche Politik. Nun hat der Maler Jérémie Queyras sie porträtiert. Verlängert bis zuim 3. Januar 2027 ist das Gemälde im Bode-Museum für die Öffentlichkeit zugänglich.Im ersten Stock des Bundeskanzleramtes sind alle bisherigen Bundeskanzler mit einem Gemälde verewigt. Bald wird auch Bundeskanzlerin a.D. Angela Merkel in diese Galerie aufgenommen. Der französisch-deutsch-kanadische Künstler Jérémie Queyras hat die Politikerin gemalt. Das 2026 vollendete Werk ist für kurze Zeit im Bode-Museum für die Allgemeinheit zugänglich, bevor es seinen künftigen Platz in der Kanzlergalerie des Bundeskanzleramts erhält. Die Präsentation bietet Gelegenheit, das Porträt im besonderen Kontext des Museums zu betrachten und seine künstlerische Gestaltung sowie seinen zeitgeschichtlichen Bezug zu reflektieren. Save the date:Am 4.10. um 14:00 Uhr ist Bundeskanzlerin a.D. Angela Merkel im Museum zu einer Signierstunde von Postkarten ihres Portraits. Angela Merkel signiert von 14 bis 15 Uhr direkt vor ihrem Porträt und in Anwesenheit des Künstlers Jérémie Queyras Kunstpostkarten mit dem Porträtmotiv. Es gilt der reguläre Museumseintritt. Für den Besuch der Signierstunde ist zusätzlich eine Anmeldung erforderlich. Die Anmeldung ist vorab online und an der Tageskasse möglich. Das Kontingent ist begrenzt und letzter Einlass zur Signierstunde ist um 14:40 Uhr. Die Räume 257 und 258 sind für Besucher*innen ohne Anmeldung für die Signierstunde zwischen 12:30 und 15:30 Uhr nicht zugänglich.(Quelle: visitberlin.de)

Ausgangspunkt des Seminars war die Auseinandersetzung mit dem Archiv der eigenen Familie – in Form von Fotoalben, chaotischen Nachlässen, einer erzählten oder auch einer verschwiegenen Familiengeschichte.Die Teilnehmer:innen zeigen sehr persönliche Annäherungen in Form von neuen Zusammenstellungen, Montagen, Kollagen oder neu Fotografiertem. Ihnen allen gemein ist die Frage, wie Herkunft die Identität des Einzelnen ebenso wie die kollektive Erinnerung prägt. Teilnehmende Künstler:innenLuan Afra Evans | Matthias Christen | Christiane Linsel | Jens Gyarmaty | Ralf Micus | Emma Liebs | Suzanne Reichenbach | Matthias Hamm | Celestine Hassenfratz | Florian Günzel Vernissage: Donnerstag, 01. Oktober, 19.00 UhrAusstellung: 02. Oktober - 13. November 2026 (Quelle: visitberlin.de)

Die Ausstellung des Ägyptischen Museums und Papyrussammlung widmet sich der Bedeutung von Tierkreiszeichen im ägyptischen Altertum. In mehrere Themenbereiche untergliedert, stellt sie den antiken Tierkreis aus aktueller wissenschaftlicher und gesellschaftlicher Perspektive vor. “Was ist dein Tierkreiszeichen?” Diese Frage wird auch heute, im Zeitalter der Wissenschaft, noch oft gestellt. Der Tierkreis fasziniert die Menschen seit der Antike. Er vereint Mensch und Kosmos, Himmel und Erde, Astronomie und Astrologie, Wissenschaft und Glaube, Tradition und Innovation, Sicherheit und Unsicherheit, Harmonie und Dissonanz. Aber was genau ist der Tierkreis? Ein Orakel, das Zeichen für die Zukunft erzeugt? Ein Spiegel, der Einblicke in die Psyche liefert? Eine Projektionsfläche für unser Streben nach Wissen und Sicherheit? Ein Koordinatensystem, das die Bewegung der Planeten berechenbar macht? Ein sichtbarer Ausdruck der himmlischen Harmonie? Oder all diese Dinge zugleich? Und woher kommt er, wie hat er sich über die Welt verbreitet, wofür wurde er benutzt, und wie wurde er dargestellt? Was ist die zeitgenössische Bedeutung des Tierkreises? In der öffentlichen Wahrnehmung wird der Tierkreis heute vor allem mit Horoskopen in Verbindung gebracht. Die Einführung des Tierkreises war ein Wendepunkt in der Astrologie. Zusammen mit dem Tierkreis entstand in Babylonien die Horoskopie als neue astrologische Praktik, die erstmals nicht nur Königen und Herrschern, sondern auch Privatpersonen aus diversen Schichten der Gesellschaft zugänglich war. Heute ist sie weltweit populär wie nie zuvor, obwohl sie als esoterische Praktik und Pseudowissenschaft eingestuft wird. Sie basiert auf dem Glauben, dass der Stand der Planeten zur Zeit der Geburt Hinweise über das Wesen und das Schicksal eines Menschen enthält. Dieser Glaube entstammt dem zeitlosen menschlichen Bedürfnis nach Sinngebung, Kenntnis über sich selbst und die Zukunft, Sicherheit und Methoden zur Bewältigung von Unsicherheit. Was könnte sinnvoller und attraktiver sein als die Erkenntnis, dass Wesen und Schicksal des Menschen mit dem Kosmos verknüpft sind? Die Aktualität des Tierkreises erstreckt sich auch auf wissenschaftliche und kulturelle Praktiken, die von zentraler Bedeutung für die moderne Gesellschaft sind. Menschen sind daran gewöhnt, über Computer und Apps permanenten Zugang zu Daten, Analysen, Berechnungen und Prognosen zu haben. Die Wurzeln von systematischer Beobachtung, Datensammlung, Datenanalyse, Algorithmen, Berechnung und Vorhersagung liegen im antiken Tierkreis und in den astronomischen Rechenverfahren, die im Zusammenhang mit dem Tierkreis in der Antike entwickelt wurden. Außerdem ist die Reise des Tierkreises und der damit verknüpften neuen astronomischen und astrologischen Kenntnisse und Praktiken durch die antike Welt ein Paradebeispiel für Innovation, Globalisierung, interkulturellen Austausch und Multikulturalität - zentrale und aktuell vieldiskutierte Gesellschaftsthemen. Die Ausstellung im Neuen Museum stellt in mehreren Themenbereichen den antiken Tierkreis aus aktueller wissenschaftlicher und gesellschaftlicher Perspektive vor. Anhand von antiken Artefakten aus Berliner Museen, darunter solchen, die noch nie ausgestellt wurden, führt sie die Besuchenden auf eine multikulturelle Reise durch Raum und Zeit, von Babylonien nach Ägypten, Griechenland und Rom (ca. 400 v. Chr. - 400 n. Chr.) und erklärt den Tierkreis vor dem Hintergrund seiner heutigen Bedeutung. Kuratorisches Team Die Ausstellung entstand in einer Kooperation zwischen dem Ägyptische Museum und Papyrussammlung, dem Vorderasiatischen Museum und dem Forschungsprojekt “ZODIAC - Ancient Astral Science in Transformation” (European Research Council / Freie Universität Berlin). (Quelle: visitberlin.de)

Mit dem Auftakt einer neuen Kabinett-Reihe in der Alten Nationalgalerie ist das Nationalmuseum Warschau zu Gast auf der Museumsinsel. Bereits 1876 eröffnete der preußische König feierlich die „National-Galerie“ an diesem Ort. Entgegen der Inschrift „Der deutschen Kunst“ auf dem Giebel war die Sammlung von Beginn an international ausgerichtet und entwickelte sich zu einer der bedeutendsten deutschen Sammlungen französischer Avantgarde. In der neuen Reihe „InterNationalgalerie“ lädt die Alte Nationalgalerie in den kommenden Jahren fortlaufend Nationalgalerien und -museen aus aller Welt ein. In wechselnden Präsentationen erhalten diese ein Schaufenster im Haus, um sich anhand aktueller Themen und Fragestellungen sowohl einem internationalen als auch dem Berliner Publikum vorzustellen. Den Auftakt bildet das Nationalmuseum in Warschau mit der Präsentation „Die Erfindung der Mythen“, die im 1. Ausstellungsgeschoss zu sehen ist. (Quelle: visitberlin.de)

Okegawa Nimai Dō - Diese vollständige Samurai-Rüstung stammt aus der Azuchi-Momoyama-Zeit (1573–1603), einer Epoche tiefgreifender politischer Umbrüche und militärischer Innovationen in Japan. Sie umfasst Helm, Gesichtsmaske, Schulter-, Arm-, Oberschenkel- und Beinschutz und zeigt die funktionale Eleganz, die die Rüstungen dieser Zeit auszeichnet. Besonders markant ist die rote Lackierung einzelner Rüstungsteile – ein charakteristisches Merkmal des Ii-Clans, dessen Krieger für ihre auffälligen roten Rüstungen bekannt waren. Das Wappen auf dem Helm verweist ebenfalls auf diesen einflussreichen Samurai-Clan, der über das Lehen Hikone herrschte. Das abnehmbare kusazuri sowie der goldene Kreis auf dem haidate, der als Symbol der Sonne interpretiert wird, verbinden praktische Konstruktion mit symbolischer Bedeutung. Die Rüstung wirkt bis in die Gegenwart nach: Sie ist als historisches Artefakt im Codex des Videospiels Assassin's Creed Shadows (2025) dokumentiert. Das Spiel führt in die konfliktreiche Sengoku-Zeit der 1580er-Jahre und verbindet historische Persönlichkeiten und Ereignisse mit einer modernen Erzählung. So wird diese Rüstung nicht nur als Zeugnis japanischer Handwerkskunst, sondern auch als Teil der globalen Popkultur erlebbar. (Quelle: visitberlin.de)

Zum 35. Jahrestag des deutsch-polnischen Nachbarschaftsvertrags bringt die Sonderausstellung „Ostgebiete / Ziemie Zachodnie“ renommierte Fotografinnen und Fotografen aus beiden Ländern in einen visuellen Dialog über Erinnerung, Identität und Transformation.Im Zentrum stehen deutsch-polnische Perspektiven auf einen gemeinsamen Erinnerungsraum in Polen. Für viele Deutsche sind die ehemaligen Ostgebiete des Deutschen Reiches mit Flucht und Vertreibung verbunden, mit der Erinnerung an den Verlust von Heimat und dem Fortleben dieser tiefgreifenden Erfahrungen in unzähligen Familiengeschichten. Sie sind Teil eines kollektiven Gedächtnisses, das Identitäten hierzulande bis heute prägt. Aus polnischer Sicht bedeuten die Ziemie Zachodnie – die Westgebiete nach 1945 – etwas Anderes: Zuziehende waren selbst oft aus dem Osten vertrieben worden und trugen die Erfahrung der deutschen Besatzung in sich. Es ging um Ankommen in der Fremde, einen schwierigen Neuanfang und eine von Deutschen geprägte Region, die erst langsam zur Heimat wurde. Die Perspektiven sind grundverschieden und doch untrennbar miteinander verflochten. Die künstlerischen Arbeiten von zehn Fotografinnen und Fotografen aus beiden Ländern zeigen, wie sich Spuren eines bis heute sichtbaren und spürbaren Prozesses, der durch Aneignung und Abschiednehmen gekennzeichnet ist, in Landschaften, Architekturen und familiären Erzählungen beiderseits der Oder eingeschrieben haben. Zu sehen sind Positionen von: Karolina Gembara, Annette Hauschild, Thomas Meyer, Katarzyna Mirczak, Filip Piotrowicz, Natalia Poniatowska, Linn Schröder, Ina Schoenenburg, Wojtek Sienkiewicz, Heinrich Völkel Laufzeit: 29.05.2026 bis 17.01.2027Künstlerische Kuratorin: Karolina GembaraProjektleitung: Barbara Kurowska, Arvid PeschelGestaltung: Naroska DesignIn Kooperation mit OSTKREUZ – Agentur der Fotografen(Quelle: visitberlin.de)

Noch lange nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs behaupteten viele Deutsche, nichts von den Massenmorden während der NS-Zeit gewusst zu haben. So wollten sie sich dem Vorwurf entziehen, für die Verbrechen mitverantwortlich zu sein. Bis heute beschäftigt viele Menschen die Frage, was die Deutschen tatsächlich wussten. Welche Informationen über den Holocaust waren im Deutschen Reich zugänglich? Was nahmen die Deutschen wahr, die nicht direkt an den Taten beteiligt waren und nicht selbst verfolgt wurden? Wie verbreiteten sich damals entsprechende Informationen und Gerüchte? Und was machten einzelne Menschen mit ihrem Wissen? Diesen Fragen geht die Ausstellung nach. Die Ausstellung besteht aus drei Teilen: „Propaganda“ beleuchtet, was das NS-Regime über die Verfolgung und Ermordung der Jüdinnen und Juden öffentlich bekannt gab. „Hinweise im Alltag“ rückt Gerüchte und inoffizielle Nachrichten über die Massenmorde in den Blick. „Vom Puzzleteil zum Bild“ zeigt, wie einzelne Personen Informationen zusammenfügten, um sich ein Gesamtbild zu verschaffen. (Quelle: visitberlin.de)

Eine neue Erweiterung der Dauerausstellung zeigt ab dem 12. Juni 2026 die Geschichte des Schlosses Schönhausen im Nationalsozialismus: Zwischen 1938 und 1940 lagerten in Schloss Schönhausen rund 3.750 Kunstwerke, die zuvor im Rahmen der Aktion „Entartete Kunst“ aus deutschen Museen beschlagnahmt worden waren. Von hier aus sollten sie „verwertet“ – das heißt, gegen Devisen ins Ausland – verkauft werden.Mit der Ausstellungserweiterung gibt Schloss Schönhausen Einblick in die Kunstpolitik des Nationalsozialismus und thematisiert seine Rolle als wichtiger Schauplatz der nationalsozialistischen Aktion „Entartete Kunst“. Damit wird die bestehende Dauerausstellung – von der Nutzung des Schlosses als Sommerresidenz der Königin Elisabeth Christine bis zum Gästehaus der DDR-Regierung – ergänzt und eine Lücke in der Darstellung der Geschichte des Ortes geschlossen werden. Die Ausstellung wird im Frühjahr 2026 im Rahmen des SPSG-Themenjahres „Kunst | Politik“ eröffnet. Die Aktion „Entartete Kunst“ in Schloss Schönhausen: In fünf Räumen können Besucher:innen das Geschehen im Schloss erkunden. Sie lernen ausgewählte Akteur:innen der „Verwertung“ kennen und erfahren, wie der Verkauf organisiert und umgesetzt wurde. Sie bekommen Einblick in die Biographien, die Motivation und die Handlungsspielräume der beteiligten Personen, der Mitarbeiter:innen der Verwaltung, der Händler, die die Kunstverkäufe vermittelten, der Sammler:innen, die die im Schloss gelagerten Kunstwerke kauften. Ein Raum ist den betroffenen Künstler:innen gewidmet. Dort werden exemplarisch die Schicksale einiger Künstler:innen vorgestellt und ihre unterschiedlichen Erfahrungen mit Tagebüchern und Briefen zugänglich gemacht. Ausgewählte Original-Kunstwerke und die Schilderung ihrer Wege nach der Beschlagnahmung veranschaulichen die Facetten der Kunstpolitik des Nationalsozialismus und ihrer Folgen. Kuratiert von Dr. Ulrike Schmiegelt-RietigEine Dauerausstellung der Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg (SPSG)Die Ausstellungserweiterung wurde gefördert mit Mitteln der LOTTO-Stiftung Berlin.(Quelle: visitberlin.de)

Seit 25 Jahren bewahrt, erforscht und vermittelt das Museum Pankow die Geschichte(n) eines Bezirks, der so vielfältig ist wie seine Ortsteile. Die Jubiläumsausstellung lädt Sie dazu ein, auf Entdeckungsreise zu gehen – zu Projekten, Erinnerungen und Kooperationen, welche die regionale Geschichtsarbeit lebendig machen. Wie wirken sich historische Zäsuren auf regionaler Ebene aus? Welche Persönlichkeiten prägen einen Bezirk? Welche Geschichten bleiben – und warum? Anhand ausgewählter Projekte eröffnet die Ausstellung Einblicke in die Arbeit des Museum Pankow: von Ausstellungen über Gedenkinitiativen bis hin zu Vermittlungsformaten. Jedes Projekt steht für eine eigene Geschichte vor Ort – und für die Menschen, die sie recherchiert und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht haben. Die Ausstellung ist gemeinschaftlich von allen Arbeitsbereichen des Museums entwickelt worden und spiegelt die ganze Bandbreite seiner Tätigkeit wider. Neben ausgewählten Ausstellungs-, Gedenk- und Vermittlungsprojekten werden eine Vielzahl von Objekten, Archivdokumenten, Plakaten, Flyern und Fotografien präsentiert. Ergänzende Register laden dazu ein, weitere Vorhaben aus 25 Jahren zu entdecken – und vielleicht ganz persönliche Bezüge herzustellen. (Quelle: visitberlin.de)

Vielleicht ist der graublaue Pontiac in der Garage neu. Vielleicht wurde lange auf ihn gespart oder eigens ein Kredit aufgenommen. Vielleicht war der Vater ein paar Tage auf Dienstreise, ist erst am Abend zuvor wiedergekommen. Oder vielleicht sollte einfach nur das Familienbild für die jährliche Weihnachtskarte aufgenommen werden. Wir kennen den Hintergrund des Bildes nicht, was wir aber wissen, ist: Es zeigt eine vierköpfige Familie, die – zumindest deutet das Nummernschild des Autos darauf hin – in Texas zusammengekommen ist, um sich fotografieren zu lassen. Nur schaut außer einem rothaarigen Jungen niemand in die Kamera, alle machen ihr eigenes Ding. Es ist ein Foto, an dem man hängen bleibt. Wer es geschossen hat, ist unbekannt. Und genau darum geht es in No Place Like Home präsentiert von The Anonymous Project, initiiert von Lee Shulman, zu sehen im Fotografiska Berlin vom 20. Juni bis zum 1. November 2026. Shulman, der in Paris lebt und arbeitet, hat mit The Anonymous Project rund eine Million herrenloser Dias zusammengetragen und daraus eines der weltweit größten Privatarchive analoger Amateurfotografie erschaffen. Was ihn umtreibt, ist keine Sammelleidenschaft im klassischen Sinne, sondern eher etwas, das einer Rettungsmission gleicht: die Überzeugung, dass in diesen unscheinbaren Bildern etwas steckt, das zu wertvoll ist, um langsam zu verschwinden. Mit The Anonymous Project zeigt er Motive, die nicht für die Öffentlichkeit gedacht waren und gerade deshalb eine Ehrlichkeit besitzen, die inszenierte Fotografie selten erreicht. Indem Shulman Namen, Daten und Orte tilgt, entzieht er ihnen ihre Privatheit – und formt aus ihnen gleichzeitig ganz neue, allgemeingültige Erzählungen. Denn auch, wenn sie nicht den Alltag derer abbilden, die sie heute betrachten: Irgendwie tun sie es doch. „Das Schöne an diesem Projekt ist, dass die Menschen das Gefühl haben, die Bilder gehören ihnen. Das könnte ihr Mann gewesen sein, ihre Frau, ihre Großeltern, ihre Kindheit. Sie eignen sich die Fotografien an. Ich habe dieses Projekt in Ländern gezeigt, wo die Kultur eine völlig andere ist – in Korea zum Beispiel. Und auch dort kamen Ausstellungsbesucher*innen auf mich zu und sagten: Das erinnert mich an etwas aus meinem eigenen Leben! Ich habe noch nie erlebt, dass die Fotos jemandem fremd waren. Wir alle kennen die Momente auf diesen Bildern.“ – Lee Shulman Für No Place Like Home hat er rund 12.000 dieser Aufnahmen ausgewählt und sie zu einer raumgreifenden Installation verdichtet, die tatsächlich ein Zuhause, also ein Wohnhaus, in Erinnerung ruft. Zu den Highlights die sogenannten Totems: turmhohe, hinterglasbeleuchtete Strukturen aus vielen, vielen Bildern, die den vollständig verdunkelten Raum in ein warmes Licht tauchen. Genaues Hinsehen lohnt, denn immer wieder bleibt man an etwas hängen. Einer Lichtsituation. Einem Blick. Oder vielleicht an folgendem Gedanken: Die ursprünglichen Besitzer*innen dieses Fotos wollten Augenblicke festhalten. Shulman rettet diese Augenblicke, aber nicht für diejenigen, denen sie einmal gehörten. Sondern für alle anderen. Für uns. ÜBER DEN KÜNSTLER Der mehrfach ausgezeichnete Filmregisseur und Künstler Lee Shulman (geboren 1973 in London, Großbritannien – lebt in Paris, Frankreich) gründete 2017 The Anonymous Project, kurz nachdem er online seine erste Kiste mit anonymen Kodachrome-Dias erworben hatte. Durch kuratorische Auswahl und fotografische Transformation erweckt Shulman diese persönlichen Aufnahmen zu neuem Leben und verwebt sie zu eindrucksvollen Erzählungen über Erinnerung, Familie, Liebe und kulturelle Veränderungen über Generationen hinweg. Zudem initiierte er zahlreiche hybride Werke, um den Dialog des Projekts zu erweitern. In seiner Zusammenarbeit mit Omar Victor Diop etwa integrierte er den senegalesischen Fotografen in Familienfotografien und schaffte so neue Erzählungen für eine Zeit, die in den USA von rassistischer Segregation geprägt war. Shulman veröffentlichte mehrere Bücher: 2024 drehte er den vielbeachteten Dokumentarfilm I Am Martin Parr über den gleichnamigen britischen Fotografen. Diese Ausstellung wurde von Claire Ducresson-Boët (Exhibitions Manager bei Fotografiska Berlin), in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler kuratiert. Bilder mit freundlicher Genehmigung der Galerie Clémentine de la Féronnière. (Quelle: visitberlin.de)

„[ materialistin ]. Matter of Care, Care of Matter“ präsentiert Skulpturen und raumspezifische Installationen von [ materialistin ], einer Gruppe von acht Bildhauerinnen aus Leipzig. Die Ausstellung mit Laura Eckert, Enne Haehnle, Elisabeth Howey, Lucy König, Agnes Lammert, Wibke Rahn, Theresa Rothe und Sophie Uchman betont die Bedeutung künstlerischer Gemeinschaft und Formen der Zusammenarbeit. Die Künstlerinnen arbeiten mit Stahl, Stein, Gips und Beton, pflanzlichen Fasern, Textilien, Fundstücken, Licht und Schrift und zeigen die Vielfältigkeit zeitgenössischer Bildhauerei in Leipzig.[ materialistin ] ist eine Gruppe von acht Künstlerinnen aus Leipzig, die seit 2019 im erweiterten Feld der Skulptur arbeiten. Anlässlich des 30jährigen Jubiläums des Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart widmet sich die Gruppenausstellung Formen künstlerischer Gemeinschaft und Zusammenarbeit. Die Gruppe agiert solidarisch und ist nicht hierarchisch organisiert. Ihre Heterogenität speist sich aus den Erfahrungshorizonten, die die Künstlerinnen aus ihren Herkunftsregionen in Nord-, Süd-, West- und Ostdeutschland sowie durch ihre akademischen Prägungen mitbringen. Darüber hinaus spielt auch die altersübergreifende Struktur eine Rolle, der Gruppe gehören sowohl digital wie auch material natives an. Die Künstlerinnen führen an verschiedenen Terminen durch die Ausstellung: Theresa Rothe am Sonntag, 11. Oktober 2026 (12 Uhr Deutsch und 13 Uhr Englisch); Agnes Lammert und Laura Eckert am Sonntag, 8. November 2026 (12 Uhr Deutsch und 13 Uhr Englisch); Laura Eckert und Enne Haehnle am Sonntag, 24. Januar 2027 (12 Uhr Deutsch und 13 Uhr Englisch); Enne Haehnle und Agnes Lammert am Sonntag, 14. Februar 2027 (12 Uhr Deutsch und 13 Uhr Englisch). Alle Führungen kostenfrei mit Ausstellungsticket. Treffpunkt im Foyer des Museums, keine Anmeldung erforderlich. Die Ausstellung wird kuratiert von Sam Bardaouil, Direktor Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. Die Ausstellung wird unterstützt von den Hamburger Bahnhof International Companions e.V.(Quelle: visitberlin.de)

Die Alte Nationalgalerie widmet sich in der Ausstellung "Skandal! Hermione von Preuschen und der 'Mors Imperator'" der Malerin, Schriftstellerin und Weltreisenden Hermione von Preuschen. Im Mittelpunkt steht ihr 1887 entstandenes Gemälde „Mors Imperator“, dessen Zurückweisung durch die Berliner Akademie der Künste sie schlagartig bekannt machte."Das Genie [ist] so frei, sich nicht ans Geschlecht zu kehren, es fliegt in die Seelen wem und wie es will". Diese Worte äußerte die Malerin, Dichterin und Weltreisende Hermione von Preuschen auf dem "Internationen Frauenkongress" in Berlin 1896, auf dem sie sich mit ihrer Rede "Über das künstlerische Studium der Frau" für die Emanzipation der Frauen einsetzte, denen damals die Ausbildung an den Akademien verwehrt war. Die 1854 in Darmstadt geborene Künstlerin hatte ab 1872 für drei Jahre Malunterricht bei Ferdinand Keller in Karlsruhe genommen, unter dessen Einfluss sie ihren dekorativen, pathetischen Stil entwickelte und das "historische Stillleben" für sich entdeckte. 1887 schuf sie ihr bemerkenswertes Gemälde "Mors Imperator", mit dem sie eine Reihe großformatiger symbolistischer Kompositionen eröffnete. Im Zentrum des Gemäldes steht ein Skelett als Herrscherfigur im Purpurmantel mit Hermelinpelz. Mit der rechten Hand auf ein Schwert gestützt, stößt es mit der linken in einer autoritären Geste den prächtigen Thron um. Die Gestalt trägt auf dem Schädel eine eiserne Zackenkrone, während eine mit Edelsteinen besetzte Krone zu Boden fällt. Der rechte Fuß steht auf einer Erdkugel – der Tod erscheint hier als triumphierender Herrscher über die Welt. Von Preuschen sandte das Werk 1887 nach Berlin zur Akademieausstellung. Deren Jury lehnte das Bild jedoch ab, weil sie in der Darstellung eine Anspielung auf den 90-jährigen Kaiser Wilhelm I. sah. Auch nachdem es der Malerin gelungen war, die Erklärung des Kaisers zu erwirken, keinen Einwand zu erheben, verweigerte die Akademiejury weiterhin die Annahme des Gemäldes. Inzwischen war auch die künstlerische Ausführung kritisiert worden, die man zuvor noch gelobt hatte: »Der unkünstlerische Ausdruck eines schiefen Gedankens.« Der weitere Verlauf offenbart von Preuschens hervorragendes Verständnis für die Mechanismen des Kunstbetriebs und die Macht öffentlicher Aufmerksamkeit sowie ihr ausgeprägtes Selbstbewusstsein in einer Zeit, in der Künstlerinnen erheblichen Widerständen begegneten. Als taktischen Gegenzug mietete sie in Berlin Räume in der Leipziger Straße 43, um das umstrittene Gemälde, dessen Zurückweisung bereits in der Presse diskutiert wurde, gegen Eintritt öffentlich zu zeigen. Der Erfolg war überwältigend. Zahlreiche Besucher strömten herbei, Zeitungen berichteten ausführlich, und nicht wenige Kritiker stellten die Entscheidung der Jury offen in Frage. Die damals 33-jährige Malerin konnte ihren Triumph feiern: Der Skandal um »Mors Imperator« wurde zum Stadtgespräch und machte sie schlagartig berühmt. Neben dem Gemälde werden Publikationen, Briefe und Fotos präsentiert, die sowohl den Skandal um von Preuschens wohl bekanntestes Bild als auch ihr Wirken als Schriftstellerin, Weltreisende und Bauherrin des „Tempio Hermione“ in Lichtenrade, einem Vorort Berlins, dokumentieren. Kuratorin: Birgit Verwiebe. (Quelle: visitberlin.de)

Wie schaffte es Karl Marx gleich zweimal auf ein Neuköllner Straßenschild? Warum befindet sich das erste Frauenviertel Deutschlands ausgerechnet in Neukölln? Und wer sind eigentlich Mining und Lining? Neue Ausstellung: Um|Benennen – Neukölln und seine Straßennamen Die neue Ausstellung beschäftigt sich mit den Straßen Neuköllns. Sie gibt Einblick in die gesellschaftspolitischen und historischen Hintergründe, die zur Benennung bzw. Umbenennung von Straßen in Neukölln führten. Neben historischen Kapiteln befasst sie sich auch mit aktuellen Fragestellungen zu den Namen von Straßen und Plätzen und auf Forderungen aus der Zivilgesellschaft nach Straßenumbenennungen. (Quelle: visitberlin.de)

Wie Menschen erinnern und vergessen, ist im Wandel begriffen. Das Gedächtnis ist zu einem umkämpften Terrain geworden, das von reaktionären Bewegungen, kapitalistischen Konzernen und geopolitischen Interessen vereinnahmt wird. Digitale Technologien beschleunigen diese Entwicklungen durch die Verbreitung von Desinformation, Datenextraktion und die algorithmische Verengung von Perspektiven – und eröffnen zugleich neue Wege für widerständige Erinnerung. Die internationale Gruppenausstellung "After Memory" widmet sich diesem subversiven Potential und reflektiert, wie Menschen in Zukunft erinnern und vergessen werden. Die Ausstellung versammelt Werke von Noor Abuarafeh, Heba Y. Amin, Maria Thereza Alves, Aram Bartholl, Taysir Batniji, Giselle Beiguelman, Zach Blas, Karolina Grzywnowicz, Ana Hupe, Eduardo Kac, Aline Motta, Rabih Mroué, Vanessa Amoah Opoku und Federico Protto. Das Projekt wird kuratiert von Lisa Deml, Nathalia Lavigne und Víctor Fancelli Capdevila. (Quelle: visitberlin.de)

1806 hatte Preußen bei Jena und Auerstedt den Krieg gegen Frankreich, gegen das „Ungeheuer“ Napoleon, verloren. Die königliche Familie floh daraufhin nach Ostpreußen und begab sich in den Schutz Russlands, ebenso ein Rest der preußischen Armee. Die nachsetzenden französischen Truppen zwangen die russischen und preußischen, Frieden zu suchen. Die Gespräche fanden im Sommer 1807 in Tisilt auf einem Floß auf der Memel zwischen Napoleon und dem russischen Zaren Alexander statt. König Friedrich Wilhelm III. von Preußen durfte daran nicht teilnehmen. Es wurde über Preußen gesprochen, aber nicht mit Preußen. Königin Luise wurde deshalb vom preußischen Staatsminister Hardenberg und ihrem Mann zu Napoleon geschickt, um milde Friedensbedingungen zu erbitten. Das Zusammentreffen von Kaiser und Königin war politisch bedeutungslos. Napoleon gestand nichts zu. Luise sei lediglich „Hardenbergs Papagei“, soll er nach dem Treffen gesagt haben. Die preußische Geschichtsschreibung aber hat in der Folge aus dem Treffen eine herzwärmende Heldengeschichte dieses „stolzen Opfergangs“ der Königin verfasst, um die ganze Vergeblichkeit vergessen zu machen. Die kleine Präsentation in drei Räumen des Schlosses betrachtet diesen Tiefpunkt der preußischen Geschichte anhand weniger Objekte ohne alle Sentimentalitäten. (Quelle: visitberlin.de)